Eine kurze Geschichte der Landschaftsmalerei: Fokus auf berühmte Landschaftsgemälde

So wie sich die Landschaft unserer Welt völlig verändert hat, so hat sich auch die Landschaftskunst im Laufe der Jahrhunderte dramatisch gewandelt. Von einem nicht anerkannten Genre bis hin zum Hauptmotiv einiger der bekanntesten Gemälde der Welt ist die Landschaftsmalerei viel mehr als nur ein hübsches Bild. Begeben Sie sich mit Artsper auf eine Zeitreise und entdecken Sie die wichtigsten Punkte in der Geschichte der Landschaftsmalerei.

Chinesische Landschaftskunst: eine östliche Tradition

Lange bevor sich die Landschaftskunst im Westen zu einem eigenständigen Genre entwickelte, war die Landschaftskunst in China jedoch schon sehr weit verbreitet. Die am weitesten verbreitete Kunstform für Landschaftsdarstellungen war das aus dem 6. Jahrhundert stammende Shan Shui, das auch heute noch beliebt ist. Diese Form der Landschaftsmalerei wird nicht mit traditionellen Farben, sondern mit Tusche und Pinsel ausgeführt. Man geht davon aus, dass Shan Shui von der philosophischen Tradition des Taoismus inspiriert ist. Kurz gesagt handelt es sich um die Vorstellung, dass Menschen und Tiere im Gleichgewicht mit der natürlichen Welt leben müssen, mit anderen Worten: Yin und Yang. Dies wird häufig durch den Kontrast zwischen riesigen, festen Bergen, die in der chinesischen Kultur seit langem als heilig gelten, und weichem, fließendem Wasser wie Flüssen oder Wasserfällen dargestellt.

Laut Ch’eng Hsi ist die Shan-Shui-Malerei „kein offenes Fenster für das Auge des Betrachters, sondern ein Objekt für den Geist des Betrachters„. Darüber hinaus sind Aspekte der Landschaftsmalerei wie die Farbe oder die Ähnlichkeit des Motivs unbedeutend, doch die spirituellen Anforderungen an ein Werk, das als Shan Shui gilt, sind umfangreich. Sie beruhen jedoch in erster Linie auf 3 wesentlichen Elementen: dem Weg, der Schwelle und dem Herzen. Erstens können die Shan-Shui-Pfade niemals gerade sein, sondern sind Pfade, die man in der Natur sieht, wie z. B. Flüsse oder der Weg der Sonne über den Himmel. Darüber hinaus muss dieser Weg zu einer Schwelle führen, die Sie willkommen heißt, zum Beispiel ein Berg. Schließlich das Herz, das der Mittelpunkt des Bildes ist, zu dem die anderen Elemente führen müssen.

Die Landschaftsmalerei der Renaissance: ein Schauplatz für Erzählungen

Im Westen war die Kunst der Renaissance noch darauf ausgerichtet, Geschichten zu biblischen, mythologischen und historischen Themen zu erzählen. Daher gibt es aus dieser Zeit nur wenige Beispiele, in denen allein die Landschaft in der Kunst gefeiert wird. Es ist jedoch wichtig zu wissen, dass diese Geschichten oft vor einem natürlichen Hintergrund erzählt wurden. Darüber hinaus hatten die mathematischen Fortschritte in der Maltechnik, die in der Renaissancezeit gemacht wurden, einen tiefgreifenden Einfluss auf die Landschaftsmalerei. Sie führten zu einem tieferen Verständnis von Perspektive und Proportion und revolutionierten die Art und Weise, wie Landschaften dargestellt wurden. 

Tatsächlich wurde die Landschaftsmalerei erst im 16. Jahrhundert offiziell als eigenständige Gattung anerkannt. Jahrhundert offiziell als eigenständige Gattung anerkannt. Sie gesellte sich zur Historienmalerei, zum Porträt, zum Genrebild und zum Stillleben. Trotzdem wurde ihr nur eine geringe Bedeutung beigemessen. 

In Joachim Patiniers Landschaft mit Charon, der den Styx überquert, zeigt sich zwar eine durch die Reisen des Künstlers geförderte Wertschätzung der Natur. Das Hauptthema bleibt jedoch die klassische mythische Tradition von Charon und der Unterwelt.

Die gegensätzlichen Dimensionen der romantischen Landschaftsmalerei: Das Pastorale, das Malerische und das Erhabene

Die Landschaftsmalerei erlangte schließlich im späten 18. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Romantik an Bedeutung, wobei sie oft weiterhin eine religiöse Bedeutung hatte. Darüber hinaus wurde sie zu einer Methode der Selbstdarstellung, bei der die Emotionen des Malers und seine Wertschätzung der Natur im Bild zum Ausdruck kommen. Aufgrund des persönlichen und selbstreflexiven Charakters der romantischen Kunst ist es schwierig, sie eindeutig zu charakterisieren. Man geht jedoch davon aus, dass es drei allgemeine Kategorien romantischer Landschaftsmalerei gibt: das Pittoreske, das Pastorale und das Erhabene. Alle drei Stile der Landschaftsmalerei spiegeln eine Reaktion auf die rasche Urbanisierung im Zeitalter der Aufklärung und der industriellen Revolution wider.

Das Malerische

Malerische Gemälde zeigen die Schönheit und Wildheit natürlicher Landschaften, die von menschlichen Eingriffen und Verstädterung unberührt sind. Diese Art der Landschaftsmalerei entstand, als die Menschen begannen, landschaftliche Orte zu schätzen, weil sie befürchteten, dass sie mit der Zeit verschwinden würden. 

Pastoralgemälde zelebrieren in erster Linie die Zähmung der Natur durch den Menschen, d. h. unsere Herrschaft über die natürliche Welt. In John Constables Flatford Mill wird dies anhand des Flusses, der Holzwerkzeuge und des Pferdes perfekt veranschaulicht. Außerdem wird durch die sanfte Farbgebung des Künstlers eine zufriedene, friedliche Atmosphäre geschaffen.

Das Sublime

Im Gegensatz dazu versucht das Erhabene, die unglaubliche, göttliche Kraft der Natur zu einem ganz anderen Zweck darzustellen. In der erhabenen romantischen Landschaftskunst geht es in erster Linie darum, mit der schieren Kraft der Natur zu erschrecken. Sie warnt vor denjenigen, die sich gegen die Natur stellen, wie z. B. die Industriellen, und impliziert, dass in der Natur der Zorn Gottes liegt. An Avalanche in the Alps von Philip James De Loutherbourg demonstriert dies perfekt durch den Kontrast zwischen der riesigen, zerklüfteten Felswand und den winzigen Figuren, die sich vor der tödlichen Bedrohung durch die Lawine ducken.

Impressionistische Landschaftsmalerei: in der freien Natur

Im späten 19. Jahrhundert entstand die frühe moderne Landschaftsmalerei, die mit dem Impressionismus begann. Durch die Erfindung transportabler Öltuben waren die Künstler nicht mehr an ein Atelier gebunden. Infolgedessen wurde die Landschaftsmalerei en plein air populär und ermöglichte es den Künstlern, in jedem Moment der Inspiration zu malen. 

Impressionistische Landschaftsbilder konzentrieren sich nicht darauf, jedes Detail der Landschaft einzufangen. Vielmehr geht es darum, die Energie einzufangen und Schlüsselelemente wie Licht, Farben und Schatten darzustellen. Die Inspiration kommt nicht von der Szene selbst, sondern von dem ersten Eindruck, den sie auf den Künstler macht. Eines der berühmtesten Gemälde des Impressionismus, von dem sich der Begriff Impression ableitet, ist Claude Monets Impression soleil levant. Das Gemälde ist zwar nicht explizit detailliert, aber es fängt die Energie eines Sonnenaufgangs perfekt ein, indem es mit Farben die Veränderungen des Lichts und der Stimmung darstellt.

Ein urbaner Ansatz in der Landschaftsmalerei: die Stadtlandschaft des späten 20. Jahrhundert

In der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts kam es zu einer Verschiebung hin zu mehr Konzept- und abstrakter Kunst. Erst im Zuge der Wiederbelebung der figurativen Kunst Ende des 20. Jahrhunderts kehrte die Landschaftskunst zurück. Die malerischen Landschaften verschwanden, und an ihre Stelle trat die moderne „Stadtlandschaft“. Stadtlandschaften stellten häufig die Urbanisierung dar und brachten die Energie einer Stadt zum Ausdruck.

So zeigt Richard Estes in seinem Gemälde Sunday Afternoon in the Park (Sonntagnachmittag im Park) eine Gruppe von Sonnenanbetern im New Yorker Central Park mit der Skyline der Stadt im Hintergrund. Das Landschaftsgemälde, das aus 17 verschiedenen Fotografien erstellt wurde, zielt einfach darauf ab, eine hyperrealistische Ähnlichkeit mit der Szene herzustellen. Das Gemälde, das kaum von einer Fotografie zu unterscheiden ist, fängt die Energie der Stadt wahrhaftig und mit reiner Ehrlichkeit ein.

Interpretationen von heute: Landschaftskunst im 21. Jahrhundert

In der zeitgenössischen Kunstszene erfreut sich die Landschaftsmalerei nach wie vor großer Beliebtheit, wobei sie eine sehr viel freiere Definition erhalten hat. Oftmals lassen sich die Künstler von den verschiedenen vorangegangenen Bewegungen inspirieren. Sie genießen aber auch die künstlerische Freiheit der Originalität, die zu unglaublichen Ergebnissen führt.

In seinem Landschaftsgemälde Cueillir des fruits beispielsweise feiert der Künstler Edivaldo Barbosa sowohl die Natur als auch das alltägliche Leben in seinem überwältigenden, farbenfrohen Werk. Darüber hinaus unterstreicht seine reiche, leuchtende Verwendung von Farben die exotische Fülle und das geschäftige Leben in der Landschaft. Auch das durch die Bäume gestreute Licht verleiht dem Werk eine göttliche Qualität. 

Der Fotograf Dariusz Klimczak schlägt mit Big Fish eine ganz andere Richtung der Landschaftskunst ein. Er lässt sich von der surrealen Landschaftskunst von Meistern wie Dali und Magritte inspirieren. Klimczaks charmante Kreation, die auf dem Konzept eines Fisches außerhalb des Wassers basiert, überrascht, amüsiert und regt gleichzeitig zum Nachdenken an.

Ob in Form eines chinesischen Shan Shui oder einer modernen hyperrealistischen Stadtlandschaft, die Landschaftskunst ist ein faszinierendes und wichtiges Genre der internationalen Kunstwelt geblieben. Artsper ist gespannt, wie sich die Darstellung von Landschaften in der Zukunft entwickeln wird!