25 zeitgenössische Kunstwerke die Sie sehen müssen

Zeitgenössische Kunst ist eine Periode, die im Allgemeinen von der Nachkriegszeit bis zur Gegenwart reicht. Sie umfasst zahlreiche verschiedene Stile, Genres und künstlerische Ansätze und ist daher schwer zu erfassen. Genau hier kommt Artsper ins Spiel! Heute stellen wir Ihnen 25 wichtige zeitgenössische Kunstwerke vor, die Sie kennen müssen, um diese Kunstepoche vollständig zu verstehen!

1. Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Eines der berühmtesten zeitgenössischen Kunstwerke der Welt sind Andy Warhol’s ‚Campbell’s Soup Cans‘. Als Symbol der Pop-Art-Bewegung veranschaulicht das Werk die Konsumkultur und die Massenmedien in der amerikanischen Gesellschaft. Darüber hinaus ist Warhols charakteristischer Stil in seinem Werk zu erkennen. Durch die Wiederholung des dargestellten Objekts reflektiert der Künstler seine Kritik an der Konsumgesellschaft und ihrem endlosen Kreislauf von Produktion und Konsum.

2. Louise Bourgeois, Maman, 1990

Maman ist ein ikonisches skulpturales Kunstwerk von Louise Bourgeois, das 30 Meter hoch ist und die Form einer Spinne darstellt. Es gibt verschiedene Versionen des Werks, für die unterschiedliche Materialien verwendet wurden. Es wurde für eine Ausstellung in der Tate Modern geschaffen und ist eine Hommage an Bourgeois‚ Mutter, die plötzlich starb, als die Künstlerin gerade einmal 21 Jahre alt war.

3. Jackson Pollock, Autumn Rhythm, 1950

Autumn Rhythm, das während des Höhepunkts von Jackson Pollock’s Karriere entstand, ist ein perfektes Beispiel für die Drip-Painting-Technik. Diese Technik, die spezifisch für Pollock ist, machte ihn aufgrund ihrer Originalität berühmt. Um seine Werke zu erschaffen, stand Pollock auf seiner Leinwand und ließ verdünnte Farbe auf die Leinwand tropfen, wobei er sie natürlich fallen ließ. Er tropfte, spritzte, kratzte und schüttete Farbe auf seine Leinwand. Für den Künstler waren die Bewegung und die Farben selbst der Antrieb für seine Kunst. Diese einzigartige Malweise gilt als das Markenzeichen des Künstlers.

4. Njideka Akunyili Crosby, I Still Face You, 2015

Njideka Akunyili Crosby ist eine junge und dynamische Künstlerin, die ihre doppelte kulturelle Erfahrung in ihren lebhaften zeitgenössischen Kunstwerken vereint. Nachdem sie ihre prägenden Jahre in Nigeria verbracht hatte, zog sie im Alter von 16 Jahren nach Amerika und lebt und arbeitet heute in Los Angeles. Ihre sehr persönlichen Werke vereinen ihre reichen kulturellen Einflüsse mit „traditionelleren“ Acetonbildern, die sich über komplexe Kulissen legen, die oft aus Elementen der nigerianischen Volkskultur zusammengesetzt sind.

5. Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

Das in Formaldehyd konservierte Werk The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living von Damien Hirst ist bis heute eines der umstrittensten zeitgenössischen Kunstwerke der Geschichte. Das ursprüngliche Werk wurde 1991 von dem Sammler Charles Saatchi in Auftrag gegeben, aber der Hai musste 2004 ersetzt werden, als das Werk verkauft wurde. Aufgrund der Art des Werks fragen sich viele, ob das Werk als Kunst angesehen werden sollte.

6. Cecily Brown, The Girl Who Had Everything, 1998

Die britische Künstlerin Cecily Brown ist für ihre luxuriösen und extrem strukturierten zeitgenössischen Kunstwerke bekannt. Ihre Kunst ist eine Mischung aus der Kunst der Barockmeister und des abstrakten Expressionismus. Sie mischt Farbe und Textur mit sexuell anmutenden Figuren und biomorphen Formen, die sich von den abstrakten Wirbeln, die ihre Bilder dominieren, abheben. Indem sie Formen nur andeutet, anstatt eine konkrete Darstellung zu bieten, zwingt die Künstlerin den Betrachter, die Gemälde eingehend zu studieren, wodurch die erotischen Bilder in den zum Vorschein kommen.

7. Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965

Die japanische Künstlerin Yayoi Kusama wurde als eine der exzentrischsten Künstlerinnen unserer Zeit bezeichnet. In ihren psychedelischen und halluzinatorischen Werken spielt sie mit Motiven und Wiederholungen mit dem Konzept der Unendlichkeit. Infinity Mirror Room ist eine immersive Installation, die den Betrachter/Teilnehmer in ein überwältigendes Gefühl der Unendlichkeit eintauchen lässt. Kusama beschreibt ihr Leben als „eine verlorene Erbse unter Tausenden von anderen Erbsen“, wir finden Ihre Kunst aber keineswegs verloren.

8. Keith Haring, Untitled, 1982

Dieses Gemälde bestehend aus dynamischen Figuren und einer einfachen Komposition ist die perfekte Zusammenfassung des Pop-Art-Stils von Keith Haring . Keith Haring begann seine Karriere als Graffitikünstler mit seinen sofort erkennbaren Figuren und Mustern in der New Yorker U-Bahn. Eines seiner am häufigsten dargestellten Symbole ist das Herz. In einer Zeit die mit Stigma und Tabu belegt war, nutze Haring seine Arbeit, um wichtige Botschaften zu Sexualität und AIDS zu verbreiten.

9. Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1981

Dieses lebendige und dynamische Kunstwerk, das Jean-Michel Basquiat im Alter von nur 20 Jahren malte, gilt unter Kunstkritikern als eine Art Rätsel. Diese komplexe Komposition, die wegen der Form des Gesichts manchmal auch „Totenkopf“ genannt wird, wirft sicherlich mehr Fragen auf, als sie Antworten gibt. Stellt es einen Schädel oder ein halb geformtes Gesicht dar? Stellt das Gemälde das Leben oder den Tod dar? Manche fragen sich sogar, ob es sich nicht um eine Art Selbstporträt des Künstlers handelt.

10. Jenny Saville, Propped, 1992

Das Gemälde, das die Karriere von Jenny Saville begründete, ist ein eindrucksvolles Selbstporträt. Saville machte sich einen Namen mit ihren großformatigen Porträts (oft Selbstporträts), auf denen sie Frauen darstellt, die nicht den gesellschaftlichen Schönheitsnormen entsprechen, sondern die große Vielfalt der Schönheit von Frauen widerspiegeln. Ihr unverwechselbarer Umgang mit der Ölmalerei und ihre warmen Hauttöne erinnern an Lucian Freud und Francis Bacon.

11. Banksy, Girl with Balloon, 2002

Dieser ikonische Straßenkünstler tauchte zum ersten Mal auf der Waterloo Bridge in London auf, welche aber seitdem mehrmals überstrichen wurde. Das Werk wurde zur Unterstützung verschiedener politischer Kampagnen, insbesondere der syrischen Flüchtlingskrise im Jahr 2014, mehrfach wiederholt. Im Jahr 2018 wurde eine gerahmte Kopie des Werks während einer Auktion bei Sotheby’s spontan zerschreddert, und zwar dank einer Vorrichtung, die Banksy selbst in den Rahmen eingebaut hatte. Er nannte das geschredderte Werk um in ‘Love is in the Bin’. Der Käufer, der den Druck für einen Rekordpreis erworben hatte, beschloss, den Verkauf fortzusetzen.

12. Tracey Emin, My Bed, 1998

My Bed ist, wie der Name schon sagt, eine Rekonstruktion des ungemachten Bettes der Künstlerin. Tracey Emin sagt, ihr sei diese Idee nach einer langen Zeit der Depression gekommen, die durch schwierige Beziehungen und Alkoholismus verursacht wurde. Nachdem sie sich von ihrer Depression erholt hatte, ekelte sie sich vor der Unordnung, die sich in ihrem Zimmer angesammelt hatte, und beschloss, sie offenzulegen. Das Werk wurde für den Turner-Preis nominiert, was eine heftige Kontroverse darüber auslöste, ob es als Kunst gelten sollte oder nicht.

13. Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961

Mit Look Mickey stellte Roy Lichtenstein zum ersten Mal eine Szene und einen Stil dar, der später sein unverkennbares Markenzeichen werden sollte: Pop-Art. Seine Rekonstruktion einer bereits existierenden Szene bis hin zur präsenten Sprechblase hat viele dazu veranlasst, das Werk als eine Beleidigung an der bildenden Kunst zu bezeichnen. Dennoch wurde dieser einzigartige Stil gefeiert. Heute gilt Lichtenstein als einer der Wegbereiter der internationalen Pop-Art-Bewegung.

14. Takashi Murakami, Flower Ball, 2002

Der Künstler Takashi Murakami erlernte zunächst die traditionell japanische Nihonga-Kunst, bevor er aufgrund des Elitedenkens dieses Genres fru​​striert wurde. Anfang der 2000er Jahre erfand er den Begriff „Superflat„, um das Erbe der 2D-Kunst (Anime und Manga) in der japanischen Kultur zu beschreiben und um damit die japanische Nachkriegsgesellschaft anzusprechen.

15. David Hockney, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1972

Das bekannteste Werk Hockneys, Portrait of an Artist, gilt als das teuerste Kunstwerk das jemals auf einer Auktion eines lebenden Künstlers verkauft wurde. Das Werk entstand auf der Grundlage von zwei Fotografien, die der Künstler inszeniert hatte. Die erste Version des Werks wurde zerstört. Eine zweite Version wurde jedoch 1972 innerhalb von zwei Wochen neu gemalt.

16. Dorothea Tanning, Door 84, 1984

Dieses Werk von Dorothea Tanning markiert den Beginn der Entwicklung des figurativen Surrealismus hin zu mehr abstrakteren Kompositionen, dank der lockeren, dynamischen Pinselführung und der leuchtenden Farben. Die Künstlerin schuf dieses Werk mit Ölfarbe und einem Türsegment. Es handelt sich jedoch nicht um eines der bekanntesten Werke des Künstlerin. Vielmehr wurde die Künstlerin vor allem durch ihre Werke Birthday (1942) und Eine Kleine Nachtmusik (1943) bekannt.

17. Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994

Der ehemalige Wall-Street-Händler Jeff Koons gilt als umstrittene Figur in der Kunstwelt. Er erklärt seine Werke offen als Objekte, die keine tiefere Bedeutung haben, als die Ästhetik selbst. Außerdem nutzt er einen Workshop, um seine Visionen zum Leben zu erwecken, und schafft somit seine Werke also nicht direkt selbst. Aus diesen Gründen stellen sich viele die Frage, ob seine Werke zu Recht als Kunst angesehen werden können oder nicht. Die metallischen Ballonhunde sind unumstritten seine wohl bekanntesten zeitgenössischen Arbeiten.

18. Marc Chagall, Decke der Pariser Opéra Garnier, 1964

Die Decke der Opéra Garnier in Paris ist zweifelsohne eines der berühmtesten Werke von Chagall. Seit der Entstehung und der offiziellen Einweihung im Jahr 1964 war dieses Werk Auslöser etwaiger Kontroversen. Tatsächlich wurden die verschiedenen Tafeln unter dem Schutz von Militärwachen montiert und aufgrund der Verweise auf berühmte Komponisten und Künstler der gesamten Geschichte, gilt es als pulsierendes Werk Chagalls, welches ihm zurecht den Titel ‚einer der größten Maler unserer Zeit‘ verleiht. 

19. Frida Kahlo, Selbstporträt, 1948

Dieses eindrucksvolle Selbstporträt war das letzte, das Frida Kahlo, 1948 aufgrund ihres sich verschlechternden Gesundheitszustandes, erschuf. Auf diesem Werk trägt Frida Kahlo das traditionelle Kleid der mexikanischen Tehuana, wobei ein geprägter Kragen ihr Gesicht einrahmt und den üblichen natürlichen Hintergrund ersetzt. Die Schärfe ihres Gesichts und ihr schmerzlicher Ausdruck unterstreichen ihre tiefe, prägende Emotion.

20. Lucian Freud, Reflection, 1985

Der britische Künstler Lucian Freud ist für seine figurativen Darstellungen bekannt. Alle seine Werke sind autobiografisch, und seine Selbstporträts wurden mit Hilfe von Spiegeln angefertigt. Dieses Werk ist ein perfektes Beispiel für den künstlerischen Stil seines Schöpfers: Jede Linie, jeder Makel seines Gesichts und seiner Haut ist sichtbar. Der Enkel des Psychologen Sigmund Freud wird von vielen als ein Künstler angesehen, der seine Themen auf brutalistische Weise porträtiert. So gewährt er dem Publikum einen Einblick in ihre eigene Psyche und Welt.

21. Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007

Im Jahr 2007 beendete der damalige Freund von Sophie Calle ihre Beziehung per E-Mail mit den Worten „Pass auf dich auf“ (Prenez soin de vous). Einige Zeit später verteilte die Künstlerin diese E-Mail an 107 Frauen, die aufgrund ihrer beruflichen Expertise ausgewählt wurden, und bat sie, seine Worte zu interpretieren. Die Antworten umfassen Sprachkritik, juristische Analysen, tänzerische Interpretationen, Codierungen und sogar einen Kurzfilm über einen Kakadu, der die gedruckte Notiz langsam auffrisst. Die verschiedenen Antworten werden in dieser außergewöhnlichen Erkundung von Beziehungen und Verletzlichkeit zusammengeführt. 

22. Antony Gormley, Angel of the North, 1998

Anthony Gormley ist für seine anthropomorphen Statuen bekannt. Diese basieren oft auf Abgüssen seines eigenen Körpers. ‘Angel of the North’ ist eines der bekanntesten Werke des Künstlers. Es befindet sich in Gateshead im Vereinigten Königreich. Seine Errichtung dauerte vier Jahre und kostete rund 800 000 Pfund. Die Flügel sind leicht nach innen geneigt, was eine Umarmung andeutet und darüber hinaus soll die Skulptur das Vergehen der Zeit darstellen.

23. Ai Weiwei, Remembering, 2009

Der chinesische Künstler Ai Weiwei schuf dieses eindrucksvolle Werk, um den kindlichen Opfern eines Erdbebens zu gedenken, das sich 2008 in der Provinz Sichuan ereignete. Die Naturkatastrophe war besonders verheerend und riss viele schlecht gebaute Schulen in Mitleidenschaft, was zum Tod vieler Kinder führte. Das großformatige Werk besteht aus 9.000 Schülerrucksäcken. Der Betrachter kann die chinesischen Schriftzeichen „Sie lebte sieben Jahre lang glücklich in dieser Welt“ lesen, ein Zitat einer trauernden Mutter über ihr verlorenes Kind.

24. Francis Bacon, Three Studies of Lucian Freud, 1969

Dieses Triptychon, das 2013 vollständig verkauft wurde, ist das teuerste verkaufte Kunstwerk eines britischen Künstlers. Es stellt den Freund und Rivalen des Künstlers, Lucian Freud, dar. Francis Bacon hat immer betont, wie wichtig es ist, die drei Studien nicht voneinander zu trennen. Dies war jedoch nicht immer möglich, da die drei Leinwände im Laufe der Jahre mehrfach den Besitzer wechselten.

25. Mark Rothko, Orange, Red, Yellow, 1961

Im Jahr 2012 schlug Orange, Red, Yellow bei seiner Versteigerung Rekorde. Mark Rothko, der für seine geometrische Abstraktion und seine leuchtenden Farben bekannt ist, erhielt ebenso viel Kritik wie Lob. Rothko schuf seine Werke in einem sehr großen Maßstab. Für den Künstler musste sein Werk „sehr intim und menschlich“ sein und er empfahl zudem dem Betrachter, 60 Fuß von seinen Werken entfernt zu stehen, um die Intimität und Transzendenz zwischen dem Werk und dem Publikum voll erleben zu können. 

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