68. International Short Film Festival - Catalogue by Internationale Kurzfilmtage Oberhausen

68. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen

Katalog Catalogue

CIP-Kurztitelaufnahme in der Deutschen Bibliothek Fiehn, Anne/Lailach, Christian (Redaktion) Katalog der 68. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen 30.4. – 9.5.2022 Herausgeberin Editor Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH Grillostraße 34 46045 Oberhausen, Deutschland Germany Tel +49 208 825-2652 Fax +49 208 825-5413 info@kurzfilmtage.de kurzfilmtage.de Verlag Publisher Karl Maria Laufen, Oberhausen ISBN: 978-3-87468-462-0 Redaktion Editorial staff Anne Fiehn, Christian Lailach Übersetzungen Translations Pia Duve, Timothy Jones, Nele Kirstein, Anja Schulte, Katja Schulten, Lisa Woytowicz Korrektur Proofreading Mary Dobrian, Jutta Temmen Gestaltung Layout PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg Satz Setting Christian Lailach, Alexander Scholz Druck Printing Brochmann GmbH, Essen Vertrieb Distribution Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH Bildnachweis Picture credits Verleiher, Archive, Filmemacher Distributors, archives, filmmakers Anzeigen Advertising NETZKULT by MaschMedia Marketing & PR e. K. Marcus Schütte, Anja Keienburg Verantwortlich für die Durchführung der 68. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen ist die Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH. Träger der Kurzfilmtage ist die Stadt Oberhausen, Hauptförderer das Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen. The Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH is responsible for the management and organisation of the 68th International Short Film Festival Oberhausen. The City of Oberhausen and the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia bear the main financial responsibility for the Festival. Nachdruck (auch auszugsweise) nur mit schriftlicher Genehmigung der Herausgeberin bzw. der Autoren. Reprinting (also in extract) only by written permission of the editor resp. authors. © Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH 2022

Grußworte Förderer und Partner Institutionelle Partner Zeitplan Informationen Festivalteam Dank Preise Zahlen und Tendenzen Jurys Register

Wettbewerbe

Inhalt Content

Inhalt Content Words of welcome Supporters and partners Institutional partners Timetable Information Festival team Acknowledgements Prizes Trends and Figures Juries Index

Competitions

Internationaler Wettbewerb Internationaler Online-Wettbewerb Deutscher Wettbewerb Deutscher Online-Wettbewerb NRW-Wettbewerb Kinder- und Jugendkino MuVi

International Competition International Online Competition German Competition German Online Competition NRW Competition Children’s and Youth Cinema MuVi

Thema

Theme

SYNCHRONIZE! Epilog: Solidarität als Störung

Profile

SYNCHRONIZE! Epilogue: Solidarity as a Disruption

Profiles

4 8 10 11 15 16 18 19 20 22 453 37 87 123 139 151 161 209 229 247

Rainer Komers Morgan Fisher Sylvia Schedelbauer Sohrab Hura Eszter Szabó Shalimar Preuss

Archive

Archives Lumiton Cinenova ZKM

300 304 307

re-selected Labs Celluloid Expanded Conditional Cinema Lectures Podium

311 331 347 351 363 369

Andere Programme

Other programmes

379

Verleiher

Distributors

423

Lumiton Cinenova ZKM

258 266 272 279 286 293

Oberbügermeister der Stadt Oberhausen Lord Mayor of the City of Oberhausen

Festivals brauchen Vorbereitung und so kommt es, dass ich diese Zeilen im Februar formuliere, ohne zu wissen, in welcher Lage wir uns in zwei Monaten befinden werden. Das liegt weniger an der Coronapandemie als an dem Krieg in Europa, den Wladimir Putin am 24. Februar 2022 mit seinem Angriff auf die Ukraine begonnen hat. Dass wir nicht wissen, wie die Lage in wenigen Wochen sein wird, ist für uns in Mitteleuropa auch nach zwei Jahren Pandemie ungewohnt; wir sind es gewöhnt, in Sicherheit, Frieden und Freiheit leben zu dürfen. Uns ist aber klar, dass eine solche Ungewissheit für viele Menschen auf der Welt, auch für einige Besucherinnen und Besucher der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, leider nicht so ungewöhnlich ist. Umso wichtiger ist es, dass wir hier zusammenkommen, uns mit künstlerischen Verhandlungen der Zustände in der Welt befassen, die uns fremd sind, dass wir unseren Horizont erweitern, einander besser verstehen lernen. Das ist, da bin ich sicher, ein Beitrag zur Erhaltung von Frieden und Demokratie. Für diesen Beitrag, für seinen großen Einsatz auch unter widrigen Umständen, danke ich dem Festivalteam um Lars Henrik Gass ganz herzlich. Wenn weder Pandemie noch Weltpolitik es verhindern, werden die 68. Internationalen Kurzfilmtage zum ersten Mal hybrid stattfinden – online, aber endlich auch wieder im Kino. Wo auch immer Sie uns zusehen: Seien Sie herzlich willkommen zu den Kurzfilmtagen in Oberhausen! Festivals need preparation, and that is why I am writing these lines in February, without knowing what kind of situation we will be in two months from now. That has less to do with the coronavirus pandemic than with the war in Europe that Vladimir Putin began on February 24, 2022 with his attack on Ukraine.

Grußworte Words of welcome

Daniel Schranz

Not knowing how things will stand in a few weeks’ time is something that is still unfamiliar to us in Central Europe, even after two years of the pandemic; we are used to being able to live in safety, peace and freedom. But we know very well that such uncertainty is, unfortunately, not as unusual for many people in the world, including some guests at the Short Film Festival Oberhausen. It is thus all the more important that we meet up here and engage with artistic perspectives on circumstances in the world that are unfamiliar to us, that we expand our horizons and learn to understand one another better. All this, I am sure, contributes to the preservation of peace and democracy. My heartfelt thanks go to the festival team led by Lars Henrik Gass for this contribution and for their huge commitment even under such adverse conditions. If neither pandemic nor world politics gets in the way, the 68th International Short Film Festival Oberhausen will take place for the first time in a hybrid version – online but also, at last, in the cinema again. Wherever you are viewing from: I wish you a warm welcome to the Short Film Festival in Oberhausen! Daniel Schranz Oberbürgermeister der Stadt Oberhausen Lord Mayor of the City of Oberhausen

Ministerin für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen Minister of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

Zum 68. Mal involvieren uns die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen in die Vielfalt der kurzen filmischen Form: Mit kulturpolitischen Diskussionen, Veranstaltungen über filmisches Erbe und technologischen Wandel, mit Programmen künstlerischer Praxis weltweit durchkreuzen sie unsere Seh- und Denkgewohnheiten. Ausgehend von einem Überblick über die internationale Produktion des letzten Jahres können wir in Werkschauen und Sonderprogramme eintauchen: Celluloid Expanded und Conditional Cinema weiten das Geschehen auf der Leinwand in den Kinosaal aus – Streaming unmöglich! Diese Programme dokumentieren am deutlichsten den Wunsch, Partizipation endlich wieder als sinnliches Nah-Erlebnis zu inszenieren. Solche Erlebnisse werden diesmal hoffentlich auch dem jungen Publikum zuteil, das in Oberhausen von jeher die Kinos füllt, Programme begeistert bespricht und in Jurys das Geschehen lenkt. Solidarität als Störung ist der Titel eines Programms, der auch die DNA des Festivals umreißen könnte: Seit Jahrzehnten sind die Kurzfilmtage ein Forum für künstlerische Interventionen, die nicht selten zunächst als Störung, später als fester Bestandteil des Kanons wahrgenommen wurden. Die Störung durch die Pandemie haben die Kurzfilmtage ihrerseits transformiert zu der beeindruckenden solidarischen Leistung, unter allen Bedingungen für Filmschaffende und Publikum da zu sein. Das Ergebnis ist ein hybrides Festival, das Internationalität neu definiert – herzliche Glückwünsche und vielen Dank! For the 68th time, the International Short Film Festival Oberhausen is drawing us into the diversity of short film and disrupting our habitual ways of seeing and hearing with discussions on cultural politics, events focussing on our cinematic legacy and technological change, and programmes showcasing artistic practices across the world. Setting off from an overview of last year’s international productions, we can immerse ourselves in

retrospectives and special programmes: Celluloid Expanded and Conditional Cinema extend the events unfolding on the screen into the cinema hall – something that is impossible with streaming! It is in these programmes that the desire to again make participation a sensuous, close-up experience is most clearly documented. Such experiences will, I hope, also be had this time by the young audience that has always filled the cinemas in Oberhausen, enthusiastically discussed programmes and taken charge of events in juries. Solidarity as Disruption is the title of one programme, a title that could be used to describe the DNA of the festival: for decades, it has been a forum for artistic interventions that have often initially been seen as disruptions before later being perceived as established parts of the canon. And the festival has transformed the disruption caused by the pandemic into the impressive achievement of being there in solidarity for filmmakers and audience under all conditions. The result is a hybrid festival that redefines internationality – warm congratulations and many thanks! Isabel Pfeiffer-Poensgen Ministerin für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen Minister of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

Grußworte Words of welcome

Isabel PfeifferPoensgen

Staatsministerin für Kultur und Medien Minister of State to the Federal Chancellor and Federal Government Commissioner for Culture and the Media

Der kürzlich verstorbene Woodstock-Mitbegründer Michael Lang schrieb einmal über das legendäre Musikfestival: „An diesem Wochenende im August schufen wir genau die Art von Gesellschaft, nach der wir uns alle sehnten.“ Wenn im cinephilen Deutschland von Oberhausen die Rede ist, schwingt für die hier begründete filmische Aufbruchsbewegung eine ganz ähnliche Verehrung mit. Dem freien Geist des Progressiven verschrieben, sind die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen seit vielen Jahrzehnten ein Sehnsuchtsort für ing that had its roots here. With its dedication all jene, die auf der Suche nach innovativen An- to the free progressive spirit, the Internationsätzen sind. Hier werden die Grenzen filmischer al Short Film Festival Oberhausen has for years Konventionen infrage gestellt. Inhaltlich, ästhe- been a focal point for all those looking for innotisch und technisch zeigen die teilnehmenden vative approaches. It is a place where the limits Filmkünstlerinnen und Filmkünstler alle Mög- of cinematic conventions are called into queslichkeiten des Mediums Film. tion. The film artists who take part demonstrate Die beispielgebende Verbindung des klas- all the thematic, aesthetic and technical possisischen Vor-Ort-Festivals mit einem breit bilities of the film medium. zugäng¬lichen Online-Event schafft dabei The exemplary combination of a classical onnicht nur eine erfreulich hohe Reichweite und site festival with a broadly accessible online Aufmerk¬samkeit für die kurze Filmform. Sie event gives short film a gratifyingly large outkultiviert mit Austausch und Teilhabe, mit un- reach and promotes awareness of the form. But gewohnten Perspektiven und Neugier auf frem- it also cultivates qualities that are indispensade Welten auch Qualitäten, die für unsere De- ble for our democracy: exchange and inclusion, mokratie unverzichtbar sind. unusual perspectives and curiosity about unfaIch danke Lars Henrik Gass und seinem Team miliar worlds. für die hervorragende Organisation und ihr En- I thank Lars Henrik Gass and his team for the gagement für die filmkünstlerische Experimen- outstanding organisation and their committierfreude und wünsche allen Teilnehmen¬den ment to encouraging experimentation in the wunderbare Festivaltage! filmic arts, and wish all those taking part wonMichael Lang, the recently deceased Wood- derful days at the festival! stock co-founder, once wrote of this legendary music festival: ‘Over that August weekend, dur- Claudia Roth, MdB ing a very tumultuous time in our country, we Staatsministerin für Kultur und Medien showed the best of ourselves and created the Minister of State to the Federal Chancellor and kind of society we all aspired to, even if only for Federal Government Commissioner for Culture a brief moment.’ and the Media A very similar feeling of veneration can be sensed in cinema-loving Germany when the talk is of Oberhausen and the filmic awaken© Kristian Schuller

Grußworte Words of welcome

Claudia Roth

cuss contradictions and to hold conversations about films outside the aesthetic and political mainstream. In the current situation, where we are overrun by a plethora of pronouncements and statements, we take a stand by continuing this work and showing films that contribute to the polyphony of the world with their artistic strategies. Everything else is possible only in concrete work. We condemn Russia‘s war of aggression in Ukraine, just as people in Russia with whom we have been working for years condemn it. I thank all those who have made this festival possible and who ensure that it remains so. Dr. Lars Henrik Gass Festivalleiter Festival Director

Grußworte Words of welcome

Als Festivalteam fühlen wir uns angesichts der gegenwärtigen Kriegshandlungen in der Ukraine entsetzt und machtlos. Auch uns bliebe nur ein „Zeichen“ zu setzen, weil wir diesen Krieg nicht beenden können. Kulturelle Sanktionen gibt es inzwischen auf allen Seiten. Im Programm der Kurzfilmtage keine russischen Filme zu zeigen, wäre ein Zeichen. Aber wofür? Dieses Festival hat eine lange Geschichte, in der es immer möglich und auch nötig war, Widersprüche zu diskutieren und Gespräche über Filme im Abseits des ästhetischen und politischen Mainstreams zu führen. In der jetzigen Situation, in der wir von einer Fülle von Verlautbarungen und Stellungnahmen überrannt werden, beziehen wir Position, indem wir diese Arbeit fortsetzen und Filme zeigen, die mit ihren künstlerischen Strategien zur Vielstimmigkeit der Welt beitragen. Alles andere ist gerade nur in konkreter Arbeit möglich. Wir verurteilen den Angriffskrieg Russlands in der Ukraine, wie ihn auch Menschen in Russland verurteilen, mit denen wir seit Jahren zusammenarbeiten. Ich danke allen, die dieses Festival ermöglicht haben und dafür sorgen, es zu erhalten. As festival team, we feel horrified and powerless in the face of the current acts of war in Ukraine. We, too, would only be left with a ‘sign’, because we cannot stop this war. Cultural sanctions now exist on all sides. Not showing any Russian films in the programme of the Short Film Festival would be a sign. But for what? This festival has a long history in which it has always been possible and also necessary to dis-

„Alles dient der kommenden Barbarei, die jetzige Kunst und Wissenschaft mit einbegriffen.“ (Nietzsche) ‘Everything serves the approaching barbarism, the arts as well as the sciences.’ (Nietzsche)

Förderer und Partner Supporters and partners

Träger Official patron

Hauptförderer Main supporter

Förderer Supporters

Projektförderer und Sponsoren Project supporters and sponsors

Medienpartner Media partners

Förderer und Partner Supporters and partners

Partner Partners

Club Oberhausen

MuVi-Hauptsponsor MuVi main sponsor

MuVi-Partner MuVi partners

Institutionelle Partner Institutional partners

Albanien Albania

Goethe-Institut Tirana

Belgien Belgium ECFA, Brüssel

China

Beijing Film Academy / Animation School Beijing Youth Film Studio China Academy of Art, Hangzhou Communication University of Zhejiang, Hangzhou Shanghai Institute of Visual Arts, Shanghai

Deutschland Germany

AG Kurzfilm, Dresden Aktion Mensch, Bonn Arbeitskreis Filmarchivierung NRW, Münster Arsenal – Institut für Film und Videokunst, Berlin Blicke. Filmfestival des Ruhrgebiets, Bochum Botschaft von Kanada, Berlin Buchhandlung Karl Maria Laufen, Oberhausen Concordia Schule, Oberhausen Deutsche Bischofskonferenz, Bonn Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin DOK Leipzig Dokumentarfilm- und Videofest, Kassel European Film Academy, Berlin European Media Art Festival, Osnabrück Fachhochschule Dortmund Filmakademie Baden-Württemberg, Ludwigsburg Filmbüro NW, Köln Filmfest Düsseldorf Filmforum im Museum Ludwig, Köln Filmgeflacker, Oberhausen Filmhaus Köln Filmothek der Jugend NRW, Oberhausen Filmpalette Köln Filmtheaterbetrieb H. Pesch, Oberhausen Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf, Potsdam Filmwerkstatt Düsseldorf Folkwang Universität der Künste Essen Freiherr-vom-Stein-Gymnasium, Oberhausen Gesamtschule Osterfeld, Oberhausen Hessischer Hochschulfilmtag, Kassel Hochschule Düsseldorf Hochschule für bildende Künste Hamburg Hochschule für Fernsehen und Film, München Hochschule für Gestaltung Offenbach ifs internationale filmschule köln Kinemathek im Ruhrgebiet, Duisburg Kino im Walzenlager, Oberhausen Kunsthochschule für Medien Köln Kunsthochschule Kassel Kurzfilm Agentur Hamburg Literaturhaus Oberhausen OWT, Oberhausen Rotary-Club Oberhausen Ruhr-Universität Bochum SBO Servicebetriebe Oberhausen

Stadtbibliothek Oberhausen Stoag, Oberhausen Universität Bayreuth Universität Bremen Universität der Künste, Berlin Universität Paderborn Verein für aktuelle Kunst/Ruhrgebiet, Oberhausen Video Rodeo Essen Westart-Redaktion, Köln Zentrum Altenberg Zonta, Oberhausen

Frankreich France

Arte, Straßburg Unifrance, Paris

Finnland Finland

Finnish Film Foundation, Helsinki

Japan

Ask?, Tokio Image Forum, Tokio International Student Creativity Award, Osaka Interlink Student Moving Image Exhibition, Tokio New Chitose Airport International Animation Festival, Sapporo Pia Film Festival, Tokio SOL CHORD, Gifu Tama Art University / Dept Graphic Design, Tokio Unijapan, Tokio

Kanada Canada

Goethe-Institut Montreal

Kroatien Croatia

Croatian Audiovisual Centre, Zagreb

Litauen Lithuania

Lithuanian Short Film Agency Goethe-Institut Vilnius

Niederlande Netherlands

Filmchief, Nijmegen Go Short, Nijmegen The One Minutes Foundation, Amsterdam

Neuseeland New Zealand

New Zealand Film Commission, Wellington

Österreich Austria

Vienna Shorts, Wien

Polen Poland

Short Waves, Poznań

Schweden Sweden

Swedish Film Institute, Stockholm

Zeitplan Timetable

Zeitplan Timetable Internationaler Wettbewerb International Competition

Thema Theme

Deutscher Wettbewerb German Competition

Profile Profiles

NRW-Wettbewerb NRW Competition

Archive Archives re-selected

Kinder- und Jugendkino Children’s and Youth Cinema

Labs, Celluloid Expanded, Conditional Cinema, Lectures, Podium

MuVi

Andere Programme Others programmes Verleiher Distributors Rahmenprogramm Framework programme

Saturday 30 April 20:00 +48h Festival Platform Intl Online Competition 1

Intl Online Competition 2

Sunday 1 May

20:00 +48h

Intl Online Competition 3

German Online Competition 1

Intl Online Competition 6

German Online Competition 2

Festival Platform Intl Online Competition 4

Intl Online Competition 5

Zeitplan Timetable

Wednesday 4 May Festival Space

Lichtburg

Gloria

Star

from 8 am

9:00 am Children’s Cinema Inclusive 6+

8:30 am Youth Film Competition 12+

8:30 am Children’s Film Competition 8+

from 10 am

11:00 am Children’s Film Competition 10+

10:30 am Youth Film Competition 16+

Sunset

Kino im Walzenlager

11:15 am Youth Film Competition 14+

from 12 pm from 2 pm 5:30 pm Award Winners of Other Festivals

5:30 pm Highlights 2021

Lichtburg

Gloria

Star

9:00 am Children’s Film Competition 8+

8:30 am Children’s Film Competition 6+

9:15 am Children’s Film Competition 10+

11:00 am MuVi 14+

10:30 am Children’s Film Competition 3+

11:15 am Children’s Film Competition 6+

1:00 pm Profiles Komers 1

12:30 pm Theme 1

1:15 pm Four Perspectives: Movements 1

3:15 pm International Competition 1

2:45 pm Archives Lumiton

2:45 pm Emerging Artists

3:30 pm Book Presentation Costard

5:30 pm Profiles Komers 2

5:00 pm Theme 2

5:00 pm Distibutors LIMA

5:45 pm Country Focus: Lithuania 1

6:00 pm Recent Acquisitions

8:00 pm International Competition 2

7:30 pm Profiles Fisher 1

7:30 pm Distibutors Arsenal

8:15 pm Four Perspectives: Movements 2

8:00 pm Short Matters! 1

10:15 pm Theme 3

9:45 pm Conditional Cinema 1

from 4 pm 7:30 pm Opening

from 7 pm from 9 pm

Thursday 5 May Festival Space from 8 am from 10 am from 12 pm

12:30 pm Podium 1 Shorts in schools

from 2 pm from 4 pm

4:45 pm Discussion IC 1

from 7 pm from 9 pm

9:30 pm Discussion IC 2

Sunset

Kino im Walzenlager

Festival Space from 8 am

Lichtburg

Gloria

Star

Sunset

9:00 am Children’s Film Competition 8+

8:30 am Youth Film Competition 12+

8:30 am Youth Film Competition 16+

9:15 am Youth Film Competition 14+

Kino im Walzenlager

from 10 am

10:00 am Podium 2 Western Canons

11:00 am Children’s Film Competition 6+

10:30 am Children’s Film Competition 3+

from 12 pm

12:00 pm Podium 3 Working Methods

1:00 pm International Competition 3

12:30 pm Profiles Komers 3

12:30 pm Goethe-Institut unrest 62|22

1:15 pm Country Focus: Lithuania 2

from 2 pm

2:30 pm Discussion IC 3

3:15 pm NRW Competition 1

2:45 pm Thema 4

2:45 pm Labs for kids

3:30 pm Four Perspectives: Movements 3

from 4 pm

4:30 pm Lectures 1 Harkat

5:30 pm International Competition 3

5:00 pm Conditional Cinema 2

5:00 pm Distributors ARGOS

5:45 pm NRW in Person

from 7 pm

7:00 pm Discussion IC 4

8:00 pm NRW Competition 2

7:30 pm Profiles Fisher 2

7:30 pm Distributors EAI

8:15 pm Country Focus: Lithuania 3

8:00 pm Children’s Films Distribution

10:15 pm MuVi Intl

9:45 pm Theme 5

9:45 pm Distributors LightCone

10:30 pm One Minutes

10:00 pm From the Film Archive

Festival Space

Lichtburg

Gloria

Star

Sunset

from 10 am

10:00 am Podium 4 Larger Screens

10:45 am Profiles Schedelbauer 1

10:00 am re-selected 1

10:00 am Children’s Film Competition 3+

11:00 am Children’s Film Competition 6+

from 12 pm

12:00 pm Conditional Talk

1:00 pm German Competition 1

12:30 pm Theme 6

12:30 pm Children’s Film Competition 10+

1:15 pm Four Perspectives: Movements 4

from 2 pm

2:30 pm Discussion GC 1

3:15 pm International Competotion 5

2:45 pm Archives Cinenova

2:45 pm Distributors HAMACA

3:30 pm Youth Film Competition 12+

from 4 pm

4:45 pm Discussion IC 5

5:30 pm German Competition 2

5:00 pm Theme 7

5:00 pm Distributors LUX

5:45 pm Youth Film Competition 16+

6:00 pm NRW Competition 1

from 7 pm

7:00 pm Discussion GC 2

8:00 pm International Competotion 6

7:30 pm re-selected 2

7:30 pm Open Screening 1

8:15 pm Theme 16+

8:00 pm NRW Competition 2

from 9 pm

9:30 pm Discussion IC 6

10:15 pm MuVi Award

9:45 pm Conditional Cinema 3

9:45 pm Open Screening 2

10:30 pm Epilogue 1

from 9 pm

Kesselhaus from 10 pm

10:00 pm Celluloid Expanded 1

Saturday 7 May Kino im Walzenlager

from 8 am

Zeitplan Timetable

Friday 6 May

Zeitplan Timetable

Sunday 8 May Kino im Walzenlager

Festival Space

Lichtburg

Gloria

Star

Sunset

from 10 am

10:00 am Podium 6 Expand Collection

10:30 am Profiles Hura

10:00 am Archives ZKM

10:00 am Children’s Film Competition 8+

11:00 am Youth Film Competition 14+

from 12 pm

12:30 pm Celluloid Expanded Talk

1:00 pm German Competition 3

12:30 pm Profiles Schedelbauer 2

12:30 pm Distributors AV-arkki

1:15 pm MuVi 14+

from 2 pm

2:30 pm Discussion GC 3

3:15 pm International Competotion 7

2:45 pm Distributors CFMDC/Vtape

3:30 pm Kinemathek im Ruhrgebiet

2:00 pm One Minutes Jr Ukraine

from 4 pm

4:45 pm Discussion IC 7

5:30 pm Theme 8

4:00 pm CYC Award ceremony

5:00 pm Distributors CIRCUIT

5:45 pm CYC Award Winners

4:00 pm Short Matters! 2

8:00 pm International Competotion 8

7:30 pm Profiles Szabó

7:30 pm Distributors Filmform

8:15 pm MuVi Intl

6:00 pm Short Matters! 3

10:15 pm Epilogue 2

9:45 pm re-selected 3

9:45 pm Distributors sixpackfilm

Lichtburg

Gloria

Star

from 8 am

9:00 am Children’s Film Competition 10+

8:30 am Children’s Film Competition 6+

8:30 am Children’s Film Competition 8+

from 10 am

11:00 am Children’s Film Competition 8+

10:30 am Children’s Film Competition 3+

10:30 am Youth Film Competition 12+

from 12 pm

1:00 pm Profiles Preuss

12:30 pm Epilogue 3

12:45 pm Labs 2

2:45 pm re-selected 4

3:00 pm Labs 3

5:00 pm Team Favourites 2022

5:30 pm Lectures 2 LeCain/Lanoë

from 8 am

from 7 pm from 9 pm

9:30 pm Discussion IC 6

8:00 pm Filmgeflacker

Kesselhaus from 10 pm

10:00 pm Celluloid Expanded 2

Monday 9 May Festival Space

from 2 pm from 4 pm from 7 pm

7:00 pm Award ceremony

from 9 pm

Sunset

10:30 am Labs 1

Kino im Walzenlager

Video Library

Lichtburg Filmpalast Elsässer Straße 26 4.–9.5. 8:30–24:00 Uhr 8:30 am–midnight Kino im Walzenlager Zentrum Altenberg, Hansastraße 20 5.5. 17:30–21:30 Uhr 5:30–21:30 pm 6.5. 17:30–23:30 Uhr 5:30–23:30 pm 7.5. 10:30–21:30 Uhr 10:30 am–21:30 pm 8.5. 13:30–21:30 Uhr 1:30–21:30 pm Besucher müssen, ausgenommen im Kinder- und Jugendkino, das 18. Lebensjahr vollendet haben. Visitors must be over 18 years of age, except for Children’s and Youth Cinema. Festival Space Elsässer Straße 21 Festival Café Zentrum Altenberg Schlosserei, Hansastraße 20 Nur für geladene Gäste Invited guests only 5.–8.5. 12:00–20:00 Uhr noon–8:00 pm 9.5. 12:00–18:30 Uhr noon–6:30 pm Festival Bar Zentrum Altenberg, Hansastraße 20 5.–9.5. ab 23:00 Uhr from 11:00 pm Kunsthalle Verein für aktuelle Kunst/Ruhrgebiet e. V., Hansastraße 20 Kesselhaus Zentrum Altenberg, Hansastraße 20 6./8.5. ab 22:00 Uhr from 10:00 pm

1989 richteten die Kurzfilmtage erstmals einen Kurzfilmmarkt ein, der von Anfang an auf positive Resonanz stieß. In der Video Library können die eingereichten Arbeiten online und vor Ort gesichtet werden, dazu Titel aus den aktuellen Screenings, den Profilen und dem Themenprogramm. Die Nutzung ist ausschließlich akkreditierten Besucher*innen vorbehalten. In 1989 Oberhausen set up its first short film market, a welcome addition from the start. The Video Library offers online and on-site access to the works submitted each year, as well as titles from the current screenings, the profiles and the thematic programme. The Video Library is available for accredited visitors only. Kontakt Contact Hilke Doering, doering@kurzfilmtage.de

Archiv Archive

Seit Ende der 1950er-Jahre kaufen die Kurzfilmtage Filmkopien aus den Wettbewerben an. In mehr als fünf Jahrzehnten ist ein einzigartiger Schatz von derzeit über 2.000 Titeln mit über 3.000 Kopien – in manchen Fällen die einzig noch vorhandene eines Films – entstanden. Since the end of the 1950s, the Festival has been buying prints from the competition programmes. Over more than five decades, this has led to a unique treasure holding more than 2,000 titles with more than 3,000 copies, in some cases the only surviving one. Kontakt Contact Carsten Spicher, spicher@kurzfilmtage.de

Verleih Distribution Festivalzentrum Festival centre

Bert-Brecht-Bildungszentrum, Langemarkstraße 19–21

Gästebüro Guest office 4.–8.5. 10:00–21:30 Uhr 10:00 am–9:30 pm 9.5. 10:00–19:00 Uhr 10:00 am–7:00 pm Finanzen Cash desk Öffnungszeiten vor Ort beachten Note opening hours on site Pressebüro Press office 4.–9.5. 10:00–18:00 Uhr 10:00 am–6:00 pm Video Library 4./9.5. 9:00–18:00 Uhr 9:00 am–6:00 pm 5.–8.5. 9:00–21:30 Uhr 9:00 am–9:30 pm Reservierung erforderlich, nur für Akkreditierte Reservation required, accredited visitors only Kopienverwaltung Print administration Villa der Kurzfilmtage, Grillostraße 34 4.–9.5. 10:00–12:30 Uhr / 14:00–18:00 Uhr 10:00 am–12:30 pm / 2:00–6:00 pm

Jährlich erweitern die Kurzfilmtage ihr nichtgewerbliches Verleihprogramm um rund 50 neue Titel aus den Wettbewerben des jeweiligen Festivals. Mittlerweile ist es Kinos, Museen, Kultureinrichtungen, Goethe-Instituten und anderen Spielstätten aus aller Welt somit möglich, auf eine Auswahl von über 1.000 Kurzfilmen zuzugreifen. Es können einzelne Titel oder individuell gestaltete Programme ausgeliehen werden, bei deren Zusammenstellung die Kurzfilmtage gern behilflich sind. Every year, the Short Film Festival adds around 50 new titles from the competitions at each respective festival to its non-commercial distribution programme. Cinemas, museums, cultural institutions, Goethe Institutes, and other venues throughout the world now have access to a range of more than 1,000 short films. Single films or individually compiled programmes can be borrowed; the Short Film Festival will be glad to help with such compilations. Kontakt Contact Carsten Spicher, spicher@kurzfilmtage.de

Informationen Information

Festivalorte und Öffnungszeiten Festival venues and opening hours

Festivalteam Festival team

Festivalleitung und Geschäftsführung Festival Director and Managing Director Lars Henrik Gass Internationaler Wettbewerb International Competition Hilke Doering Mitarbeit Assistant Pia Fink Auswahlkommission Selection committee Madeleine Bernstorff, Vassily Bourikas, Christiane Büchner, Melissa de Raaf, Hilke Doering Berater Advisors Zhou Fei, Kate MacKay, Aki Nakazawa, Phoebe Pua, Shireen Seno Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Hilke Doering Mitarbeit Assistant Sophie Totz Auswahlkommission Selection committee Christiane Büchner, Greg de Cuir, Hilke Doering, Javier Estrada Berater Advisors Zhou Fei, Kate MacKay, Aki Nakazawa, Phoebe Pua, Shireen Seno

Thema Theme Kristina Henschel Mitarbeit Assistant Ingrid Falk-Pedersen Kuratorinnen Curators Annett Busch und Marie-Hélène Gutberlet Profile Profiles Katharina Schröder Kuratorin Curator Morgan Fisher María Palacios Cruz Kuratorin Curator Soharab Hura Sophie Cavoulacos Kuratorin Curator Rainer Komers Carsten Spicher Kuratorin Curator Shalimar Preuss Marie-Pauline Mollaret Kuratorin Curator Eszter Szabó Christiane Büchner Archive Archives Katharina Schröder

Deutscher und NRW-Wettbewerb German and NRW Competition Carsten Spicher Mitarbeit Assistant Norman Belusa Auswahlkommission Selection committee Sarah Adam, Lars Henrik Gass, Susanne Heinrich, Herbert Schwarze, Carsten Spicher Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Carsten Spicher Mitarbeit Assistant Norman Belusa, Jana Kraft Auswahlkommission Selection committee Madeleine Bernstorff, Brenda Lien, Carsten Spicher, Helena Wittmann

re-selected Katharina Schröder Kurator Curator Tobias Hering Conditional Cinema Kristina Henschel Mitarbeit Assistant Ingrid Falk-Pedersen Kurator Curator Mika Taanila Labs Vassily Bourikas Mitarbeit Assistant Jessica Manstetten Celluloid Expanded Erin Weisgerber Mitarbeit Assistant Sabina Kindlieb, Jessica Manstetten

Kinder- und Jugendfilmwettbewerb Children’s and Youth Film Competition Cathrin Ernst, Samina Gul Mitarbeit Assistant Franka Köhler Auswahlkommission Selection committee Cathrin Ernst, Franziska Ferdinand, Barbara Kamp, Jens Schneiderheinze, Herbert Schwarze Trailer Einar Fehrholz, Simon Mellnich, Schüler*innen der Concordiaschule Oberhausen und des Freiherrvom-Stein-Gymnasiums Oberhausen MuVi Jessica Manstetten Mitarbeit Assistant Sabina Kindlieb Auswahlkommission Selection committee Lars Henrik Gass, Hans-Christian Grimm, Jessica Manstetten MuVi 14+ Cathrin Ernst, Samina Gul, Jessica Manstetten

Verleiher Distributors Kristina Henschel Mitarbeit Assistant Ingrid Falk-Pedersen Channel Katharina Schröder Redaktion Marktkatalog Market catalogue editorial board Thomas Doberstein, Hilke Doering Video Library Hilke Doering Gästebüro Guest office Xenia Fehrholz Mitarbeit Assistant Henry Stangier

Kino im Walzenlager Jörg Kluge Mitarbeit Assistants Kilian Bartsch, Fabian Franken Tel +49 208 8597877

Kaufmännische Mitarbeit Commercial management Petra Okolowitz

Technische Leitung Technical supervision Volker Köster Mitarbeit Assistants Martin Gensheimer, Alissa Larkamp, Christian Scholz Projektion Projection Katinka Dinand, Tina Guckenhan, Frank Haushalter, Daniel Kundi, Christian Schön, Peter Sprenger, Alex Viktorin, Christian Zagler

Pressebüro Press office Sabine Niewalda Mitarbeit Assistant Luana Mohrenz Öffentlichkeitsarbeit Public relations Andrea Richter Mitarbeit Assistant Nora Oeynhausen, Maike Selting Sponsoring, Anzeigen Sponsoring, advertising Marcus Schütte Mitarbeit Assistant Marie-Elaine Peter, Anja Keienburg Online Marketing Christoph Remmetz, Marcus Schütte Europäisches Kurzfilmnetzwerk European Short Film Network Online Portal THIS IS SHORT Koordination Oberhausen Coordination Oberhausen Hilke Doering Mitarbeit Assistant Sophie Totz

Übersetzungen Translations Lisa Woytowicz Mitarbeit Assistants Sabine Bellert, Indra Deckers, Pia Duve, Eva Hartmann, Leona Hömberg Drovandi, Timothy Jones, Nele Kirstein, Jonas Lunte, Jessica Manstetten, Anja Schulte, Katja Schulten Moderation Kinder- und Jugendkino Moderation Children and Youth Cinema Peter Dirmeier Festivalbar, Abendmanagement Festival bar, Evening management Einar Fehrholz, Susannah Pollheim Booking Einar Fehrholz, Jessica Manstetten Festival Café Christiane Koch

Kopienverwaltung, Versand, Zoll Print administration, shipping, customs Martin Gensheimer, Barbara Schulz Kopieneingabe Print registration Barbara Schulz

Gestaltung Corporate design PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg Gestaltung Website Online design PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg

Oberhausen Seminar Ruth Noack Lichtburg Filmpalast Jürgen Pesch Theaterleitung des Lichtburg Filmpalast Director of Lichtburg Filmpalast Petra Rockenfeller Mitarbeit Assistants Sabrina Cannarozzo, Anna-Lena Celentano, Erich Pannier, Sebastian Hilscher Kartenverkauf Ticket Office Daniele Hagge, Michelle Piecha, Tugce Yilmaz, James Pannier, Linda Peters PaltzanweiserInnen Ushers Rinoa Jacobs, Felix Lumann, Josina Müller, Lukas Rumpf, Dominik Scholl, Michael Zwänger Technische Leitung Technical supervision Cengiz Sunter Projektion Projection Turgay Gerbaga

Bildmaterial Footage Anna Azevedo, Luiza Calagian, Natalia Escobar, Blas Lamazares Fraile, Sophie Hilbert, Alexandra Karelina, Pauline Morel, Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Jasmin Preiß, Erich Rettstadt, Vinicius Toro, Thanasis Trouboukis, Katrin Winkler, Ivan Yakushev Festivaltrailer Christian Schön IT Management Thomas Doberstein Technische Betreuung der Webseite Technical support of the website Patrick Wiermann, Hamburg Webmasters Thomas Doberstein, Andrea Richter Mitarbeit Assistants Martin Gensheimer, Louisa Schön, Barbara Schulz

Festivalteam Festival team

Organisationsleitung Head of organisation Susannah Pollheim Mitarbeit Assistant Petra Okolowitz Nora Oeynhausen, Maike Selting

Dank Acknowledgements

Dietmar Adler, Bad Münder Julieta Aranda, Berlin Branka Benčić, Zagreb Katja Birnmeier, Straßburg Nicole Bitter, Oberhausen Alexander Bothe, Bonn Christiane Büchner, Köln Pat Cavaleiro, Berlin Rimantė Daugėlaitė-Cegelskienė, Vilnius Khavn De La Cruz, Manila Melissa de Raaf, Köln Magnus Dellwig, Oberhausen Ute Dilger, Köln Klaus Dotzauer, Oberhausen Zhou Fei, Hannover Manfred Flore, Oberhausen Andreas Gadde, Oberhausen Johannes Gottschalk, Paris Silivia Grassi, Berlin Jörg Heiser, Berlin Rainer Komers, Mülheim an der Ruhr Tanja C. Krainhöfer , München Sandra Leege, Berlin Wolfgang Luley, Frankfurt am Main Kate MacKay, Toronto Heike Meyer-Döring, Düsseldorf Katrin Mundt, Osnabrück Aki Nakazawa, Köln Deimantas Narkevičius, Vilnius Tazz Nishihara, Tokio Dennis Pasveer, Nijmegen Siddharta Perez, Singapur Jürgen Pesch, Oberhausen Phoebe Pua, Singapur Maija-Lene Rettig, Paris Petra Rockenfeller, Oberhausen Ruth Schiffer, Düsseldorf

Daniel Schranz, Oberhausen Aleksandra Sekulić, Belgrad Shireen Seno, Quezon City Petra Sprenger, Dinslaken Dirk Steinkühler, Köln Mika Taanila, Helsinki Apostolos Tsalastras, Oberhausen Peter Vignold, Bochum Ingrid Wenzler, Oberhausen Frank Wilderson, Irvine Jutta Wille, Dresden Thomas Willecke, Oberhausen Koyo Yamashita, Tokio Fei Zhou, Hannover

Preise Dotierung Prizes Worth

Preise Prizes

Preise Prizes Internationaler Wettbewerb International Competition Großer Preis der Stadt Oberhausen Grand Prize of the City of Oberhausen 7.000 Euro Hauptpreis Principal Prize 3.000 Euro Preis der Jury des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen 5.000 Euro Prize of the Jury of the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia Preis der Internationalen Filmkritik (FIPRESCI-Preis) The International Critics’ Prize (FIPRESCI-Prize) Preis der Ökumenischen Jury Prize of the Ecumenical Jury 1.500 Euro ZONTA-Preis ZONTA Prize 1.000 Euro

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition

Großer Online-Preis der Stadt Oberhausen Grand Online Prize of the City of Oberhausen 5.000 Euro Online-Hauptpreis Principal Online Prize 2.000 Euro e-flux-Preis e-flux Prize 3.000 Euro Online-Preis der Jury des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen 3.000 Euro Online Prize of the Jury of the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia Preis der Ökumenischen Online-Jury Prize of the Ecumenical Online Jury

Deutscher Wettbewerb German Competition Preis des Deutschen Wettbewerbs Prize of the German Competition 3sat Nachwuchspreis 3sat Emerging Talent Prize

4.000 Euro 2.500 Euro

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Preis des Deutschen Online-Wettbewerbs Prize of the German Online Competition

2.500 Euro

NRW-Wettbewerb NRW Competition Preis des NRW-Wettbewerbs Prize of the NRW Competition Förderpreis des NRW-Wettbewerbs Promotional Prize of the NRW Competition Preis der WDR Westart-Zuschauerjury Prize of the WDR Westart Audience Jury Gestiftet von Sponsored by WDR Westart

1.000 Euro 500 Euro 750 Euro

Internationaler Kinder- und Jugendfilmwettbewerb International Children’s and Youth Film Competition

Preis der Kinderjury Prize of the Children’s Jury 1.000 Euro Gestiftet von Sponsored by Wirtschaftsbetriebe Oberhausen Förderpreis der Kinderjury Promotional Prize of the Children’s Jury 1.000 Euro Gestiftet von Sponsored by Energieversorgung Oberhausen Preis der Jugendjury Prize of the Youth Jury 1.000 Euro Gestiftet von Sponsored by Rotary Club Oberhausen ECFA Short Film Award Nominierung Nomination

MuVi Deutscher MuVi-Preis German MuVi Award 2.000 Euro Gestiftet von Sponsored by SAE Institute Bochum Deutscher MuVi-Publikumspreis German MuVi Audience Award Gestiftet von Sponsored by SAE Institute Bochum

1.000 Euro 500 Euro

Zahlen und Tendenzen Trends and figures

Zahlen und Tendenzen Trends and figures Beiträge Films

Auswahl Selected

Einreichungen Submitted

Internationaler Wettbewerb International Competition

2.776

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition

1.000

Deutscher Wettbewerb German Competition

764

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition

202

NRW-Wettbewerb NRW Competition

215

Kinder- und Jugendfilmwettbewerb Children’s and Youth Film Competition

661

MuVi-Preis MuVi Award

Laufzeiten Duration

0'–10'

10'–20'

20'+

Internationaler Wettbewerb International Competition

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition

Deutscher Wettbewerb German Competition

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition

NRW-Wettbewerb NRW Competition

Kinder- und Jugendfilmwettbewerb Children’s and Youth Film Competition

MuVi-Preis MuVi Award

–

Premieren Premieres

Weltweit Worldwide

International International

Deutschland German

Internationaler Wettbewerb International Competition

–

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition

Deutscher Wettbewerb German Competition

–

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition

–

NRW-Wettbewerb NRW Competition

–

Kinder- und Jugendfilmwettbewerb Children’s and Youth Film Competition

MuVi-Preis MuVi Award

–

Internationaler Wettbewerb International Competition Brasilien Brazil Ruanda Rwanda Schweden Sweden USA

3 3 3 3

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition USA Kroatien Croatia China Frankreich France Japan Norwegen Norway Portugal Schweiz Switzerland

3 2 2 2 2 2 2 2

Deutscher Wettbewerb German Competition Bayern Bavaria Berlin Hamburg Niedersachsen Lower Saxony Nordrhein-Westfalen North Rhine-Westphalia Rheinland-Pfalz Rhineland-Palatinate Thüringen Thuringia

1 8 1 1 2 1 1

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Baden-Württemberg Bayern Bavaria Berlin Niedersachsen Lower Saxony Nordrhein-Westfalen North Rhine-Westphalia

1 1 6 1 1

Kinder- und Jugendwettbewerb Children’s and Youth Competition Frankreich France China Israel Schweden Sweden Schweiz Switzerland

5 3 3 3 3

Hochschulen Universities Deutschland Germany Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin Filmakademie Baden-Württemberg Hochschule für Bildende Künste Braunschweig Hochschule für Fernsehen und Film München Kunsthochschule Kassel

1 1 1 1 1

Nordrhein-Westfalen North Rhine-Westphalia Kunsthochschule für Medien Köln SAE Institute Bochum ifs internationale filmschule köln

2 1 1

Zahlen und Tendenzen Trends and figures

Herkunft Origin

Alice Butler, Irland Ireland

Mitbegründerin und Co-Direktorin von aemi, einer Organisation, die sich für die Entwicklung der Künstlerfilmkultur in Irland einsetzt. Sie unterrichtet im Modul Experimentalfilm am Trinity College Dublin und hat für Sight and Sound, Vdrome, Paper Visual Art und Ausstellungstexte für Atoosa Pour Hosseini und Colin Martin geschrieben. Sie hat ein Übersichtskapitel über den Filmemacher Pat Murphy geschrieben, das dieses Jahr veröffentlicht werden soll, und ist Filmdozentin für die Dublin City Gallery The Hugh Lane. Co-founder and co-director of aemi, an organisation dedicated to the development of artist film culture in Ireland. She teaches in the Experimental Film module at Trinity College Dublin and has written for Sight and Sound, Vdrome, Paper Visual Art and exhibition texts for Atoosa Pour Hosseini and Colin Martin. She has written a survey chapter on filmmaker Pat Murphy to be published this year and is a film lecturer for Dublin City Gallery The Hugh Lane. © FOKU

Vanesa Fernández Guerra, Spanien Spain

Direktorin des Zinebi International Festival of Documentary and Short Film of Bilbao und Dozentin für audiovisuelle Kommunikation an der Universität des Baskenlandes. Derzeit ist sie Gastdozentin für den Masterstudiengang Creative Documentary Theory and Practice an der Universitat Autònoma de Barcelona. Sie ist auch Koordinatorin des multidisziplinären Projekts „Territorios y Fronteras. Research on Documentary Filmmaking“. Director of Zinebi International Festival of Documentary and Short Film of Bilbao and a PhD lecturer in Audiovisual Communication at the University of the Basque Country. She is currently guest lecturer on the Creative Documentary Theory and Practice Master’s course at Universitat Autònoma de Barcelona. She is also the coordinator for the multidisciplinary project ‘Territorios y Fronteras. Research on Documentary Filmmaking’.

Sohrab Hura, Indien India

Sohrab Huras Herzstück ist zwar die Fotografie, aber er versucht immer wieder, diese Form zu brechen und auf Film, Text und Ton auszuweiten. Im Jahr 2010 drehte er seinen ersten Kurzfilm Pati, eine Kompilation aus Fotografien, gesammelten Tönen, Filmmaterial und Text sowie seiner Stimme, die einen Einblick in das Leben in einem Dorf in Zentralindien gibt. Er lebt und arbeitet in Neu-Delhi. Sohrab Hura‘s centrepiece may be photography, but he regulary tries to break this form and extend it to film, text and sound. In 2010, he made his first short film Pati, a compilation of photographs, collected sounds, film footage and text, as well as his voiceover, which gives an insight into life in a village in central India. He lives and works in New Delhi.

Jurys Juries

Jury des Internationalen Wettbewerbs Jury of the International Competition

Paul Feigelfeld, Deutschland Germany

Professor für Wissenskulturen im digitalen Zeitalter an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und Universitätsassistent für Cross-Disciplinary Strategies an der Universität für angewandte Kunst Wien. Studierte Kulturwissenschaften und Informatik an der Humboldt-Universität zu Berlin. Bis 2011 Assistent von Friedrich Kittler am Lehrstuhl für Ästhetik und Geschichte der Medien. 2019 Gastkurator der Vienna Biennale mit der Ausstellung Uncanny Values. Künstliche Intelligenz & Du. Professor for Cultures of Knowledge in the Digital Age at the Braunschweig University of Art and University Assistant for Cross-Disciplinary Strategies at the University of Applied Arts Vienna. Studied cultural studies and computer science at the Humboldt-Universität zu Berlin. Until 2011, assistant to Friedrich Kittler at the Chair for Aesthetics and History of Media. In 2019, guest curator of the Vienna Biennale with the exhibition Uncanny Values. Artificial Intelligence & You.

Miriam Gossing und Lina Sieckmann, Deutschland Germany

Arbeiten als Duo an der Schnittstelle von Film und bildender Kunst. Ihre Arbeiten werden international auf Festivals und in Museen gezeigt und wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet u. a. auf dem International Film Festival Rotterdam, in den Anthology Film Archives in New York und dem Image Forum Festival Tokyo. Gründerinnen des Kollektivs Schalten und Walten und des Blonde Cobra – Festival for Queer & Experimental Cinema in Köln. Work as a duo at the interface of film and visual art. Their work is shown internationally at festivals and museums and has received numerous awards, including the International Film Festival Rotterdam, the Anthology Film Archives in New York and the Image Forum Festival Tokyo. Founders of the collective Schalten und Walten and the Blonde Cobra – Festival for Queer & Experimental Cinema in Cologne.

Jurys Juries

Jury des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen Jury of the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

Jurys Juries

Jury des Internationalen Online-Wettbewerbs Jury of the International Online Competition

Magdalena Magiera, Deutschland/Singapur Germany/Singapore

Kuratorin und wissenschaftliche Mitarbeiterin am Nanyang Technological University Centre for Contemporary Art Singapur. Ausstellungsgestaltung und Aufbau von Veranstaltungsorten, Entwicklung prozessbasierter Forschung, Organisation von Vorträgen und Konferenzen sowie Durchführung von Veranstaltungen und Performances. Sie entwickelte Projekte mit dem Rockbund Art Museum Shanghai, der dOCUMENTA (13), e-flux in Berlin, Mexico City und New York City. Curator and research associate at Nanyang Technological University Centre for Contemporary Art Singapore. Exhibition design and venue construction, developing process-based research, organising lectures and conferences and staging Cloe Masotta, Spanien Spain events and performances. She developed projects with the Lehrerin, Kritikerin für Film und moderne Kunst, Kuratorin Rockbund Art Museum Shanghai, dOCUMENTA (13), e-flux in und Kunstvermittlerin. Sie promovierte in Kommunikations- Berlin, Mexico City and New York City and frieze d/e. wissenschaften an der Universitat Pompeu Fabra in Barcelona, wo sie auch ihre Abschlüsse in Geisteswissenschaften und audiovisueller Kommunikation sowie ihren Master in Filmstudien und zeitgenössischen audiovisuellen Medien machte. Als Mitglied der Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) war sie Mitglied der Kritikerjury bei verschiedenen Festivals. Teacher, film and modern art critic, curator and art educator. She holds a PhD in Communication Studies from University Pompeu Fabra in Barcelona, where she also obtained her degrees in Humanities and Audiovisual Communication, as well as her Master‘s in Film Studies and Contemporary Audiovisuals. As a member of the Catalan Association of Writing and Cinematographic Criticism (ACCEC), she has been a member of the jury of critics at various festivals.

Karen Russo, Vereinigtes Königreich United Kingdom

In London lebende Künstlerin und Filmemacherin, geboren 1974. In ihrer Arbeit verwendet sie Dokumente und Erzählungen, um zu untersuchen, wie Wissen, Wahrnehmung und Kultur das Rationale mit dem Obskuren verflechten. Indem sie marginalisierten Praktiken, obskuren Phänomenen und esoterischen Wissensformen nachspürt, setzt sie sich mit dem Erbe der transgressiven Mittel zum Verständnis des Ungesehenen und Unbekannten auseinander. Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt. London-based artist and filmmaker, born 1974. Her work uses documents and narratives to explore how knowledge, perception and culture intertwine the rational with the obscure. By tracing marginalised practices, obscure phenomena and esoteric forms of knowledge, she engages with the legacy of transgressive means of understanding the unseen and unknown. Her work has been exhibited worldwide.

Soso Dumbadze, Georgien Gerorgia

Soso Dumbadze, geboren 1981, ist Absolvent der Kunsthochschule für Medien Köln. Er promovierte an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Er ist Professor am Georgian Institute of Public Affairs. Sein Film Sunny Night von 2017, Co-Regie Lea Hartlaub, wurde auf dem DOK Leipzig Festival uraufgeführt. 2006 gründete er Sa.Ga. Publishing for Society und veröffentlichte Autoren wie Walter Benjamin, Pier Paolo Pasolini, Harun Farocki, Chris Marker und andere. Soso Dumbadze, born 1981, is a graduate of the Academy of Media Arts Cologne. He received his doctorate from the University of Fine Arts of Hamburg. He is a professor at the Georgian Institute of Public Affairs. His film Sunny Night from 2017, co-directed by Lea Hartlaub, premiered at the DOK Leipzig Festival. In 2006, he founded Sa.Ga. Publishing for Society and published authors such as Walter Benjamin, Pier Paolo Pasolini, Harun Farocki, Chris Marker and others.

Fabian Saavedra-Lara, Deutschland Germany

Geboren 1981. Kurator im Kontext Medienkunst und digitale Kultur. Zu seinen Projekten gehören Requiem für eine Bank (2013) und Afro-Tech and the Future of Re-Invention (2017) im Hartware MedienKunstVerein Dortmund, Cold bodies, warm machines (2016) im NRW-Forum Düsseldorf und Blue Skies / Bodies in Trouble (2019) im PACT Zollverein Essen. Seit 2013 Leiter des Büros des medienwerk.nrw. Von 2016 bis 2021 CoLeitung des Programms Interkultur Ruhr des RVR Regionalverband Ruhr. Born 1981. Curator in the context of media art and digital culture. His projects include: Requiem for a Bank (2013) and AfroTech and the Future of Re-Invention (2017) at Hartware MedienKunstVerein Dortmund, Cold bodies, warm machines (2016) at NRW-Forum Düsseldorf and Blue Skies / Bodies in Trouble (2019) at PACT Zollverein Essen. Since 2013, head of the Linnea Semmerling, Deutschland Germany Linnea Semmerling ist die Leiterin des Düsseldorfer Inter office of medienwerk.nrw. From 2016 to 2021, co-director of Media Art Institute. Sie hat Abschlüsse in Kulturwissen- the Interkultur Ruhr programme of RVR Regionalverband Ruhr. schaften, Kunstwissenschaften und Technologiestudien. Sie organisiert regelmäßig Ausstellungen und schreibt für akademische Publikationen, Ausstellungskataloge und Kunstmagazine. Ihre kuratorischen und Forschungsinteressen betreffen sozial engagierte künstlerische Praktiken und die Beziehungen zwischen Technologien, Institutionen und den Sinnen. Linnea Semmerling is the director of the Düsseldorf Inter Media Art Institute. She holds degrees in cultural studies, art studies and technology studies. She regularly organises exhibitions and writes for academic publications, exhibition catalogues and art magazines. Her curatorial and research interests concern socially engaged artistic practices and the relationships between technologies, institutions and the senses.

Jurys Juries

Online-Jury des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen Online Jury of the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

Jurys Juries

Jury der Internationalen Filmkritik (FIPRESCI) Jury of the International Federation of Film Critics (FIPRESCI) Lamia Fathy, Deutschland Germany

Ägyptische Filmkritikerin und Filmprogrammgestalterin mit Sitz in Berlin. Studierte Theaterwissenschaft und Kritik an der Ain Shams Universität in Kairo und nahm an verschiedenen Schulungen und Workshops über physisches Theater und Filmemachen teil. Mitglied der Egyptian Film Critics Association. Arbeitete als Programmgestalterin bei mehreren Filmfestivals in Ägypten und war Assistentin des künstlerischen Leiters der Cairo International Film Critics Week sowie FIPRESCI-Jurymitglied bei der 72. Berlinale. Egyptian film critic and film programmer based in Berlin. Studied drama and criticism at Ain Shams University in Cairo and participated in various trainings and workshops on physical theater and filmmaking. Member of the Egyptian Film Critics Association. Worked as a programmer at several film festivals in Egypt and was an assistant to the artistic director of the Cairo International Film Critics Week, as well as a FIPRESCI jury member at the 72nd Berlinale.

Hamed Soleimanzadeh, Iran

Hamed Soleimanzadeh ist ein internationaler Filmkritiker, Forscher, Filmemacher, Schauspieler, Schriftsteller, Übersetzer und Universitätsdozent. Er ist offizielles Mitglied der Fédération Internationale de la Presse Cinématographique – FIPRESCI. Er hat einen Doktortitel in Filmwissenschaft und arbeitet derzeit an der Universität der Künste Berlin als Forscher im Bereich Film und Philosophie. Er war Jurymitglied bei zahlreichen internationalen Filmfestivals wie der Berlinale und dem Festival de Cannes. Hamed Soleimanzadeh is an international film critic, researcher, filmmaker, actor, writer, translator and university lecturer. He is an official member of the International Federation of Film Critics – FIPRESCI. He holds a PhD in Film Studies and currently works at the Berlin University of the Arts as a researcher in the field of film and philosophy. He has been Ieva Šukytė, Litauen Lithuania among the jury members of numerous international film fesIeva Šukytė ist eine in Vilnius ansässige Filmkritikerin und tivals such as the Berlinale and Festival de Cannes. Festivalprogrammiererin, die sich auf das asiatische Kino und Kurzfilme spezialisiert hat. Sie schreibt regelmäßig für den nationalen litauischen Radio- und Fernsehsender und die wöchentliche Kunstzeitung „7 Days of Art“. Seit kurzem berichtet sie über Kurzfilme für Directors Notes. Außerdem ist sie leitende Programmgestalterin für das Vilnius International Short Film Festival. Ieva Šukytė is a Vilnius-based film critic and festival programmer specializing in Asian cinema and short films. She writes regularly for the Lithuanian national radio and television station and the weekly art newspaper ‘7 Days of Art’. She recently started covering short films for Directors Notes. She is also a senior programmer for the Vilnius International Short Film Festival.

Jean-Jacques Cunnac, Frankreich France

Jean-Jacques Cunnac ist Regisseur mehrerer nominierter Kurzspiel- und Dokumentarfilme. Er hat für die Sender France Télévisions in Paris, M6 in Paris, Radio Télévision Suisse in Genf und NBC in Hongkong gearbeitet. Er ist ein unabhängiger Dokumentarfilmer für mehrere französische und deutsche Fernsehsender. Er ist Mitglied von SIGNIS France und verantwortlich für die Sektionen Kurzfilm und Dokumentarfilm beim Christlichen Filmfestival von Montpellier. Jean-Jacques Cunnac is the director of several nominated short fiction and documentary films. He has worked for France Télévisions in Paris, M6 in Paris, Radio Télévision Suisse in Geneva and NBC in Hong Kong. He is an independent documentary filmmaker for several French and German television channels. He is a member of SIGNIS France and is Joël Friso, Niederlande Netherlands responsible for the short film and documentary sections at Joël Friso, geboren 1986, ist Kommunikationsspezialist und the Montpellier Christian Film Festival. Filmkritiker. Er studierte Medien, Religion und Kultur an der Vrije Universiteit Amsterdam und schrieb seine Doktorarbeit über Film und Religion. Er arbeitet als Kommunikationsspezialist für die niederländische Regierung. Außerdem ist er Vorstandsmitglied der niederländischen Filmorganisation Het Filmgesprek und der Internationalen Kirchlichen Filmorganisation INTERFILM. Joël Friso, born in 1986, is a communications specialist and film critic. He studied media, religion and culture at the Vrije Universiteit Amsterdam and wrote his doctoral thesis on film and religion. He works as a communication specialist for the Dutch government. He is also a board member of the Dutch film organisation Het Filmgesprek and of the International Interchurch Film Organisation INTERFILM.

Anna-Maria Kégl, Deutschland Germany

Anna-Maria Kégl, geboren 1995, ist Junior Investor Relation Manager bei Finantien Consulting in Köln. Sie ist Masterstudentin der Philosophie, Politik und Wirtschaft an der Universität Witten/Herdecke. Zuvor absolvierte sie ein Bachelor-Studium der Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Universität Wien und sammelte Berufserfahrung bei verschiedenen Filmproduktionsfirmen im In- und Ausland in den Bereichen Liveshow, Drehbuch, Dokumentation, Reportage und Pressestelle. Anna-Maria Kégl, born in 1995, is Junior Investor Relation Manager at Finantien Consulting in Cologne. She is a Master‘s student of Philosophy, Politics and Economics at the Witten/ Herdecke University. She previously completed a Bachelor‘s degree in Theatre, Film and Media Studies at the University of Vienna with work experience in various film production companies in Germany and abroad in the areas of live show, scripted set, documentary, reportage and press office.

Jurys Juries

Ökumenische Jury Ecumenical Jury

Jurys Juries

Ökumenische Online-Jury Ecumenical Online Jury Innocent Umezuruike Iroaganachi, Irland/Nigeria Ireland/Nigeria

Medienpraktiker als Autor akademischer und nicht-akademischer Texte, Koproduktion von Print- und audiovisuellen Inhalten und Tätigkeit als Juror bei internationalen Filmprojekten. Strebt einen Master in Medienwissenschaften an und hat einen Bachelor in Kommunikationswissenschaften und einen Master in Pastoraler Kommunikation. Mitarbeiter des Young Peace Journalists Projekts von Pax Christi International sowie Autor für die Asante Africa Foundation. Media practitioner in academic and non-academic writing, co-producing print and audiovisual content and serving as a juror on international film projects. Pursuing a Master’s degree in Media Studies and holds a Bachelor’s degree in Communication Studies and a Master’s degree in Pastoral Communication. Contributor to the Young Peace Journalists project of Pax Christi International and a writer for the Asante Africa Foundation.

Mina Radović, Vereinigtes Königreich United Kingdom

Geboren 1996. Archivar, Kritiker und Doktorand an der Goldsmiths, University of London. Gründer und Direktor von Liberating Cinema, einer gemeinnützigen Organisation, die sich für die Präsentation, Restaurierung und Ausstellung des weltweiten Filmerbes einsetzt. Erwarb seinen Master in Filmwissenschaften und Germanistik von der University of St Andrews. Schreibt regelmäßig für Fachzeitschriften und berichtet über Filmfestivals. Born in 1996. Archivist, critic and PhD student at Goldsmiths, University of London. Founder and director of Liberating Cinema, a not-for-profit organisation dedicated to the representation, restoration and exhibition of the world’s film heritage. Received his Master’s degree in Film Studies and German LanMarta Romanova-Jekabsone, Lettland Latvia guage, Literature and Linguistics from the University of St Geboren 1981. Freiberufliche Filmproduzentin aus Lettland Andrews. Regularly contributes to journals and writes about mit Erfahrung im Bereich Marketing und Öffentlichkeitsarbeit. film festivals. Master in Kommunikationswissenschaften. Begann ihre Karriere in der Filmbranche 2014 als ausführende Produzentin des Dokumentarfilms Ruch and Norie. Entwickelt neue Filmprojekte mit dem Hauptinteresse, inspirierende Filme mit starken Frauenfiguren und weiblichen Handlungssträngen zu schaffen, die der Welt Licht und Hoffnung geben. Born in 1981. Freelance film producer from Latvia with experience in marketing and public relations. Holds a Master’s degree in Communication Studies and started her career in the film industry in 2014 as an executive producer of the documentary film Ruch and Norie. Develops new film projects with the interest to create inspiring films with strong female characters and female storylines that give light and hope to the world.

Jurys Juries

Jury des Deutschen Wettbewerbs Jury of the German Competition

Laurentia Genske, Deutschland Germany

Studierte an der Kunsthochschule für Medien Köln und an der Escuela Internacional de Cine y TV in Kuba. Während ihres Studiums drehte sie die Dokumentarfilme El Manguito, Afuera und Am Kölnberg. Am Kölnberg erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Deutschen Dokumentarfilmpreis. Ihr Debütfilm Zuhurs Töchter wurde auf dem DOK.fest München mit dem VIKTOR DOK.deutsch ausgezeichnet und kam 2021 in die Kinos. Studied at the Academy of Media Arts Cologne and at the International School of Film and TV in Cuba. During her studies, she made the documentaries El Manguito, Afuera and Am Kölnberg. Am Kölnberg received numerous awards, including the German Documentary Film Award. Her debut film Zuhurs Töchter was awarded the VIKTOR DOK.deutsch at DOK.fest Munich and was released in 2021.

Julia Grosse, Deutschland Germany

Mitbegründerin und künstlerische Leiterin der Plattform Contemporary And (C&). Dozentin an der Universität der Künste Berlin und assoziierte Kuratorin am Gropius Bau. Studierte Kunstgeschichte und arbeitete als Kolumnistin und Kunstjournalistin in London. Im Jahr 2020 kuratierte sie Friendly Confrontations: Festival zu globaler Kunst und Institutionskritik in München an den Kammerspielen und wurde mit dem Preis European Cultural Manager of the Year, mit Yvette Mutumba, ausgezeichnet. Co-founder and artistic director of the Contemporary And (C&) platform. Lecturer at the Berlin University of the Arts and an associate curator at the Gropius Bau. Studied art history and worked as a columnist and art journalist in London. In 2020, she curated Friendly Confrontations: Festival on Global Art and Institutional Critique at the Kammerspiele in Munich and was awarded the European Cultural Manager of the Year prize with Yvette Mutumba. © Torsten Roman

Markus Hannebauer, Deutschland Germany

Berliner Software-Unternehmer. Sammelt seit 2010 zeitbasierte Kunst. Im Jahr 2019 gründete er Fluentum, eine Plattform für das Produzieren, Sammeln und Ausstellen von Video und Film. Er war u. a. Jurymitglied bei Kino der Kunst in München und der Videonale in Bonn und unterstützt seit 2016 mit dem Videonale Preis der Fluentum Collection junge Künstler*innen bei der Produktion neuer Arbeiten. Berlin-based software entrepreneur. Has been collecting time-based art since 2010. In 2019, he founded Fluentum, a platform for producing, collecting and exhibiting video and film. He was a jury member at the Kino der Kunst in Munich and Videonale in Bonn, among others and has supported young artists in the production of new works since 2016 with the Videonale Prize of the Fluentum Collection.

Jurys Juries

Jury des Deutschen Online-Wettbewerbs Jury of the German Online Competition

Jens Pecho, Deutschland Germany

Künstler und Filmemacher aus Berlin. Studierte an der Kunsthochschule für Medien Köln und an der Städelschule in Frankfurt am Main. In seinen textbasierten Arbeiten, Videos und Installationen greift er häufig auf vorhandenes Material zurück, das er analytisch bearbeitet und neu arrangiert. Sein Film Three Casualties wurde 2018 in Oberhausen mit einer lobenden Erwähnung ausgezeichnet. Zuletzt war er mit Housebound in Oberhausen 2020 vertreten. Artist and filmmaker from Berlin. Studied at the Academy of Media Arts Cologne and at the Städelschule in Frankfurt am Main. In his text-based works, videos and installations, he often draws on existing material, which he analytically processes and rearranges. His film Three Casualties was awarded an honourable mention in Oberhausen in 2018. Most recently, he was represented in Oberhausen 2020 with Housebound.

Christine Rüffert, Deutschland Germany

Filmkuratorin und Filmwissenschaftlerin. Von 1990 bis 2007 Geschäftsführerin des Kommunalkinos Bremen und von 1990 bis 2008 Mitglied der Auswahlkommission des European Media Art Festivals in Osnabrück. Gründete und leitet seit 1992 das Experimentalfilmforum film:art, seit 1993 das queerfilm festival Bremen. Seit 1995 Mitorganisatorin des Internationalen Bremer Symposiums zum Film. Seit 2009 forscht sie zum Experimentalfilm an der Universität Bremen. Film curator and film scholar. From 1990 to 2007 managing director of the Kommunalkino Bremen and from 1990 to 2008 member of the selection committee of the European Media Art Festival in Osnabrück. Founded and has directed the experimental film forum film:art since 1992, the queerfilm festival Bremen seit 1993. Since 1995 co-organiser of the International Bremen Film Conference. Since 2009 she has been researching experimental film at the University of Bremen.

Can Sungu, Deutschland Germany

Freischaffender Künstler, Kurator und Forscher. Studierte Film, interdisziplinäre Kunst und visuelles Kommunikationsdesign in Istanbul und Berlin. Unterrichtete Film- und Videoproduktion, kuratierte verschiedene Reihen zu Film und Migration und nahm an zahlreichen Ausstellungen teil. Arbeitet als Juror und Berater u. a. für das Berlinale Forum, den Deutschen Akademischen Austauschdienst und den Hauptstadtkulturfonds. Mitbegründer und künstlerischer Leiter von bi’bak und Sinema Transtopia in Berlin. Freelance artist, curator and researcher. Studied film, interdisciplinary art and visual communication design in Istanbul and Berlin. Has lectured on film and video production, curated various events on film and migration and participated in numerous exhibitions. Works as a juror and consultant for the Berlinale Forum, the German Academic Exchange Service and the Capital Cultural Fund, among others. Co-founder and artistic director of bi’bak and Sinema Transtopia in Berlin.

Birgit Hauska, Deutschland Germany

Geboren 1961, Studium der Sportwissenschaften mit Schwerpunkt Tanz in Köln. Hospitanz bei der Deutschen Welle und freiberufliche journalistische Arbeit im Kunst- und Kultur Bereich. Wissenschaftliche Mitarbeit im Deutschen Tanzarchiv, dort Aufbau der Abteilung Tanz & Medien. Heute ist sie verantwortlich für die operative Kunstvermittlung, Kurzfilm und Medienkunst der SK Stiftung Kultur. Kuratiert seit Jahren genreübergreifende Kurzfilmprogramme und initiiert Generationenworkshops im künstlerischen Kontext. Born in 1961, studied sports science with a focus on dance in Cologne. Internship at Deutsche Welle and freelance journalistic work in the arts and culture. Research assistant at the German Dance Archive, where she set up the Dance & Media department. Today she is responsible for the operative art education, short film and media art of the SK Stiftung Kultur. Curates cross-genre short film programs on socially relevant topics for years and initiates generation workshops in an artistic context.

Hilde Hoffmann, Deutschland Germany

Hilde Hoffmann ist Medienwissenschaftlerin. Sie lehrt und forscht am Institut für Medienwissenschaft, Ruhr-Universität Bochum. Freie Tätigkeiten im Filmfestival-, Kunst- und Kulturbereich. Sie war Gastprofessorin an der University of Minnesota, USA und der Universität Wien, Österreich. Arbeitsschwerpunkte: Visuelle Kultur und Film/AV-Medien, Medien und Geschichte/Gedächtnis, Rassismus, Antiziganismus und Postkoloniale Theorie. Hilde Hoffmann is a media scientist. She teaches and researches at the Institute for Media Studies, Ruhr University Bochum. Freelance work in the areas of film festivals, art and culture. She has been a visiting professor at the University of Minnesota, USA and the University of Vienna, Austria. Main fields of work: Visual culture and film/AV media, media and history/memory, racism, antiziganism, and postcolonial theory.

Ulli Klinkertz, Deutschland Germany

Geboren 1964. Im Verlauf des geisteswissenschaftlichen Studiums zum Film gekommen. Über die aktive Mitgliedschaft im Filmclub der Bonner Universität das Kino machen gelernt. Seit 1997 bis heute hauptverantwortlich für die verschiedenen Kinoprogramme der Bonner Kinemathek, die das preisgekrönte Einsaal-Arthauskino Kino in der Brotfabrik betreibt und Filmprogramme für verschiedene andere Institutionen in Bonn drinnen wie draußen konzipiert und durchführt. Born in 1964, he came to film in the course of his studies in the humanities. Learned to make cinema through active membership in the Film Club of Bonn University. Since 1997 until today mainly responsible for the various cinema programs of the Bonner Kinemathek, which runs the award-winning single-room arthouse cinema Kino in der Brotfabrik and conceives and carries out film programmes for various other institutions in Bonn, both indoors and outdoors.

Jurys Juries

Jury des NRW-Wettbewerbs Jury of the NRW Competition

Jurys Juries

Jury des Kinderfilmwettbewerbs Jury of the Children’s Film Competition

Haley Brans, Deutschland Germany

Zeynep Gökdemir, Deutschland Germany

Feras Ismaeil, Deutschland Germany

Aylin Sacirovic, Deutschland Germany

Ich heiße Haley und ich komme aus Deutschland. Ich bin 10 Jahre alt und gehe in die 4. Klasse. Ich male selber gerne Comics. Ich schwimme auch gerne. Ich bin Jurymitglied, weil ich mich für Filme interessiere und gerne ins Kino gehe. Ich freue mich auf viele tolle Filme und werde etwas Schönes anziehen. Vielleicht gibt es auch Popcorn. My name is Haley, and I come from Germany. I am ten years old and in fourth grade. I like drawing my own comics. I also like swimming. I am a member of the jury because I am interested in films and like going to the cinema. I am looking forward to lots of great films and will put on something nice. Perhaps there will be popcorn as well.

Ich heiße Feras und bin 10 Jahre alt. Ich wohne in Oberhausen und meine Muttersprache ist Arabisch. Ich interessiere mich besonders für Landeskunde und die Erde. Ich bin dabei, weil ich mich gut ausdrücken kann und der Schulsprecher bin. Ich freue mich besonders viel auf die Kinofilme und auf die Trailer. Ich bin sehr neugierig und werde mich schick anziehen. My name is Feras and I am ten years old. I live in Oberhausen, and my mother tongue is Arabic. I am especially interested in geography and the Earth. I am taking part because I can express myself well and am the pupils‘ representative at school. I am particularly looking forward to the films and the trailers. I am very curious and will dress up for it.

Solin Suleman, Deutschland Germany

Ich bin Solin und mein Alter ist 9. Ich lebe in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Kurdisch. Für Filme und Spiele interessiere ich mich sehr. Ich bin ein Jurymitglied, weil ich mich gut ausdrücken kann und weil ich gerne Filme schaue. Ich freue mich auf die Filme und dass ich mit 4 anderen Kindern in der Jury bin. Ich werde mich schick machen. My name is Solin and I am nine. I live in Oberhausen. My mother tongue is Kurdish. I am very interested in films and games. I am a jury member because I can express myself well and because I like watching films. I am looking forward to the films and being on the jury with four other children. I will dress up for it.

Ich bin Zeynep. Ich bin 10 Jahre alt und wohne in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Türkisch. Meine Interessen sind: Filme, Serien und Kunst. Ich bin ein Jurymitglied, weil ich mich gut ausdrücken kann und weil ich gerne Filme schaue. Ich freue mich auf die Filme und dass ich mit 4 anderen Kindern in der Jury bin. Ich werde mich schick machen. I am Zeynep. I am ten years old and live in Oberhausen. My mother tongue is Turkish. My interests are films, series and art. I am a jury member because I can express myself well and because I like watching films. I am looking forward to the films and being on the jury with four other children. I will dress up for it.

Ich heiße Aylin. Ich bin 10 Jahre alt. Ich lebe in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Serbisch. Filme, Serien und Musik finde ich sehr interessant. Ich bin ein Jurymitglied, weil ich mich für Filme interessiere. Ich freue mich sehr auf die Filme. Ich habe vor mich sehr schick anzuziehen. Ich freue mich auf das Popcorn. Ich freue mich, dass ich dabei sein darf. My name is Aylin. I am ten years old. I live in Oberhausen. My mother tongue is Serbian. I find films, series and music very interesting. I am a jury member because I am interested in films. I am looking forward to the films very much. I plan to put on my very best clothes. I am looking forward to the popcorn. I am happy that I can take part.

Lara Wolf, Deutschland Germany

Lea Uthmann, Deutschland Germany

Ich heiße Lara Wolf, bin 15 Jahre alt und gehe in die 9. Klasse des Freiherr-vom-Stein-Gymnasiums. Mein Hobby ist Schwimmen. Ich mache aber auch gerne in meiner Freizeit Sport oder treffe mich mit meinen Freunden. Ich habe mich für die Jugendjury gemeldet, weil ich gerne Filme schaue, um mich über diese dann zu unterhalten. Besonders interessant finde ich die Hintergründe und Botschaften der Filme. Ich freue mich sehr darauf die Filme anzuschauen und mich darüber unterhalten zu können. Ich hoffe, dass ich dadurch tolle neue Erfahrungen sammeln kann. My name is Lara Wolf. I am 15 years old and in 9th grade at the Freiherr-vom-Stein Gymnasium. My hobby is swimming. In my free time, I do sports or get together with friends. I applied to be on the Youth Jury because I like watching films and talking about them afterwards. I find films‘ backgrounds and messages particularly interesting. I am looking forward very much to watching the films and being able to discuss them. I hope I can have some great new experiences doing it.

Ich heiße Lea Uthmann, bin 14 Jahre alt und in der neunten Klasse am Freiherr-vom-Stein-Gymnasium. Meine Freizeit verbringe ich am liebsten mit Freunden, Lesen oder damit Musik zu hören. Außerdem bin ich gern draußen, gehe spazieren oder reiten. Ich hatte Lust Teil der Jugendjury zu werden, weil ich es spannend finde mich mit anderen auszutauschen und es liebe ins Kino zu gehen. Es macht mir Spaß mit Freunden Filme zu interpretieren und ihre Botschaften zu verstehen, worauf ich mich auch besonders freue. My name is Lea Uthmann. I am 14 years old and in 9th grade at the Freiherr-vom-Stein-Gymnasium. I like spending my free time with friends, reading or listening to music. I also enjoy being outside walking or horse riding. I wanted to be part of the Youth Jury because I find it interesting discussing things with other people and love going to the cinema. It is fun for me to interpret films with friends and understand what the films are trying to say, and I am looking forward to it very much.

Eliana Starke, Deutschland Germany

Ella Holl, Deutschland Germany

Ich heiße Eliana Starke und bin 15 Jahre alt. Ich gehe in die 9. Klasse des Freiherr-vom-Stein-Gymnasiums in Oberhausen. In meiner Freizeit mache ich gerne Sport und treffe mich mit Freunden. Ich habe mich für die Jugendjury gemeldet, da es mir Spaß macht Filme zu gucken und mich mit ihren Hintergründen zu beschäftigen. Am meisten freue ich mich darauf die hoffentlich tollen Filme anzuschauen und mich mit den anderen darüber auszutauschen. My name is Eliana Starke and I am 15 years old. I am in 9th grade at the Freiherr-vom-Stein Gymnasium in Oberhausen. In my free time, I like doing sports and meet up with friends. I applied to be on the Youth Jury because I enjoy watching films and looking into their backgrounds. I am looking forward most of all to watching what I hope will be great films and exchanging views about them with the other members.

Ich bin Ella Holl, 15 Jahre alt und gehe in die 9. Klasse des Freiherr-vom-Stein-Gymnasiums. In meiner Freizeit mache ich gerne Sport und spiele Klavier. Außerdem interessiere ich mich für Kunst jeglicher Art, eingeschlossen Filmen, weshalb ich an den Kurzfilmtagen teilnehme. Ich freue mich sehr darauf die ausgewählten Filme zu sehen, zu bewerten und vielleicht auch neue Leute kennenzulernen. My name is Ella Holl. I am 15 years old and in 9th grade at the Freiherr-vom-Stein-Gymnasium. In my spare time I like doing sports and playing piano. I am also interested in art of every kind, including films, which is why I am taking part in the Short Film Festival. I am looking forward very much to watching and judging the selected films and perhaps meeting new people.

Jurys Juries

Jury des Jugendfilmwettbewerbs Jury of the Youth Film Competition

Jurys Juries

Jury der European Children’s Film Association Jury of the European Children’s Film Association

Franciszek Drąg, Polen Poland

Geboren 1996. Studium der Film- und Literaturwissenschaften an der Adam-Mickiewicz-Universität in Posen mit Studienaufenthalten in Potsdam und Berlin. Nachdem er bei verschiedenen Filmfestivals in Polen Erfahrungen sammelte, wirkt er nun beim internationalen Filmfestival für Kinder und Jugendliche Ale Kino! mit, bei dem er für das Kurzfilmprogramm verantwortlich ist. Hat verschiedene Filmkritiken und Artikel zu den Themen Kino und Kultur veröffentlicht. Born in 1996. Has graduated from Film and Literature Studies at the Adam Mickiewicz University in Poznań with study stays in Potsdam and Berlin. Gained experience at various film festivals in Poland before he has started working at the International Young Audience Ale Kino! Film Festival where he takes care of short film programme. Has published film critics and journal articles on cinema and culture.

Gloria Morano, Luxemburg Luxembourg

Geboren in Italien. Arbeitete mehrere Jahre lang an verschiedenen Experimentalfilmprojekten. Wirkte zeitgleich bei der Organisation verschiedener Filmfestivals in Frankreich und Italien mit. Übernahm 2017 die Leitung des Kinderund Jugendprogramms beim Filmfestival der Stadt Luxemburg. Seit 2018 ist sie Mitglied des allgemeinen künstlerischen Ausschusses des Festivals. Wirkt aktiv an der Auswahl der Filme für das Festival des cinémas différents et expérimentaux de Paris mit. Born in Italy. Worked several years on different experimental cinema projects. At the same time she started helping to organise different film festivals in France and Italy. In 2017, took over as Head of the Young Audiences Programme at the Luxembourg City Film Festival. In 2018, joined the festival’s general artistic committee. Is actively engaged in the film selection process of the Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris.

Kevin De Ridder, Belgien Belgium

Geboren 1985. Master in Kommunikationswissenschaften an der Universität Gent und postgraduales Studium der angewandten audiovisuellen Kommunikation an der Thomas-More-Fachhochschule. Arbeitet seit 2019 als Filmkurator bei JEF, der Anlaufstelle für alle, die sich im flämischsprachigen Teil von Belgien im Bereich Schule oder Freizeit mit den Themen Jugend, Film und Neue Medien befassen. JEF organisiert das größte Jugendfilmfestival in Flandern. Born 1985. Holds a master’s degree in Communication Sciences from the University of Ghent and a postgraduate diploma in Applied Audiovisual Communication from Thomas More. Since 2019, works as a film programmer at JEF, the point of contact for anyone dealing with youth, film and new media, at school or in leisure time, in the Dutch speaking part of Belgium. JEF organises the largest youth film festival in Flanders.

Rachel Grace Almeida, Deutschland Germany

Venezolanische Musik- und Kulturjournalistin und Redakteurin mit Sitz in Berlin. Stellvertretende Herausgeberin von Europas größter kostenloser Musik- und Kunstpublikation, dem Crack Magazine. Hat für internationale Print- und Digitalmedien wie Vice, i-D, Dazed, Red Bull und andere geschrieben, außerdem eine monatliche Residency bei NTS Radio, wo sie die ausgedehnten Klänge Lateinamerikas erkundet. Venezuelan music and culture journalist and editor based in Berlin. Deputy Editor of Europe’s biggest free music and arts publication, Crack Magazine. Has written for international print and digital outlets such as Vice, i-D, Dazed, Red Bull and more, also holds a monthly residency on NTS Radio, where she explores the expansive sounds of Latin America.

Karan Suri Talwar, Indien India

Filmemacher, Kunstvermittler und Gründer von Harkat, einem interdisziplinären Kunststudio, Filmlabor und alternativen Aufführungsraum mit Sitz in Mumbai. Liebt es, Dinge zu machen. Und die Arbeit mit seinen Händen. Filmmaker, arts enabler and founder at Harkat; an interdis- Raphael Smarzoch, Deutschland Germany ciplinary arts studio, film lab and alternative performance Geboren 1981 in Białystok, Polen. Arbeitete seit 2006 als Feaspace based in Mumbai. Likes making things. And working ture-Autor, Redakteur für aktuelle Kultur und Moderator für verschiedene Rundfunkanstalten der ARD. 2015 Promotion with his hands. im Fach Musikwissenschaft. Seit 2022 Musik-Redakteur bei Deutschlandfunk Kultur. Sein besonderes Interesse gilt allen nicht-kanonisierten Gegenwartskulturen. Born in 1981 in Białystok, Poland. Worked as a feature writer, current culture editor and presenter for various ARD broadcasters since 2006. 2015 PhD in musicology. Since 2022 music editor at Deutschlandfunk Kultur. His special interest is all non-canonised contemporary cultures.

Jurys Juries

Jury des MuVi-Preises Jury of the MuVi Award

Internationaler Wettbewerb International Competition

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

El nido del Sol The nest of the Sun

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

Im Nest der Sonne treffen sich Xolotl, Huitzilin und Xochitl, um den Strahlentanz wiederaufzunehmen, dessen farbenprächtige Hitze das neue Feuer ihres kosmischen Tanzes entfacht. Colectivo Los Ingrávidos ist ein mexikanisches Medienkunstkollektiv, das in den letzten zehn Jahren ein kraftvolles und vielfältiges Werk geschaffen hat, das die Verwendung von Bildern aus den Massenmedien, philosophische Reflexionen und politische Proteste gegen staatliche Gewalt und Menschenrechtsverletzungen umfasst. In the nest of the sun, Xolotl, Huitzilin and Xochitl meet to recover the dance of radiation, whose colourful heat stirs the new fire of their cosmic dance. Colectivo Los Ingrávidos is a Mexican media art collective that has created a powerful and diverse body of work over the past decade, including appropriations of mass media images, philosophical reflections and political protests against state violence and human rights abuses. Mexiko Mexico 2021 5'14" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Colectivo Los Ingrávidos

Filmauswahl Selected works Pirámide erosionada (2019), Altares (2019), Faces in the Crowd (2019), Dresden Codex (2019, in Oberhausen 2020), The Sun Quartet (2017), Coyolxauhqui (2017), Sangre seca (2017), Impresiones para una máquina de luz y sonido (2014), ABECEDARIO (2014)

Musik Music Gustavo Nandayapa Produktion Production Colectivo Los Ingrávidos Festival-Weltpremiere Festival world premiere Colectivo Los Ingrávidos Mexiko Mexico colectivolosingravidos@gmail.com losingravidos.com

Ruanda Rwanda 2021 23'45" Farbe Colour Kinyarwanda mit englischen Untertiteln Kinyarwanda with English subtitles Regie Director Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé Buch Script Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé Kamera Camera Udahemuka Louis Ton Sound Nshimiyimana Jean Bosco Schnitt Editor Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

In einem einsamen Haus an den Zwillingsseen im Norden Ruandas verbringt eine junge, mysteriöse Frau einige Tage mit einem Paar. Während ihres Aufenthalts führt ihre wachsende Verbindung zu einer der beiden Personen dazu, dass sie sich langsam näherkommen. Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé ist Absolvent der Haute école d’art et de design Genève im Department Cinema. Sein Kurzfilm I Got My Things And Left gewann 2019 den Großen Preis der Stadt Oberhausen. Er ist Alumnus der Locarno Filmmakers Academy und der Berlinale Talents und entwickelt derzeit zwei Spielfilme. Er leitet das Imitana Audiovisual Center, einen Raum für die lebendige junge Filmemacherszene in Kigali. In a lone house by the twin lakes in northern Rwanda, a young mysterious woman spends a few days with a couple. Along her short stay, her growing ties with one of them slowly pulls them together. Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé is a graduate of the film department at Geneva University of Art and Design. His short film I Got My Things And Left won the Grand Prize in Oberhausen in 2019. He is an alumnus of the Locarno Filmmakers Academy and Berlinale Talents and is currently developing two feature films. He runs the Imitana Audiovisual Center, a space for the vibrant young filmmaking scene in Kigali. I Got My Things And Left (2018, in Oberhausen 2019), Keza Lyn (2017), Noir Plaisir (2017), Waiting (2017), Versus (2016, in Oberhausen 2017), The Liberators (2016), Dayz (2016), City Dropout (2014), Ruhago/ Destiny Fm (2011)

Produktion Production Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé Festival-Weltpremiere Festival world premiere Imitana Productions Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé Ruanda Rwanda phabrat7@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

Twin Lakes HAVEN

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

Bóng Xà Bông Soapy Faggy

Vietnam 2021 6'35" Farbe Colour Vietnamesisch mit englischen Untertiteln Vietnamese with English subtitles Regie Director Phạm Nguyễn Anh Tú Kamera Camera Phạm Nguyễn Anh Tú, Nathan Collis

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

Bóng Xà Bông ist in dem Bemühen entstanden, der Frage nachzugehen, wie unser Gehirn bei der Konstruktion von Stereotypen und der Verarbeitung negativer Informationen funktioniert, insbesondere bei der Erzeugung von Klischees durch Nachrichten über die LGBTQ-Community in Vietnam. In diesem Film spiele ich einen schwulen Superhelden, der seine allererste queere Erinnerung in verschiedenen Formen nutzt, um über die Macht der Erinnerung nachzudenken. Phạm Nguyễn Anh Tú ist ein bildender Künstler, geboren und aufgewachsen in Ho-Chi-Minh-Stadt, Vietnam. Seine Herangehensweise an Videoproduktion ist eine Kombination aus animierten Collagen und Chroma-Key-Compositing, um Szenen aus persönlichen Erinnerungen, Fantasien oder inneren Dialogen nachzustellen und Themen wie queere Identität, Beziehungen und Bewusstsein zu erforschen. Soapy Faggy was made in my attempt to explore and understand how the brain works in terms of constructing stereotypes and processing negative information, with the focus on news-generated stereotypes of the LGBTQ community in Vietnam. In this film, I play a gay superhero who uses his first-ever queer memory in different forms to ponder upon the power of memory. Phạm Nguyễn Anh Tú is a visual artist born and raised in Sài Gòn, Vietnam. His approach to video production is a combination of animated collages and chroma key compositing to recreate scenes from personal memories, fantasies or inner dialogues exploring themes of queer identity, relationships and consciousness. Jessica Pixel (2021), i’m not the only one (2020), untitled #2 (2019, in Oberhausen 2020), untitled (2018)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Phạm Nguyễn Anh Tú Vietnam flameboi97@gmail.com

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

Das Auge der Kamera gleitet über eingerollte Teppiche, gestapelte Baklava, gewaschene Autos. Der Film spielt in der kilometerlangen Straße Norra Grängesbergsgatan in Malmö, auf der immer etwas passiert, bei Tag und bei Nacht. Ein Ort, an dem die Industriegeschichte und das neue Stadtbild miteinander verwoben sind. Amin Zouiten ist ein marokkanisch-schwedischer Künstler und Filmemacher, der an der Konsthögskolan i Malmö in Schweden ausgebildet wurde. Nadir ist sein Debütfilm. The camera eye silently glides over carpets that are folded, baklavas that are stacked, cars that are washed. The film takes place on the kilometer-long street Norra Grängesbergsgatan in Malmö, where there is feverish activity, day as night. A place where the city’s industrial history and new cityscape are intertwined. Amin Zouiten is a Moroccan-Swedish artist and filmmaker who trained at the Malmö Art Academy in Sweden. Nadir is his debut film. Schweden Sweden 2022 13' Farbe Colour Arabisch, Schwedisch, Englisch mit englischen Untertiteln Arabic, Swedish, English with English subtitles Regie Director Amin Zouiten Kamera Camera Roxana Reiss Ton Sound Malthe Møhr Tongestaltung Sound design Anne Gry Friis Kristensen Produktion Production Filmögon Internationale Festivalpremiere International festival premiere Amin Zouiten Schweden Sweden zouitenamin@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

Nadir

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

3rd Cinematic Nail Factory

Kroatien Croatia 2021 6'55" Schwarzweiß Black-and-white ohne Text without text Regie Director Dalibor Martinis Kamera Camera Dalibor Martinis Produktion Production Omnimedia Festival-Weltpremiere Festival world premiere Dalibor Martinis Kroatien Croatia dalibor@omnimedia.hr dalibormartinis.com

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

Der in der Hufeisennagelfabrik von Karlovac gedrehte Videofilm besteht aus 99 Aufnahmen. Eine spezielle Software wurde so entwickelt, dass sie bei jedem Durchlauf eine neue, zufällige Schnittfolge erzeugt. Jede generierte Konfiguration/Sequenz von Aufnahmen ergibt einen Originalfilm N-te Kinematic Nail Factory, wobei N die Ordnungszahl des entsprechenden von der Software geschnittenen Einzelfilms ist. Die Anzahl der möglichen Kombinationen von Aufnahmen ist praktisch unendlich: ein Film für jeden Nagel. Dalibor Martinis wurde 1947 in Zagreb geboren und ist ein Konzept- und Medienkünstler. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen, Performances und Filmvorführungen und hat an internationalen Ausstellungen, Video- und Filmfestivals teilgenommen. Seine Werke sind Teil wichtiger Sammlungen weltweit. The video film, shot in the Horseshoe Nail Factory, Karlovac, consists of 99 shots. Special software was developed so that each time it is run, it generates a new random sequence of cuts. Each generated configuration/sequence of shots makes one, original film N-th Kinematic Nail Factory, where N is the ordinal number of the corresponding, software-edited unique film. The number of possible combinations of shot orders is practically infinite. One film for each nail. Dalibor Martinis was born in Zagreb in 1947 and is a conceptual and media artist. He has had numerous solo exhibitions, performances and screenings and has participated in international exhibitions, video festivals and film festivals. His works are part of important collections worldwide. Filmauswahl Selected works N-th Cinematic Nail Factory (2021), Film Without Film (2017), Rehearsal of TV News from May 4. 1980 (2016), Request_reply.DM/2077 (2016), Odessa/ Stairs/1925/2014 (2014), We The People (2013, in Oberhausen 2014), DM1978 Talks to DM2010 (1978/2010) 42

Belgien, DR Kongo Belgium, DR Congo 2022 14' Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Collectif Faire-Part Kamera Camera Hammad Shahid Gaming, Qabas Marwan, CathayA340 Aviation Ton Sound Rob Jacobs, Anne Reijniers Schnitt Editor Rob Jacobs, Anne Reijniers Produktion Production Collectif Faire-Part Festival-Weltpremiere Festival world premiere Collectif Faire-Part DR Kongo DR Congo collectif.fairepart@gmail.com

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

2019 reisten die Filmemacher Paul Shemisi und Nizar Saleh von Kinshasa nach Frankfurt, weil ihr neuer Film dort aufgeführt wurde. Bei einem Zwischenstopp in Angola wurden sie am Flughafen aufgehalten, weil die Fluggesellschaft ihre Papiere für Fälschungen hielt. In diesem Kurzfilm gibt der Bericht der Filmemacher einen Einblick in die Tatsache, dass es für kongolesische Künstler unmöglich ist, problemlos und sicher zu reisen. Collectif Faire-Part ist ein Ensemble junger belgischer und kongolesischer Filmemacher, die seit 2015 zusammenarbeiten. Sie drehen Dokumentarfilme und organisieren Veranstaltungen, die sich vor allem mit Fragen der Entkolonialisierung und den zahlreichen komplexen Beziehungen zwischen Brüssel und Kinshasa befassen. Ihre Arbeiten wurden auf Filmfestivals und Ausstellungen in der ganzen Welt gezeigt. In 2019, filmmakers Paul Shemisi and Nizar Saleh travelled from Kinshasa to Frankfurt for a screening of their new film. During a stopover in Angola, they were stopped at the airport because the airline didn’t trust their papers. In this short film, the testimony from the filmmakers provides an insight into the impossibility for Congolese artists to travel trouble-free and in safety. Collectif Faire-Part is an ensemble of young Belgian and Congolese filmmakers who have been collaborating since 2015. They make documentaries and organise events that deal primarily with issues of decolonisation and the many complex relations between Brussels and Kinshasa. Their work has been shown at film festivals and exhibitions around the world. Speech For A Disappearing Statue (2022), In All Kinds Of Weather (2021), In Vele Handen (2020), Bayindo (2020), Faire-Part (2019), Bidon Vil (2018), Échangeur (2016)

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

L’escale The Stopover

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 1 Programme 1

2022

5. Mai 15:15 Uhr 5 May 3:15 pm Lichtburg

2022 ist ein Film in der Dauerschleife ohne Anfang und ohne Ende, das Publikum kann sich den Film ab einem beliebigen Zeitpunkt anschauen. Als Hobbyfilmemacherin weiß ich nicht wirklich viel über Filmmontage oder wie man Filmmaterial gut schneidet. Daher habe ich einen One-Shot-Film gedreht, in der Hoffnung, dass der Film möglichst flüssig sein würde. Zhongsu ist ein in China lebender Künstler, der sich seit 2011 der Produktion persönlicher audiovisueller Bilder widmet. 2022 is a looping film without a beginning or ending, the audience can view the movie from any point. As an amateur filmmaker, I don’t really know montage technic, and how to edit or cut footage well. So I decided to make a one-shot movie, hoping the film is as fluent as possible. Zhongsu is an artist living in China who has focused on producing personal audio-visual images since 2011. 8'28" (2021, in Oberhausen 2021), Phoenix (2020, in Oberhausen 2020), Sky City (2019, in Oberhausen 2019), Magnificent Obsession (2018, in Oberhausen 2018), The Book of Sand (2017), Animal Year (2016, in Oberhausen 2017), Forever (2015), Perfect Conjugal Bliss (2014), Empty Fort Strategy (2013)

China 2022 6'50" Farbe Colour ohne Text without text Von By Zhongsu Festival-Weltpremiere Festival world premiere Zhongsu China chiazhongsu@me.com

USA 2022 14'15" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch English Regie Director Lior Shamriz Musik Music Asaf Yuria, Teodora Stepančić Produktion Production Lior Shamriz, Spektakulativ Pictures Festival-Weltpremiere Festival world premiere Lior Shamriz USA info@spektakulativ.com liorshamriz.com

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Ein Triptychon über Projektionen auf Körper, entstanden durch Projektionen auf meinen Körper. Im Frühjahr 2021 galt mein Interesse zwei verschiedenen Forschungsprojekten. Das eine handelt von einer Person, die in den 1880er-Jahren lebte und immer wieder von Projektionen vereinnahmt wurde, und das andere ist die Geschichte eines Dichters aus dem 17. Jahrhundert, dem es für einen Moment gelang, dem Selbst zu entkommen, in das er bei seiner Geburt eingeschlossen wurde. Lior Shamriz wurde in Aschkelon am östlichen Mittelmeer geboren, lebt heute in Kalifornien und macht Filme, Installationen und Musik. Die Filme wurden unter anderem auf der Berlinale, dem Festival del film Locarno, der Documenta in Sarajevo und im Museum of Modern Art gezeigt und in Oberhausen ausgezeichnet. A triptych about projections on bodies, made by projecting on my body. In the spring of 2021, I found myself pulled by two different research projects, one about a person who lived in the 1880s who was being co-opted and re-co-opted by projections; the other is a story of a 17th-century poet who for a moment managed to escape the self he was shut up in when he was born. Lior Shamriz was born in Ashkelon on the eastern Mediterranean and now lives in California. They make films, installations and music. Their films have been shown at the Berlinale, the Festival del film Locarno, the Documenta in Sarajevo and the Museum of Modern Art, among others, and won prizes in Oberhausen. Filmauswahl Selected works Spring in the Park (2018), The Cage (2017), The Night (2015, in Oberhausen 2015), Cancelled Faces (2015), L’amour Sauvage (2014, in Oberhausen 2014), Beyond Love and Companionship (2012, in Oberhausen 2013), A Low Life Mythology (2012), Saturn Return (2009) 45

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 2 Programme 2

Port Saïd, Santa Cruz, Sarmad Kashani

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 2 Programme 2

The Decameron I

Kanada Canada 2021 3'09" Farbe Colour Englisch English Regie Director Kim Kielhofner Ton Sound Djfroyd, Bcostructsound Schnitt Editor Kim Kielhofner Produktion Production Kim Kielhofner

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Das in der Zeit der Coronabeschränkungen entstandene Werk The Decameron I besteht aus einer Collage mehrerer kurzer Videos, in denen Gedanken, Träume und Ängste dokumentiert werden, und wurde dem Stil des Dekameron, der Sammlung italienischer Novellen von Giovanni Boccaccio aus dem 14. Jahrhundert, nachempfunden. Diese erste Ausgabe eines fortlaufenden Projekts enthält auch Videos, die im Rahmen von 2GatherApart entstanden sind, einem Videoprojekt nach dem Prinzip des „Cadavre exquis“. Kim Kielhofner arbeitet als Künstlerin mit Interesse an vielschichtigen Erzählungen in Video, Zeichnung und Collage. Sie hat an zahlreichen internationalen Festivals und Künstlerresidenzen teilgenommen. Ihre Arbeiten wurden in mehreren Einzelausstellungen gezeigt. Made during the COVID-19 pandemic restrictions, The Decameron I brings together many short collage videos documenting thoughts, dreams and anxieties. They were made in the style of The Decameron, the collection of 14th-century Italian novellas by Giovanni Boccaccio. This is the first volume of an ongoing project and also includes selections created for 2GatherApart, a video exquisite corpse project. Kim Kielhofner works as an artist interested in layered narratives in video, drawing and collage. She has participated in numerous international festivals and artist residencies. Her work has been shown in several solo exhibitions. The Coldest Day of the Year (2020), The Shepherd (2018, in Oberhausen 2019), Anna (2017), Third Reading (2017), Reading Patterns Together (2016), Adeline through Montana (2015), Cecilia (Train to Illinois) (2014), Rehearsal (2012), Agenda (2011), Cahiers 1-4 (2010), Our Father (2009)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Kim Kielhofner Kanada Canada kim.kielhofner@gmail.com giantpixie.com

Spanien, Brasilien Spain, Brazil 2022 29'14" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Esther Vital Buch Script Esther Vital Kamera Camera Apto122, Giuliano Conti Ton Sound Miriam Biderman, Ricardo Reis Schnitt Editor Laura Martinez Salinas Musik Music Júlia Tygel Animation Esther Vital

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Die Philosophin, Professorin und Theaterregisseurin Heleny Guariba verschwand 1971 während der brasilianischen Diktatur. Inspiriert von den Arpilleras, einer einzigartigen Form politischen Widerstands, die aus den Schrecken des Pinochet-Regimes in Chile hervorging, enthüllen uns die gestickten und animierten Erinnerungen ihrer Angehörigen, was Worte nicht sagen können. Esther Vital ist Psychologin, Forscherin und Textilkünstlerin. Seit 2008 erforscht sie die Arpilleras, dreidimensionale applizierte Wandteppiche – ein Medium, mit dem Frauen Menschenrechtsverletzungen und Unterdrückung während der Pinochet-Diktatur anprangerten. Cadê Heleny ist Vitals Debütfilm und ein Versuch, die Arpilleras in ein kinematografisches Format zu übersetzen, um diese Sprache zu ehren und zu würdigen. Heleny Guariba, philosopher, professor and theatre director, disappeared in 1971 under the Brazilian dictatorship. Inspired by the arpilleras, a unique form of political resistance that emerged from the horrors of Pinochet regime in Chile, the stitched and animated memories of her loved ones reveal to us what could not be told in words. Esther Vital is a psychologist, researcher and textile artist. Since 2008 she has been researching the Chilean arpilleras, three-dimensional appliquéd tapestries, a medium used by women to denounce human rights violations and oppression during the Pinochet dictatorship. Searching Heleny is an attempt to honour and pay tribute to this language. Searching Heleny is her debut film.

Tongestaltung Sound design Miriam Biderman Produktion Production Apto122, Tripulante Produce SL Internationale Festivalpremiere International festival premiere Esther Vital Spanien Spain vercadeheleny@gmail.com apto122.wixsite.com/portfolio

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 2 Programme 2

Cadê Heleny? Searching Heleny?

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 2 Programme 2

Manchmal weiss ich nicht wo die Sonne Sometimes i dont know where the sun

Schweiz Switzerland 2021 3'50" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch, Deutsch mit englischen Untertiteln English, German with English subtitles Regie Director Samantha Aquilino Buch Script Samantha Aquilino Ton Sound Loïc Kreyden, Christof Steinmann Schnitt Editor Samantha Aquilino

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Ein Hummer, eine Katze, ein Reh. Gefährliche Rebellen. Ein Mensch, manchmal hier, manchmal da. Sucht Verbindung. Er stößt auf das Reh. Er stößt auf die Katze. Sie stoßen sich gegenseitig ab. Große Enttäuschung. Unser Mensch folgt dem Weg der Sonne, um nach gescheiterten Annäherungsversuchen durch das Teilen eines Apfels in Reichweite der Tiere zu kommen. Samantha Aquilino besuchte den Vorkurs für Gestaltung an der Hochschule Luzern – Design & Kunst und absolviert derzeit ein Bachelorstudium in Animation. Sie ist auch bildende Künstlerin und stellt ihre Werke in verschiedenen Ausstellungen aus. Manchmal weiss ich nicht wo die Sonne ist ihr Debütfilm. A lobster, a cat and a deer. Dangerous rebels. A human, sometimes here and sometimes there. He wants connection. He comes across the deer. He meets the cat. They reject each other. Big disappointment. Our human follows the way of the sun to reach the animals through sharing an apple. Samantha Aquilino attended a preparatory course for design at the Lucerne School of Art and Design and is currently graduating with a bachelor’s degree in animation. She is also a visual artist and shows her work in various exhibitions. Sometimes I Don’t Know Where the Sun is her debut film.

Musik Music Markus Schmied Animation Samantha Aquilino Tongestaltung Sound design Loïc Kreyden Produktion Production HSLU Design & Kunst / BA Animation Jürgen Haas Internationale Festivalpremiere International festival premiere Samantha Aquilino Schweiz Switzerland aquilino.samantha@gmail.com

Österreich Austria 2021 14' Schwarzweiß Black-and-white Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Von By Christiana Perschon Internationale Festivalpremiere International festival premiere sixpackfilm Gerald Weber Österreich Austria gerald@sixpackfilm.com sixpackfilm.com

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Ein außergewöhnliches Porträt einer zurückgezogen lebenden Künstlerin, die trotz ihres hohen Alters und dem schwindenden Augenlicht die Lust am Schaffen nicht verliert. Lieselott Beschorner, 1927 geboren, tauchte in der Kunstszene kaum auf und wollte keinem Netzwerk angehören, obwohl sie bereits 1951 als eine der ersten Frauen als Mitglied der Wiener Secession aufgenommen wurde. Christiana Perschon wurde 1978 in Baden bei Wien geboren und ist Künstlerin und Regisseurin. Sie studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien und arbeitete für den Österreichischen Rundfunk, das Filmarchiv Austria und als Kuratorin. Ihre Filme wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und auf internationalen Festivals gezeigt. An extraordinary portrait of a reclusive woman artist, who, despite her advanced age and failing eyesight, has not lost her desire to create. Lieselott Beschorner, born in 1927, rarely surfaced in the art scene and was not interested in belonging to any networks, although already in 1951 she was among the first women to be accepted as a member of the Vienna Secession. Christiana Perschon was born in Baden near Vienna in 1978 and is an artist and director. She studied at the Academy of Fine Arts Vienna and worked for the Austrian Broadcasting Corporation, the Filmarchiv Austria and as a curator. Her films have won numerous awards and have been shown at international festivals. Sie ist der andere Blick (2018), das bin nicht ich, das ist ein bild von mir (2018), Double 8 (2016, in Oberhausen 2018), Ghost Copy (2016), Noema (2014)

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Sekundenarbeiten

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A camera on my Lap

Südafrika South Africa 2022 17'57" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Shelley Barry Buch Script Shelley Barry Kamera Camera Shelley Barry Schnitt Editor Aimee Viljoen-Stroebel Animation Kombo Chapfika, Stacey Stent

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Lichtburg

Filmische, während des Lockdowns im südafrikanischen Gqeberha mit einem Mobiltelefon aufgenommene Überlegungen einer Filmemacherin über das Schaffen innerhalb eines unveränderlichen Bezugsrahmens. Im Mittelpunkt des Films steht ihr Haus, The Blue House, eine Hommage an die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo. Kahlo war ihre Inspirationsquelle, als sie 1996 bei einem Bandenkrieg in Kapstadt zu einem Menschen mit Behinderung wurde. Shelley Barry ist eine mehrfach ausgezeichnete Filmemacherin. Sie dreht häufig eigene Filme, in denen sie die Ästhetik der Kinematographie aus der Perspektive einer Rollstuhlfahrerin erforscht. Sie lehrt Film an der University of Johannesburg in Südafrika. Shot on a mobile phone during lockdown in Gqeberha, South Africa, a filmmaker contemplates creating within an unchanging frame of reference. The film centres around her home, The Blue House, a tribute to Mexican artist Frida Kahlo. Kahlo was her source of inspiration when she became a person with a disability during a turf war in Cape Town in 1996. Shelley Barry is a multi-award winning filmmaker. She often makes her own films exploring the aesthetics of cinematography from the perspective of a wheelchair user. She teaches film at the University of Johannesburg in South Africa. Filmauswahl Selected works HERE (2019), Diaries of a Dissident Poet (2014), Where we planted Trees (2007), Inclinations (2005), Whole A Trinity of Being (2004)

Tongestaltung Sound design Alex Picard Produktion Production Shelley Barry Festival-Weltpremiere Festival world premiere Shelley Barry Südafrika South Africa twospinningwheels@gmail.com

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

Araw na Nakapitapita untersucht die Symbolik des Banahaw, eines Bergs, der Menschen mit religiösen und spirituellen Vorhaben, radikalen politischen Gruppierungen und UFO-Jägern als Zufluchtsort dient. Diese Gruppen warten auf das zweite Kommen Christi, eine Revolution, Emanzipation oder die Unabhängigkeit. Eine neugierige Betrachtung des geheimnisvollen Nimbus, der diesen einem Paradies gleichkommenden Berg umgibt. Mark Salvatus’ künstlerische Praxis befasst sich mit den Trümmern der Alltagspolitik in der Stadt, den Überresten der verschwommenen Geschichte des Landes und seinen komplizierten Erzählungen sowie den Fragmenten der ständigen Bewegung, die er erlebt. That Day Most Eagerly Awaited explores the symbolism of Mount Banahaw, a mountain that comes to be a refuge and haven for people engaged in religious and spiritual activities, radical political groups and UFO chasers. These communities are waiting for the second coming of Christ, a revolution, emancipation and autonomy. A curiosity for the mystique of a mountain likened to a paradise. Mark Salvatus’ artistic practice engages with the debris of everyday politics in the city, the remnants of the nation’s blurred history and its complicated narratives, and the fragments of constant movement he experiences.

Philippinen Philippines 2021 22'05" Farbe Colour ohne Text without text

Blue Moon (2020), Jalan-jalan (2019), Drawings (2019), Silent Empire (2018), EXPORT (2017), Naturales (2016), Notes from the New World (2015), We Used to Roam the World (2015), Gates (2015), World Cup (2014), Current Affair$ (2014), Mountains (2012), Haiku (2012), Gentlemen (2010), Biyernes (2008)

Von By Mark Salvatus Festival-Weltpremiere Festival world premiere Mark Salvatus Philippinen Philippines markrams@yahoo.com cargocollective.com/marksalvatus

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 3 Programme 3

Araw na Nakapitapita That Day Most Eagerly Awaited

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Bobok

Russland Russia 2021 15'

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

In Bobok von Fjodor Dostojewski schläft der betrunkene Schriftsteller auf einem Friedhof ein und hört die Gespräche der Toten um ihn herum. Gegenstand dieser eigenwilligen Adaption ist weniger ein bestimmter Text als vielmehr der für Dostojewski typische Einblick in die menschliche Seele. Alexandra Karelina und Ivan Yakushev haben die makabre Essenz des ironischen Plots der Geschichte herausgearbeitet und sie auf der Leinwand zum Leben erweckt. Alexandra Karelina arbeitet seit 2015 als Regisseurin von Dokumentar- und Experimentalfilmen. Sie nimmt regelmäßig an internationalen Ausstellungen und Filmfestivals teil. Bobok ist ihr erster gemeinsamer Film. Ivan Yakushev arbeitet seit 2011 im Bereich der experimentellen Musik und unterrichtete die letzten sieben Jahre Grafikdesign an der HSE Art und Design School in Moskau. In Bobok by Fyodor Dostoevsky, the drunken writer dozes off in a cemetery and hears the conversations of the dead around him. The subject matter of this idiosyncratic adaptation is not so much a specific text as what has come to be known as Dostoevskian insight. Alexandra Karelina and Ivan Yakushev have isolated the macabre essence of the story’s ironic plot and made it vividly apparent on screen. Alexandra Karelina has been working as a director of documentary and experimental films since 2015. She regularly participates in international exhibitions and film festivals. Bobok is their first film together. Ivan Yakushev has been working in the field of experimental music since 2011 and has been teaching graphic design at the HSE Art and Design School in Moscow for the last seven years.

Farbe Colour Russisch mit englischen Untertiteln Russian with English subtitles Von By Alexandra Karelina, Ivan Yakushev Internationale Festivalpremiere International festival premiere Alexandra Karelina Russland Russia ssh.krln@gmail.com akarelina.com

Finnland Finland 2021 9'33" Farbe Colour Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Matti Harju Buch Script Matti Harju

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

Twitch-Streamer und Drogenkurier, beides in Teilzeit und auf niedrigem Niveau. Hin- und herschlitternd zwischen Leben und Tod, online und offline. Der sorglose Sommer des globalen Fortschritts scheint vorbei zu sein – vielleicht sind dies die letzten Tage von beidem, von der Illusion einer übergreifenden Erzählung und vom heiligen Hieronymus. Matti Harju studierte Filmregie an der britischen National Film and Television School und erwarb einen Master of Arts an der Kunstakademie in Helsinki. Part-time Twitch streamer, part-time drug courier; both low level. Slithering between life and death, online and offline. The carefree summer of global progress seems to be over. Are these the final days of both – the illusion of overarching narrative and of Jerome the Saint? Matti Harju studied film directing at the National Film and Television School in England and earned a master of arts degree from the Academy of Fine Arts Helsinki. Filmauswahl Selected works Born to Feel (2021, in Oberhausen 2022), El centro (2021), Aliens (2020), Nueva era (2018), Afrikka (2011), One in Four (2008), Mies etsii miestä (2004)

Kamera Camera Matti Harju Ton Sound Matti Harju, Petrus Rapo Schnitt Editor Matti Harju Produktion Production humble pony Festival-Weltpremiere Festival world premiere Matti Harju Finnland Finland mattiharju@hotmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 3 Programme 3

Kolme päivää sadetta Three Days of Rain

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 3 Programme 3

Whakapapa/ Algorithms

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

Die neuseeländische Maori-Künstlerin Jamie Berry überlagert Originalvideomaterial von „whanau“ (Familie) und „whenua“ (Land) mit digitalen Mustern und Motiven, um Vergangenheit und Gegenwart miteinander zu verweben. Der Soundtrack entsteht unter Verwendung der DNA der Künstlerin als Partitur. Berrys Überlagerungen von Bild und Ton präsentieren eine indigene Weltsicht auf kollektives Wohlbefinden und „whakapapa“, ein grundlegendes Konzept der Maori, in dessen Mittelpunkt generationsübergreifende Beziehungen zwischen Land und Menschen stehen. Jamie Berry ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die sich in ihren großformatigen Werken mit der Geschichte indigener Völker auseinandersetzt. Ihre Arbeit reflektiert über Identität und whakapapa (die Verbindung zwischen Menschen und Land über die Zeit hinweg) durch bewegte Bilder, DNAbasierte Klanglandschaften und Installationen. Sie ist außerdem Gründungsmitglied des Kollektivs 7558, einer Gruppe von Maori- und Pasifika-Multimediakünstlern. Taking original video footage of ‘whanau’ (family) and ‘whenua’ (land), New Zealand Māori artist Jamie Berry overlays digital patterns and motifs to interweave past and present. The soundtrack is generated using the artist’s DNA as a score. Berry’s layering of image and sound presents an indigenous worldview of collective wellbeing and ‘whakapapa’, a Māori concept that celebrates connections with land and people across time. Jamie Berry is a multidisciplinary artist whose large-scale works explore indigenous histories. Her work reflects on identity and whakapapa (the connection between people and land across time) through moving images, DNAbased soundscapes and installations. She is also a founding member of the 7558 Collective, a group of Māori and Pasifika multimedia artists. ĀKE, AKE, AKE (2020), A prophecy of darkness: AA – 06101769 (2019), Breaking the Glass Ceiling (2018), Waimāori (2017), Karanga (2017)

Neuseeland New Zealand 2021 22'01" Farbe Colour ohne Text without text Von By Jamie Berry Internationale Festivalpremiere International festival premiere CIRCUIT Artist Moving Image Mark Williams Neuseeland New Zealand director@circuit.org.nz circuit.org.nz

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

Beim Spazieren entlang eines Flussufers stoßen wir auf funkelnde Bilder, die sich auf der grünen Wasseroberfläche spiegeln. Die Landschaft verwandelt uns, während wir sie durchqueren und ebenfalls verwandeln. Gustavo De Mattos Jahn wurde 1980 in Florianópolis, Brasilien, geboren und begann 2001, als Autodidakt Filme zu machen. Nach seinem Umzug nach Berlin im Jahr 2006 gründete er mit Melissa Dullius das Künstlerduo Distruktur und war an der Gründung des Kollektivs LaborBerlin beteiligt. As we stroll along the banks of a river, we are met by sparkling images reflected on the green surface of the water. The landscape transforms us as we walk through it, and we transform it in return. Gustavo De Mattos Jahn was born in Florianópolis, Brazil in 1980 and began making films as a self-taught filmmaker in 2001. After moving to Berlin in 2006, he founded the artist duo Distruktur with Melissa Dullius and was involved in founding the collective LaborBerlin.

Frankreich France 2021 8'08" Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles

Oráculo (2020), Levantado Do Chão (2020, in Oberhausen 2021), Kinograph (2020), El Meraya (2018), Muito Romântico (2016), Passeio Noturno (2015), Máquina Do Tempo (2014), In The Traveler’s Heart (2013), Don’t Look Back / Labirinto (2012), Cat Effekt (2011), Triangulum (2008), Éternau (2006), Abril (2002), Ele Vai Perguntar Das Coisas Que Eu Gosto (2001)

Von By Gustavo de Mattos Jahn Internationale Festivalpremiere International festival premiere Gustavo de Mattos Jahn Frankreich France jahn.gustavo@gmail.com distruktur.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 3 Programme 3

Tous les fleuves s’appellent le Nil All Rivers Are Called the Nile

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 3 Programme 3

MONOLOGO DE UN SICARIO monologue of a hit man

6. Mai 13:00 Uhr 6 May 1:00 pm Lichtburg

Der Auftragsmörder ist in der Welt der Kolumbianisierung die unterste Ebene, auf der eine ganze kriminelle Struktur fußt. Er ist derjenige, der für den sozialen Aufstieg die Entscheidung trifft, Auftragsmörder zu werden. Dieses Video gehört zum Video-Performance-Projekt @colombianizacion. Weitere Informationen unter: www.colombianizacion.com. Nadia M. Granados Delgado wurde 1978 in Bogotá geboren. Sie ist eine Performancekünstlerin, die die Beziehungen zwischen der Darstellung staatlicher Gewalt in den Mainstreammedien, institutionalisiertem Machismo, heterosexueller Pornografie und Gewalt gegen Frauen erforscht. Ihre Arbeiten wurden auf der ganzen Welt präsentiert. The hit man in the world of Colombianization represents the lowest link on which an entire criminal structure is supported. He is the one who makes the decision to become a hitman for reasons linked to social advancement. This video is part of the video performance project @colombianizacion. More information at: www.colombianizacion.com. Nadia M. Granados Delgado was born in Bogotá in 1978. She is a performance artist who explores relationships between the representation of state violence in mainstream media, institutionalised machismo, heterosexual pornography and violence against women. Her work has been presented all around the world.

Kolumbien Colombia 2021 5'49" Farbe Colour Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles

Filmauswahl Selected works Plata o Plomo (2019, in Oberhausen 2020), God Bye Fantasy. (2019), Borderhole (mit with Amber Bemak 2017, in Oberhausen 2017), Dos personas en una (2016), American Spectral History (2016), Tell Me When You Die (2015)

Von By Nadia Granados Festival-Weltpremiere Festival world premiere Nadia Granados Kolumbien Colombia revienta.incendiario@gmail.com nadiagranados.com

Ruanda Rwanda 2021 16'54" Farbe Colour Kinyarwanda mit englischen Untertiteln Kinyarwanda with English subtitles

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Lichtburg

Ein starrsinniger Motorradfahrer gerät an den Rand des Wahnsinns, als der totale Lockdown ihn mit der Leere in seinem Leben konfrontiert. Ganza Moise ist ein in Ruanda veröffentlichter Bilderbuchautor, Schriftsteller und unabhängiger Filmemacher. Er ist außerdem Mitbegründer von Kiruri mfn, einer unabhängigen Produktionsfirma mit Sitz in Kigali. Von 2015 bis heute hat er mehrere Kurzfilme gedreht, die auf verschiedenen Filmfestivals gezeigt wurden. An opinionated moto driver’s sanity is pushed to the edge when a total lockdown confronts him with the void in his life. Ganza Moise is a Rwandan published picture book author, writer and independent filmmaker based in Kigali. He is also the co-founder of Kiruri mfn, an independent production company based in Kigali. From 2015 to date, he has made several short films that have been screened at various film festivals. Sensory Overload (2020, in Oberhausen 2021), Limbo (2020), Un-hack it (2019), Injiji (2019), Sukut (2017), Despair (2016), Umuturanyi (2015)

Regie Director Ganza Moise Buch Script Ganza Moise Kamera Camera David Ndahiriwe Ton Sound Ngabo Wa Ganza Schnitt Editor Ganza Moise Produktion Production Kiruri mfn Internationale Festivalpremiere International festival premiere Ganza Moise Ruanda Rwanda ganzamoise@gmail.com kirurimfn.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 4 Programme 4

Muzunga Vertigo

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 4 Programme 4

Dok smo bili tu While We Were Here

Kroatien Croatia 2021 15'09" Farbe Colour Kroatisch mit englischen Untertiteln Croatian with English subtitles Regie Director Sunčica Fradelić Buch Script Sunčica Fradelić, Damir Juričić

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Lichtburg

Eine filmische Meditation über die Unvermeidbarkeit von Veränderungen. Kurze Fragmente aus dem Leben der Figuren, in Sommer und Winter, in denen sie alle einen Verlust erleiden. Sunčica Fradelić ist bildende Künstlerin, Produzentin und Kulturmanagerin und lebt in Split, Kroatien. Ihre Berufserfahrung umfasst verschiedene audiovisuelle Produktionen, Projekte, Workshops und Bildungsprogramme. Ihre Arbeiten wurden bei verschiedenen Ausstellungen und Festivals präsentiert. Cinematic meditation on inevitable changes. Briefly depicted fragments from the characters’ lives, through summer and winter, as each of them suffers a loss. Sunčica Fradelić is a visual artist, producer and cultural manager based in Split, Croatia. Her professional experience includes various audio-visual productions, projects, workshops and educational programmes. Her works have been presented at various exhibitions and festivals. Lost in Bosnia (2014), Tabula Rasa (2012), Fish Soup (2011), Forming time (2006), Ellipse (2004)

Kamera Camera Sunčica Fradelić, Boris Poljak, Pilar Palomero Schnitt Editor Sunčica Fradelić Musik Music Ruzina Frankulin, Tonči Bakotin Tongestaltung Sound design Tonči Bakotin Produktion Production Sunčica Fradelić Festival-Weltpremiere Festival world premiere Cine Club Split Sunčica Fradelić Kroatien Croatia suncica.fradelic@gmail.com kinoklubsplit.hr

Portugal 2021 20'54" Farbe Colour Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Catarina Ruivo Buch Script Catarina Ruivo Kamera Camera João Ribeiro Ton Sound Nuno Carvalho, António Pedro Figueiredo Schnitt Editor Catarina Ruivo Produktion Production Trabalhos de Casa

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Lichtburg

André möchte tapfer sein und in seinem eigenen Zimmer schlafen, aber jede Nacht steht er auf und macht sich auf den Weg ins Zimmer seiner Großmutter. In der Dunkelheit seines eigenen Zimmers ist das Haus voller Geräusche und er stellt sich die schlimmsten Dinge vor. Schutz findet er nur im Zimmer seiner Großmutter, wo das tiefe Geräusch ihres Schnarchens ihm verrät, dass er an einem sicheren Ort angekommen ist. Catarina Ruivo wurde 1971 in Coimbra, Portugal, geboren. Sie studierte an der Escola Superior de Teatro e Cinema in Lissabon, wo sie sich auf Schnitt spezialisierte. Sie arbeitete als Editorin an einer Reihe von Filmen. 2004 drehte sie ihren ersten Spielfilm, André Valente, der auf dem Festival del film Locarno uraufgeführt wurde. André wants to be brave and sleep in his own room, but every night he gets up and sets off for his grandmother’s room. In the dark of his own room, the house fills with noises, and he imagines the worst. He is only protected in his grandmother’s room, where the deep sound of her snoring tells him he has come to a safe haven. Catarina Ruivo was born in Coimbra, Portugal, in 1971. She studied at Lisbon’s Film and Theatre School, where she specialised in editing. She worked as an editor on a number of films. In 2004 she made her first feature film, André Valente, which premiered at the Festival del film Locarno. A Minha Avó Trelotótó (2018), Em Segunda-Mão (2012), Daqui p’rá frente (2007), André Valente (2004), Uma cerveja no Inverno (1998, in Oberhausen 1999)

Internationale Festivalpremiere International festival premiere Trabalhos de Casa Antonio Figueiredo Portugal trabalhosdecasa. producaofilmes@gmail.com trabalhosdecasa-filmes.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 4 Programme 4

Boa Noite Sleep Tight

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 4 Programme 4

YON Call me Jonathan

Argentinien Argentina 2021 8'08" Farbe Colour Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Bárbara Lago Buch Script Bárbara Lago Kamera Camera Bárbara Lago, Diego Lago Schnitt Editor Bárbara Lago, Germán Cortes

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Lichtburg

Angesichts der Entdeckung von Videomaterial aus ihrer Kindheit unterzieht die Regisseurin die Mythologie ihrer Kindheit einer Neubetrachtung und reflektiert über ihren von Zuneigung, Fiktionen und Jahren durchdrungenen Körper. Bárbara Lago ist audiovisuelle Künstler*in, lebt in Buenos Aires, Argentinien, studierte Filmregie an der dortigen Universidad del Cine und arbeitet als Drehbuchautor*in und Regisseur*in an verschiedenen Spiel- und Dokumentarfilmprojekten. Es werden die Verbindungen zwischen Medien und den Erzählungen in einer diskursiven und materiellen Hybridisierung mit Video, Kino und digitalen Technologien erforscht. After finding the video material from her childhood, the director reprograms her mythology as an infant and reflects on her body traversed by affections, fictions and years. Bárbara Lago is an audio-visual artist living in Buenos Aires, Argentina. They studied film directing at the Fundación Universidad del Cine in Buenos Aires and work as a scriptwriter and director on various feature and documentary projects. They explore the connections between media and their narratives in a discursive and material hybridisation with video, cinema and digital technologies.

Tongestaltung Sound design Bárbara Lago Produktion Production WALDA Internationale Festivalpremiere International festival premiere FilmsToFestivals Distribution Agency Gisela Chicolino Argentinien Argentina filmstofestivals@gmail.com instagram.com/films.to.festivals

Israel 2021 15'40" Farbe Colour Hebräisch mit englischen Untertiteln Hebrew with English subtitles Regie Director Amos Holzman Buch Script Amos Holzman

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Lichtburg

Colony Collapse Disorder ist ein abnormales Phänomen, das auftritt, wenn Bienen den Stock ohne ersichtlichen Grund verlassen. Zwischen Wald und Stadt versuchen zwei zwiegespaltene Liebende, ihre Zweisamkeit zu bewahren. Amos Holzman, 1985 in Jerusalem geboren, ist Regisseur, Drehbuchautor und Produzent und lebt und arbeitet in Tel Aviv. 2010 erhielt er seinen Bachelor in Film an der School of Audio and Visual Arts am Sapir College. Er ist Produzent von narrativen Spielfilmen, Kurzfilmen und Dokumentarfilmen vielversprechender israelischer Regisseure. Colony Collapse Disorder is an abnormal phenomenon that occurs when bees leave the hive for no apparent reason. Between forest and city, two ambiguous lovers journey to preserve their togetherness. Amos Holzman, born in Jerusalem in 1985, is a director, screenwriter and producer living and working in Tel Aviv. He received his bachelor’s degree in cinema from the School of Audio and Visual Arts at Sapir Academic College in 2010. He is a producer of narrative feature films, short films and documentaries by promising Israeli directors. Banim (2013), Hakol Zorem (2010)

Kamera Camera Michael Dal Schnitt Editor Gil Vesely Musik Music Gal Lev Tongestaltung Sound design Roi Elbaz Produktion Production Talia Bernstein Internationale Festivalpremiere International festival premiere Amos Holzman Israel amosos778@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 4 Programme 4

Hafra’at Hitmotetut Hamoshava Colony Collapse Disorder

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 5 Programme 5

Zhā Xī De Yáng Tashi’s Sheep

China 2021 26'34" Farbe Colour Chinesisch mit englischen Untertiteln Chinese with English subtitles

7. Mai 15:15 Uhr 7 May 3:15 pm Lichtburg

Ein besonderes Schaf wird erschossen. Auf der Suche nach dem Schaf und der Waffe entsteht eine Geschichte über die Vormacht in einem abgelegenen Dorf. Um die Wahrheit und unergründeten Geheimnisse der Prärie zu vertuschen, wurden alle zu Schauspielern und begannen ihr dramatisches Schauspiel, um andere hinters Licht zu führen. Einem Unschuldigen werden illegaler Waffenbesitz, Wilderei und weitere Straftaten vorgeworfen. Wer ist also der Wolf und wer das Schaf? Yin Yu wurde 1987 geboren. 2018 wurde er von einem Musikproduzenten zu einem Regisseur und begann, sich für das Filmemachen mit einem starken persönlichen Stil zu interessieren. Er besteht darauf, Filme mit seinem eigenen Verständnis des Wortes „Ausdruck“ zu schaffen, und wird dies auch in Zukunft tun. A special sheep is shot dead. Around the searching for sheep and gun, there’s a story about hegemony in a remote village. To cover up the truth and unknown secrets on the prairie, everyone became actors and started their dramatic acting to set others up. Illegal gun-holding, poaching and other charges are all on an innocent guy. So who is the wolf and who is the sheep? Yin Yu was born in 1987. He transformed from a music producer to a director in 2018 and became interested in filmmaking with a strong personal style. He insists on creating films with his own understanding of the word ‘expression’ and will continue to do so in the future. His name is Chenchunsheng 2 (2022), Dreams all the way south (2021) , The Vespertine (2020), His name is Chenchunsheng (2020), LiYao street (2018)

Von By Yin Yu Festival-Weltpremiere Festival world premiere Junliang Dai China tougao@ff1895.com

7. Mai 15:15 Uhr 7 May 3:15 pm Lichtburg

Perforated Realities begann als Tagebuch, als Versuch eines Dialogs über die tägliche Interaktion zwischen dem organischen Raum und dem Vehikel aus Fleisch und Blut, das diese Worte tippt. Angetrieben von neuen Realitäten, aufgezwungen durch die Coronapandemie, als Stabilität zerfloss, Strukturen implodierten, neu bewertet und hinterfragt in einem neuen Licht, gebrochen durch ein Virus-Prisma. Gustaf Broms’ Praxis begann mit Fotografie und Installation, was dann zu Performance und bewegten Bildern führte. Er beschäftigt sich häufig mit dem dualistischen Konzept von NATUR (biologischer Prozess des Körpers) und GEIST (als Intellekt, der Erfahrungen interpretiert). Perforated Realities started out as a diary, an attempt at dialogue, through a daily interaction between the organic surroundings and the fleshy vehicle typing these words. Urged on by new realities imposed by covid-19, as solid became fluid, structures imploded, re-evaluated and questioned in a new light refracted through a virus-prism. Gustaf Broms’ practice began with photography and installation, which then led to performance and moving images. He often deals with exploring the dualistic concept of being NATURE (biological process of the body) and MIND (as intellect interpreting experiences). Schweden Sweden 2021 16'16"

STAND-SIT-LIE (2020), ANIMAMUNDI (2018-2020), MAHAPRALAYA (201315), BIRTH OF DUALISM (2010), the tree (2009), where is here ? (2009), the sitting (2008), MOTHER AS VOID (2008), go back to sleep (2004)

Farbe Colour ohne Text without text Von By Gustaf Broms Festival-Weltpremiere Festival world premiere Filmform The Art Film & Video Archive Anna-Karin Larsson Schweden Sweden anna-karin.larsson@filmform.com filmform.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 5 Programme 5

Perforated Realities

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 5 Programme 5

The Wind Probably

Ukraine 2021 10'41" Farbe Colour Russisch mit englischen Untertiteln Russian with English subtitles Regie Director Yuri Yefanov Kamera Camera Yuri Yefanov, Slava Tsvetkov, Alina Murakhina Ton Sound Yuri Yefanov, Alina Murakhina Musik Music Yuri Yefanov

7. Mai 15:15 Uhr 7 May 3:15 pm Lichtburg

Ein Mensch beobachtet die verlassenen Straßen seiner Heimatstadt am Rande der Apokalypse. Die Welt ist kurz davor, vom schwarzen Loch verschlungen zu werden. In den Ruinen lassen sich nur schwer vertraute Orte ausmachen und kaum Anhaltspunkte finden, um festzustellen, ob es sich um die Realität oder einen Traum handelt. Nur mit einer künstlichen Intelligenz kann der Mensch über das sprechen, was gerade geschieht. Yuri Yefanov wurde 1990 in Saporischschja geboren und lebt als Künstler und Filmemacher in Kiew, Ukraine. Er schloss sein Studium an der Fakultät für Film und Fernsehen der Nationalen Universität für Kultur und Kunst Kiew ab und ist Teilnehmer an internationalen Experimentalfilmfestivals und Ausstellungen in Europa und den USA. A human is observing the deserted streets of his home town on the edge of the Apocalypse. The world is on the verge of being absorbed by the Black Hole. Familiar places in the ruins are difficult to recognise, and it’s hard to find the clues to understand whether it is a reality or a dream. The only one with whom he can discuss what is happening is artificial intelligence. Yuri Yefanov was born in Zaporizhzhya in 1990 and lives as an artist and filmmaker in Kiev, Ukraine. He graduated from the Kyiv National University of Culture and Arts at the Faculty of Film and Television and is a participant in international experimental film festivals and exhibitions in Europe and the USA. Nihelious (2017), Legend of the Bear Mountain (2014), Analysys (2011)

Animation Yuri Yefanov Internationale Festivalpremiere International festival premiere Yuri Yefanov Ukraine yeafanov@gmail.com yuriyefanov.com

7. Mai 15:15 Uhr 7 May 3:15 pm Lichtburg

Wir Tiere kommen jedes Mal an einen neuen Ort zurück (und wenn wir an denselben zurückkehren, ist er durch unsere Rückkehr bereits erneuert). Mohamed A. Gawad ist ein in Kairo lebender Redakteur und Filmemacher. Seine Arbeiten wurden im Haus der Kulturen der Welt in Berlin, in der Whitechapel Gallery in London, auf der Berlinale und dem Metakino Festival in Helsinki gezeigt. Every time, we animals come back to a new place (and if we come back to the same one, it is already renewed by our return). Mohamed A. Gawad is an editor and filmmaker based in Cairo. His works have been shown at the Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Whitechapel Gallery London, the Berlinale and the Metakino Festival Helsinki. betalpha (Balbalah) (2019, in Oberhausen 2019), Celluloid Corridors (2017, in Oberhausen 2018), Footnotes on Migration (2016), re : Di d u s ee t hat?! (2015), Lucid Shadows (2012)

Ägypten Egypt 2022 9'06" Farbe Colour Englisch English Regie Director Mohamed A. Gawad Tongestaltung Sound design Victor Bresse Festival-Weltpremiere Festival world premiere Mohamed A. Gawad Ägypten Egypt gawad.md@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 5 Programme 5

A Missing Storey

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 5 Programme 5

Encarnado

Brasilien Brazil 2021 22'03" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white ohne Text without text Regie Director Otávio Almeida, Ana Clara Ribeiro Buch Script Otávio Almeida, Ana Clara Ribeiro Kamera Camera Otávio Almeida

7. Mai 15:15 Uhr 7 May 3:15 pm Lichtburg

Im Sertão des brasilianischen Bundesstaats Piauí erleben zwei Männer auf einsamen Reisen durch erweiterte Zeiten und Räume eine (Wieder-)Begegnung. Vom Lärm der Vergangenheit bis zur stillen Gegenwart bewegt sich Encarnado zwischen den geistigen und fleischlichen Grenzen der Existenz von Mensch und Tier. Eine Reise über verborgene Wege, wo das Land den Tod in jeder Generation willkommen heißt. Otávio Almeida ist ein brasilianischer Filmemacher und bildender Künstler. Er hat seinen Abschluss an der Escuela Internacional de Cine y TV in Kuba gemacht und nimmt derzeit an dem Masterprogramm Doc Nomads teil. Seine Filme wurden auf Festivals wie dem International Documentary Film Festival Amsterdam, dem Festival Internacional de Cine de San Sebastián und Visions du Réel gezeigt. Encarnado ist der erste gemeinsame Film. Ana Clara Ribeiro ist eine Drehbuchautorin und Regisseurin aus Teresina, Brasilien. Seit 2017 arbeitete sie an der Projektentwicklung und dem Drehbuch für die Dokumentarserie Favela Gay – Periferias LGBTQI (2020). Seit 2020 ist sie Studentin im Masterstudiengang Kreatives Schreiben an der Escuela Internacional de Cine y TV in Kuba. Encarnado ist der erste gemeinsame Film. In the sertão of Piauí, Brazil, two men experience a (re)encounter in solitary journeys through expanded times and spaces. From the noise of the past to the silent present, Encarnado transits between the spiritual and carnal limits of the existence of men and animals. A ride with hidden paths, where the land embraces death in each generation. Otávio Almeida is a Brazilian filmmaker and visual artist. He graduated from the International School of Film and TV Cuba and is currently participating in the Doc Nomads Masters. His films have been screened at festivals such as the International Documentary Film Festival Amsterdam, San Sebastian Film Festival and Visions du Réel. Encarnado is the first film together. Ana Clara Ribeiro is a screenwriter and director from Teresina, Piauí. Since 2017, she has been working on the project development and screenwriting of the documentary series Favela Gay – The LGBTQI Periphery (2020). Since 2020, she has been a student in the Creative Writing master’s programme at the International University for Film and Television Cuba. Encarnado is the first film together.

Schnitt Editor Alejandro Uzeda Musik Music Marisol Cao Milán, Gomez de Matos Tongestaltung Sound design Marisol Cao Milán Produktion Production Estúdio Volante Internationale Festivalpremiere International festival premiere Otávio Almeida Brasilien Brazil otavion@gmail.com

Schweden Sweden 2021 30' Farbe Colour Schwedisch, Finnisch mit englischen Untertiteln Swedish, Finnish with English subtitles Regie Director Hannah Wiker Wikström Buch Script Hannah Wiker Wikström Kamera Camera Hannah Wiker Wikström, Kim Ekberg, Kristoffer Palmgren

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Ein Ferienhaus in einer ländlichen schwedischen Waldlandschaft wird von mysteriösen Kräften heimgesucht, die sich in der Stadt in moderne Geister verwandeln und Formen annehmen, mit denen wir noch nicht umgehen können. Kaleidoskopische Bilder im ständigen Wechsel zwischen Mikro- und Makroperspektive machen Form und Narrativ dieses experimentellen hybriden Kunstfilms aus, der Film aus einer posthumanistischen Perspektive erkundet. Hannah Wiker Wikström ist eine schwedische Künstlerin und Filmregisseurin, die an der Kunsthøgskolen i Oslo und der Konstfack University College of Arts, Crafts and Design ausgebildet wurde. Ihre Arbeiten wurden bereits in mehreren Museen, Filmfestivals und Galerien gezeigt. A vacation house in a rural Swedish forest setting is observed by mysterious forces transforming into modern ghosts in city life. Shifting into forms of what we cannot yet deal with. Kaleidoscopic visuals following a constant shift between micro and macro perspective inform the form and narrative in this experimental hybrid art movie exploring film from a post-humanist perspective. Hannah Wiker Wikström is a Swedish artist and film director trained at Oslo National Academy of the Arts and Konstfack University College of Arts, Crafts and Design. Her work has been exhibited in several museums, film festivals and galleries. Halla (2018), Monogamy Mountain (2017), Kosmos, I can’t recall (2016), Omslutande/Enfolding (2015)

Ton Sound Hannah Wiker Wikström, Kim Ekberg Produktion Production Hannah Wiker Wikström, Kim Ekberg Festival-Weltpremiere Festival world premiere Hannah Wiker Wikström Schweden Sweden hannahwiker@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Weathering Heights

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Someone’s Flowers

Japan 2021 3'07" Farbe Colour Englisch English Regie Director Hikari Wajima

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Als ich anfing, allein zu leben und mein Zimmer mit Blumen zu schmücken, war ich ganz aufgeregt. Draußen gibt es viele schöne Blumen, aber gehören sie jemand anderem? Selbst wenn sie wie Unkraut aussehen, könnten sie jemandem gefallen, der hier vorbeikommt, also kaufe ich schließlich Blumen beim Blumenhändler. Ich frage mich, ob Blumen etwas sind, das man kauft. Hikari Wajima wurde 1998 in Hokkaido, Japan, geboren und schloss 2020 das Hokusei Gakuen University Junior College ab. Derzeit besucht sie die Pädagogische Hochschule Hokkaido mit dem Hauptfach Film und studiert bei Ryusuke Ito, einem bildenden Künstler und Filmemacher. When I started living alone and decorating my room with flowers, I started to get excited. There are many beautiful flowers outside, but is this someone else’s property? Even if they look like weeds, they might be someone’s pleasure to pass by here, so I end up buying flowers at the florist. I wonder if flowers are something you buy with money. Hikari Wajima was born in Hokkaido, Japan in 1998 and graduated from Hokusei Gakuen University Junior College in 2020. She is currently studying at Hokkaido University of Education, majoring in film with Ryusuke Ito, a visual artist and filmmaker. Self Surgery (2020, in Oberhausen 2021), If Mirrors Did Not Exist in this World, I Would Swing My Arms as Big as Possible (2020), Except for Words (2020), Kotodama (2019), Heart (2019)

Musik Music Satanicpornocultshop Produktion Production Hikari Wajima Internationale Festivalpremiere International festival premiere Hikari Wajima Japan hikahikahikarig@gmail.com

Griechenland, Österreich Greece, Austria 2022 13'47" Farbe Colour Griechisch mit englischen Untertiteln Greek with English subtitles

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Ein Abschiedsfilm für das Haus meiner Eltern. Eines Nachts im Dezember 2021, nach einem ungewöhnlich starken Unwetter, wurde das Haus meiner Eltern überflutet und sie mussten mit dem Boot gerettet werden. In dieser Nacht haben sie fast alles verloren, auch ihren Hund und ihre Katze. Zwei Tage nach der Überschwemmung, als das Wasser zurückging, versuchte ich, so viele Dinge wie möglich zu retten. Für den Rest habe ich diesen Film gedreht. Anna Vasof ist Architektin sowie medien- und zeitbasierte Künstlerin. Sie studierte Architektur an der Universität Thessalien in Griechenland und Transmediale Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien. Seit 2004 wurden ihre Videos und Kurzfilme auf verschiedenen Festivals präsentiert und teilweise ausgezeichnet. 2020 schloss sie ihre Doktorarbeit ab. A goodbye film to my parents’ house. One night in December 2021, after an unusually extreme weather event, my parents’ house flooded, and they had to be rescued by boat. They lost almost everything that night, including their dog and cat. Two days after the flood, when the water level went down, I tried to extract as many objects as possible, and for the rest, I made this film. Anna Vasof is an architect and media and time-based artist. She studied architecture at the University of Thessaly in Greece and Transmedia Art at the University of Applied Arts Vienna. Since 2004, her videos and short films have been presented at various festivals and some have won awards. In 2020, she completed her doctoral thesis.

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Filmauswahl Selected works Amazon Woman (2021), Non Stop Stop Motion (2020), Hitting my Head on the World (2019), Things and Wonders 2227 (2018), Muybridge‘s Disobedient Horses (2018), Things and Wonders 2022 (2017), When Time Moves Faster (2016), Down To Earth (2014)

Anna Vasof Österreich Austria annarto@gmail.com annavasof.net

Von By Anna Vasof

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Saving Some Random Insignificant Stories

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Abrekum (Litany for the Complicit Sea)

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Eine Reflexion über das Gewicht der Vergangenheit auf unseren Schultern und die Gleichgültigkeit des allgegenwärtigen Meeres. Philippa Ndisi-Herrmann wurde in Bonn geboren, wuchs unter den hohen, hohen Bäumen von Nairobi, Kenia, auf und lebt derzeit in London. Sie macht heilende Filme, die das Publikum auf der ganzen Welt inspirieren und verändern. Sie arbeitet multidisziplinär und bewegt sich zwischen Spiel-, Dokumentar- und Künstlerfilmen mit einem Hintergrund in poetischen, intimen Erzählungen über Frauen, Kindheit, Erinnerung und generationenübergreifende Traumata. A reflection on how the weight of the past walks with us and the indifference of the omnipresent sea. Philippa Ndisi-Herrmann was born in Bonn, Germany, grew up under the tall, tall trees of Nairobi, Kenya and currently lives in London. She makes healing films that inspire and transform audiences around the world. She is multidisciplinary and moves between fiction, documentary and artist films with a background in poetic, intimate narratives about women, childhood, memory and intergenerational trauma.

Vereinigtes Königreich, Mexiko, Kenia, Deutschland United Kingdom, Mexico, Kenya, Germany 2022 8'56"

I Had to Bury Cucu (2018), Season of Goodbyes (2018, in Oberhausen 2018), New Moon (2018), Presqu’ile (2016), Seeds (2016, in Oberhausen 2017), Animals and Landscapes (2011), Gubi (The Birth of Fruit) (2007)

Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch English Von By Philippa Ndisi-Herrmann Festival-Weltpremiere Festival world premiere Philippa Ndisi-Herrmann Vereinigtes Königreich United Kingdom philippaherrmann@gmail.com philippandisiherrmann.com

Italien Italy 2021 10'30" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Italienisch mit englischen Untertiteln Italian with English subtitles Von By Daniele Maggioni

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Nach fast fünfzig Jahren Kinoarbeit sammle ich Erinnerungen, Erfahrungen und Projekte in einigen Kurzfilmen, die unter dem Label „Privates Alphabet“ zusammengefasst sind. Dieses Werk von etwa zehn Minuten Länge vereint einige Videos aus den 70er-Jahren, die ich zusammen mit anderen zu bestimmten Berufen gemacht habe. Es gibt auch Bilder von heute und einen Text, der meine Vorstellung von dieser Beziehung in literarischer Form wiedergibt. Daniele Maggioni ist Produzent, Regisseur und Drehbuchautor. Er hat Spielfilme, Dokumentarfilme und Kurzfilme produziert, die an nationalen und internationalen Festivals teilgenommen haben. Er leitete zehn Jahre lang die Schule für Fernsehen und Neue Medien in Mailand. After almost fifty years of cinema, I am collecting memories, experiences and projects in some short films, grouped under the ‘Private Alphabet’ label. This work of about 10 minutes collects some videos from the 1970s made by me together with others concerning some occupations. There are also images of today and a text that describes my idea of this relationship in a literary form. Daniele Maggioni is a producer, director and screenwriter. He has produced feature films, documentaries and short films that have participated in national and international festivals. He directed the Milano Film School for ten years. Apocatastasi (2020), Piove Deserto (2019), Nel mondo grande e terribile (2017), Genius Loci (2016), Absolute Beginner (2013), Tutto bene (2011), Feda Fargas (1976), Danuta Galinat (1976), Revolt (1975), Splendid Milano (1974)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Daniele Maggioni Italien Italy daniele.maggioni@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Occupazioni Occupations

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

Solidariedade Solidarity

Brasilien Brazil 2022 7'30" Farbe Colour Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Fernanda Pessoa

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Im Jahr 2021 gingen Hunderttausende von Menschen in Brasilien mitten in einer Pandemie auf die Straße, um gegen die Regierung Bolsonaro zu protestieren. Inspiriert von Joyce Wielands gleichnamigem Film aus dem Jahr 1973 porträtiert Solidariedade diese Proteste, wobei hier anders als bei Wieland, die Füße in den Mittelpunkt rückte, die Ausdruckskraft menschlicher Hände im Fokus steht. Gesten der Zuneigung, des Widerstands, des Schutzes, der Freude oder der Unterdrückung werden in diesen auf Ektachrome Super 8 gedrehten Bildern sichtbar. Fernanda Pessoa ist eine brasilianische Filmemacherin, die an Dokumentarund Experimentalfilmen arbeitet. Sie ist Doktorandin an der Universidade de São Paulo und hat einen Master der Université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Ihre Arbeiten wurden auf Filmfestivals und in Institutionen weltweit gezeigt. In 2021, hundreds of thousands of people took over the streets in Brazil, in the midst of a pandemic, to protest against the Bolsonaro government. Inspired by Joyce Wieland’s 1973 film of the same name, Solidarity portrays these protests by focusing on the expressiveness of human hands rather than Wieland’s feet. Gestures of affection, resistance, protection, joy or repression are revealed in these images made in Super 8 mm Ektachrome. Fernanda Pessoa is a Brazilian filmmaker who works on documentary and experimental films. She is a PhD candidate at the University of São Paulo and holds a master’s degree from Université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Her work has been shown at film festivals and institutions worldwide. Same/Different/Both/Neither (2020), Arid Zone (2019), Stories our cinema did (not) tell (2017), Femmes de Ménage (2013)

Kamera Camera Petala Lopes Ton Sound Tiago Bello, Pedro Gallego Schnitt Editor Renata Felisatti Musik Music Kabé Pinheiro Produktion Production Fernanda Pessoa Festival-Weltpremiere Festival world premiere Fernanda Pessoa Brasilien Brazil fernanda@pessoaproducoes.com pessoafernanda.com

7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Lichtburg

Trotz ihrer heftigen Winde und der gefährlichen Gewässer ist die Straße von Gibraltar zur bevorzugten Route für Migranten geworden, die über Marokko nach Europa wollen. Die Mündung des Mittelmeeres wird damit zu einem tragischen Schauplatz der Hoffnung und des Todes. Elodie Pong ist Künstlerin und Filmemacherin. Ihre Praxis ist forschungsbasiert und pluridisziplinär. Sie ist bekannt für Einzelbildschirm-Filmarbeiten und modulare multimediale Installationen, die verschiedene Erzählungen miteinander in Beziehung setzen. Despite its fierce winds and dangerous waters, the Strait of Gibraltar has increasingly become the route of choice for migrants using Morocco as a gateway to Europe, making the mouth of the Mediterranean Basin into a tragic site of hope and death. Elodie Pong is an artist and filmmaker. Her practice is research-based and pluridisciplinary. She is known for single screen film works and modular, multimedia installations bringing different narrative modes into correspondence.

Schweiz, Marokko Switzerland, Morocco 2021 6'27"

Autonomous (2020), Power Plants (2016), Liquid Sky (2016), CONTEMPORARY (2011), Ersatz (2011, in Oberhausen 2012), After the Empire (2008), Je suis une bombe (2006, in Oberhausen 2007), Plan for Victory (2006), The Secrets Collection (2005), Secrets for Sale (2003)

Farbe Colour Französisch, Englisch mit englischen Untertiteln French, English with English subtitles Regie Director Elodie Pong Schnitt Editor Rosa Albrecht Festival-Weltpremiere Festival world premiere Elodie Pong Schweiz Switzerland info@elodiepong.net elodiepong.net

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 6 Programme 6

On a Beautiful Day

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Contaminate Me

USA 2021 3'06" Farbe Colour Englisch English Von By Steve Reinke, Jessie Mott Internationale Festivalpremiere International festival premiere Video Data Bank, School of the Art Institute of Chicago Tom Colley USA tom@vdb.org vdb.org

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Die kleinen Grausamkeiten eines unterbewussten Nebels ziehen auf. Eine Pandemie vereitelt Intimität. Von ihren jeweiligen kleinen Planeten aus stellen diese bunten Kreaturen ihre Zukunft infrage und setzen sich mit der Sehnsucht nach Verbundenheit auseinander. Dies ist die fünfte Zusammenarbeit zwischen Jessie Mott und Steve Reinke. Steve Reinke ist ein Künstler und Autor, der vor allem für seine Videos bekannt ist. Seine Arbeiten werden häufig gezeigt und befinden sich in Sammlungen verschiedener Museen, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Centre Pompidou in Paris und die National Gallery of Canada in Ottawa. Jessie Mott ist eine bildende Künstlerin, die derzeit in Chicago lebt. Sie erwarb einen Master an der Northwestern University und einen Bachelor an der New York University. Ihre Praxis umfasst Malerei, Zeichnung, Collage, skulpturale Objekte, Video und Installation. The small cruelties of a subliminal fog roll in. A pandemic thwarts intimacy. Perched from their little planets, this cast of wildly colourful creatures question their futures and navigate the longing for connection. This is the fifth collaboration between Jessie Mott and Steve Reinke. Steve Reinke is an artist and writer best known for his videos. His work is frequently shown and is in several collections, including the Museum of Modern Art in New York, the Pompidou in Paris and the National Gallery in Ottawa. Jessie Mott is a visual artist currently living in Chicago. She earned a master’s degree from Northwestern University and a bachelor’s degree from New York University. Her practice includes painting, drawing, collage, sculptural objects, video and installation. Gemeinsame Filme Joint works Eat Your Secrets (2017), A Day for Cake and Accidents (2013), Blood & Cinnamon (2010), Everybody (2009) 74

Griechenland, Finnland Greece, Finland 2022 16'32"

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Als ein griechisches Bergdorf im See versinkt, tauchen die Erinnerungen seiner Bewohner aus dem Wasser auf. Thanasis Trouboukis erforscht das Kino an der fließenden Grenze zwischen Fiktion und Dokumentation. Seine Arbeit hinterfragt Erinnerung, Realität, Träume und die Zweideutigkeit zwischen ihnen. Seine Filme wurden von zahlreichen Festivals ausgewählt. As a mountainous village in Greece sinks under the lake, the memories of its inhabitants emerge from the water. Thanasis Trouboukis explores cinema on the fluid border between fiction and documentary. His work questions memory, reality, dreams and the ambiguity between them. His films have been selected by numerous festivals. Dear Joel (2019), Sable Noir (2018), Whale 52 (2016)

Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Thanasis Trouboukis Kamera Camera Konstantinos Koukoulios Ton Sound Nikos Linardopoulos, Leandros Ntounis Schnitt Editor Yannis Chalkiadakis Produktion Production Kenno Films Festival-Weltpremiere Festival world premiere Kenno Filmi Osk Danai Anagnostou Finnland Finland post@kennofilmi.com kennofilmi.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Under the Lake

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Zouhouron Zarqa’ Aadimat al-ra’iha tastayqizou qabla ’awanaha Odorless Blue Flowers Awake Prematurely

Libanon Lebanon 2021 6' Farbe Colour Arabisch mit englischen Untertiteln Arabic with English subtitles Regie Director Panos Aprahamian Buch Script Panos Aprahamian Kamera Camera Marina Tebechrani, Pauline Maroun

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Für viele Bewohner dieser Welt ist die Dystopie keine zukünftige Möglichkeit, sondern vielmehr historische Realität. Der dystopische Science-Fiction-Dokumentarfilm Zouhouron Zarqa’ Aadimat al-ra’iha tastaygizou qabla ’awanaha erkundet den peripheren Rostgürtel an den Ufern des Beirut-Flusses von Beirut-Stadt, der von der Explosion am 4. August 2020 betroffen war. Panos Aprahamian ist ein Filmemacher und Schriftsteller aus Beirut. Sein Film This Haunting Memory That Is Not My Own gewann den Preis der Jury beim internationalen Festival Signes de Nuit in Lissabon. For many inhabitants of this world, the dystopia is not a future possibility but rather a historical reality. Odorless Blue Flowers Awake Prematurely is a dystopian non-fiction film and a science fiction documentary which explores Beirut’s peripheral rust belt that sits on the banks of the city’s river and is affected by the blast on August 4, 2020. Panos Aprahamian is a filmmaker and writer from Beirut. His film This Haunting Memory That Is Not My Own won the Jury Prize at the last International Festival Signes de Nuit in Lisbon. This Haunting Memory That Is Not My Own (2021), I, Here, Now (2021), Billy Pilgrim Has Come Unstuck in Time (2020), Yabandjo (2016)

Ton Sound Omar Itani Schnitt Editor Rami El Sabbagh Produktion Production Nermani Haddad Festival-Weltpremiere Festival world premiere Panos Aprahamian Libanon Lebanon panos.s.aprahamian@gmail.com

USA 2021 4'33" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Deborah Stratman Kamera Camera Deborah Stratman, Suan Hsi Yong, Jeremy Inglis Ton Sound Oliva Block Schnitt Editor Deborah Stratman Musik Music Oliva Block

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Manche Formen können wir nur an ihrem Schatten erkennen. Eine Hommage an die Geister der Hunde, die zu Versuchszwecken ins Weltall geschickt wurden, und an jedes andere Wesen, das von uns im Namen des Fortschritts benutzt wird. Deborah Stratman ist eine Künstlerin und Filmemacherin, die in ihren Filmen und Kunstwerken Macht, Kontrolle und Glauben sowie die Verflechtung von Orten, Ideen und Gesellschaft erforscht. Ihre jüngsten Projekte befassen sich mit Freiheit, Exodus, Prophezeiungen, Überwachung, Kometen, Raptoren, Orthopteren, Erdfällen, Levitation, Schwesternschaft und Glauben. Sie lehrt an der University of Illinois at Chicago. Some forms we can only know by their shadows. In homage to the spirits of space test dogs, or any being we use in the name of progress. Deborah Stratman is an artist and filmmaker whose films and artworks explore power, control and belief, and how places, ideas and society are interwoven. Her recent projects explore freedom, exodus, augury, surveillance, comets, raptors, orthoptera, sinkholes, levitation, sisterhood and faith. She teaches at the University of Illinois Chicago. Filmauswahl Selected works Vever (for Barbara) (2019), Optimism (2018), The Illinois Parables (2016), Hacked Circuit (2014), Musical Insects (2013), Village, silenced (2012), These Blazeing Starrs (2011), Ray’s Birds (2010, in Oberhausen 2010), O’er the Land (2009), The Magician’s House (2007), Kings of the Sky (2004), Energy Country (2003), In Order Not to Be Here (2002), Untied (2001), The BLVD (1999), From Hetty to Nancy (1997), On the Various Nature of Things (1995)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Deborah Stratman USA delta@pythagorasfilm.com pythagorasfilm.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Laika

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Seeing in the Dark

Thailand, Südkorea Thailand, South Korea 2021 29' Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch English Regie Director Taiki Sakpisit Kamera Camera Taiki Sakpisit Ton Sound Worramet Matutamtada Schnitt Editor Taiki Sakpisit Produktion Production FahFuenFactory Festival-Weltpremiere Festival world premiere Taiki Sakpisit Thailand taiki.sakpisit@gmail.com taikisakpisit.com

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Im Zuge der thailändischen Proteste 2020–2021 führte die diktatorische Regierung einen militärischen Informationskrieg und beschimpfte die Anführer der Proteste als Kommunisten – eine ähnliche Propaganda, wie sie in den 60erund 70er-Jahren gegen die Studentenaktivisten eingesetzt wurde. Der Film ist eine Meditation über die Überbleibsel kommunistischer Stätten, das Vermächtnis des Kalten Krieges und die verfallene Festung, die während des Zweiten Weltkriegs einmal das Finanzministerium war. Taiki Sakpisits Arbeiten erforschen die zugrunde liegenden Spannungen, Konflikte und Erwartungen im zeitgenössischen Thailand durch präzise und sensorisch überwältigende audiovisuelle Assemblagen, die eine breite Palette von Klängen und Bildern verwenden und den Betrachter in Bezug auf das turbulente soziopolitische Klima in Thailand unruhig werden lassen. In the wake of the 2020–2021 Thai Protests, the dictator government has deployed military information warfare, accusing the protest leaders of being communists, similar propaganda to what was used against the student activists in the 1960s and ’70s. The film meditates on the remnants of the Communist sites, the legacy of the Cold War and the ruined fortress that was once the Ministry of Treasury during WWII. Taiki Sakpisit’s works explore the underlying tensions, conflicts and sense of expectation in contemporary Thailand through precise and sensorily overwhelming audio-visual assemblages that use a wide range of sounds and images that create uneasy modes of spectatorship in relation to the tumultuous socio-political climate in Thailand. Filmauswahl Selected works Seeing in the Dark (2021), The Edge of Daybreak (2021), Shadow and Act (2019), The Mental Traveller (2018), Trouble in Paradise (2017), The Age of Anxiety (2013), A Ripe Volcano (2011) 78

Ruanda Rwanda 2021 3'45" Schwarzweiß Black-and-white Kinyarwanda mit englischen Untertiteln Kinyarwanda with English subtitles

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Eine weise alte Frau denkt am See sitzend über das Leben nach. Remy Ryumugabe ist ein ruandischer Filmemacher und bildender Künstler. Seine Werke wurden weltweit ausgewählt, vorgeführt und ausgestellt. Er ist Mitbegründer von Kiruri mfn, einer unabhängigen Produktionsfirma mit Sitz in Kigali. Außerdem ist er Mitinitiator und Kurator des 250 film experiment Cine-Club. Er hat zwei Spielfilme in der Postproduktion. An old and wise woman sitting by the lake, reflecting on existence. Remy Ryumugabe is a Rwandan filmmaker and visual artist. His works have been selected, screened and exhibited worldwide. He is the co-founder of Kiruri mfn, an independent production company based in Kigali. He is also the coinitiator and curator of the 250-film experiment Cine-Club. He has two feature films in post-production. Each of her scars has a story (2021), From Here to There (2021), Mnemosyne (2019), Melpomene (2018), /'ɛrəbəs/ (2017), /'ıəri/ (2017), Aisa (2016)

Regie Director Remy Ryumugabe Buch Script Remy Ryumugabe Kamera Camera David Ndahiriwe Ton Sound Ngabo Wa Ganza, Yves Nsengiyumva Schnitt Editor Remy Ryumugabe Produktion Production Remy Ryumugabe Festival-Weltpremiere Festival world premiere Remy Ryumugabe Ruanda Rwanda eyetracefilmspro@gmail.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

From Here to There

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 7 Programme 7

Hwang Ryong San Gold Dragon Mountain

Südkorea South Korea 2021 18'34" Farbe Colour Koreanisch mit englischen Untertiteln Korean with English subtitles

8. Mai 15:15 Uhr 8 May 3:15 pm Lichtburg

Der Film schildert das Massaker an Zivilisten in der Höhle Geum-jeong-gul in der Provinz Gyeonggi-do im Oktober 1950, bei dem mehr als 153 Menschen in einem Dorf von südkoreanischen Militär- und Polizeiangehörigen getötet wurden. Auch wenn die südkoreanische Regierung 1993 Entschädigung leistete, nachdem die Hinterbliebenen dafür gesorgt hatten, dass das Massaker bekannt wurde, gibt es für die sterblichen Überreste der Opfer in ihrem Heimatort noch immer keinen Platz. Mooyoung Kim macht forschungsbasierte Medienkunst, die in mehreren Ländern ausgestellt wird. Nach vier Kurzfilmen drehte er 2018 seinen ersten Spielfilm Night Light, der zum Busan International Film Festival und zum Seoul Independent Film Festival eingeladen wurde. The film depicts the massacre of civilians in Geum-jeonggul Cave in Gyeonggi-do in October 1950. This massacre, in which more than 153 people were killed in a village by South Korean military and police, was compensated by the South Korean government in 1993 when it became known through the efforts of the victims’ bereaved families, but there is still no place for their remains in their home town. Mooyoung Kim creates research-based media art that has been exhibited in several countries. After four short films, he made his first feature film in 2018, Night Light, which was invited to the Busan International Film Festival and the Seoul Independent Film Festival. Night Light (2018), Day And Night (2017), Land Without People (2016), Concrete (2012), Slow Day (2010)

Von By Mooyoung Kim Internationale Festivalpremiere International festival premiere Mooyoung Kim Südkorea South Korea falixmk@gmail.com

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

Kamera Camera Giorgi Kolbaia

In den Händen eines*einer jungen Filmemacher*in verwandelt sich eine Handycam, wie sie sonst für selbstgedrehte Familienfilme verwendet wird, in ein Werkzeug zur Selbstreflexion. Die Zusammenstellungen aus persönlichen Archiven und Bildern aus dem Unterbewusstsein sind eine Aufforderung, uns auf eine Reise zur Erkundung der Entstehung der Geschlechtsidentität dieses Menschen in der konservativen postsowjetischen Republik Georgien zu begeben. Mariam Elene Gomelauri studiert Audiovisuelle Kunst in Tiflis, Georgien. Selbstbild, Klassenkampf, soziale Wahrnehmungen, Geschlecht und Identität sind einige der Themen, um die sich die Filme häufig drehen. In den Arbeiten werden häufig verschiedene Medien verwendet, visuelle Bilder mithilfe von künstlicher Intelligenz erstellt, Kostüme entworfen und mit analoger Technik gearbeitet. In the hands of a young filmmaker, a Handycam primarily used for homemade family movies transforms into a tool for self-reflection. Compilations of personal archives and images from the subconscious prompt us to embark on a journey of re-examining gender-identity formation in a conservative, post-Soviet Republic of Georgia. Mariam Elene Gomelauri is a audio-visual arts student from Tbilisi, Georgia. Self-image, class struggle, social perceptions, gender and identity are some of the themes their filmography often revolves around. In their work, they enjoy using different media, creating visual images using artificial intelligence, designing costumes and working with analogue technology.

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Looking_Back (2022)

Mariam Elene Gomelauri Georgien Georgia gomelaurielene@gmail.com

Georgien Georgia 2021 8'59" Farbe Colour Georgisch mit englischen Untertiteln Georgian with English subtitles Regie Director Mariam Elene Gomelauri Buch Script Mariam Elene Gomelauri

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

Für Lilith / lilits For Lilith

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

Me and My Country Pornography

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

An dem Tag, als Maung Maungs Familie verreist war, brachen sie in sein Haus ein. Die Eindringlinge ruhten sich ein wenig aus und begannen dann, Pornos zu drehen. Die Karte, alt und erfahren, aber immer noch eine schlechte Schauspielerin, und Maung Maung, der in der Karte reist, begannen mit dem Geschlechtsverkehr. Lin Htet Aung ist ein 1998 geborener Filmemacher und zeitbasierter Künstler, der in Myanmar lebt. 2017 begann er, Kurzfilme zu drehen. Im Jahr 2020 gewann sein Kurzfilm Estate den Silver Screen Award – Best Director beim 31. Singapore International Film Festival. That day when Maung Maung’s family was away on a trip, they broke into his house. The intruders rested a little then began to film porn. The map, old and experienced but still a bad actor, and Maung Maung who is travelling in the map, started performing intercourse. Lin Htet Aung is a filmmaker and time-based artist born in 1998 and based in Myanmar. He started making short films in 2017. In 2020, his short film Estate won the Silver Screen Award – Best Director at the 31st Singapore International Film Festival.

Myanmar 2022 7'43" Farbe Colour ohne Text without text

Filmauswahl Selected works Seeking Wombs for Rebirth (2021, in Oberhausen 2022), The Green Frog and The Red Rose (2020), Estate (2020), Shower at 1AM (2019), Silence! (2018)

Von By Lin Htet Aung Festival-Weltpremiere Festival world premiere Lin Htet Aung Myanmar linnhtutaung.tdi1@gmail.com

Sudan 2021 8'40" Farbe Colour Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Mohamed Elmur Buch Script Mohamed Elmur Kamera Camera Basil Gadal Ton Sound Fareed Al-Najar

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

An einem heißen, sonnigen Tag macht eine Gruppe von Menschen an einem verlassenen Ort eine lebensverändernde Erfahrung. Ein seltsames Wesen läuft auf einem Friedhof herum und erzeugt mit einem Instrument namens Alfundug einen hohen, gleichmäßigen Ton. Der Film schildert eine zutiefst gespaltene soziale Struktur, wie sie von fast allen sudanesischen Bürgern erlebt wird. Auf symbolische Weise vermittelt der Film, wie einige Bürger in einer Gesellschaft voller Vorurteile ihren eigenen Weg finden. Mohamed Elmur ist ein sudanesischer Kostümbildner und Filmemacher. Er begann seine Karriere vor vier Jahren. Er hat mit zwei Spielfilmen und einer Reihe von AvantgardeKostümlinien zur sudanesischen Modebewegung und Filmindustrie beigetragen. Alfundug ist sein Debütfilm. On a hot sunny day, in deserted location, a group of individuals go through a life-changing experience. A strange entity walks around a graveyard creating a high-pitched, consistent sound, using an instrument called Alfundug. The film depicts some of the most controversial social structures, which almost all Sudanese citizens experience. The film uses symbolism to narrate how some citizens navigate their way through a society filled with prejudices. Mohamed Elmur is a Sudanese costume designer and filmmaker. He started his career four years ago. He has contributed to the Sudanese fashion movement and film industry with two feature films and a number of avant-garde costume lines. Alfundug is his debut film.

Schnitt Editor Mamadou Abouzeid Tongestaltung Sound design Mamadou Abouzeid Produktion Production Ray Hima Internationale Festivalpremiere International festival premiere Mohamed Elmur Sudan simbaelmur@icloud.com

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

Alfundug

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

Diabeł The Devil

Polen Poland 2022 18'57" Farbe Colour Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Jan Bujnowski Buch Script Jan Bujnowski Kamera Camera Kasper Lorek Schnitt Editor Olga Bejm, Stanisław Frankowski Musik Music Jan Bujnowski, Bogdan Klat

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

In Umfragen des polnischen Instituts für Meinungsforschung (OBOP) aus den 1990er-Jahren bezeichneten sich etwa 95% der Polen als gläubig. Gleichzeitig erreichte die Arbeitslosenquote Rekordwerte. In Krisenzeiten, in denen die Menschen sich nach Spiritualität sehnen, ist scheinbar auch Unmögliches möglich. Jan Bujnowski wurde 1994 in Białystok, Polen, geboren. Er machte seinen Abschluss in Filmregie an der Szkoła Filmowa w Łodzi. Außerdem studierte er Journalismus und Kunstgeschichte an der Universität Warschau. Seine während des Studiums entstandenen Kurzfilme Wehikuł czasu, Krzyżówka und The Olympian wurden auf über 40 Filmfestivals in aller Welt gezeigt. According to research conducted throughout 1990s by the Institute for Public Opinion Research (OBOP), approximately 95% of Poles identified themselves as believers. At the same time, the unemployment rate reached record values. In times of crisis, when people sought spirituality, seemingly impossible events were possible. Jan Bujnowski was born in Białystok, Poland in 1994. He graduated from the Lodz Film School with a degree in film directing. He also studied journalism and art history at the University of Warsaw. His short films Time Machine, The Crossword and The Olympian, made during his studies, have been shown at over 40 film festivals around the world. The Olympian (2021), The Crossword (2019), Time machine (2018), Pastoral visit (2017), 60 minutes (2016), How to prepare a Christmas carp? (2016), The garage (2015)

Tongestaltung Sound design Bogdan Klat Produktion Production Jan Bujnowski Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jan Bujnowski Polen Poland janbujnowski1@gmail.com

Indien India 2021 9'26" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Hindi mit englischen Untertiteln Hindi with English subtitles Regie Director Karan Suri Talwar Kamera Camera Tanya Dixit Produktion Production Karan Suri Talwar, Harkat Studios Festival-Weltpremiere Festival world premiere Karan Suri Talwar Indien India karan@harkat.in harkat.in

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

Die Stimme einer Mutter führt die Hände ihres Sohnes durch die Zubereitung einer beliebten Punjabi-Delikatesse namens Sarson Ka Saag, was so viel wie „Senfgrün“ bedeutet. Der Sohn ahmt die Bewegungen seiner Mutter nach und versucht, die Scherben einer geteilten Kultur zu übernehmen. Für die Entwicklung des 16-mm-Schwarz-Weiß-Films wurden Senf und Gewürze verwendet. Physische Spuren von Senfblättern und Gewürzflecken bilden ein gastronomisches Archiv. Karan Suri Talwar ist Filmemacher, Kunstvermittler und Gründer von Harkat, einem interdisziplinären Kunststudio, Filmlabor und alternativen Veranstaltungssort in Mumbai. Er liebt es, mit seinen Händen zu arbeiten und Dinge zu erschaffen. A mother’s voice guides her son’s hands through the making of a popular Punjabi delicacy called ‘sarson ka saag’, meaning mustard greens. This is him imitating his mother’s movements, attempting to inherit broken pieces of a partitioned culture. Made on b/w 16 mm film, the film uses mustard and spices in its developing process. Physical testaments of mustard leaves and stains from spices form a gastronomical archive. Karan Suri Talwar is a filmmaker, arts enabler and founder of Harkat, an interdisciplinary arts studio, film lab and alternative performance space based in Mumbai. He likes to work with his hands and make things. 16mm Selfie (2020), And Sometimes, She Loved Me Too. (2018)

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

Sarson ka Saag Mustard Greens

Internationaler Wettbewerb International Competition Programm 8 Programme 8

It grew fur again, lost it, developed scales, lost them

Dänemark Denmark 2021 23'40" Farbe Colour Englisch English Regie Director Gitte Villesen Kamera Camera Gitte Villesen Schnitt Editor Gitte Villesen Tongestaltung Sound design Jochen Jezussek Festival-Weltpremiere Festival world premiere Gitte Villesen Deutschland Germany gittevillesen@gmx.de

8. Mai 20:00 Uhr 8 May 8:00 pm Lichtburg

In einer episodischen, mit verschiedenen Landschaften und literarischen Referenzen durchzogenen Erzählung entfaltet sich eine audiovisuelle Affinität. Sprachschöpfung und die Fähigkeit, Signale zu senden, werden als Merkmale sensibler und fragiler Konstitutionen sowie einer Art von Ermächtigung vermittelt, wie sie in so unterschiedlichen Formen wie Mimosen oder Legasthenie zu finden sind. Gitte Villesen formuliert seit Mitte der 1990er-Jahre eine künstlerische Praxis des Erzählens und Wiedererzählens. Ihre in erster Linie filmischen und fotografischen Arbeiten sind eine mannigfaltige Montage von Begegnetem, Inszeniertem und Archivischem, die von Fäden einer feministischen Science-Fiction-Literatur durchzogen sind. An audio-visual affinity unfolds in an episodic narrative interspersed with various landscapes and literary references. Creation of languages and abilities to send out signals are conveyed as characteristics of sensitive and fragile constitutions as well as a form of empowering, such as those found in such diverse forms as mimosa or dyslexia. Gitte Villesen has been formulating an artistic practice of telling and retelling since the mid-1990s. Her primarily filmic and photographic works are a manifold montage of the encountered, the staged and the archival, interwoven with threads of a feminist science fiction literature. Filmauswahl Selected works The Play, the Actors, the Improvisation with Dental, Amadou Sarr and Saidou Ndiaye (2020), There is an Affinity (2019), Deeply immersed in the contents of a learning stone (2016/17), It runs about like ants (2015), Gido (2014), I had no other choice than to jump from one pile to the other, as there was nothing in between (2012, in Oberhausen 2013)

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 1 Programme 1

Days of the New

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Zwei Polizisten, ein Künstler, eine Mordserie und total krasser Scheiß. Willkommen in der neuen, postpandemischen Welt. Keith Deligero führte 2017 bei dem Kurzfilm Babylon Regie, der beim QCinema International Film Festival als bester Film ausgezeichnet wurde und bei der Berlinale 2018 im Wettbewerb lief. Seine Filme erscheinen regelmäßig in den jährlichen Listen der besten Filme der Philippinen. Er ist der Gründer und Programmierer des Binisaya Film Festival. Two cops, an artist, a series of murders and some weird shit. Welcome to the new world after the pandemic. Keith Deligero directed the 2017 short film Babylon, which won Best Film at the QCinema International Film Festival and screened in competition at the 2018 Berlinale. His films regularly appear in the annual Best Films of the Philippines lists. He is the founder and programmer of the Binisaya Film Festival. A Short History of a Few Bad Things (2018), Babylon (2017), Lily (2013), Iskalawags (2016), Kordero sa Dios (2012), Baboyngirongbuang (2010), Uwan init pista sa langit (2009)

Philippinen Philippines 2021 18'48" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Philippinisch mit deutschen, englischen Untertiteln Filipino with German, English subtitles Von By Keith Deligero Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Keith Deligero Philippinen Philippines keithdeligero@gmail.com fb.com/keithdeligero

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Die elektromagnetischen Landschaften von São Paulo und Rio de Janeiro werden unregelmäßig. Man kann erkennen, was sich außerhalb des Frames befindet. Die Bildschnipsel werden mit dem Gedicht E se Jesus fosse preto (Was, wenn Jesus Schwarz wäre) des brasilianischen Dichters Bruno Negrão unterlegt, der anregt, tief in uns verwurzelte Überzeugungen zu überdenken. Azucena Losana wurde 1977 in Mexiko-Stadt geboren und lebt und arbeitet in Mexiko-Stadt und Buenos Aires. Sie hat einen Abschluss in Multimediakunst von der Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires. Ihr Werk umfasst experimentelle Filme, Installationen und Videos. The electromagnetic landscapes of Sao Paulo and Rio de Janeiro go on an irregular basis and it is possible to see what’s outside the frame. This image hacking is connected to the poem E se Jesus fosse preto (And If Jesus Were Black) by the Brazilian poet Bruno Negrão, who proposes a new way to imagine some of our ingrained beliefs. Azucena Losana was born in Mexico City in 1977 and lives and works in Mexico City and Buenos Aires. She has a degree in multimedia art from the National University of the Arts Buenos Aires. Her work includes experimental films, installations and videos. Argentinien Argentina 2021 2'06" Schwarzweiß Black-and-white Portugiesisch mit deutschen, englischen Untertiteln Portuguese with German, English subtitles

La cuarta plantación (2020), La Hora Decisiva (2020), Corbusierhaus (2020), Tres bocetos de casa (2020), Pantano (2019), Tierras del Mar (2019), Siesta (2018), At your heels (2017), Gardel (2016), Karl-Marx-Allee (2015), SP (2015, in Oberhausen 2016)

Von By Azucena Losana Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Azucena Losana Mexiko Mexico azucena.losana@gmail.com azulosa.com

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 1 Programme 1

Feriado Holiday

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Walkway

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Walkway ist ein nichtfiktionaler Film/visueller Essay, eine Meditation über das Verhältnis zwischen Frauen und anderen marginalisierten Menschen zum Konzept des öffentlichen Raums. Der Film wurde ausschließlich mit einem Handy gedreht und nutzt Voiceover, um wie ein Tagebuch zu wirken. Sudha Padmaja Francis ist eine Filmemacherin aus Kerala, Indien. Sie schloss ihr Studium mit einem Master in Creative Enterprise: Film an der University of Reading im Jahr 2017 ab. Sie ist Empfängerin des Felix Scholarship für 2016 und 2017. Ihre Filme wurden auf vielen internationalen Filmfestivals gezeigt. Walkway is a non-fiction film/visual essay that meditates on the relation between women and other marginalised populations to the idea of public space. It is entirely shot on a phone and uses voiceover technique to invoke the sense of a diary/journal. Sudha Padmaja Francis is a filmmaker from Kerala, India. She graduated with a master’s degree in Creative Enterprise: Film from the University of Reading in 2017. She was a recipient of the Felix Scholarship for 2016 and 2017. Her films have been screened at many international film festivals. Indien India 2021 24'55"

Filmauswahl Selected works A Tale of Threads and Fingers (2021), Memory Beings (2019), Eye Test (2017)

Farbe Colour Englisch, Malayalam mit deutschen, englischen Untertiteln English, Malayalam with German, English subtitles Von By Sudha Padmaja Francis Festival-Weltpremiere Festival world premiere Sudha Padmaja Francis Indien India sudhakf@gmail.com

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Kamera Camera Suzannah Mirghani, Rodney Sharkey

Suzi Doll ist ein Ego Warrior. Der Online-Avatar der Regisseurin, der durch die Algorithmen der sozialen Medien marschiert. Sie brennt vor vorübergehender Empörung. Entrüstung, die im Trend liegt. Leidenschaft, die gerade Mode ist. Eine Politik des Populären. Ihr Aktivismus ist abstrakt. Ihre Hilfe ist hypothetisch. Wir kennen viele Mädchen wie Suzi und oft sind wir selbst Suzi: nichtssagende virtuelle Stimmen, die Ungerechtigkeiten herausposaunen. Suzannah Mirghani ist Schriftstellerin, Forscherin und Filmemacherin. Als Person mit sudanesischen und russischen Wurzeln interessiert sie sich für Geschichten über die Komplexität von Identität. Ihr letzter Film, Al-Sit, wurde auf zahlreichen Festivals ausgezeichnet. Suzi doll is an ego-warrior. The director’s online avatar, marching to the algorithms of social media. She is lit by temporary outrage. A trending indignation. A passion that is fashion. A politics of the popular. Her activism is abstract. Her help is hypothetical. We know many girls like Suzi, and many times we are her: vacuous virtual voices, echoing injustices. Suzannah Mirghani is a writer, researcher and filmmaker. As a person with Sudanese and Russian roots, she is interested in stories about the complexity of identity. Her previous film, Al-Sit, won awards at numerous festivals.

Schnitt Editor Suzannah Mirghani, Socheat Cheng, Kattab Abdelrahim

Al-Sit (2020), There be Dragons (2017), Caravan (2016), Hind’s Dream (2014)

Katar, Sudan Qatar, Sudan 2021 6'42" Farbe Colour Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles Regie Director Suzannah Mirghani Buch Script Suzannah Mirghani

Tongestaltung Sound design Severin Favriau, Guillaume Moutardier Produktion Production Suzannah Mirghani Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Raina Film Festival Distribution Andrew Norton Finnland Finland andy@rainafilms.com rainafilms.com

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 1 Programme 1

Virtual Voice

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Tender

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Transparente, holografische Bestandteile kanadischer Dollarscheine werden per Kontaktabzug auf 16-mm-Film gedruckt. Ein kameraloser, schwindelerregender Blick auf die Monarchin, die Ahornblätter und die kolonialen Strukturen, die unser gesetzliches Zahlungsmittel sichern und validieren. Christine Lucy Latimer ist eine linsen- und zeitbasierte Medienkünstlerin. Sie lebt und arbeitet derzeit in Toronto, Kanada. The transparent, holographic portions of Canadian dollar bills are contact-printed onto 16 mm film. A camera-less, dizzying closer look at the monarch, maple leaves and colonial structures that secure and validate our legal tender. Christine Lucy Latimer is a lens-and-time-based media artist. She currently lives and works in Toronto, Canada. Filmauswahl Selected works House Pieces (2019), Still Feeling Blue About Colour Separation (2015), C2013 (2014), Physics And Metaphysics In Modern Photography (2014), Nationtime (2013), The Magik Iffektor (2011), Fruit Flies (2010), Focus (2009), Over {Past:Future} Sight (2006-07), The Bridge View (2004), Ghostmeat (2003), Mosaic (2002) Kanada Canada 2021 3'04" Farbe Colour ohne Text without text Von By Christine Lucy Latimer Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Christine Lucy Latimer Kanada Canada christinelucylatimer@gmail.com vimeo.com/christinelucylatimer

Russland Russia 2021 28'58"

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Brechts Held navigiert durch die Nicht-Orte einer modernen Großstadt. Er hat ein Smartphone, das verschiedene Nachrichten empfängt, und eine Smartphone-Kamera, die manchmal etwas aufnimmt. So wird politisches Entkommen zum Traum. Artem Terent’ev wurde 1992 in Kaliningrad, Russland, geboren und ist Filmemacher und Forscher für visuelle Studien. Er studierte an der School of New Cinema und an der School of Engaged Art in Sankt Petersburg. I Had a Dream about the Subway Explosion ist sein Debütfilm. Brecht’s hero navigates non-places of a modern city. He has a smartphone that receives different messages, and a smartphone camera that sometimes shoots something. Thus, political escape turns into a dream. Artem Terent’ev was born in Kaliningrad, Russia in 1992 and is a filmmaker and visual studies researcher. He studied at the Saint Petersburg School of New Cinema and the School of Engaged Art. I Had a Dream about the Subway Explosion is his debut film.

Farbe Colour Russisch mit deutschen, englischen Untertiteln Russian with German, English subtitles Regie Director Artem Terent‘ev Buch Script Vlad Gagin, Olga Rusakova Kamera Camera Alexey Kuznetsov Produktion Production Artem Terent‘ev Festival-Weltpremiere Festival world premiere Artem Terent‘ev Russland Russia aterentev92@gmail.com wildlakes.tilda.ws

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 1 Programme 1

I Had a Dream about the Subway Explosion

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 2 Programme 2

Punctured Sky

USA 2021 21'14" Farbe Colour Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles Regie Director Jon Rafman Ton Sound Pascal Desjardins Musik Music Grant Tyler Animation Myles Fairhead, Grant Tyler

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Nach einem Wiedersehen mit einem alten Freund begibt sich ein unsichtbarer Erzähler auf eine Entdeckungsreise, um herauszufinden, warum sein geliebtes Videospiel aus Kindheitstagen, „Punctured Sky“, auf mysteriöse Weise verschwand. Unterwegs muss er on- und offline einige seltsame Begegnungen meistern und sich der Unsicherheit seiner Erinnerungen, der Wahrheit und seines Selbstseins im Internetzeitalter stellen. Jon Rafmans filmische und künstlerische Praxis schafft kritische Erzählungen aus dem Vokabular der virtuellen Welten. Seine Arbeiten wurden unter anderem auf der 58. Biennale di Venezia ausgestellt und befinden sich in der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art. After reuniting with an old friend, an unseen narrator embarks on a quest to uncover the truth behind the mysterious disappearance of his beloved childhood video game, ‘Punctured Sky’. Along the way, he must contend with a series of strange encounters on and offline and confront the precariousness of memory, truth, and selfhood in the Internet epoch. Jon Rafman’s cinematic and artistic practice creates critical narratives from the vocabulary of virtual worlds. His work has been exhibited at the 58th Venice Biennale, among others, and is in the permanent collection of the Museum of Modern Art. Filmauswahl Selected works Minor Daemon (2021), Dream Journal 2016-2019 (2019), SHADOWBANNED (2018), Erysichthon (2015), Still Life: Betamale (2013), Kool-Aid Man in Second Life (2008-2011), You, the World and I (2010)

Produktion Production Polina Dubik Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jon Rafman USA studio@jonrafman.com jonrafman.com

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Von By Pedro Gonçalves Ribeiro

Lugar nenhum ist ein Essayfilm über die Identität schwuler Männer in der Gegenwart, erzählt mithilfe eines Elektropopsongs aus den Neunzigern, der Geschichte über einen türlosen Weg und der Farbe Blau. Pedro Gonçalves Ribeiro, geboren 1993, ist ein brasilianischer Regisseur und Kulturproduzent, der in Portugal lebt. Er hat einen Master in Multimediakunst von der Universität Lissabon und arbeitet hauptsächlich mit Themen wie Identität, Erinnerung und urbaner Bildsprache. Nowhere is an essay film about gay men’s identity in the present time told through an electropop 1990s song, the story of a doorless alley, and the colour blue. Pedro Gonçalves Ribeiro, born in 1993, is a Brazilian director and cultural producer living in Portugal. He has a master’s degree in Multimedia Arts from the University of Lisbon and works mainly with themes such as identity, memory and urban imagery.

Internationale Festivalpremiere International festival premiere

The Remainings (2021)

Pedro Gonçalves Ribeiro Portugal pgfribeiro@gmail.com

Portugal 2021 18'50" Farbe Colour Portugiesisch mit deutschen, englischen Untertiteln Portuguese with German, English subtitles

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 2 Programme 2

Lugar nenhum Nowhere

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 2 Programme 2

La distancia del tiempo The Distance of Time

Peru 2021 19'27" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Spanisch mit deutschen, englischen Untertiteln Spanish with German, English subtitles Regie Director Carlos Ormeño Palma Kamera Camera Carlos Ormeño Palma Ton Sound Patricio Lagos Bustamante Schnitt Editor Inti Briones, Melina León Musik Music Fil Uno, Kintu Canela

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Eine Stadt in Peru, zerfressen von einem ewigen sowie mittelmäßigen Winter: Ein junger androgyner Mann mit indigenen Wurzeln erlebt tiefgreifende Einsamkeit, während sein an einer unbekannten Krankheit leidender Freund ums Überleben kämpft und seine Erinnerungen sich in Vergessen und Trauer auflösen. Carlos Ormeño Palma ist ein peruanischer Filmemacher und Absolvent von La Fémis, Berlinale Talents und Talents Buenos Aires. Seine Leidenschaft für Film rührt von den Erinnerungen an seine Familie und seine Identität her. Zurzeit arbeitet er an seinem ersten Spielfilm The Scent of Walls. In a Peruvian city corroded by an eternal and indifferent winter, a young, androgynous man with indigenous roots reaches the depths of abandonment as his boyfriend tries to survive an unknown disease and his memories fade into oblivion and sorrow. Carlos Ormeño Palma is a Peruvian filmmaker and graduate of La Fémis, Berlinale Talents and Talents Buenos Aires. His passion for film arose from memories of his family and his identity. He is working on his first feature film, The Scent of Walls. La langue inconnue du Soleil couchant (2021), Backwards (2017), Understand (2016), Inersis (2014)

Tongestaltung Sound design Abel Castro Produktion Production Carlos Ormeño Palma Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Carlos Ormeño Palma Peru carlosormenop@gmail.com lafiebrefilms.com

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Ehrlich gesagt (-_-) Ein Sinnieren über den freien Willen und die Beschaffenheit von Gefühlen inmitten der Tumblr-Ästhetik der frühen 2010er-Jahre. Das gesamte Video- und Audiomaterial stammt entweder aus unbeendeten Projekten oder aus Zusatzmaterial abgeschlossener Projekte. Der Text ist teilweise autobiografisch, teilweise Fiktion. Matti Harju studierte Filmregie an der britischen National Film and Television School und erwarb einen Master of Arts an der Kunstakademie in Helsinki. tbh (-_-) Rumination about free will and the nature of feelings in the midst of tumblr aesthetics from the early 2010s. All video and audio material is either from unfinished projects or surplus material from completed ones. The text is partly autobiographical, partly fiction. Matti Harju studied film directing at the National Film and Television School in England and earned a master of arts degree from the Academy of Fine Arts Helsinki. Filmauswahl Selected works Kolme päivää sadetta (2021, in Oberhausen 2022), El centro (2021), Aliens (2020), Nueva era (2018), Afrikka (2011), One in Four (2008), Mies etsii miestä (2004) Finnland Finland 2021 5'43" Farbe Colour Deutsch, Englisch German, English Von By Matti Harju Festival-Weltpremiere Festival world premiere Matti Harju Finnland Finland mattiharju@hotmail.com

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 2 Programme 2

Born to Feel

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 2 Programme 2

Max et les étranges Max and the Freaks

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Max verschwindet in einer verschwommenen Nacht, um seine wahre Identität zu finden. Er begegnet den Bewohnern einer traumähnlichen Unterwelt, in der einige ihn verlieren und andere ihm den Weg weisen und den Wert von Liebe erklären. Nathan Clement wurde 2002 geboren. Er ist ein auf der Insel La Réunion aufgewachsener Filmemacher und Musiker. Derzeit studiert er Film an der Haute école d‘art et de design Genève. Max dives into a hazy night to discover his true identity. He encounters the inhabitants of a dreamy underworld through which some lose him and others guide him, teaching him the value of love. Nathan Clement was born 2002. He is a Reunion Islandraised filmmaker and musician. He currently studies Cinema at Geneva University of Art and Design. Schweiz Switzerland 2021 17'37" Farbe Colour Französisch mit deutschen, englischen Untertiteln French with German, English subtitles

La promenade sous les arbres (2020, in Oberhausen 2021), Transparences acidulées (2019), Mer de corail (2019), Something Simple (2018), Les montagnettes (2016)

Regie Director Nathan Clement Buch Script Nathan Clement, Maëlwenn Lobbé Ton Sound Maëlwenn Lobbé Schnitt Editor Noémie Ruben Produktion Production HEAD – Genève Internationale Festivalpremiere International festival premiere Nathan Clement Frankreich France nathanjulesclement@gmail.com instagram.com/usedtotalk

Rumänien Romania 2021 15'52" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Corina Andrian Kamera Camera Cătălin Rugină Schnitt Editor Corina Andrian Musik Music Argatu‘

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Was sagen wir, wenn wir nicht sprechen? Dancen betrachtet die flüchtigen Impulse, die zwischen einzelnen Momenten des Tages leben. Ihr wahrer Wert liegt zwischen ruhigen Gewohnheiten, die den Raum bilden, der von Verlangen, Tagträumen und Surrealismus eingenommen wird. Wie würde ein Tag aussehen, wenn er nur aus der Bedeutung dessen bestünde, was zwischen den Zeilen steht, aus den kurzen Momentaufnahmen der Wahrheit? Corina Andrian ist eine rumänische preisgekrönte Filmregisseurin und Bewegungskünstlerin, die das Gewebe des Lebens zu einer synästhetischen visuellen Einheit verschmilzt, um das Filmerlebnis zu verkörperlichen. Für sie beinhaltet das Zuschauen nicht nur das Sehen, sondern eine ganze verkörperte Intelligenz. What do we say when we don’t talk? To Dance looks at the fleeting impulses that live in between moments of the day. Their precise quality is situated between quiet habits: that is, the space inhabited by yearning, daydreams, surrealism. How would a day look made of just the meaning in between the lines, the momentary glimpses of truth? Corina Andrian is an award-winning Romanian film director and movement artist who fuses the fabric of life into a synaesthetic visual entity to embody the cinematic experience. For her, watching involves not only seeing, but a whole embodied intelligence. Anul Nou (2021), pretty UGLY (2021), Why Shouldn’t We Be Vulgar? (2021), SUNLESS (2020), Soup (2019), THE PAST IS NOW (2018), Golden Boi (2017), Stars in an Ocean of Darkness (2017)

Produktion Production Corina Andrian Internationale Festivalpremiere International festival premiere Corina Andrian Rumänien Romania corina.andrian@gmail.com

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 3 Programme 3

Dancen To Dance

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 3 Programme 3

Sad Cowboy Platonic Love

Schweiz Switzerland 2021 16'45" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Französisch, Englisch, Japanisch mit deutschen, englischen, französischen Untertiteln French, English, Japanese with German, English, French subtitles

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Clotaire-Ära, im Jahr 103: Ein böser Drache, der seit Generationen ausgestorben war, ist wieder aufgetaucht. Die Königin bitte das ganze Königreich um Hilfe, um die Katastrophe abzuwenden. Gibt es einen Helden, der das Königreich retten kann? Ciel Sourdeau studiert Bildende Kunst und Kino an der Haute école d’art et de design Genève. Der Fokus der Praxis liegt auf Gender und Filmgenre(s) und schafft eine spielerische Collage aus phantasmagorischen Klängen und Bildern. Sad Cowboy Platonic Love ist der Debütfilm. Clotaire Era, year 103: a fierce dragon who had been extinct for generations has just reappeared. The queen sends a message throughout the land to avoid the catastrophe. Is there any hero to save the kingdom? Ciel Sourdeau studies fine arts and cinema at Geneva University of Art and Design. Their practice focuses on gender and film genre(s), creating a playful collage of phantasmagorical sounds and images. Sad Cowboy Platonic Love is their debut film.

Regie Director Ciel Sourdeau Kamera Camera Ciel Sourdeau Schnitt Editor George Angèle Boucard Produktion Production HEAD – Genève Internationale Festivalpremiere International festival premiere Ciel Sourdeau Frankreich France ciel.sourdeau@gmail.com

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Tschechien Czech Republic 2021 13'17" Farbe Colour Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Der Held des Films schweift in einem zerfledderten Fischkostüm durch eine Stadt, durch ein Land. Dabei führt er eine Unterhaltung mit einem weiblichen Hyperobjekt über das Ende, Scham, Schuld und die Möglichkeit, etwas zu tun. Alle Dialoge des Films sind eine Art Collage aus Songtexten von IndieEmo-Bands aus den Neunzigern. Der Film wurde nach dem Zero-Waste-Prinzip gedreht. Radek Brousil ist ein tschechischer Künstler, der neben Film, Fotografie und Video auch Installationen, vor allem mit Textilien, herstellt. Im Jahr 2015 wurde er mit dem Oskár Čepan Award für junge bildende Künstler ausgezeichnet. Er schloss sein Studium am Studio für Fotografie an der Akademie für Kunst, Architektur und Design Prag ab. Kryštof Hlůže ist Absolvent der Akademie für Kunst, Architektur und Design und der Film- und Fernsehfakultät der Akademie der Musischen Künste in Prag. Er macht Videos und Filme von zeitgenössischen bildenden Künstlern. Charakteristisch für seine Arbeit ist seine spezifische Arbeit mit Licht. Er ist einer der Gründer des Techno-Labels Polygon. The hero of the film, in a half-dead fish costume, wanders through a city and a country in a mental dialogue, speaking to a female hyperobject about the end, shame, guilt and the possibility of doing something. The entire film dialogue is put together as a collage from 1990s indie-emo bands lyrics. Shot as a zero waste film. Radek Brousil is a Czech artist who, in addition to film, photography and video, also produces installations, especially with textiles. In 2015 he received the Oskár Čepan Award for Young Visual Artists. He graduated from the Studio of Photography at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. Kryštof Hlůže graduated at the Academy of Arts, Architecture and Design and at the Film and TV School of the Academy of Performing Arts in Prague. He makes videos and films of contemporary visual artists. His work is characteristic by his specific work with light. He is one of the founders of the techno label Polygon. Radek Brousil Red Naomi (2017)

Von By Radek Brousil, Kryštof Hlůže Produktion Production Perfilm Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Perfilm Tomas Pertold Tschechien Czech Republic tomas@perfilm.cz perfilm.cz

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Can You Still Feel the Butterflies ?

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zhezhou herstory

China 2021 21'46"

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

In einer extrem abstrakten Gesellschaft ist Feuerwerk streng verboten und Männer werden zur Reproduktion kastriert. Das Geschlecht der Hauptfigur ist nicht eindeutig. Er/sie hat jeglichen Schmerz ertragen, den die Welt kennt: Trennung, Geburt, Entzug sozialer Rechte, Trauer und Tod. Letztendlich bringt er/sie seinen/ihren Widerstand gegen die voreingenommene Gesellschaft in der eigenen Einsamkeit zum Ausdruck. Yui Zhang ist Regisseurin, Produzentin, Lyrikerin und Dichterin. Sie hat einen Bachelor in Regie von der Communication University of China und einen Master in Film von der School of Arts der Universität Peking. In an extremely abstract society, fireworks are strictly prohibited and males are castrated as a means of reproduction. The protagonist is of a vague gender. S/he has experienced all the hardships that the world has endured: parting, childbirth, deprivation of social rights, bereavement and death. In the end, S/he expresses her resistance to this prejudiced society in her desolate way. Yui Zhang is a director, producer, lyricist and poet. She holds a bachelor’s degree in directing from the Communication University of China and a master’s degree in film from the School of Arts at Peking University. Biwu (2022), Lingding (2017), July (2017)

Farbe Colour Chinesisch mit englischen Untertiteln Chinese with English subtitles Von By Yui Zhang Festival-Weltpremiere Festival world premiere Yui Zhang China 546138931@qq.com

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30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Zwei Tänzer, eine Choreografin und der Regisseur spielen in diesem Kurzfilm sich selbst: ein Team im Schaffensprozess. Durch die Wiederholung mehrerer simpler Aufgaben entsteht ein kurzlebiges System aus Gemütsregungen und gemeinsamen Energien, das den Weg für ein tieferes, gegenseitiges Verständnis ebnet. Yann les Jours wurde in Lyon geboren und arbeitet in Berlin und Paris. Er macht Kurzfilme und Musikvideos, die die für den Aufbau der Dramaturgie grundlegende Beziehung zwischen Ton und Bild erforschen. Two dancers, a choreographer and the director play their own roles in this short movie showing a team in the act of making. Through the repetitions of several simple tasks, a short-term system of affects and common energies emerges that leads the way to a deeper mutual field of understanding. Yann les Jours was born in Lyon and works in Berlin and Paris. He creates short films and music videos that explore the fundamental relationship between sound and image to build dramaturgies. TIN – Sunny Side Up (2021), MARY OCHER – For All We Know (2021)

Frankreich France 2021 3'34" Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Von By Yann les Jours Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Yann les Jours Deutschland Germany yann.les.jours@gmail.com yann-les-jours.com

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RÉPÉTITIONS REPETITIONS

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The Raft

Kroatien Croatia 2021 13'46" Farbe Colour Kroatisch mit deutschen, englischen Untertiteln Croatian with German, English subtitles Regie Director Marko Meštrović Buch Script Marko Meštrović, Božidar Trkulja Schnitt Editor Marko Meštrović, Iva Kraljević Musik Music Cinkusi Animation Marko Meštrović, David Lovrić Tongestaltung Sound design Marko First

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Das Wasser stand uns bis zum Hals und ging über unsere Köpfe. Aus den Bergen wurden Inseln und aus den Inseln wurden Hügel. Die Palmen wurden zu Seeanemonen und die Seeanemonen blieben, was sie waren. Die Wall Street war immer noch voller Haie. Venedig trieb etwas länger auf dem Wasser und dann … Wenn eine globale Katastrophe der Gemütszustand ist, ist die Musik das Floß. Marko Meštrović wurde 1972 in Stuttgart geboren und machte seinen Abschluss in Malerei an der Akademie der Schönen Künste in Zagreb. Seit 2000 dreht er Animationsfilme. Seine Filme wurden auf Filmfestivals in der ganzen Welt gezeigt und haben zahlreiche Preise erhalten. Er spielt Schlagzeug in der Weltmusikband Cinkuši. The water reached up to our necks and over our heads. The mountains became islands and the islands became hills. The palms became sea anemones and the sea anemones remained what they were. Wall Street was still full of sharks. Venice floated a while longer, and then…If a global catastrophe is a state of mind, then music is the raft. Marko Meštrović was born in Stuttgart in 1972 and graduated with a degree in painting from the Academy of Fine Arts in Zagreb. He has been making animated films since 2000. His films have been shown at film festivals all over the world and have received numerous awards. He plays drums in the world music band Cinkuši. Trip (2017), Levitation (2014, in Oberhausen 2015), Why Elephants? (2012), No Sleep Won’t Kill You (2010), Note (2008), Silencium (2006), Gipsy Song (2004)

Produktion Production Kreativni Sindikat Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Bonobostudio Vanja Andrijević Kroatien Croatia vanja@bonobostudio.hr bonobostudio.hr

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Japan 2021 36'02" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Japanisch mit deutschen, englischen Untertiteln Japanese with German, English subtitles Regie Director Aki Nakazawa, Shinjiro Maeda, Masakazu Saito, Toshiko Takashi, Noriyuki Kimura, Yasunori Ikeda, Muryo Homma

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Dieser Film besteht aus sieben Teilen, die ursprünglich für das Online-Filmprojekt Between Yesterday & Tomorrow (BYT) gedreht wurden. Es wurde 2011 gestartet und 2021 zusammengefügt, in den Jahren, als sich die große Nuklear- und Tsunamikatastrophe in Japan ereignete und die Coronapandemie weltweit unser Leben bedrohte. Der Film zeigt die andauernde Krise und vergleicht sie mit der Situation vor zehn Jahren. Shinjiro Maeda hat 2011 Between Yesterday & Tomorrow (BYT) ins Leben gerufen, das fünfminütige Kurzfilme enthält, die von japanischen Künstlern unter seiner Anleitung produziert wurden, um die Welt aus der Sicht der Künstler zu zeigen. This film consists of seven pieces that were initially produced for the online movie project Between Yesterday & Tomorrow (BYT), launched in 2011 and reunited in 2021, when the big catastrophe of the tsunami and the nuclear powerplant accident hit Japan and the coronavirus pandemic threatened our lives worldwide. The film presents the ongoing crisis, mentioning and comparing the situation of ten years ago. Shinjiro Maeda launched Between Yesterday & Tomorrow (BYT) in 2011 and shows five-minute short films produced by Japanese artists under his production direction to show the world from the artists’ point of view. Between Yesterday & Tomorrow (BYT) (2011, 2021), UNSERHAUS for the New Era (mit with Noriyuki Kimura 2013, in Oberhausen 2014), Mosaic (mit with Yasunori Ikeda and Masakazu Saito 2001, in Oberhausen 2003)

Produktion Production Aki Nakazawa Internationale Festivalpremiere International festival premiere Shinjiro Maeda Japan maeda@iamas.ac.jp maedashinjiro.jp/english

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7 blinks a fter a decade

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THE DRESS

USA 2021 13'57" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Ungarisch, Englisch, Jiddisch mit deutschen, englischen Untertiteln Hungarian, English, Yiddish with German, English subtitles Von By Ken Kobland, EJay Sims Internationale Festivalpremiere International festival premiere Ken Kobland USA vonkob@mindspring.com kenkoblandfilms.com

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Dokumentation einer Installation im März 2021, bei der ein riesiges Kleid an der Feuerleiter eines Gebäudes in der Bowery, New York, hing. Zu Ehren: einer ungarischen Großmutter, einer Schneiderin, die 1913 nach New York auswanderte. Und zur Erinnerung an: den Brand der Triangle Shirtwaist Factory im März 1911. … im Kleinen ist der Film die Geschichte der Ironie, die wir Amerika nennen. Ken Kobland, geboren 1946 in der Bronx, New York, ist ein unabhängiger Film- und Medienkünstler. Er arbeitet unter anderem mit The Wooster Group zusammen. Er ist Kameramann und Editor von Dokumentarfilmen über Künstler wie Joan Mitchell, Chuck Close, Louise Bourgeois und andere. EJay Sims wurde 1948 in North Carolina geboren und verbrachte ihre ersten Jahre in den 1950er Jahren während der Besatzung in Deutschland. Sie studierte Film und Performance an der School of the Art Institute of Chicago. Seit 1990 arbeitet sie als unabhängige bildende Künstlerin in den Bereichen Mediendesign und digitale Fotografie und unterrichtet Kunst an öffentlichen High Schools in New York City. Document of an installation in March, 2021, of a giant dress, hung from the fire-escape of a building on the Bowery, NY. To honour: a Hungarian grandmother, a seamstress, who emigrated to New York in 1913. And to Commemorate: the Triangle Waist-Shirt Factory fire, of March, 1911. …in a small way, the film’s the story of the irony that is America. Ken Kobland, born in 1946 in the Bronx, New York, is an independent film and media artist. He works with The Wooster Group in New York, among others. He is a cinematographer and editor of documentaries on artists such as Joan Mitchell, Chuck Close, Louise Bourgeois and others. EJay Sims was born in North Carolina in 1948 and spent her early years in Germany in the 1950s during the occupation. She studied film and performance at the School of the Art Institute of Chicago. Since 1990 she has been an independent visual artist working in media design and digital photography and teaching art in New York City public high schools. Ken Kobland A Pee, A Poop, A Plate….Paradise (2021), Regarding The Pain Of Others (2020), 2 Jumps In A Row (2017), Where Was I Now? (2015) EJay Sims THE DRESS: Super8/video (1998), Manezh Square (mit with Ken Kobland 1997), The Cup: (1995), Big Cheese from Grease (1977)

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Norwegen Norway 2021 4'50" Farbe Colour Saamisch Saami Regie Director Ann Holmgren Kamera Camera Lukasz Zamaro Musik Music Mette Henriette Tongestaltung Sound design Gunn Tove Grønsberg

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Háldi ist ein einzigartiger samischer Kurzfilm, der sich an der Grenze zwischen Film und Musik bewegt. Der Film handelt von einer samischen Unterwelt, in der man Inspiration und Kraft findet. In dieser Welt ist Háldi die schützende Helferin aller Lebewesen. Der Film stellt die Einheit und Macht der weiblichen Beziehungen in der samischen Tradition und Mythologie in den Mittelpunkt. Ann Holmgren wurde in Nordschweden, Sápmi, als Tochter einer Rentierzüchterin und eines schwedischen Vaters geboren. Sie hat an verschiedenen Orten auf der ganzen Welt gelebt und arbeitet mit verschiedenen Kunstformen, wobei ihr Schwerpunkt auf Film liegt. Heute lebt sie in Tønsberg, Norwegen. Háldi is a unique Sámi short film created in the boundaries of film and music. The film revolves around a Sámi underground world where you can get inspiration and power. In this world, Háldi is all living beings’ guardian helper. The film focuses on the unity and power of female relationships in Sami tradition and mythology. Ann Holmgren was born in northern Sweden, Sápmi, as a daughter of a reindeer-herding mother and a Swedish father. She has lived in various places around the world and works with different art forms, with a focus on film. Today she lives in Tønsberg, Norway. Cuojanasat/Instruments (2019, in Oberhausen 2020), Nuit (2018), Vulkan (2017), Edith & Aljosha (2015), Hold on hallelujah (2014)

Produktion Production Mathis Ståle Mathisen, 4 1/2 Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Rein Film Mathis Ståle Mathisen Norwegen Norway mathis@reinfilm.no reinfilm.no

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Háldi

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Abrir monte Open Mountain

Kolumbien Colombia 2021 25'45" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Spanisch mit deutschen, englischen Untertiteln Spanish with German, English subtitles Regie Director María Arias Rojas Produktion Production La Vulcanizadora Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Isabel Cuadros Kolumbien Colombia isabelcuadros@ proimagenescolombia.com

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Am 19. Juli 1929 kämpften einige Schuhmacher in einer Stadt in Kolumbien für bessere Lebens- und Arbeitsbedingungen auf dem Land. Sie bezeichneten sich als die „Bolschewiken von Líbano Tolima“. Die Revolution endete schon nach einem Tag und ihre Spuren gingen fast vollständig verloren. Die Frauen des Dorfs teilen wie Aura, eine anarchistische Großmutter, die Auffassung, dass ihr Aufstand noch andauert. María Arias Rojas, geboren 1994 in Kolumbien, ist bildende Künstlerin und Filmemacherin. Sie ist Kodirektorin von La Vulcanizadora, einem Projektlabor für Kino, visuelle Kunst und erweitertes Theater. Ihre audiovisuellen Arbeiten und Installationen werden mit bewegten Bildern entwickelt. Im Jahr 2019 erhielt sie ein „Next Generation“-Stipendium des Prince Claus Fund for Culture and Development. On July 19, 1929, in a town in Colombia, a group of shoemakers fought to improve living and working conditions in the country. They called themselves ‘The Bolsheviks of Líbano Tolima’. Their revolution lasted only one day, and its traces were almost completely lost. The women of this village share with Aura, an anarchist grandmother, a feeling that their rebellion is still going on. María Arias Rojas, born in Colombia in 1994, is a visual artist and filmmaker. She is co-director of La Vulcanizadora, a project laboratory in cinema, visual arts and expanded theatre. Her audio-visual works and installations are developed using moving images. In 2019, she received a ‘Next Generation’ grant from the Prince Claus Fund for Culture and Development. Fu (2018), The Crazy House (2016) 108

Portugal 2021 5'17" Farbe Colour Portugiesisch mit deutschen, englischen Untertiteln Portuguese with German, English subtitles Regie Director João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Wenn sie die Stimmen zum Schweigen bringen, schwingt Musik in der Erinnerung. João Pedro Rodrigues ist ein international bekannter portugiesischer Filmemacher. Als er acht Jahre alt war, schenkte ihm sein Vater ein Fernglas und er beschloss, Ornithologe zu werden. Er reist immer mit seinem Fernglas, um die Natur zu erkunden und Vögel zu beobachten. João Rui Guerra da Mata wurde in Lourenço Marques (heute Maputo), Mosambik, geboren. Er verbrachte seine prägenden Jahre in Macau, China. Seit 1995 arbeitet er im Bereich Film. When they silence the voices, music vibrates in the memory. João Pedro Rodrigues is an internationally renowned Portuguese filmmaker. When he was eight years old, his father gave him a pair of binoculars, and he decided to become an ornithologist. He always travels with his binoculars to explore nature and watch birds. João Rui Guerra da Mata was born in Lourenço Marques (today Maputo), Mozambique. He spent his formative years in Macau, China. He has been working in film since 1995. Gemeinsame Filmauswahl Selected joint works Iec Long (2014), Mahjong (2013), Alvorada Vermelha (2011), China, China (2007)

Produktion Production Filmes Fantasma Internationale Festivalpremiere International festival premiere Agência Portuguese Short Film Agency Emanuel Oliveira Portugal emanuel@curtas.pt agencia.curtas.pt

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Um Quarto na cidade A Room in Town

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La Cour du Roi The Court of the King

Gabun Gabon 2021 25'21" Farbe Colour Französisch mit deutschen, englischen Untertiteln French with German, English subtitles

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Irgendwo im Herzen einer Metropole: ein altes Gerichtsgebäude. Ein Ort der Schöpfung und des Lebens, ein Ort der in den Mauern eingebetteten Erinnerung, ein mythischer Ort, der Neid hervorruft. Als der Besitzer des Ortes verstirbt, wird das Gebäude weiterverkauft. Darauf erhält „TARA“, der Bewohner, zahlreiche Räumungsaufforderungen, und leistet Widerstand. Das ist der Status quo. Amédée Pacôme Nkoulous erste Filme Moane-Mory und Boxing-Libreville wurden auf zahlreichen Festivals weltweit gezeigt. Derzeit arbeitet er an der Produktion seines zweiten Kurzfilms und entwickelt das Drehbuch für seinen ersten Spielfilm Frescos of Forgotten. Somewhere, in the heart of a metropolis: an old court. A place of creation and life, a place of memory nestled in the middle of buildings, a mythical place that attracts envy. At the death of the owner of the place, the space was resold. Since then, several formal notices have been sent to ‘TARA’, the occupant who marks his resistance: It is the status quo. Amédée Pacôme Nkoulou’s first films, Moane-Mory and Boxing-Libreville, were shown at numerous festivals around the world. He is currently working on the production of his second short film and developing the script for his first feature film, Frescos of Forgotten. Boxing-Libreville (2018), Moane-Mory (2014)

Von By Amédée Pacôme Nkoulou Produktion Production Amédée Pacôme Nkoulou, Institut Gabonais de l‘image et du Son, Princess-M Production, Pas Comme Les Autres Films Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Amédée Pacôme Nkoulou Gabun Gabon apnkoulou@gmail.com

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Thailand, Vereinigtes Königreich Thailand, United Kingdom 2021 13'32" Farbe Colour Thailändisch, Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln Thai, English with German, English subtitles Regie Director Tulapop Saenjaroen Buch Script Tulapop Saenjaroen Kamera Camera Krittipat Naiwatanakul Schnitt Editor Tulapop Saenjaroen Musik Music Liew Niyomkarn

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Notes from the Periphery wurde vor allem in den Randbezirken des stetig wachsenden Hafens von Laem Chabang in der Provinz Chom Buri in Thailand gedreht. Der Film hinterfragt die Auffassung von Territorialität, globalisierten Netzwerken und Eigentum, indem er das brüchige Verhältnis der betroffenen Orte und Menschen der Umgebung, Schiffscontainer, die zum Kontrollinstrument werden, und den Lebenszyklus von Seepocken zeigt. Tulapop Saenjaroen wurde 1986 in Chon Buri, Thailand, geboren und ist ein Künstler und Filmemacher, der derzeit in Bangkok lebt. Er absolvierte die Slade School of Fine Art in London und das California Institute of the Arts. Mainly shot in the peripheral areas of the ever-expanding Laem Chabang port in Chon Buri, Thailand, Notes from the Periphery interrogates the notion of territoriality, globalised networks and ownership through fragmented relations between the affected sites and communities nearby, shipping containers that become a policing tool, and the life cycle of a barnacle. Tulapop Saenjaroen was born in 1986 in Chon Buri, Thailand and is an artist and filmmaker currently based in Bangkok. He graduated from the Slade School of Fine Art and California Institute of the Arts. Squish! (2021), People on Sunday (2020), A Room with a Coconut View (2018), Nightfall (2016), The Return (2008)

Tongestaltung Sound design Liew Niyomkarn, Chalermrat Kaweewattana Produktion Production Tulapop Saenjaroen Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Tulapop Saenjaroen Thailand tulapop@gmail.com electriceelfilms.com

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 5 Programme 5

Notes from the Periphery

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 5 Programme 5

Ava mocoi, os gêmeos Ava Mocoi, the Twins

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

An der von Konflikt geprägten Grenze zwischen Brasilien und Paraguay kämpft ein Dorf des indigenen Volks der Guaraní umgeben von Sojaplantagen um den Erhalt seiner Kultur und seines Territoriums. Die Ankunft eines Zwillingspaares und die damit einhergehende Prophezeiung mobilisieren die Dorfgemeinschaft. Luiza Calagian ist Regisseurin und Kamerafrau aus São Paulo, Brasilien. Sie studiert derzeit an der Escuela Internacional de Cine y TV in Kuba, wo sie auch einen Master in Creative Documentary abgeschlossen hat. Seit Jahren arbeitet sie mit den Guaraní-Gruppen ihrer Stadt zusammen. Ava mocoi, os gêmeos ist ihr Debütfilm. Vinicius Toro absolvierte die Escola de Comunicações e Artes der Universidade de São Paulo, Brasilien, und spezialisierte sich auf Filmregie. Er arbeitet seit 2010 mit dem Volk der Guaraní und ist Mitglied der NGO Indigenous Advocacy Centre. Er koordinierte 2021 die Produktion des Projekts While This, das die Produktion von Kurzfilmen indigener Filmemacher während der Pandemie förderte. On the conflictive border between Brazil and Paraguay a village of the Guaraní indigenous people, surrounded by soy plantations, struggles to preserve their culture and territory. The arrival of twins and the prophecy that accompanies them mobilises the community. Luiza Calagian is a director and cinematographer from São Paulo, Brazil. She is currently studying at the International School of Film and TV in Cuba, where she also completed a master’s degree in creative documentary. She has been working with the Guaraní communities of her city for years. Ava Mocoi, the Twins is her debut film. Vinicius Toro graduated from the School of Communication and Arts at the University of São Paulo and specialised in film directing. Has been working since 2010 with the Guaraní people and is part of the NGO Indigenous Advocacy Centre. He coordinated the production of the project While This, which promoted the production of short films by indigenous filmmakers during the pandemic. Brasilien, Kuba Brazil, Cuba 2022 14'44"

Vinicius Toro Para‘í (2018), Guata Porã (Beautiful Walking) (2015), Until Where (2014), Weekend Yes (2009)

Farbe Colour Portugiesisch, Guaraní mit deutschen, englischen Untertiteln Portuguese, Guaraní with German, English subtitles Von By Luiza Calagian, Vinicius Toro Festival-Weltpremiere Festival world premiere Luiza Calagian Brasilien Brazil luizacalagian@gmail.com luizacalagian.com

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1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Eine Erinnerungsreise durch die jugendliche Gefühlswelt der Filmemacherin zurück in die Zeit, die sie an einem Internat mit kolonialem Erbe verbrachte. Neema Ngelime ist Dokumentarfilmemacherin und Fotografin. Mit dem Master von Doc Nomads, einer mobilen Schule für Dokumentarfilm in Europa, entdeckte sie ihre Leidenschaft für Geschichten über die afrikanische Diaspora. Ihr Hauptfokus liegt auf dem Alltagsleben, dem kolonialen Erbe und der Spiritualität. A memory trip of juvenile sentiments about Neema, the filmmaker’s time at a colonial legacy boarding school. Neema Ngelime is a documentary filmmaker and photographer. With a master’s degree from Doc Nomads, a mobile school for documentary filmmaking in Europe, she discovered her passion for stories about the African diaspora. Her main focus is on everyday life, colonial heritage and spirituality. A Country In A Corner (2021), Hooyo, Why here? (2021), A Red Ball Against a White Wall (Vignettes from Malagueira) (2020)

Belgien Belgium 2021 10'53" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Swahili, Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln Swahili, English with German, English subtitles Von By Neema Ngelime Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Neema Ngelime Tansania Tanzania ngelimeneema@gmail.com

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 5 Programme 5

An Ode to a Time I Loved Bread

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 5 Programme 5

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Die Filmemacherin nutzt Wasserfarben, um Erinnerungen an ihren Vater zu rekonstruieren. Gemeinsam gehen sie zurück in das Jahr, in dem der Jom-Kippur-Krieg ausbrach. Der Versuch, sich mit seinen Erinnerungen auseinanderzusetzen, offenbart eine Lücke zwischen dem unbesiegbaren Vater und einem, der tief in sich einen unvergessenen Krieg und die Angst vor dem Tod versteckt. Meshy Koplevitch, Dokumentarfilmerin und Schöpferin von Aquarellanimationen, erforscht die Verbindungen zwischen Erinnerung, Traum und Halluzination. In ihrem neuesten Film, 73, rekonstruiert sie die Erinnerungen ihres Vaters als Soldat im Krieg. The filmmaker uses watercolours to reconstruct memories of her father: together they go back to the year in which the Yom Kippur War began. The attempt to deal with his memories reveals a gap between the invincible father and one who hides within himself an unforgotten war and a fear of death. Meshy Koplevitch, documentary filmmaker and creator of watercolour animations, explores the connections between memory, dream and hallucination. In her latest film, 73, she reconstructs her father’s memories as a soldier in the war. Israel 2021 13'28"

Chayan (2021), Claustrophobic identikit (2020), War marks (2017), Water marks (2017, in Oberhausen 2017)

Farbe Colour Hebräisch mit deutschen, englischen Untertiteln Hebrew with German, English subtitles Von By Meshy Koplevitch Festival-Weltpremiere Festival world premiere Meshy Koplevitch Israel meshykop@gmail.com youtube.com/user/ m1234567ism/videos

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Norwegen, Kroatien, Slowenien Norway, Croatia, Slovenia 2021 11'37" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles Regie Director Nina Bačun Buch Script Nina Bačun Ton Sound Branimir Norac Schnitt Editor Nina Bačun, Sara Salamon Musik Music Branimir Norac Produktion Production Future Architecture Platform, Oslo Architecture Triennale

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) ist das Ergebnis einer bewussten Umgestaltung und Gegenüberstellung von Fragmenten des Neuen Jugoslawischen Films und seinem filmischen Erbe in Bezug auf das Zusammenspiel zwischen kollektiven Räumen und deren Nutzen. Das Voiceover-Manifest soll persönliche Lebenswege und kollektive Erinnerungen hervorrufen. Beim Erkunden durch und im Film lassen sich die Grenzen einer unsicheren Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft hinterfragen. Nina Bačun ist eine vielseitige Designerin, Forscherin und Pädagogin, die sich mit spekulativem/konzeptionellem Design, Ausstellungs-/Setdesign und Filmkunst/visueller Kommunikation beschäftigt. Sie verwendet ganzheitliche und transdisziplinäre Ansätze, wie sie in ihrer Arbeit innerhalb des Oaza-Kollektivs in Zagreb, Kroatien, zu sehen sind. Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) ist ihr Debütfilm. Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) was created by deliberately rearranging and juxtaposing fragments from New Yugoslav Film and its cinematic heritage related to the interplay between collective spaces and their uses. The voiceover manifesto is maneuvered to evoke personal trajectories and collective memories. Exploring through and in film, one is able to question the borders of an uncertain past, present and future. Nina Bačun is a versatile designer, researcher and educator exploring the fields of speculative/conceptual design, exhibition/set design and film art/visual communication. She uses holistic and transdisciplinary approaches as seen in her work within the Oaza collective in Zagreb, Croatia. Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) is her debut film.

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Nina Bačun Kroatien Croatia nina.bacun@gmail.com oazabooks.com

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 5 Programme 5

Bonding Humanity (Perhaps Manifesto)

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Blink in the Desert

Japan 2021 10'34" Farbe Colour Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles Regie Director Shinobu Soejima Ton Sound Nao Tawaratsumida Musik Music Marty Hicks Tongestaltung Sound design Hisako Nakaoka

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Bosheit kommt plötzlich. Als ob sie kurz aufblinkt. Willkürlich wie ein flatterndes Insekt. Eines Tages findet ein junger Eremit ein geflügeltes Insekt und zerquetscht es aus Ekel. Der Elefant beobachtet die ganze Situation, sagt aber nichts. Von da an wird der Junge von Schatten geflügelter Insekten verfolgt. Shinobu Soejima kreiert Stop-Motion-Animationen und Skulpturen, die sich mit der Vergänglichkeit und der Angst vor dem Unerwarteten auseinandersetzen und verwendet dabei Motive aus asiatischen Volksgeschichten und religiösen Zeremonien. Sie erhielt ihren Bachelor an der Intermedia of Fine Arts und ihren Master an der Abteilung für Animation. Ihre Arbeiten wurden auf internationalen Festivals gezeigt und ausgezeichnet. Malice comes up abruptly. As if it is blinking. Capricious like a flapping insect. One day a young hermit finds a winged insect and crushes it out of disgust. Meanwhile, the elephant sees the whole situation but says nothing. From that day on, the boy is chased by shadows of the winged insects. Shinobu Soejima creates stop-motion animations and sculptures that explore impermanence and the fear of the unexpected, using motifs from Asian folk stories and religious ceremonies. She received her Bachelor’s degree from the Intermedia of Fine Arts and her master’s degree from the Department of Animation. Her work has been shown and awarded at international festivals. House Rattler (2019), The Spirits of Cairn (2018)

Produktion Production Tokyo University of the Arts, Graduate School of Film and New Media, Animation Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Shinobu Soejima Japan shinobu_soejima@hotmail.co.jp shinobusoejima.com

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1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Handelt es sich um eine Rekonstruktion der Erinnerung in der Stille oder eher um Notizen, bevor die Erinnerung verschwindet? Die Stimme ist nicht mehr zu hören, aber man kann sie noch mit den Augen spüren. Die Kamera macht das Taktile zum Textilen. Die Filmemacherin stellt über ihr eigenes Handwerk eine Verbindung zu ihrer Großmutter und deren Handwerk her. Erica Sheu ist eine taiwanesische Experimentalfilmerin, die hauptsächlich mit Zelluloid arbeitet. Ihre Arbeiten wurden auf internationalen Filmfestivals gezeigt. Sie lebt in Los Angeles, USA, und Taiwan. Is it a reconstruction of memory in the silence, or rather notes before the memory disappears? The voice cannot be heard again, but one can still feel it through the eyes. The camera turns tactile into textile. The filmmaker connects with her grandma from her own craft to hers. Erica Sheu is a Taiwanese experimental filmmaker who works mainly with celluloid. Her work has been shown at international festivals. She lives in Los Angeles, USA and Taiwan.

USA, Taiwan 2021 5'34"

pài-làk ē-poo (Saturday Afternoon) (2021), off I don’t know when to stop (2021), fur film vol. 1: I don’t own a cat (2021), Transcript (2019), a short history (2018)

Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Deutsch, Englisch German, English Von By Erica Sheu Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Erica Sheu USA ericasheu@alum.calarts.edu sheulu.co

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Grandma’s Scissors

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Inner Outer Space

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Eine kurze Reflexion über die Geografie der Ideen, die zwischen Internalität und Ökologie, dem Individuum und der Gemeinschaft, gefunden werden. Einige Amateurschauspieler führen sensorische Übungen aus, darunter telepathische Unterhaltungen, Spaziergänge mit verbundenen Augen und „Pleinair-Zeichnungen“. So können sie ihrem Verlangen nachgehen, mit der Post-Lockdown-Realität in Berührung zu kommen und ein Teil von ihr zu sein. Laida Lertxundi ist eine Künstlerin und Filmemacherin, die zwischen den USA und dem Baskenland lebt und arbeitet. In ihren Filmen, die konzeptionelle Strenge mit sinnlichem Vergnügen verbinden, stellt sie die Erde und den Körper als Zentren des Vergnügens und der Erfahrung einander gegenüber. Ihre Arbeiten wurden u. a. im Museum of Modern Art in New York und in der Tate Modern in London ausgestellt. Ihre Filme wurden auf zahlreichen Festivals gezeigt und haben Preise gewonnen. A brief reﬂection on the geography of ideas found between internality and the ecology, the individual and the community. A group of amateur actors perform a variety of sensory exercises that include telepathic conversations, blindfolded walks and ‘plein air’ drawings in seascapes and mountain landscapes in the Basque Country. This allows them to act upon their desire to touch and be part of the post-lockdown reality. Laida Lertxundi is an artist and filmmaker who lives and works between the USA and the Basque Country. In her films, which combine conceptual rigour with sensual pleasure, she parallels the earth and the body as centres of pleasure and experience. Her work has been exhibited at the Museum of Modern Art in New York and the Tate Modern in London, among others. Her films have been shown at numerous festivals and have won awards. Spanien Spain 2021 16'16"

Filmauswahl Selected works Autoficción (2020), Words, Planets (2018), 025 Sunset Red (2016), We Had to Experience but Missed the Meaning (2014), The Room Called Heaven (2012), My Tears Are Dry (2009), Footnotes to a House of Love (2007)

Farbe Colour Englisch, Baskisch mit deutschen, englischen Untertiteln English, Basque with German, English subtitles Von By Laida Lertxundi Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Kimuak, Donostia Kultura Txema Muñoz Spanien Spain txemari_munoz@donostia.org

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Frankreich, China France, China 2021 12'12" Farbe Colour Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln English with German, English subtitles Regie Director Guangli Liu

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

In Anlehnung an virtuelle Währungen und Digitalmüll setzt Very, Very, Tremendously sich damit auseinander, wie Produktion und Konsum aus der virtuellen Welt systematisch mit der Realität interagieren. Gleichzeitig spiegelt der Film, wie diese „zwei Realitäten“ in geopolitischen Konflikten koexistieren. Guangli Liu wurde 1990 in Lengshuijiang, China, geboren. Er lebt und arbeitet derzeit in Paris. In seinen Arbeiten versucht er zu hinterfragen, wie das digitale Medium in das zeitgenössische Geschichtenerzählen und die Rekonstruktion unseres kollektiven Gedächtnisses passt. Drawing on the threads of Virtual Currency and Digital Junk, Very, Very, Tremendously seeks to discuss how the acts of production and consumption from the virtual world interact systematically with reality, whilst it also mirrors how the ‘two realities’ coexist in geopolitical conflicts. Guangli Liu was born in 1990 in Lengshuijiang, China. He currently lives and works in Paris. His work attempts to question how the digital medium fits into contemporary storytelling and the reconstruction of our collective memory. When the Sea Sends Forth a Forest (2020), Antimony Capital News (2019)

Schnitt Editor Huimin Wu Musik Music Bai Li, Haiying Gao Animation Guangli Liu, Huimin Wu Tongestaltung Sound design Haiying Gao Internationale Festivalpremiere International festival premiere Guangli Liu Frankreich France liuguangli2013@gmail.com liuguangli.net

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Very, Very, Tremendously

Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Seeking Wombs for Rebirths

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Ein Junge ging in die Stadt. Er ging, um dort sein nächstes Leben zu finden. Lin Htet Aung ist ein 1998 geborener Filmemacher und zeitbasierter Künstler, der in Myanmar lebt. 2017 begann er, Kurzfilme zu drehen. Im Jahr 2020 gewann sein Kurzfilm Estate den Silver Screen Award – Best Director beim 31. Singapore International Film Festival. A boy went to a town. He went to find his next life. Lin Htet Aung is a filmmaker and time-based artist born in 1998 and based in Myanmar. He started making short films in 2017. In 2020, his short film Estate won the Silver Screen Award – Best Director at the 31st Singapore International Film Festival. Filmauswahl Selected works Me and My Country Pornography (2022, in Oberhausen 2022), The Green Frog and The Red Rose (2020), Estate (2020), Shower at 1AM (2019), Silence! (2018)

Myanmar 2021 24'44" Schwarzweiß Black-and-white Birmanisch mit deutschen, englischen Untertiteln Burmese with German, English subtitles Regie Director Lin Htet Aung Buch Script Lin Htet Aung Schnitt Editor Lin Htet Aung Tongestaltung Sound design Slyne Mon Produktion Production Lin Htet Aung Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Lin Htet Aung Myanmar linnhtutaung.tdi1@gmail.com

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1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Ein Blick über den Fluss Diguillín durch das mechanische Auge einer alten Digitalkamera. Die Spur des Lichts zieht sich zufällig über das Spiegelbild der Sonne auf dem Wasser und zeichnet dabei unendliche Fäden konkreter Leuchtinformationen nach. Javiera Cisterna Cortés hat an verschiedenen Kurzfilmen gearbeitet, die sich mit digitaler Komposition befassen. Zurzeit arbeitet sie an ihrem ersten Langfilmprojekt mit dem Titel Reír al Sol, einer Reihe von Kurzfilmen, die mit einem Scanner gemacht wurden. A glimpse over the Diguillín river through the mechanical eye of an old digital camera. Light’s trail presents itself fortuitously over the reflection of the sun on the water, tracing infinite threads of concrete luminous information. Javiera Cisterna Cortés has worked on various short films dealing with digital composition. She is currently working on her first feature-length film project, a series of short films named Reír al Sol, made with a scanner. Erial (2021), ruido; rauca (2021), Amor (2020), Mar (2020)

Chile 2021 9'38" Farbe Colour ohne Text without text Von By Javiera Cisterna Cortés Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Javiera Cisterna Cortés Chile jav.cisterna@gmail.com instagram.com/avion.cisterna

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Internationaler Online-Wettbewerb International Online Competition Programm 6 Programme 6

Agua del arroyo que tiembla Water from the Tremulous Stream

Deutscher Wettbewerb German Competition

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 1 Programme 1

ELLE

Deutschland Germany 2021 14' Farbe Colour Englisch, Japanisch mit englischen Untertiteln English, Japanese with English subtitles Regie Director Luise Donschen Buch Script Luise Donschen Kamera Camera Luise Donschen Ton Sound Luise Donschen Schnitt Editor Luise Donschen Musik Music Toshio Hosokawa

7. Mai 13:00 Uhr 7 May 1:00 pm Lichtburg

Im gleißenden Licht eines Frühlingstages streifen ein Vater und sein Kind durch den Botanischen Garten. Nachdem sie einander aus den Augen verlieren, haben sie ihre je eigenen Begegnungen. Schließlich verlassen beide den Garten zusammen und machen Halt am Fluss. Aus einem blühenden Busch tönt eine Flöte – jemand übt das Instrument im Verborgenen. Luise Donschen ist Filmemacherin. Ihr Debütfilm Casanovagen feierte 2018 seine Premiere im 48. Forum der Berlinale. 2020 lief ihr Kurzfilm Ganze Tage zusammen bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen. In the glaring light of a spring day, a father and his child roam the Botanical Garden. After losing sight of each other, they each have their own encounters. Finally, both leave the garden together and stop at the river. A flute sounds from a flowering bush – someone is practicing the instrument in secret. Luise Donschen is a filmmaker. Her debut film Casanovagen premiered at the 48th Forum of the Berlinale in 2018. In 2020, her short film Ganze Tage zusammen was screened at the International Short Film Festival Oberhausen. Ganze Tage zusammen (2019, in Oberhausen 2020), Casanovagen (2018)

Tongestaltung Sound design Nika Breithaupt Produktion Production Luise Donschen Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Luise Donschen Deutschland Germany luisedonschen@posteo.de

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Rumänien, Deutschland Romania, Germany 2022 24' Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles Regie Director Alexandra Gulea Buch Script Alexandra Gulea Kamera Camera Nicu Ilfoveanu, George Chiper Lillemark Ton Sound Andreas Bolm, Flora Pop Schnitt Editor Alexandra Gulea Musik Music Stephan Dunkelman, Vlaicu Golcea, Stéphane Karo Tongestaltung Sound design AliBaba, Frédéric Fichefet, Flora Pop

7. Mai 13:00 Uhr 7 May 1:00 pm Lichtburg

Die Großeltern der Autorin waren Aromunen, eine balkanische Minderheit von nomadischen Hirten, ohne Territorium und Schriftsprache, zwischen Bergen und Meeren umherziehend. Ihre Geschichte wird aus der subjektiven Sicht der Künstlerin erzählt, die in inszenierten Szenen diese immerwährende tragische Wanderschaft, die auch voller Lebensmut und Hoffnung ist, leidenschaftlich wiedergibt. Alexandra Gulea wurde 1970 in Bukarest, Rumänien, geboren. Sie studierte Bildende Kunst in Bukarest und Paris sowie Film in München. Sie lebt und arbeitet zwischen Bukarest, Paris und München als Autorin, Regisseurin und Editorin für Dokumentar-, Spiel- und Experimentalfilme. The author’s grandparents were Aromanians, a Balkan minority of nomadic shepherds, without territory or written language, wandering between mountains and seas. Their story is told from the subjective point of view of the artist, who passionately reproduces in staged scenes this perpetual, tragic wandering, also full of hope and courage to live. Alexandra Gulea was born in Bucharest, Romania in 1970. She studied fine arts in Bucharest and Paris and film in Munich. She lives and works between Bucharest, Paris and Munich as an author, director and editor for documentary, feature and experimental films. Filmauswahl (alle in Oberhausen) Selected works (all in Oberhausen) VALEA JIULUI – NOTES (2018), Baiat de lemn (2017), Dumnezen la saxofon, dracu la vioara (2003), Die vierte Wand (2001), Anonym (2000)

Produktion Production Trident Film, weltFilm, VideoArt, AA Ilfoveanu Festival-Weltpremiere Festival world premiere Alexandra Gulea Deutschland Germany alexandragulea@gmail.com

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 1 Programme 1

ŃEALE AZBUIRĂTOARE FLYING SHEEP

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 1 Programme 1

The Age of Innocence

Deutschland Germany 2022 20' Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Maximilian Bungarten

7. Mai 13:00 Uhr 7 May 1:00 pm Lichtburg

Lev arbeitet auf einer Baustelle in einer Neubausiedlung im Westen Deutschlands. Doch die Dinge ändern sich, Freunde werden gehen und das Verlangen, den gesperrten Wald zu betreten, wächst. Maximilian Bungarten wurde 1993 in Nordrhein-Westfalen geboren. Er studierte Dokumentarfilm und Fernsehjournalismus an der Hochschule für Fernsehen und Film München. Im Jahr 2019 war er mit einem DAAD-Stipendium Gaststudent an der Université Paris VIII. Lev works on a construction site in a new suburban residential area in western Germany. But things change, friends will leave and the forest becomes a place of desire. Maximilian Bungarten was born in North Rhine-Westphalia in 1993. He studied documentary film and television journalism at the University of Television and Film Munich. In 2019, he was a visiting student at the Université Paris VIII on a DAAD scholarship. Squash (2018)

Buch Script Maximilian Bungarten Kamera Camera Tom Otte Ton Sound Kerim Butz Schnitt Editor Maximilian Bungarten, Felix Herrmann Tongestaltung Sound design Paul Ebhart Produktion Production Maximilian Bungarten Festival-Weltpremiere Festival world premiere Maximilian Bungarten Deutschland Germany Bungarten.maximilian@gmail.com mbungarten.com

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Österreich, Deutschland Austria, Germany 2021 8'45" Farbe Colour Englisch mit deutschen Untertiteln English with German subtitles

7. Mai 13:00 Uhr 7 May 1:00 pm Lichtburg

Verstreute Träume des Unterbewusstseins, jemand zu werden, ein anderes Wesen, das nicht „ich“ bin. Hellere Hautfarbe, glamourösere Züge, größere Nase, größere Augen, reicher und mächtiger … Mit der Hilfe und Führung von „the Mother“ beschwören „I“ die Fantasien entgegen der Leere des Verlangens und werden alle selbst. Es ist eine Reise, eine Konfrontation, um schlussendlich wiedergeboren zu werden. Yuwol June C. ist eine zeitbasierte Medienkünstler*in. Ihre Arbeiten zielen darauf ab, die vernachlässigten Stellen in uns bewusst zu machen. Ihre künstlerische Sprache fokussiert sich auf den Grenzraum von Worten, Bildern, Objekten und Körpern. Scattered dreams of the subconscious mind to become someone, some other being that is not ‘me’. Brighter skin colour, glamorous shapes, bigger nose, bigger eyes, more wealth and more power… With the help and guidance of ‘the Mother’, ‘I’ summon the fantasies towards the void of desire, becoming all of them themselves. It is a journey to confront the power and at last, to be born again. Yuwol June C. is a time-based artist. Their works aim to make one aware of the neglected spots dwelling among us. Their artistic language focuses on the liminal space between words, images, objects and bodies. sh_ (2020), i, etcetera (2019), HiNiceToMeetYouMyNameIs_ (2018), Winter (2017), Remember Me (2016)

Von By Yuwol June C. Produktion Production Yuwol June C. Festival-Weltpremiere Festival world premiere Yuwol June C. Deutschland Germany june126dec@hotmail.com

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 1 Programme 1

I WOULD LiCK TO BE SOMEONE ELSE

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 1 Programme 1

grill&shrill

Deutschland Germany 2021 14'48" Farbe Colour Englisch mit deutschen Untertiteln English with German subtitles Regie Director Blas Lamazares Fraile Buch Script Blas Lamazares Fraile Kamera Camera Blas Lamazares Fraile Ton Sound Francesco Salvadori Schnitt Editor Blas Lamazares Fraile

7. Mai 13:00 Uhr 7 May 1:00 pm Lichtburg

Edena (Isabella Fumagalli) und Delora (Whitney Ajayi) befinden sich im Wald. Delora hat Geburtstag und ist trotzdem diejenige, die den Fisch grillt, während Edena im See badet. Die Situation entfacht eine Diskussion, eine Bearbeitung der Themen Selbstliebe und Liebe. Blas Lamazares Fraile wurde 1991 in Madrid geboren. Von 2009 bis 2012 studierte er Audiovisuelle Kommunikation an der Universidad Complutense Madrid, von 2012 bis 2015 Europäische Medienwissenschaft an der Universität Potsdam. Von 2016 bis 2017 Studium der Kulturwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin. Edena (Isabella Fumagalli) and Delora (Whitney Ajayi) are in the forest. It is Delora’s birthday; however, it is she who is grilling the fish while Edena bathes in the lake. This is the starting point of a couple’s discussion that serves as a metaphor to work on the themes of self-love and love. Blas Lamazares Fraile was born in Madrid in 1991. From 2009 to 2012 he studied audio-visual communication at the Complutense University of Madrid. From 2012 to 2015 he studied European media studies at the University of Potsdam. From 2016 to 2017 he studied cultural studies at the Humboldt-Universität zu Berlin. Filmauswahl Selected works WATCH YOUR LOVE! (2021), bunnytalking (2020), Auto-Kuss (2019), S S S (2019), 3 (2018)

Musik Music Joachim Wespel (Beatdenker) Tongestaltung Sound design Joachim Wespel (Beatdenker) Produktion Production Blas Lamazares Fraile Festival-Weltpremiere Festival world premiere Blas Lamazares Fraile Deutschland Germany mail@blastudio.eu blastudio.eu

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7. Mai 17:30 Uhr 7 May 5:30 pm Lichtburg

Eine imaginäre Audiokassette wiederholt ein berühmtes Musikstück in selbstreferenziellen Loops. Sylvia Schedelbauers Filme verhandeln das Spannungsfeld zwischen allgemeineren historischen Erzählungen und persönlichen, psychologischen Bereichen, unter anderem durch poetische Bearbeitungen von Found Footage und Archivmaterial. An imaginary cassette tape repeats a famous piece of music in self-referential loops. Sylvia Schedelbauer’s films negotiate the tension between more general historical narratives and personal, psychological realms, among other things through poetic adaptations of found footage and archive material.

Deutschland Germany 2022 19' Farbe Colour Englisch, Japanisch mit englischen Untertiteln English, Japanese with English subtitles

Labor of Love (2020, in Oberhausen 2020), Wunschbrunnen (2018, in Oberhausen 2018), Meer der Dünste (2014, in Oberhausen 2014), Sounding Glass (2011, in Oberhausen 2012), Way Fare (2009), Falsche Freunde (2007), Ferne Intimität (2007, in Oberhausen 2007), Erinnerungen (2004, in Oberhausen 2005)

Regie Director Sylvia Schedelbauer Kamera Camera Lena Soboleva Schnitt Editor Sylvia Schedelbauer Tongestaltung Sound design Sylvia Schedelbauer Produktion Production Sylvia Schedelbauer Festival-Weltpremiere Festival world premiere Sylvia Schedelbauer Deutschland Germany sylvia.schedelbauer@gmail.com sylviaschedelbauer.com

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 2 Programme 2

Oh, Butterfly!

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 2 Programme 2

HOMESICK

Deutschland Germany 2022 14' Farbe Colour Englisch English Regie Director Bjørn Melhus Buch Script Bjørn Melhus Kamera Camera Ben Brix Ton Sound Max Schneider Schnitt Editor Bjørn Melhus

7. Mai 17:30 Uhr 7 May 5:30 pm Lichtburg

In von der Außenwelt abgeschotteten Kellerräumen verhandeln groteske Gestalten unter Verwendung von Sprachzitaten aus Endzeitfilmen den pandemischen Ausnahmezustand. Das Video beschwört Angst, Einsamkeit und Krankheit ebenso wie Bedrohungs- und Abwehrszenarien herauf. Bjørn Melhus lebt in Berlin und macht Filme, Videos und Installationen, die international auf zahlreichen Festivals sowie in Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt wurden. Seit 2003 ist er Professor für Virtuelle Realitäten an der Kunsthochschule Kassel. Isolated from the outside world, grotesque figures negotiate the pandemic state of emergency using language quotes from end-time movies. The video evokes fear, loneliness, illness, as well as threat and defence scenarios. Bjørn Melhus lives in Berlin and makes films, videos and installations that have been shown internationally at numerous festivals and in group and solo exhibitions. Since 2003 he has been a professor for Virtual Realities at the Kunsthochschule Kassel. Filmauswahl (alle in Oberhausen) Selected works (all in Oberhausen) Doors of Reception (2021), SUGAR (2019), Moon Over Da Nang (2017), Freedom and Independence (2014), Sudden Destruction (2012), Das Badezimmer (2011), Murphy (2008), The Meadow (2007), Happy Rebirth (2004), Auto Center Drive (2003), No Sunshine (1997)

Tongestaltung Sound design Max Schneider Produktion Production Limboland Festival-Weltpremiere Festival world premiere Limboland Deutschland Germany info@melhus.de melhus.de

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7. Mai 17:30 Uhr 7 May 5:30 pm Lichtburg

Park. Wohnzimmer. Sechskern-Prozessor. Mein Avatar lernt einen Rückwärtssalto. Nikita Diakur lebt und arbeitet in Deutschland. Seine bekanntesten Filme Ugly und Fest gewannen diverse Preise auf internationalen Filmfestivals. Markenzeichen seiner Filme ist eine auf Computersimulation und Zufall basierende Animationsmethode. Park. Apartment. 6-core processor. My avatar learns a backflip. Nikita Diakur lives and works in Germany. His short films Ugly and Fest won multiple prizes at international film festivals. His signature style is dynamic computer simulation that embraces spontaneity, randomness and error. Frankreich, Deutschland France, Germany 2022 12'30"

Fest (2018, in Oberhausen 2018), Ugly (2017)

Farbe Colour Englisch mit deutschen Untertiteln English with German subtitles Regie Director Nikita Diakur Buch Script Nikita Diakur Ton Sound David Kamp Schnitt Editor Nikita Diakur Musik Music David Kamp Animation Nikita Diakur Produktion Production MIYU Productions, Nikita Diakur Festival-Weltpremiere Festival world premiere MIYU Productions Luce Grosjean Frankreich France festival@miyu.fr

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 2 Programme 2

backflip

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 2 Programme 2

Sonnenland Nr. 62 Sunnyland No. 62

Deutschland Germany 2022 24' Farbe Colour Deutsch, Englisch mit englischen Untertiteln German, English with English subtitles Regie Director Carsten Aschmann Kamera Camera Carsten Aschmann Ton Sound Carsten Aschmann Schnitt Editor Carsten Aschmann Musik Music Sankt Otten, Fanny Aschmann Produktion Production Hula-Offline

7. Mai 17:30 Uhr 7 May 5:30 pm Lichtburg

Landeanflug auf eine Insel. Die Kamera durchquert den öffentlichen Raum, zu Fuß und in der Luft. Bilder aus der Vergangenheit und Zukunft durchkreuzen die Urlaubsbilder. Während der Filmemacher Aschmann über seine Schwierigkeit spricht, einen Film zu beenden, hören wir Nachrichten zum Thema Film, die ein Kollege hinterlässt. In einer Dünenlandschaft stehen nackte Menschen und warten auf ihr Glück. Carsten Aschmann arbeitet in Hannover. Er hat an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig in der Filmklasse von Gerhard Büttenbender und Birgit Hein studiert. Er arbeitet als Editor, Produzent, Filmemacher und Drehbuchautor. Landing approach to an island. The camera traverses public space, on foot and in the air. Images from the past and future intersect with the vacation images. While filmmaker Aschmann talks about his difficulty in finishing a film, we hear messages about film left by a colleague. In a dune landscape, naked people stand and wait for their fortune. Carsten Aschmann works in Hanover. He studied at the Braunschweig University of Art in the film class of Gerhard Büttenbender and Birgit Hein. He works as an editor, producer, filmmaker and screenwriter. Filmauswahl Selected works In Front (2022), Rotor Absynth (2021), Stardust (2018), Modus Messiaen (2018), Updating Death (2018), Waterscope Transitions (2012), Gas Avalon (2011), Ketamin (2009, in Oberhausen 2009), Trumpet for Love (2004, in Oberhausen 2004), S (1997, in Oberhausen 1997)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Hula-Offline Carsten Aschmann Deutschland Germany carsten_aschmann@web.de hula-offline.de

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7. Mai 17:30 Uhr 7 May 5:30 pm Lichtburg

Ein Blind Date zu dritt. Zwei vor und einer hinter der Kamera. Jan Soldat wurde 1984 in Karl-Marx-Stadt (jetzt Chemnitz), ehemalige DDR, geboren. Seine bis dato über 90 filmischen und zumeist dokumentarischen Arbeiten setzen sich mit der Darstellbarkeit diverser sexueller Praktiken und Vorlieben auseinander. A blind date of three. Two in front of and one behind the camera. Jan Soldat was born in Karl-Marx-Stadt (now Chemnitz), former East Germany, in 1984. His more than 90 filmic and mostly documentary works deal with the representability of diverse sexual practices and preferences. Filmauswahl Selected works Nullo (2021), Zumindest bin ich draußen gewesen (2021), Wohnhaft Erdgeschoss (2020), Erwin (2020), Protokolle (2017), Happy Happy Baby (2017), Coming Of Age (2016, in Oberhausen 2016), ZUCHT und ORDNUNG (2012, in Oberhausen 2012) Deutschland Germany 2021 11'56" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Von By Jan Soldat Produktion Production Jan Soldat Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jan Soldat Deutschland Germany jan.soldat@yahoo.de jansoldat.com

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 2 Programme 2

Blind Date

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 3 Programme 3

Muss ja nicht sein, dass es heute ist It Doesn’t Have to Be Today

Deutschland Germany 2021 7'45" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles

8. Mai 13:00 Uhr 8 May 1:00 pm Lichtburg

Vier Freunde sitzen am Platz der Kulturen in Köln-Finkenberg und suchen die richtigen Worte und Satzzeichen für eine SMS, die nie abgeschickt werden soll. Sophia Groening wurde 1994 in Düsseldorf geboren. Sie studierte Philosophie und Bildwissenschaften an der Universität Witten/Herdecke. Anschließend Studium an der Kunsthochschule für Medien Köln. Ihr letzter Kurzfilm feierte seine Premiere beim Internationalen Filmfestival Mannheim-Heidelberg. Sie lebt und arbeitet in Köln. Four friends sit in the Platz der Kulturen square in Cologne’s Finkenberg district, looking for the right words and punctuation for a text message that is never to be sent. Sophia Groening was born in Düsseldorf in 1994. She studied philosophy and cultural sciences at the University of Witten/Herdecke. She then studied at the Academy of Media Arts Cologne. Her latest short film premiered at the International Film Festival Mannheim-Heidelberg. She lives and works in Cologne. Die Hungrigen aber wandern aus (mit with Jan Bonny 2020), Happiness has no history (2019)

Regie Director Sophia Groening Buch Script Sophia Groening, Jan Eichberg, Jan Bonny Kamera Camera Jakob Berger Ton Sound Tarik Badoui Produktion Production Sophia Groening Festival-Weltpremiere Festival world premiere Sophia Groening Deutschland Germany sophiagroening@yahoo.de sophiagroening.de

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Deutschland Germany 2022 11'05" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles

8. Mai 13:00 Uhr 8 May 1:00 pm Lichtburg

Die Möglichkeit, Menschheitsgeschichte zu (re)konstruieren, verdankt sich nicht nur Archiven, sondern vielmehr Abfällen. Was, wenn nun aber in den zeitgenössischen Konzepten konsequenter Kreislaufwirtschaft keine Abfälle mehr vorkommen? Dann wird die Vergangenheit der Gegenwart in Zukunft nicht mehr auffindbar sein. Der Müll muss sich also alternative Rückzugsorte suchen, um zu überdauern … Susann Maria Hempel wurde 1983 in Greiz geboren und studierte Mediengestaltung an der Bauhaus-Universität Weimar. Sie lebt und arbeitet in Greiz. The possibility of (re)constructing human history now no longer takes place in archives alone; it has instead moved into the realm of rubbish. But what if, under modern concepts of an efficient recycling system, there is no more waste? Then the past of our present will no longer be detectable in the future. In order to survive, rubbish must therefore seek alternative places of refuge… Susann Maria Hempel was born in Greiz in 1983 and studied media design at the Bauhaus University Weimar. She lives and works in Greiz. Filmauswahl Selected works Sieben mal am Tag beklagen wir unser Los und nachts stehen wir auf, um nicht zu träumen (2014, in Oberhausen 2014), Der große Gammel (2013), Wie ist die Welt so stille (2012), DIE FLIEGEN (The Birds II) (2011), Der Mann, der nicht weinen wollte (2009)

Von By Susann Maria Hempel Produktion Production Susann Maria Hempel Festival-Weltpremiere Festival world premiere Susann Maria Hempel Deutschland Germany s.m.hempel@gmx.de

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 3 Programme 3

Die Hüter des Unrats. Eine kurze Geschichte des Abfalls The Guardians of Refuse. A Short History of Rubbish

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 3 Programme 3

Las Flores

Deutschland, Argentinien Germany, Argentina 2021 18'20" Farbe Colour Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Miguel Goya, Tina Wilke Kamera Camera Victoria Ciccone, Rodrigo Gonzalez, Martin Pla Ton Sound Ariel Schlichter Schnitt Editor Miguel Goya, Tina Wilke Produktion Production Miguel Goya, Tina Wilke Festival-Weltpremiere Festival world premiere Tina Wilke Deutschland Germany mail@tina-wilke.net tina-wilke.net

8. Mai 13:00 Uhr 8 May 1:00 pm Lichtburg

Verschiedene elektronische Augen von Handys erzählen die Reise einer Gruppe junger Migrant*innen. Ohne Jobchancen in Deutschlands erstem Lockdown verlassen sie Berlin, um in einer abgelegenen Blumenfabrik zu arbeiten und zu leben. Miguel Goya ist ein argentinischer Filmemacher und Editor, der in Berlin lebt. Er studierte Filmregie und Literatur. Seine künstlerische Tätigkeit umfasst Filmregie und vielfältige Projekte im Bereich Schnitt und Drehbuch. Tina Wilke ist Medienkünstlerin und Filmemacherin aus Ost-Berlin, die mit dokumentarischen wie experimentellen Filmformen, Installationen und Bühnen arbeitet. Sie ist Absolventin der Universität der Künste Berlin und hat einen Master von der Universidad Nacional de las Artes in Buenos Aires. Various electronic eyes of mobile phones tell the journey of a group of young migrants. Left without job opportunities in Germany’s first lockdown, they leave Berlin to work and live in a remote flower factory. Miguel Goya is an Argentinian filmmaker and editor living in Berlin. He studied film directing and literature. His artistic activities include film directing and various editing and scriptwriting projects. Tina Wilke is a media artist and filmmaker from East Berlin who works with documentary as well as experimental film forms, installations and stages. She is a graduate of the Berlin University of the Arts and holds a master’s degree from the Universidad Nacional de las Artes Buenos Aires. Miguel Goya Hemshej (2022), El dique (2021), RePresente (2020), Noemi Gold (2019), Casa Morena (2015) Tina Wilke Memories of other possible Futures (2021), RePresente (2020), Inverted Memories (2017), Glocal (2015)

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Deutschland Germany 2021 15'03" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Michel Wagenschütz

8. Mai 13:00 Uhr 8 May 1:00 pm Lichtburg

Eine Post-Studio-Künstlerin ringt am Telefon mit einer Mitarbeiter*in des Jobcenters im Versuch, ihre Betriebsausgaben zu rechtfertigen. Das Skript wird in verschiedenen Kontexten performt: in einem Hotelzimmer, einem FastFashion-Laden, einem Mietauto. Gelegentlich mischt sich die Stimme des Regisseurs ein und verwischt die Grenze zwischen der Szene und den realen Bedingungen ihrer Produktion. Michel Wagenschütz, geboren 1988, lebt und arbeitet als Künstler in Berlin. In seiner künstlerischen Praxis beschäftigt er sich mit gesellschaftlichen Realitäten, die sich in kulturellen Phänomenen in ihrer Widersprüchlichkeit darstellen. Gute Arbeit, gute Nacht ist sein Debütfilm. We witness a cell phone conversation between a poststudio artist and a job centre employee in which the artist struggles to explain and justify the expenses of her practice. The same script is performed in various contexts: in a hotel room, a fast fashion store, a rental car. The director’s voice occasionally intervenes, blurring the boundary between the cinematic scene and the real conditions of its production. Michel Wagenschütz, born in 1988, lives and works as an artist in Berlin. In his artistic practice, he deals with social realities that present themselves in cultural phenomena in their contradictions. Gute Arbeit, gute Nacht is his debut film.

Kamera Camera Michel Wagenschütz, Paul Niedermayer Musik Music Enver Hadzijaj Produktion Production Michel Wagenschütz Festival-Weltpremiere Festival world premiere Michel Wagenschütz Deutschland Germany mail@michelwagenschuetz.fyi michelwagenschuetz.fyi

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Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 3 Programme 3

Gute Arbeit, gute Nacht

Deutscher Wettbewerb German Competition Programm 3 Programme 3

ARIBADA

Deutschland, Kolumbien Germany, Colombia 2022 30' Farbe Colour Emberá-Chamí mit englischen Untertiteln Emberá-Chamí with English subtitles Regie Director Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Natalia Escobar Buch Script Friederike Hirz Kamera Camera Luciana Riso Schnitt Editor Simon(e) Jaikiriuma Paetau Musik Music Christian González (Bclip), Aérea Negrot Tongestaltung Sounddesign Rubén Valdés Produktion Production Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Natalia Escobar

8. Mai 13:00 Uhr 8 May 1:00 pm Lichtburg

Das Magische, das Traumhafte und das Performative koexistieren in der besonderen Welt von Las Traviesas, einer Gruppe Transfrauen vom indigenen Volk der Embera. Sie leben und arbeiten in der Kaffeeregion Kolumbiens. Simon(e) Jaikiriuma Paetaus Arbeiten beschäftigen sich mit queerer Dekolonialität und bewegen sich zwischen Film und Performance. Simon(e)s Werke wurden international aufgeführt und erhielten internationale Auszeichnungen und Preise. Natalia Escobar ist eine interdisziplinäre Künstlerin, deren Werk bewegte Bilder, Musik und Installationen umfasst. Ihre Arbeit befasst sich mit Themen wie intersektionalem Feminismus, andiner Phänomenologie, Identität und Erinnerung. ARIBADA ist ihr erster Film als Regisseurin. The magical, the dreamlike and the performative coexist in the particular world of Las Traviesas – a group of trans women from the Embera community, living and working in the Colombian coffee region. Simon(e) Jaikiriuma Paetau’s works deal with queer decoloniality and move between film and performance. Simon(e)’s works have been performed internationally and have received international awards and prizes. Natalia Escobar is an interdisciplinary artist whose work includes moving images, music and installations. Her work addresses themes such as intersectional feminism, Andean phenomenology, identity and memory. ARIBADA is her first film as a director.

Deutsche Festivalpremiere German festival premiere

Simon(e) Jaikiriuma Paetau Mojana (2021), Trying to forget you (2019, in Oberhausen 2019), The Whisper of the Jaguar (2017), Cruising in High Heels (2014), Posh (2012), Mila Caos (2011, in Oberhausen 2011), Oury Jalloh (2008)

Simon(e) Jaikiriuma Paetau Deutschland Germany simonjpaetau@gmail.com lapaetau.com

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 1 Programme 1

Unter der Kiefer Under the Pine Tree

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

„Sechs Monate“ lautete die Diagnose. Kunimoto begann zu filmen. Anfangs, um seinen Kindern die Stimme ihres Opas aufzunehmen. Immer mehr ging es ihm um die eigene Beziehung zu seinem Vater. In Unter der Kiefer bereitete er sich darauf vor, seinen Vater gehen zu lassen. Sich des Todes bewusst zu werden, ist eine Gelegenheit, sich auf die Schönheit des Lebens zu besinnen. Takashi Kunimoto wuchs in Japan auf. Nach dem Unfall im Kernkraftwerk Fukushima beschloss er, nach Deutschland zu ziehen. Derzeit studiert er an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig in den Klassen von Candice Breitz, Eli Cortiñas und Michael Brynntrup. Kunimoto’s father was given six months left to live. His initial idea was to record his father’s voice for his children but gradually the focus changed to his own relationship with his father. In Under the Pine Tree, Kunimoto prepares himself to let him go. Being aware of death is an opportunity to reconsider the beauty of life. Takashi Kunimoto grew up in Japan. After the accident at the Fukushima nuclear power plant, he decided to move to Germany. He is currently studying at the Braunschweig University of Art in the classes of Candice Breitz, Eli Cortiñas and Michael Brynntrup. Deutschland Germany 2021 19'45" Farbe Colour Japanisch Japanese

Filmauswahl Selected works Mitori (2021), Waiting for Green (2021), Robert (2019), Traveling with Hibakusha: Across Generations (2010)

Von By Takashi Kunimoto Produktion Production Takashi Kunimoto, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig Festival-Weltpremiere Festival world premiere Takashi Kunimoto Deutschland Germany info@takashikunimoto.net takashikunimoto.net

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30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Farbe Colour ohne Text without text

Ein Haufen runder fleischig-feuchter Wesen beschmieren sich gegenseitig genüsslich mit schleimigem Saft. Sie teilen sich ihre Welt mit lästigen kleinen Krabbelviechern, die sie eines Tages alle zermatschen. Daraufhin beginnen die Wesen zu trocknen. Mona Keil experimentiert mit visuellen Künsten und fokussiert sich dabei besonders auf Animationsfilme. Ihr Interesse gilt dabei dem Analogen und dem Spiel mit Materialitäten. Seit ihrem Filmstudium lebt und arbeitet sie als freiberufliche Künstlerin in Leipzig. A bunch of round, succulent and moist creatures smear each other contentedly with an oozy juice. They share their world with pesky little bugs, but one day they squash them all. In response, the creatures start to run dry. Mona Keil experiments with visual art and focuses in particular on animated films. She is interested in the analogue and playing with materialities. Since studying film, she has lived and worked as a freelance artist in Leipzig.

Regie Director Mona Keil

Encounters (2020), Youme knows what Meyou wants (2016)

Deutschland Germany 2022 4'55"

Kamera Camera Jan Fabi Ton Sound Martin Recker, Stefan Erschien Schnitt Editor Revan Sarikaya Animation Mona Keil Tongestaltung Sound design Martin Recker, Stefan Erschien Produktion Production Filmakademie Baden-Württemberg Festival-Weltpremiere Festival world premiere Filmakademie Baden-Württemberg Eva Steegmayer Deutschland Germany festivals@filmakademie.de filmakademie.de

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 1 Programme 1

Saft Juice

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 1 Programme 1

Sonne Unter Tage Sun Under Ground

Deutschland Germany 2022 38'37" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Deutsch German Regie Director Mareike Bernien, Alex Gerbaulet Buch Script Mareike Bernien, Alex Gerbaulet Kamera Camera Jenny Lou Ziegel Ton Sound Tom Schön Schnitt Editor Mareike Bernien, Alex Gerbaulet

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Ein Schotterweg am Dorfrand, durch Felder hindurch bis rüber zum Zaun, eingezeichnet in die Karte ehemaliger Uranabbaugebiete in Sachsen und Thüringen. Nacht. Dunkelheit. Der Boden belichtet den Filmstreifen, hinterlässt eine Spur seiner unsichtbaren Strahlen. Sonne Unter Tage folgt dieser Spur durch Raum und Zeit. Mareike Bernien lebt in Berlin und arbeitet als Künstlerin, Filmemacherin und Lehrende im Bereich filmischer Forschung und kritischer Archivpraxen. Seit 2018 ist sie Teil der Produktionsplattform pong film. Alex Gerbaulet lebt in Berlin und arbeitet als Künstlerin, Filmemacherin und Produzentin im Bereich zwischen Videokunst, Essay- und Dokumentarfilm. Seit 2014 ist sie Teil der Produktionsplattform pong film. A gravel path on the edge of a village. Between fields, across to a fence. Drawn into the map of former uranium mining areas in Saxony and Thuringia. Night. Darkness. The ground exposes the film, leaving a trail of its invisible rays. Sun Under Ground follows this trace through space and time. Mareike Bernien is a Berlin-based artist, filmmaker and teacher in the field of filmic research and critical archival practices. She has been part of the production platform pong film since 2018. Alex Gerbaulet lives in Berlin and works as an artist, filmmaker and producer with a focus on video art, essay and documentary film practice. She has been part of the production platform pong film since 2014.

Produktion Production pong film

Mareike Bernien Tiefenschärfe (2017, in Oberhausen 2017), Rainbow‘s Gravity (2014), Red, She Said (2011, in Oberhausen 2012) Alex Gerbaulet Die Schläferin (2018), Tiefenschärfe (2017, in Oberhausen 2017), Schicht (2015, in Oberhausen 2015)

pong film Alex Gerbaulet Deutschland Germany gerbaulet@pong-berlin.de pong-berlin.de

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Tongestaltung Sound design Mareike Bernien, Alex Gerbaulet

Deutschland Germany 2021 7'27" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Leonie Minor

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Eine Frau will aufstehen und endlich mit allem anfangen. Doch die Sessel, zwischen denen sie sitzt, lassen sie nicht los. Das Zimmer wird zu ihrem Universum und der Ausweg daraus ausgerechnet die Sessel. Leonie Minor wurde 1991 geboren. Sie arbeitete bis 2012 als Produktionsassistentin in Köln und begann dann ein Studium an der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin. Nebenbei arbeitete sie als Regieassistentin und in der Drehbuchentwicklung. Derzeit ist sie Stipendiatin der Akademie für Kindermedien. Ein Roman für Kinder sowie der nächste Kurzfilm sind in Arbeit. Theorie und Praxis ist ihr erster Film. A woman wants to get up. But the chairs she is sitting on won’t let her go. The woman’s room becomes her universe and the way out of it is, of all things, the armchairs. Leonie Minor was born in 1991. She was a production assistant in Cologne until 2012 and then began studying at the German Film and Television Academy Berlin. Along the way, she worked as an assistant director and script developer. She is currently a scholarship holder at the Academy for Children’s Media. A novel for children and the next short film are in the works. Theory/Practice is her first film.

Buch Script Leonie Minor Kamera Camera Faraz Fesharaki Schnitt Editor Andreas Wodraschke Tongestaltung Sound design Clemens Nürnberger Produktion Production Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin Josephine Aleyt Deutschland Germany j.aleyt@dffb.de dffb.de

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 1 Programme 1

Theorie und Praxis Theory/ Practice

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 1 Programme 1

Hoamweh Lung Homesick Lungs

Deutschland Germany 2021 14'39" Schwarzweiß Black-and-white Deutsch German Regie Director Felix Klee Buch Script Felix Klee Kamera Camera Felix Klee Schnitt Editor Felix Klee Animation Felix Klee Tongestaltung Sound design Stefan Möhl Produktion Production Felix Klee, Hochschule für Fernsehen und Film München Felix Klee Deutschland Germany filmsub@gmx.com felixklee.myportfolio.com

30. April 20:00 Uhr 30 April 8:00 pm +48h

Ein totes Pferd kann man nicht zurückholen. Aber es gibt Möglichkeiten, einen verlorenen Ort wieder zu betreten. Hoamweh Lung ist ein experimenteller Abschied. Der Film taucht in die Lungen eines sterbenden Pferdes und die Geschichte eines verkauften Familienhofs ein. 3-D-Animationen, Bildschirmaufnahmen und dokumentarische Aufnahmen verbinden sich zu einem Essay über rekonstruierte Erinnerung. Am Ende streift der Wind durch virtuelle Brennnesseln. Felix Klee, geboren 1990, studiert Dokumentarfilmregie an der Hochschule für Fernsehen und Film München. Er ist Absolvent der Akademie der Bildenden Künste München und studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg. Im Jahr 2022 erhielt er das Medienkunststipendium der Kirch Stiftung. You can’t bring back a dead horse, but there are ways to step into a place that was lost. Homesick Lungs is an experimental farewell. The film delves into the lungs of a dying horse and the history of a sold family farm. 3D animations, screen recordings and documentary footage combine to form an essay on reconstructed memory. In the end, the wind brushes through virtual nettles. Felix Klee, born in 1990, studies documentary film directing at the University of Television and Film Munich. He is a graduate of the Academy of Fine Arts Munich and studied at the Academy of Fine Arts in Nuremberg. In 2022, he received the Medienkunststipendium of the Kirch Stiftung. Filmauswahl Selected works Papel (2021), My paws are soft, my bones are heavy (2021), Cosecha mecánica (2020), The deer gift (2020), Queen of the castle (2016) 144

Deutschland Germany 2021 26' Farbe Colour Russisch, Deutsch Russian, German Regie Director Pavel Mozhar Kamera Camera Adam Graf, Jonas Römmig Ton Sound Joschua Eickel Schnitt Editor Pavel Mozhar

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

In den Tagen nach der Präsidentschaftswahl in Belarus im August 2020 finden im ganzen Land Proteste statt. Die Spezialpolizei OMON geht brutal gegen Demonstranten vor. Hunderte Opfer erzählen in Interviews von ihren Erfahrungen. Aus ihren Berichten lässt sich ein System der Unterdrückung erkennen, welches in Form einer filmischen Anleitung im Zimmer des Autors in Berlin rekonstruiert wird. Pavel Mozhar wurde 1987 in Minsk geboren. Seit seinem zehnten Lebensjahr wuchs er in und um Berlin auf. Von 2009 bis 2012 studierte er Philosophy & Economics an der Universität Bayreuth. Es folgten Jobs in der Filmbranche. Seit 2015 studiert er Regie mit dem Schwerpunkt Dokumentarfilm an der Filmuniversität Babelsberg „Konrad Wolf“. In the days following the presidential election in Belarus in August 2020, protests erupt throughout the country. The special police, OMON, take brutal action against demonstrators. Hundreds of victims recount their experiences in interviews. Their reports reveal a system of repression, which is reconstructed in detail in the director’s room in Berlin in the form of a cinematic guide. Pavel Mozhar was born in Minsk in 1987. He grew up in and around Berlin from the age of ten. From 2009 to 2012, he studied philosophy and economics at the University of Bayreuth. Jobs in the film industry followed. Since 2015, he has been studying directing with a focus on documentary film at the Film University Babelsberg ‘Konrad Wolf’. Filmauswahl Selected works Vizitator (2019), Holger (2017)

Animation Laura Därr Tongestaltung Sound design Ganna Gryniva Produktion Production Pavel Mozhar Pavel Mozhar Deutschland Germany pavel.mozhar@posteo.de

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 2 Programme 2

Handbuch Handbook

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 2 Programme 2

Paper Swallows Rock

Deutschland, Kanada Germany, Canada 2021 16'44" Farbe Colour Französisch, Englisch, Paschtunisch French, English, Pashto Regie Director Vanessa Gravenor Buch Script Vanessa Gravenor Kamera Camera Nuno Martini

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Als Vanessa bei den Pariser Terroranschlägen 2015 verletzt wird, beginnt sie mit der Erforschung des Krieges in Afghanistan in den 80er-Jahren, während sie in Frankreich eine staatlich geförderte Gedächtnisstudie zur posttraumatischen Belastungsstörung durchläuft. Wer Opfer und wer Feind*in ist, wird zu einer Frage von Zeit und Ort und Vanessa sieht sich allmählich als beides. Vanessa Gravenor, geboren 1992 in Kanada, ist eine in Berlin lebende Künstlerin und Filmemacherin. In ihrer laufenden Forschung untersucht sie Methoden des Verlernens, Prozesse des Vergessens und die Folgen geheimer Missionen, zum Beispiel in Kriegskontexten. When Vanessa is injured during the 2015 Paris terrorist attacks, she begins research into the war in Afghanistan in the 1980s as she goes through a state-sponsored memory study on post-traumatic stress disorder. Who is the victim or who is the enemy becomes a matter of time and place, and Vanessa gradually sees herself as both. Vanessa Gravenor, born in Canada in 1992, is a Berlin-based artist and filmmaker. Her ongoing research explores methods of unlearning, processes of forgetting and the aftermath of secret missions: e. g., in war contexts. This Weapon Drags Like a Boomerang (2018/19), Learning German with Trauma Words (2017), Me/My Bullet (2016)

Ton Sound Alex Feldman Schnitt Editor Vanessa Gravenor Tongestaltung Sound design Alex Feldman Produktion Production Vanessa Gravenor Vanessa Gravenor Deutschland Germany vanessa.k.gravenor@gmail.com vanessagravenor.com

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Deutschland Germany 2021 25'49" Farbe Colour Deutsch German Regie Director Sophie Hilbert

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Ausgehend von den Hinterlassenschaften des Uranbergbaus in Ostdeutschland verstrickt der Film Sanierung, Aktivismus, Familiengeschichte, Biotope und ein Punkfestival. Dokumentarische und fantastische Elementen spannen ein Feld auf, das von der Zerstörung durch den Bergbau genauso gezeichnet ist wie durch die sorgsamen Aktionen der Bewohner*innen. Sophie Hilbert studierte bis 2021 Bildende Kunst in der Klasse Virtuelle Realitäten an der Kunsthochschule Kassel. Derzeit ist sie Teilnehmerin des Goldrausch Künstlerinnenprojekts in Berlin. Setting out from the legacy left behind by uranium mining in former East Germany, this film weaves together clean-up operations, activism, family history, biotopes and a punk festival. Documentary and fantasy elements open up a field that is marked not only by the destruction caused by the mining but equally by the solicitous actions of residents. Sophie Hilbert studied Fine arts in the class Virtual Realities at the Kunsthochschule Kassel until 2021. She is currently a participant in the Goldrausch Künstlerinnenprojekt in Berlin. Men in Jeans (2018)

Buch Script Sophie Hilbert Kamera Camera Sophie Hilbert Ton Sound Sophie Hilbert Schnitt Editor Sophie Hilbert Musik Music Martin Nickel Produktion Production Sophie Hilbert, Kunsthochschule Kassel Sophie Hilbert Deutschland Germany hilbert_sophie@gmx.de

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 2 Programme 2

Strahlend grüne Wiese Radiant Green Field

Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 2 Programme 2

the rat and the cat

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Irgendwo in China. Eine schöne Katze wird zum Fotomodell. Doch der kleinen Ratte mit den großen schwarzen Augen winkt ein anderes Schicksal. Jasmin Preiß ist eine deutsche Filmemacherin und Medienkünstlerin. Sie studierte Kommunikationsdesign, bevor sie an die Kunstakademie Düsseldorf wechselte. Ihr Debütfilm Diese süße Wiese erhielt den Goldenen Schlüssel beim Kasseler Dokfest und wurde für den Förderpreis für Filmkunst der Nationalgalerie Berlin nominiert. Sie lebt in Düsseldorf und Berlin. Somewhere in China. A pretty cat becomes a photo model. But another fate beckons for the little rat with the big black eyes. Jasmin Preiß is a German filmmaker and media artist. She studied communication design before moving to the Kunstakademie Düsseldorf. Her debut film Sweet Meadow received the Golden Key at the Kassel Dokfest and was nominated for the Förderpreis für Filmkunst of the Nationalgalerie Berlin. She lives in Düsseldorf and Berlin. Filmauswahl Selected works Back in time (2020), Come si dice (2020), Diese süße Wiese (2018)

Deutschland Germany 2021 4'48" Farbe Colour ohne Text without text Von By Jasmin Preiß Produktion Production Jasmin Preiß Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jasmin Preiß Deutschland Germany jasminpreiss1@gmail.com

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Deutschland Germany 2021 15'53" Farbe Colour Englisch English Regie Director Katrin Winkler Kamera Camera Katrin Winkler Schnitt Editor Katrin Winkler Musik Music Azadeh Zandieh

1. Mai 20:00 Uhr 1 May 8:00 pm +48h

Winkler sammelte Bildmaterial aus dem Rheinischen Missionsarchiv in Wuppertal – überwiegend private Aufnahmen von Missionaren, die zum Beispiel in Namibia und Tansania tätig waren und dort eine Kolonisierung vorwegnahmen oder diese begleiteten. Diese Schichtungen finden auch Ausdruck in einer literarischen Form, in der aktuelle Dialoge Winklers filmische und fotografische Spurensuche kommentieren. Katrin Winkler, geboren 1983, ist Künstlerin und Filmemacherin. Ihre künstlerische Arbeit bewegt sich zwischen Expanded Cinema, intensiven Recherchen, Video und Fotografie. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Winkler collected image material from the archive of the Rhenish Missionary Society in Wuppertal, primarily private pictures taken by missionaries who were active in Namibia, Tanzania and many other countries, predating or accompanying colonization. These layers find additional expression in a literary form, where actual dialogues accompany her filmed and photographed tracings. Katrin Winkler, born 1983, is an artist and filmmaker. Her artistic work moves between expanded cinema, intensive research, video and photography. She lives and works in Berlin. performing monuments (2018, in Oberhausen 2019), towards memory (2016), we don’t just want a piece of the pie, we want the whole fucking bakery! (2013), not only A. (2009)

Animation Bertrand Flanet Tongestaltung Sound design Azadeh Zandieh Produktion Production Katrin Winkler Katrin Winkler Deutschland Germany info@katrin-winkler.com katrin-winkler.com

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Deutscher Online-Wettbewerb German Online Competition Programm 2 Programme 2

you cannot trust the colors

NRW-Wettbewerb NRW Competition

NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 1 Programme 1

the mystery

6. Mai 15:15 Uhr 6 May 3:15 pm Lichtburg 7. Mai 18:00 Uhr 7 May 6:00 pm Walzenlager

Der Parque de la Alameda in Malaga, Spanien, ist das Zuhause des berühmten „einsamen, wackelnden Blatts“, ein faszinierendes Phänomen ohne wissenschaftliche Erklärung. Rainer Knepperges wurde am Niederrhein geboren und absolvierte Abitur, Tanzschule und Führerschein. Er ist Mitbegründer des Filmclub 813, lebt in Köln und schreibt für SigiGötz-Entertainment. The Parque de la Alameda in Malaga, Spain, is the place where the famous ‘Lonely Shaking Leave’ is at home, a fascinating phenomenon without scientific explanation. Rainer Knepperges was born in the Lower Rhine region and graduated from high school and dance school and has a driving licence. He is co-founder of Filmclub 813, lives in Cologne and writes for SigiGötz-Entertainment. Filmauswahl Selected works Tricks for Transformation (2020, in Oberhausen 2021), Play Me That Silicon Waltz Again (2019, in Oberhausen 2020), Looping (2014), Vielfalt erforschen (2008, in Oberhausen 2009), Die Quereinsteigerinnen (2005), Tour Eifel (2000, in Oberhausen 2000)

Deutschland Germany 2021 2'20" Farbe Colour Englisch mit deutschen Untertiteln English with German subtitles Von By Rainer Knepperges Produktion Production Rainer Knepperges Festival-Weltpremiere Festival world premiere Rainer Knepperges Deutschland Germany rainerknepperges@gmx.de

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Deutschland Germany 2021 27'20" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Marian Mayland Kamera Camera Marian Mayland Ton Sound Tom Blankenberg Musik Music Andrew White Tongestaltung Sound design Tom Blankenberg Produktion Production Marian Mayland Marian Mayland Deutschland Germany mail@marianmayland.de marianmayland.de

6. Mai 15:15 Uhr 6 May 3:15 pm Lichtburg 7. Mai 18:00 Uhr 7 May 6:00 pm Walzenlager

Die Welt ist ja nicht immer schön, sagt meine Mutter. Mein Kind wacht auf. Meine Eltern lächeln sich gegenseitig an und erzählen. Das Haus, in dem meine Mutter nie leben wollte, die psychische Krankheit meines Onkels, die meine Großeltern nie sehen wollten, der Atomkrieg, der nie kam. Sie sprechen vom Unverwirklichten. Sich sterilisieren zu lassen, sich das Leben zu nehmen, zusammenzupacken und zu gehen. Marian Mayland, geboren 1988, schloss einen Master of Fine Arts am Institut Kunst Gender Natur der Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW bei Basel ab und nahm am Kurs „Philosophy in the Context of Art“ an der Kungliga Konsthögskolan in Stockholm teil, der von Peter Osborne geleitet wurde. The world is not always beautiful, my mother says. My child wakes up. My parents smile at each other and recount – The house in which my mother never wanted to live, my uncle’s mental illness, which my grandparents never wanted to face, the nuclear war that never arrived. They speak of unrealised intentions. To be sterilised, to take one’s own life, to pack up and leave. Marian Mayland, born in 1988, completed a Master of Fine Arts at the Institute Art Gender Nature at the Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW Basel and participated in the study ‘Philosophy in the Context of Art’ at the Royal Institute of Art Stockholm, which was led by Peter Osborne. Michael Ironside and I (2021), Dunkelfeld (2020, in Oberhausen 2020), untitled (a refusal of leave to land) (2019), Eine Kneipe auf Malle (2017, in Oberhausen 2018), Driving around where the crescents used to be. A script (2015, in Oberhausen 2016)

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NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 1 Programme 1

Lamarck

NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 1 Programme 1

Bruchstücke Shards

Deutschland Germany 2021 8'17" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Rusudan Gaprindashvili Buch Script Rusudan Gaprindashvili Kamera Camera Tim Gralke

6. Mai 15:15 Uhr 6 May 3:15 pm Lichtburg 7. Mai 18:00 Uhr 7 May 6:00 pm Walzenlager

Die junge Mutter eines sechsjährigen Kindes kommt am ersten Tag nach ihrem Umzug nicht aus dem Bett. Es ist der erste Morgen in ihrer neuen Wohnung nach ihrer Scheidung. Trotz ihrer Depression muss sie die Kraft finden, ihre Tochter aufzuheitern, die ihr deutliche Zeichen ihres inneren Schmerzes gibt. Rusudan Gaprindashvili ist mit dem Leben durch Geschichten verbunden und liebt es, die Momente um sich herum festzuhalten. Hat Abschlüsse in Schauspiel, Medienwissenschaften, Dokumentarfotografie und digitaler Filmproduktion. Hatte bereits das Glück, einige Filme zu drehen. The young mother of a 6-year-old child can’t get out of bed on the first day after her relocation. It is the first morning in her new flat after her divorce. Despite her depression, she has to find the strength to cheer up her daughter, who gives her clear signs of her inner pain. Rusudan Gaprindashvili is connected to life through stories and loves to capture the moments around her. She has degrees in acting, media studies, documentary photography and digital film production. She has already been lucky to make a few films. How to talk to Lydia? (2022), Polychrome Fringes (2021), Herzwege (2020), Heterotopia (2020)

Ton Sound Tim Linke Tongestaltung Sound design Hans Gralke Produktion Production Rusudan Gaprindashvili, SAE Institute Bochum Festival-Weltpremiere Festival world premiere Rusudan Gaprindashvili Deutschland Germany lydiafilmproject@gmail.com

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Deutschland Germany 2021 31'20" Farbe Colour Deutsch, Rumänisch mit englischen Untertiteln German, Romanian with English subtitles Von By Zauri Matikashvili

6. Mai 15:15 Uhr 6 May 3:15 pm Lichtburg 7. Mai 18:00 Uhr 7 May 6:00 pm Walzenlager

In der Dortmunder Nordstadt erzählen Rom*nja von ihren Traditionen und ihrem Leben. Die Kamera folgt ihren Perspektiven, blickt auf Fassaden und dahinter. Wie hängen die Raumordnung des Stadtteils, die Architektur und individuelles Wohnen zusammen? Welche Erfahrungen machen die Bewohner*innen mit rassistischen Vorurteilen? Und gelingt es ihnen, ihre Umgebung nach ihren Bedürfnissen zu gestalten? Zauri Matikashvili wurde in Kvareli, Georgien, geboren und lebt seit dem 12. September 2003, 9:53 Uhr, in Deutschland. In seinen Filmen fragt er, was Identität und Migration bedeuten und wie Gesellschaften im Detail funktionieren – oder auch nicht. In Dortmund’s northern city, Roma and Romnja talk about their traditions and their life. The camera follows their perspectives, showing the facades and peering behind them. In which ways do the spatial structure of the district, the architecture and individual living influence each other? How do the people in the neighbourhood experience racist prejudices? And do they finally succeed in shaping their environment according to their own needs? Zauri Matikashvili was born in Kvareli, Georgia, and has lived in Germany since 12 September 2003, 9:53 am. In his films he asks what identity and migration mean and how societies function in detail – or not. Filmauswahl Selected works Ihr Alles, ihr Leben, ihr Blut (2021), Corona Rebellen (2020), Mavis und Kosmas (2020), Ahnen (2019), Im Tunnel (2018)

Produktion Production Zauri Matikashvili Festival-Weltpremiere Festival world premiere Zauri Matikashvili Deutschland Germany sauri_mati@yahoo.de zauri.de

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NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 1 Programme 1

Auf dieser Seite der Gleise / De partea asta a șinelor On This Side of the Tracks

NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 2 Programme 2

Cruiser

Deutschland Germany 2022 22'15" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Felix Bartke, Nils Ramme Kamera Camera Fabian Martin Anger Ton Sound Ani Scheibenzuber, Christian Merz, Matthias Tharang Musik Music Maximilian Blaß Tongestaltung Sound design Maximilian Blaß Produktion Production Kunsthochschule für Medien Köln, Felix Bartke, Nils Ramme

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Lichtburg 7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Walzenlager

Cruiser zeigt Fragmente einer Oberhausener Subkultur, die Symbole der Motorradszene auf das Fahrradfahren überträgt. Die Sinnlichkeit der Zweiräder steht neben der Konstruktion von Männlichkeit im Zentrum des Films. Felix Bartke wurde 1995 in Mönchengladbach geboren. Von 2015 bis 2016 Script Continuity bei Fernsehproduktionen. 2016 bis 2017 arbeitete er als künstlerische Assistenz beim Künstlerinnenduo Gossing/Sieckmann. Seit 2017 studiert er an der Kunsthochschule für Medien Köln. Nils Ramme wurde 1993 in Bielefeld geboren. Von 2012 bis 2017 Studium der Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Seit 2012 diverse Regiepraktika bei Filmproduktionen, unter anderem bei Rosa von Praunheim. Seit 2017 studiert er an der Kunsthochschule für Medien Köln. Cruiser shows fragments of a subculture practiced in the German city of Oberhausen that transfers symbols and practices of the outlaw motorcycle scene to bicycling. Felix Bartke was born in Mönchengladbach in 1995. From 2015 to 2016 he worked in script continuity in television productions. From 2016 to 2017 he worked as an artistic assistant for the artist duo Gossing/Sieckmann. Since 2017 he has been studying at the Academy of Media Arts Cologne. Nils Ramme was born in Bielefeld in 1993. He studied Theatre Studies at the Freie Universität Berlin from 2012 to 2017. Since 2012, various directing internships at film productions, including Rosa von Praunheim. Since 2017 he has been studying at the Academy of Media Arts Cologne.

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Felix Bartke Hardgainer (2020), Darcelle‘s (2019), Das perfekte Kaarster Bratapfel Dinner (2018), Dinge, die ich mag (2018), Alruna (2017) Nils Ramme Kalter Hund (2017)

Kunsthochschule für Medien Köln Ute Dilger Deutschland Germany ute.dilger@khm.de khm.de

156

Deutschland Germany 2022 14'59" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Laurenz Otto Buch Script Laurenz Otto Kamera Camera Mathis Hanspach Ton Sound Bal-Aton Bori Schnitt Editor Antonia-Marleen Klein Tongestaltung Sound design Maximilian Rodegra Produktion Production ifs internationale filmschule köln, Laurenz Otto ifs internationale filmschule köln Monika Bremen Deutschland Germany festivals@filmschule.de filmschule.de

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Lichtburg 7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Walzenlager

Younus gibt nicht auf…! Faszination klebt an der fremd-vertrauten Figur des Vaters und vermischt sich mit der aufkeimenden Sehnsucht nach Nähe. Blindes Vortasten, Erforschen und Beobachten. Ein riskantes Spiel aus Ablehnung und Zuneigung, dessen Anspannung sich schließlich entlädt und die fragile Beziehung in Frage stellt. Laurenz Otto wurde 1994 in Indonesien geboren. Sein Studium der Filmregie an der internationalen filmschule köln schloss er 2021 mit dem Bachelor of Arts ab. Er ist freier Mitarbeiter des Westdeutschen Rundfunks Köln im Bereich Hörspiel und ist bei der Filmpalette Köln als Filmvorführer anzutreffen. Derzeit arbeitet er an der Drehbuchentwicklung seines Debütfilms Tote Körper rennen nicht. Younus does not give up…! Fascination is glued to the strange but familiar father figure and mixed up with a growing longing for real intimacy. Cautiously testing and expanding boundaries, Younus is playing a risky game. When the tension finally unloads, he questions the deeper foundation of the fragile relationship. Laurenz Otto was born in Indonesia in 1994. He graduated with a Bachelor of Arts degree in film directing from the internationale filmschule köln in 2021. He is a freelancer for Westdeutscher Rundfunk Köln in the field of radio plays and can be found at Filmpalette Köln as a projectionist. He is currently working on the script development of his debut feature, Dead Bodies Don’t Run. Zu Ende ist es erst am Schluss (2020), Pulau Seribu (2019), Refugium (2018)

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NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 2 Programme 2

Allen Zweifeln zum Trotz Against All Odds

NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 2 Programme 2

Fulfillmenot

Deutschland Germany 2021 3'41" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Julia Jesionek Ton Sound Milan Haupt Musik Music Frederik Bruun Tongestaltung Sound design Milan Haupt Produktion Production Kunsthochschule für Medien Köln, Julia Jesionek Festival-Weltpremiere Festival world premiere Kunsthochschule für Medien Köln Ute Dilger Deutschland Germany ute.dilger@khm.de khm.de

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Lichtburg 7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Walzenlager

Fullfillmenot ist ein visuelles Gedicht über die Suche nach Antworten, die zu Fragen werden, zu Antworten und zu noch mehr Fragen. In einer Assoziationskette von Ereignissen nimmt eine sich stets wandelnde Protagonistin in ungewöhnlichen Szenerien unerwartete Handlungen vor. Während des Films entdeckt sie ihre Persönlichkeit und ihren Körper immer wieder auf eine andere Art. Als alternative Versionen von ihr auftauchen, flüchten und sie letztlich verschlingen, versteht sie endlich, dass Linearität eine Illusion ist. Julia Jesionek studiert an der Kunsthochschule für Medien Köln. Sie beschäftigt sich hauptsächlich mit Zeichnung und Animation. Thematisch bewegt sich ihre Arbeit zwischen Körperlichkeit und Assoziation und verfolgt oft einen intuitiven Ansatz. Fulfillmenot ist ihr erster Film. Fulfillmenot is a visual poem about searching for answers that turn into questions, into answers and more questions. In an associative chain of events, an ever-changing protagonist takes unexpected action in strange sceneries. Throughout the film she goes on to explore her personality and her body in new, different ways. As alternate versions of her start to emerge, escape and finally devour her, she comes to understand that linearity is an illusion. Julia Jesionek studies at the Academy of Media Arts Cologne. She mainly works with drawing and animation. Thematically, her work moves between physicality and association and often follows an intuitive approach. Fulfillmenot is her first film.

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Deutschland Germany 2021 23'14" Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Silke Schönfeld Kamera Camera Tommy Scheer Ton Sound Michael Brieden Schnitt Editor Janina Herhoffer Tongestaltung Sound design Volker Hennes Produktion Production Urbane Künste Ruhr Festival-Weltpremiere Festival world premiere Silke Schönfeld Deutschland Germany schoenfeldsi@aol.com silkeschoenfeld.de

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Lichtburg 7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Walzenlager

Nothing in this world can take the place of persistence zeichnet die Geschichte, Gegenwart und potentielle Zukunft einer ehemaligen McDonald’s-Filiale in der Herner Innenstadt nach. Im Jahr 1975 gab Familie Vossen das familieneigene Haushaltswarengeschäft in der Herner Fußgängerzone auf und der Franchise-Gigant zog ein. Das leere Ladenlokal, das gelegentlich als Bandprobenraum genutzt wird, wird zur Protagonistin des Kurzfilms. Der Dreh des Filmmaterials wurde von Urbane Künste Ruhr für die Ausstellung Ruhr Ding: Klima, 2021 produziert. Silke Schönfeld studierte Freie Kunst an den Kunstakademien Münster und Düsseldorf. Derzeit ist sie Residenzkünstlerin an der Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. Sie lebt und arbeitet in Amsterdam und Dortmund. In Nothing in this world can take the place of persistence personal recollections of the first McDonald’s in the Ruhr Area merge with collective remembrance. In 1975 the Vossen family gave up their family business in Herne’s pedestrian zone and in its place the franchise giant moved in. The vacant store, which is occasionally used as a band rehearsal room, becomes the protagonist of this short film. The shooting of the footage was produced by Urbane Künste Ruhr for the exhibition Ruhr Ding: Klima, 2021. Silke Schönfeld studied fine arts at the University of Fine Arts Münster and the Kunstakademie Düsseldorf. She is currently a resident artist at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. She lives and works in Amsterdam and Dortmund. Die sehen ja nur, die wissen ja nichts (2020, in Oberhausen 2020), Mönchszüge – invented traditions part two (2019), Kommt und guck selber (2015)

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NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 2 Programme 2

Nothing in this world can take the place of persistence

NRW-Wettbewerb NRW Competition Programm 2 Programme 2

Aquateque

Deutschland, Vereinigtes Königreich Germany, United Kingdom 2021 8'23" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Einar Fehrholz, Daria Jelonek, Perry-James Sugden Kamera Camera Leon Schirdewahn, Ravi Sejk Ton Sound Einar Fehrholz Schnitt Editor Daria Jelonek Musik Music Einar Fehrholz Animation Axel Schoterman, Daria Jelonek, Perry-James Sugden Tongestaltung Sound design Einar Fehrholz Produktion Production Einar Fehrholz, Studio Above&Below

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Lichtburg 7. Mai 20:00 Uhr 7 May 8:00 pm Walzenlager

Aquateque ist ein Kurzfilm welcher den Flusslauf der Ruhr mit Hilfe einer Vielzahl von intermedialen Techniken untersucht. Das Ökosystem der Flusslandschaft wurde mit Audio-, Bild- und 3D-Programmierwerkzeugen erfasst und in einen generativen, erweiterten Bild- und Klangraum überführt. Das Projekt kombiniert Werkzeuge der künstlichen Intelligenz mit computergenerierten Bildern und über-bearbeiteten Audioaufnahmen des fließenden Wassers, um Natur und Rechenkraft zu verschränken und somit eine spekulative Perspektive auf den Flusslauf der Ruhr zu präsentieren. Einar Fehrholz arbeitet als Klangkünstler, Sounddesigner und Musiker und lebt in Oberhausen. Daria Jelonek und Perry-James Sugden gründeten das in London ansässiges Kunst- und Technologiestudio Studio Above&Below. Aquateque is a short film exploring the river Ruhr through a variety of new media technologies. The ecosystem of the surrounding is captured through audio, visual and 3d programming tools and transformed into a generative augmented space. The project combines artificial intelligence tools with computer generated images and overprocessed audio recordings of the flowing water to merge nature and computation in order to present a speculative perspective of the river. Einar Fehrholz works as a sound artist, sound designer and musician and lives in Oberhausen. Daria Jelonek and Perry-James Sugden founded the London-based art and technology studio Studio Above&Below. Gemeinsame Filme Joint works Terrain (2018)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Einar Fehrholz Deutschland Germany einarzuviel@gmail.com

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Kinder- und Jugendkino Children’s and Youth Cinema

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 3+ Programme 3+

Papa Is Big, I Am Small

Italien, Russland Italy, Russia 2021 3'12" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Anya Ru, Masha Rumyantseva Musik Music Maxim Popov Animation Masha Rumyantseva

5./6./9. Mai 10:30 Uhr 5/6/9 May 10:30 am Gloria 7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Star

Eine kurze sowie zarte Geschichte über ein kleines Mädchen, das sich von seinem Vater verabschiedet, einem Seemann, der eine weite Reise antritt. Seine kindliche Fantasie erleichtert die lange Wartezeit. Anya Ru ist Animationsregisseurin, Grafikdesignerin und Handmade-Künstlerin. In ihrer Arbeit kombiniert sie erfolgreich Animation mit Grafik und handwerklichen Materialien. Masha Rumyantseva ist eine Illustratorin und Animatorin. In ihrer Arbeit verwendet sie handgezeichnete Puppen und digitale Cut-outs sowie Frame-by-Frame-Animationen. Sie nutzt das Geschichtenerzählen als Werkzeug, um eine einfühlsame Kommunikation zu schaffen, die darauf abzielt, dem Betrachter die innere Welt der Figuren durch Animation zu zeigen. A short and tender story about a little girl who sees her sailor father off on a faraway journey. Her childlike imagination will brighten up the long wait. Anya Ru is an animation director, graphic designer and handmade artist. In her work, she successfully combines animation with graphics and craft materials. Masha Rumyantseva is an illustrator and animator. In her work she uses hand-drawn puppets and digital cut-outs as well as frame-by-frame animation. She uses storytelling as a tool to create empathetic communication that aims to show the viewer the inner world of the characters through animation. Anja Ru Tangerine Jam (2022), ZOT (2021) Masha Rumyantseva Grandma’s nightdress (2021)

Produktion Production Anya Ru, Masha Rumyantseva Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Anya Ru Italien Italy anyarudesign@gmail.com

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Tschechien, Slowakei Czech Republic, Slovakia 2022 13'19" Farbe Colour Tschechisch mit englischen Untertiteln Czech with English subtitles Regie Director Lucie Sunková Schnitt Editor Anna Ryndová Musik Music Aliaksandr Yasinski

5./6./9. Mai 10:30 Uhr 5/6/9 May 10:30 am Gloria 7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Star

Suzie ist ein kleines Mädchen, das mit seinen Eltern in einen Schrebergarten außerhalb der Stadt fährt. Eines Tages begegnet sie dort einem schwarzen Hund und entdeckt einen geheimnisvollen Garten. Wer nur dort lebt? Suzie hat ein wenig Angst. Aber was macht man nur, wenn man Angst vor jemandem hat, dessen Schlüssel man auf dem Boden findet? Lucie Sunková wurde 1974 in Prag, Tschechien, geboren, wo sie an der Vaclav Hollar Schule für Kunst und an der Filmund Fernsehfakultät der Akademie der Musischen Künste in Prag studierte. Sie ist Drehbuchautorin, Künstlerin, Regisseurin und Animatorin. Sie konzentriert sich hauptsächlich auf eine Animationstechnik: Malen mit Ölfarben auf Glas unter der Kamera. Außerdem schreibt und illustriert sie Kinderbücher. Suzie is a little girl who goes with her mother and dad to an allotment outside the city. One day she meets a black dog and discovers a mysterious garden. Who is it that lives there? Suzie is a little afraid. But what to do when you are afraid of someone, but you find their key on the path? Lucie Sunková was born in 1974 in Prague, Czech Republic, where she studied at the Vaclav Hollar School of Arts and Film and TV School of the Academy of Performing Arts in Prague. She is a screenwriter, artist, director and animator. She mainly focuses on one animation technique: painting with oil paints on glass under the camera. She also writes and illustrates books for children. Strom (2015), Pelargonie (2005), Podobizna (2002), Havran (2000)

Tongestaltung Sound design Martin Večeřa Produktion Production MAUR film, SUPER FILM Alexandra Hroncova Tschechien Czech Republic alexandra.hroncova@famu.cz

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 3+ Programme 3+

Zuza v zahradách Suzie in the Garden

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 3+ Programme 3+

Zvyozdniy ulov Star Catch

Russland Russia 2021 4' Farbe Colour ohne Text without text

5./6./9. Mai 10:30 Uhr 5/6/9 May 10:30 am Gloria 7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Star

Eine Geschichte über einen Fischer, der davon träumt, einen Stern zu fangen, und dennoch – unter allen Umständen – eine romantische Seele bleibt. Pelageya Generalova wurde 1997 geboren und studierte Umweltdesign an der Kunstakademie von Nischni Tagil. Derzeit ist sie Studentin an der Ural State University of Architecture and Arts. Sie hat an verschiedenen Wettbewerben und Foren zum Thema Animation teilgenommen. Sie arbeitet als freiberufliche Animationskünstlerin und Malerin. Zvyozdniy ulov ist ihr Debütfilm. It is the story of a fisherman who dreams of catching a star, but who – no matter what – remains a romantic soul. Pelageya Generalova was born in 1997 and studied environmental design at the Nizhny Tagil College of Arts. She is currently a student at the Ural State University of Architecture and Arts and has participated in various competitions and forums on animation. She works as a freelance animation artist and painter. Star Catch is her debut film.

Regie Director Pelageya Generalova Buch Script Pelageya Generalova Musik Music Lepatov Ruslan Animation Alina Avzalova, Anna Vostretsova, Alena Garifullina, Julia Blinovskikh, Elizaveta Konysheva, Yana Makarevich Produktion Production Ural State University of Architecture and Arts Festival-Weltpremiere Festival world premiere SMF animation Alexandra Sholudko Russland Russia sholud1@gmail.com

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Lettland Latvia 2022 4'40" Farbe Colour Lettisch Latvian Regie Director Māra Liniņa Schnitt Editor Edmunds Jansons Musik Music Jēkabs Nīmanis Animation Mārtiņš Dūmiņš, Līva Piterāne, Kristīne Zvirbule Tongestaltung Sound design Ģirts Bišs Produktion Production Atom Art Atom Art Ieva Zeldere Lettland Latvia ieva@atomart.lv atomart.lv

5./6./9. Mai 10:30 Uhr 5/6/9 May 10:30 am Gloria 7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Star

Während die Bäreneltern nach Beeren und Honig suchen, bleiben die Bärenkinder mit den Schafen zu Hause. Die kleinen Bären haben viel Spaß und spielen mit einem Wollknäuel, doch schon bald haben sie sich vollkommen verheddert und alles steht Kopf! Glücklicherweise helfen die Schafe ihnen dabei, alles wieder in Ordnung zu bringen. Der Film beruht auf dem traditionellen lettischen Schlaflied „Still, kleiner Bär“. Māra Liniņa wurde 1971 in Riga geboren. Im Jahr 1996 schloss sie dort ihr Studium an der Latvijas Kultūras akadēmija mit einem Bachelor in Filmregie ab und erwarb 2005 ihren Master in Geisteswissenschaften. Die Arbeit an ihren eigenen Animationsfilmen bedeutet für sie, in einen Dialog mit der Welt zu treten und Abenteuer und Erfahrungen in der Sprache des Kinos zu erzählen. While the bear parents are away looking for berries and honey, the baby bears stay at home with the sheep. The bear cubs have a good time playing with a ball of yarn, but soon enough the cubs find themselves all tangled up, and everything is turned upside down! Luckily the sheep help them put everything in order again. The film is based on the traditional Latvian lullaby ‘Hush Hush Little Bear’. Māra Liniņa was born in Riga in 1971. In 1996 she graduated from the Latvian Academy of Culture with a bachelor’s degree in film directing and obtained her master’s degree in humanities in 2005. For her, working on her own animated films means to be in a dialogue with the world, telling adventures and experiences in the language of cinema. Once Upon A Time, God (2009), Hornyhoof, Furball and Tiddleywink (2002), The Water-sprite (2001), Like a Dream (2000), Time for angels (1999), The Comet (1997), The Glove (1995)

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 3+ Programme 3+

Čuči čuči Hush Hush Little Bear

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 6+ Programme 6+

Ich habe keine Angst! I’m not afraid!

Deutschland, Norwegen Germany, Norway 2022 7' Farbe Colour Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Marita Mayer Buch Script Marita Mayer Ton Sound Simon Bastian Musik Music Marius Kirsten Animation Alba Dragonetti, Carlo Palazzari, Friedrich Schäper, Florian Maubach, Hero Hendel, Lena Fraundienst, Sinéad Nolan, Yann Le Bot Tongestaltung Sound design Simon Bastian

5./9. Mai 8:30 Uhr 5/9 May 8:30 am Gloria 5. Mai 11:15 Uhr 5 May 11:15 am Sunset 6. Mai 11:00 Uhr 6 May 11:00 am Lichtburg 7. Mai 11:00 Uhr 7 May 11:00 am Sunset

Beim Versteckspiel verlässt Vanja das helle Wohnzimmer und betritt den schummrigen Innenhof, in dem es zu viele dunkle Ecken, verrückte Schatten und fremde Geräusche gibt. Um die Angst zu überwinden, verwandelt Vanja sich in einen gefährlichen Tiger. Marita Mayer ist eine deutsche Regisseurin, die in Norwegen lebt. Sie studierte Kulturmanagement und Pädagogik an der Universität Hildesheim und spezialisierte sich auf gezeichnete Animation an der Animation-School-Hamburg. Seitdem hat sie an mehreren 2-D- und Stop-MotionProduktionen gearbeitet und war Programmmanagerin für fünf Ausgaben des Fredrikstad Animation Festival. 2020 gründete sie ihr eigenes Studio, Rainy Day Productions, mit. During a game of hide-and-seek, Vanja leaves the bright living room and enters a dimly lit courtyard, which has far too many dark corners, weird shadows and strange noises. To overcome the fear, Vanja turns into a dangerous tiger! Marita Mayer is a German director based in Norway. She studied cultural management and education at the University of Hildesheim and specialised in drawn animation at the animation-school-hamburg. Since then she has worked on several 2D and stop-motion productions and was programme manager for five editions of the Fredrikstad Animation Festival. In 2020 she co-founded her own studio, Rainy Day Productions. Be nice (2009)

Produktion Production Fabian & Fred, Trollfilm As Fabian & Fred Fabian Driehorst Deutschland Germany fabian@fabianfred.com fabianfred.com

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Norwegen Norway 2021 10'38" Farbe Colour Norwegisch mit englischen Untertiteln Norwegian with English subtitles Regie Director Liss-Anett Steinskog Kamera Camera Leander Håvik Schnitt Editor Fredrik S. Hana Musik Music Kristoffer Grude

5./9. Mai 8:30 Uhr 5/9 May 8:30 am Gloria 5. Mai 11:15 Uhr 5 May 11:15 am Sunset 6. Mai 11:00 Uhr 6 May 11:00 am Lichtburg 7. Mai 11:00 Uhr 7 May 11:00 am Sunset

Ein Haufen von Ästen mitten auf einem Feld weckt die Neugier zweier Kinder. Darunter verbirgt sich ein magisches Versteck, ein Ort, der nur ihnen gehört. Allerdings wollen die Erwachsenen bei der heutigen Dugnad* genau diesen Haufen loswerden. *Dugnad = norwegisches Wort für unbezahlte und freiwillige, gemeinnützige Arbeit Liss-Anett Steinskog, geboren 1989, ist eine Filmemacherin aus Randaberg, Norwegen. 2012 erhielt sie ihren Bachelor in Literatur-, Film- und Theaterwissenschaften an der Universität Agder in Kristiansand, bevor sie 2014 ein Filmstudium an der Nordland kunst- og filmhøgskole in Kabelvåg begann. A pile of branches in a field sparks the curiosity of two children. Inside of it, they find a magical and hidden place to call their own. But it is the same pile the grownups want to get rid of during today’s dugnad. *Dugnad = a Norwegian word for unpaid and voluntary community work Liss-Anett Steinskog, born in 1989, is a Norwegian filmmaker from Randaberg, Norway. She completed her bachelor’s degree in literature, film and theatre at University of Agder in 2012, before beginning film studies at the Nordland School of Arts and Film in 2014. Hvalagapet (2018, in Oberhausen 2018)

Tongestaltung Sound design Frode Ytre-Arne Produktion Production GOfilm Liss-Anett Steinskog Norwegen Norway liss_steinskog@outlook.com

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 6+ Programme 6+

Barna The Children

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 6+ Programme 6+

Lost Brain

Schweiz Switzerland 2021 6'31" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white ohne Text without text Regie Director Isabelle Favez

5./9. Mai 8:30 Uhr 5/9 May 8:30 am Gloria 5. Mai 11:15 Uhr 5 May 11:15 am Sunset 6. Mai 11:00 Uhr 6 May 11:00 am Lichtburg 7. Mai 11:00 Uhr 7 May 11:00 am Sunset

Das Krokodil Louise niest eines Tages versehentlich ihr Gehirn aus. Zu allem Überfluss entwischt es ihr! Dadurch hat Louise auf einmal Schwierigkeiten mit den einfachsten Aufgaben, nichts will ihr mehr gelingen. Isabelle Favez wurde 1974 in Bern geboren. Von 1994 bis 1999 absolvierte sie ein Diplomstudium an der Zürcher Hochschule der Künste im Bereich Film und Video. Sie arbeitet als freischaffende Regisseurin von Animationsfilmen. One day, Louise the crocodile accidentally sneezes her brain out. To top it all off, it even escapes! This suddenly makes it difficult for Louise to perform the simplest tasks and nothing works out anymore. Isabelle Favez was born in Bern in 1974. From 1994 to 1999 she studied for a diploma at the Film and Video Department at the Zurich University of the Arts. She works as a freelance filmmaker of animated films. Zibilla (2019), Messages dans l‘air (2015), Au coeur de l‘hiver (2012), Valise (2009), Tarte aux pommes (2006), Casa lunatica (2003), Circuit marine (2003), Les voltigeurs (2002), Replay (1999), Café-Bar (1997), Kino (1995), Lebenshunger (1993)

Buch Script Isabelle Favez Musik Music Jérôme Vittoz Animation Isabelle Favez Produktion Production Nadasdy Film Nadasdy Film Zoltan Horvath Schweiz Switzerland distribution@nadasdyfilm.ch nadasdyfilm.ch/dlp

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Schweiz Switzerland 2022 8'50" Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Marina Rosset Buch Script Marina Rosset Musik Music Rahel Zimmermann Animation Marina Rosset

5./9. Mai 8:30 Uhr 5/9 May 8:30 am Gloria 5. Mai 11:15 Uhr 5 May 11:15 am Sunset 6. Mai 11:00 Uhr 6 May 11:00 am Lichtburg 7. Mai 11:00 Uhr 7 May 11:00 am Sunset

Die Königin der Füchse ist die traurigste von allen. Um sie glücklich zu machen, schwärmen die anderen Füchse nachts aus, um ihr im Stillen geschriebene, letztlich jedoch nie abgeschickte Liebesbriefe aus dem Müll der Stadt zu Füßen zu legen. Marina Rosset wurde 1984 in Lausanne, Schweiz, geboren. Sie studierte Animation an der École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre in Brüssel und an der Hochschule Luzern – Design & Kunst, wo sie 2007 ihren Abschluss machte. Seitdem schreibt, inszeniert und zeichnet sie kurze Animationsfilme. Sie arbeitet auch als Filmeditorin und als Illustratorin. The queen of the foxes is the saddest of them all. In order to make her happy, her worried gang swarms out at night to lay at her feet the secretly written, but ultimately unsent love letters retrieved from the city’s rubbish. Marina Rosset was born in 1984 in Lausanne, Switzerland. She studied animation at the École nationale supérieure des arts visuels of La Cambre Bruxelles and at the Lucerne School of Art and Design, where she graduated in 2007. Since then she has been writing, directing and drawing short animated films. She also works as a film editor and as an illustrator. La Fille aux Feuilles (2013), Laterarius (2010), Last Minute (2010), La Main de l’Ours (2008), Botteoubateau (2007), Après le Chat (2005)

Tongestaltung Sound design Peter Bräker Produktion Production Marina Rosset Marina Rosset productions Marina Rosset Schweiz Switzerland marina.rosset@gmail.com

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 6+ Programme 6+

La Reine des renards The Queen of the Foxes

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 6+ Programme 6+

A Whisper in the Island of the Heart

5./9. Mai 8:30 Uhr 5/9 May 8:30 am Gloria 5. Mai 11:15 Uhr 5 May 11:15 am Sunset 6. Mai 11:00 Uhr 6 May 11:00 am Lichtburg 7. Mai 11:00 Uhr 7 May 11:00 am Sunset

Schnitt Editor Yue Bowei

Ein kleines Mädchen kehrt in seine Heimatstadt in Tibet zurück. Dort wird es wegen einer angeborenen Erkrankung von einem Ärzteteam behandelt. Während es sich im Haus seines Großvaters erholt, trifft es auf einen neuen, ganz besonderen Freund. Wang Xiaowen studierte Produktionsdesign am American Film Institute in Los Angeles. Sie ist Mitglied der Art Directors Guild. Bevor sie in die Vereinigten Staaten kam, arbeitete sie in einem berühmten chinesischen Studio und lernte dort Animationsproduktion, Bühnenbild und Mediendesign. In den letzten Jahren hat sie für Film und Fernsehen Regie geführt. Bei A Whisper in the Island of the Heart arbeitet sie zum zweiten Mal mit He Mengyuan zusammen. A little girl returns to her hometown in Tibet, where a team of doctors treat the medical condition she has had since birth. Recuperating at her grandfather’s house, she makes a new and special friend. Wang Xiaowen studied production design at the American Film Institute in Los Angeles. She is a member of the Art Directors Guild. Before coming to the United States, she worked at a famous Chinese studio to learn animation production, set design and media design. In recent years, she has directed for film and television. A Whisper in the Island of the Heart is her second time working with He Mengyuan.

Musik Music Song Wenhao

Cocoon Love (2021)

China, USA 2021 13'01" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Wang Xiaowen Buch Script Wang Xiaowen Kamera Camera He Mengyuan

Tongestaltung Sound design Bo Pang Produktion Production Wang Xiaowen Festival-Weltpremiere Festival world premiere Wang Xiaowen China shawvane7@gmail.com

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Brasilien Brazil 2021 17' Farbe Colour Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Anna Azevedo Buch Script Anna Azevedo Schnitt Editor Eduardo Nunes Produktion Production 3 Tabela Filmes Festival-Weltpremiere Festival world premiere 3 Tabela Filmes Izabella Faya Brasilien Brazil izabellafaya@gmail.com 3tabelafilmes.com.br

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

Es ist Sommer, sie haben Ferien, können aber nicht zum Strand. Weil sie in einer der gefährlichsten Favelas von Rio de Janeiro leben, sind sie so nah und doch so weit vom Meer entfernt. Denn der Strand liegt in den gehobenen Teilen der Stadt, in denen die Armen nicht willkommen sind. Daher verbringt eine Gruppe Kinder ihren Tag mit einer Reihe von Spielen – ein Spiegel ihrer Träume und Ängste und der Gewalt, die sie umgibt. Anna Azevedo ist eine brasilianische Filmemacherin, die gerne Filme für Kinder mit nichtprofessionellen Darstellern macht. Ihre Arbeiten werden weltweit in Museen und auf Filmfestivals gezeigt und haben mehrere Preise gewonnen. It’s summer, they’re on summer break, but they can’t go to the beach. Living in one of the most dangerous favelas in Rio, they are close, but at the same time far from the sea – located in the city’s upscale neighbourhoods where the poor are not welcome. So a group of children fills the day with a journey of games – a mirror of dreams, fears and the violence that surrounds them. Anna Azevedo is a Brazilian filmmaker who enjoys making films for children with non-professional actors. Her work is shown in museums and film festivals worldwide and has won several awards. Saudade do futuro (2021), Henriqueta (2021), Vento de sal (2019), Em busca da Terra sem Males (2017), Nossa vida não é um jogo (2016), Um rio que vem de longe (2015), Projeto Beirute (2015), Outono (2013), Janaína (2012), Um Erradio (2011), Geral (2010), Dreznica (2008), O Homem-Livro (2006), BerlinBall (2006), Batuque na Cozinha (2004), Rio de Jano (2003)

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Peixes não se afogam Fish Can’t Drown

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Dans la nature In Nature

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

In der Natur bestehen Paare aus einem Männchen und einem Weibchen. Na ja, nicht immer! Ein Paar kann auch aus zwei Weibchen bestehen. Oder aus zwei Männchen. Es mag euch nicht bewusst sein, aber Homosexualität ist keine rein menschliche Eigenschaft. Marcel Barelli wurde 1985 in Lodrino, Schweiz, geboren. Er lebt und arbeitet in Genf als Animationsfilmemacher. In nature, a couple is a male and a female. Well, not always! A couple is also a female and a female. Or a male and a male. You may not know it, but homosexuality isn’t just a human story. Marcel Barelli was born in 1985 in Lodrino, Switzerland. He lives and works in Geneva as an animation filmmaker.

Schweiz Switzerland 2021 5'

Uno strano processo (2018), Ralph and the Dinosaurs (2017), Habitat (2016), Lucens (2015), Vigia (2013), Gypaetus helveticus (2011), Peripheria (2009), Bianconero (2008), No Penguin‘s Land (2008)

Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Marcel Barelli Buch Script Marcel Barelli, Fleur Daugey Schnitt Editor Marcel Barelli Animation Marcel Barelli Tongestaltung Sound design Jérôme Vittoz Produktion Production Nadasdy Film Marcel Barelli Schweiz Switzerland marcelbarelli@bluewin.ch

172

Schweden Sweden 2021 14'40" Farbe Colour Kurdisch, Schwedisch mit englischen Untertiteln Kurdish, Swedish with English subtitles Regie Director Lisa Meyer Buch Script Lisa Meyer Kamera Camera Matilda Wikingson Ton Sound Måns Reimer, Dennis Boukas

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

Lorin und ihre Familie müssen plötzlich umziehen. Sie werden in eine Kirche gebracht, weit weg von Lorins Freunden aus der Schule. Lorin versucht, irgendwie mit der Situation zurechtzukommen, merkt jedoch bald, dass sie einen Weg finden muss, ihr zu entkommen. Lisa Meyer wurde 1988 in Sollebrunn, Schweden, geboren. Sie hat einen Bachelor in Filmregie von der Fakultät für Kunst und Design der Universität Göteborg. Derzeit arbeitet sie an ihrem ersten Spielfilm Demands of a teenage heart und ihrem Seriendebüt. Lorin’s family must suddenly move. They are taken to a church, far away from Lorin’s friends in school. Lorin tries to get a grip of the new situation and soon realises she needs to find herself a way out of it. Lisa Meyer was born in 1988 in Sollebrunn, Sweden. She has a bachelor’s degree in film directing from HDK-Valand – Academy of Art and Design at the University of Gothenburg. She is currently working on her first feature film, Demands of a teenage heart and her series debut. Den längsta väntan (2022), Melanie (2019), Allt jag gör för dig (2017), Smärtbarn (2013)

Schnitt Editor Lisa Meyer, Matilda Wikingson Tongestaltung Sound design Anton Whitehouse Produktion Production Lisa Meyer Film Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Lisa Meyer Schweden Sweden lisa.meyer@live.se lisameyerfilm.com

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Flyttfåglar Birds of Passage

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Honekami A Bite of Bone

Japan 2021 9'45" Farbe Colour Japanisch mit englischen Untertiteln Japanese with English subtitles Regie Director Yano Honami

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

Ein kleines Mädchen denkt bei der Beerdigung ihres Vaters über den letzten Sommer mit ihm nach. Yano Honami wurde auf einer kleinen Insel in Japan geboren. Sie erwarb einen MA an der Graduate School für Film und Neue Medien der Kunsthochschule Tokio. Nach ihrem Abschluss arbeitete sie dort drei Jahre lang als wissenschaftliche Mitarbeiterin. Derzeit arbeitet sie an der Universität Nagoya als designierte Assistenzprofessorin und produziert eine neue Arbeit. At his funeral, a little girl reflects on her last summer with her father. Yano Honami was born on a small island in Japan. She received a master’s degree at the Graduate School of Film and New Media of Tokyo University of the Arts. After graduating, she worked there as a research assistant for three years. Currently she works at Nagoya University as a designated assistant professor and is currently producing a new work. Chromosome Sweetheart (2017)

Buch Script Yano Honami Schnitt Editor Yano Honami Animation Yano Honami Tongestaltung Sound design Takino Masumi Produktion Production Au Praxinoscope Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Yano Honami Japan beansb773.g@gmail.com

174

Spanien, Kanada Spain, Canada 2022 4'27" Farbe Colour Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Jessica Lafrance

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

Die Mission eines 8-jährigen Mädchens, sich um den Ozean zu kümmern, wird von seiner älteren Schwester unterbrochen, als diese nach ihm sucht. Jessica Lafrance ist eine Regisseurin und Autorin aus Ottawa, Kanada. Sie hat einen Bachelor of Arts in Theaterwissenschaften von der Concordia University in Montreal. Sie führte bei mehreren Kurzfilmen Regie, die von Filmfestivals in Kanada und im Ausland offiziell ausgewählt wurden. An 8-year-old girl’s quest to care for the ocean is disrupted when her older sister comes looking for her. Jessica Lafrance is a director and writer from Ottawa, Canada. She holds a bachelor of arts in Theatre Studies from Concordia University in Montreal. She has directed several short films that have been officially selected at film festivals in Canada and abroad. Here and Now (2019), The Big Push (2016), Flowers in February (2011)

Buch Script Jessica Lafrance Kamera Camera Esteban Blanco Garcia Schnitt Editor Kevin McDonald Musik Music Tomás Becket Tongestaltung Sound design Jordan Bell Produktion Production Jessica Lafrance Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jessica Lafrance Kanada Canada jessicalafrance@hotmail.com

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Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Ainoa

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 8+ Programme 8+

Mardjuret The Calling

Schweden Sweden 2021 8'03" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Frida E. Elmström Buch Script Frida E. Elmström Kamera Camera Frida E. Elmström Musik Music Marco Regazzoni Animation Frida E. Elmström

4./9. Mai 8:30 Uhr 4/9 May 8:30 am Star 5./6. Mai 9:00 Uhr 5/6 May 9:00 am Lichtburg 8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Star 9. Mai 11:00 Uhr 9 May 11:00 am Lichtburg

Das Tier hört einen Ruf und entscheidet, dessen Ursprung zu finden. Auf dem Boden eines Brunnens entdeckt es etwas, das zugleich erschreckend und vertraut ist. Frida E. Elmström ist eine schwedische Animatorin, Regisseurin und Produktionsdesignerin. Nach ihrem Studium des Dokumentarfilms und des kreativen Schreibens absolvierte sie eine Ausbildung zur Filmproduzentin und machte 2018 ihren Abschluss in Animation. Während ihres Studiums arbeitete sie in der Kamera- und Beleuchtungsabteilung für Werbespots, Musikvideos und Theaterstücke. The Animal hears a call and decides to find its source. At the bottom of a well it discovers something both frightening and familiar. Frida E. Elmström is a Swedish animator, director and set designer. After studying documentary filmmaking and creative writing, she trained as a film producer and graduated with a degree in animation in 2018. During her studies, she worked in the camera and lighting department on commercials, music videos and plays. Kapitulation (2018), Happy Birthday Mon Amour (2015), La Vulve (2014), Heavy Metal Embalmers (2014), Mannen från Jupiter (2011)

Tongestaltung Sound design Gabrielle Wikhede Produktion Production Menado Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Menado Anders Wilhelmsson Schweden Sweden anders@menado.se menado.se

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Taiwan, USA 2021 9'31" Farbe Colour Chinesisch mit englischen Untertiteln Chinese with English subtitles Regie Director Erich Rettstadt Buch Script Erich Rettstadt Kamera Camera Danny Wang

4. Mai 11:00 Uhr 4 May 11:00 am Lichtburg 5. Mai 9:15 Uhr 5 May 9:15 am Sunset 7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Star 9. Mai 9:00 Uhr 9 May 9:00 am Lichtburg

Es war einmal eine magische Tankfee, die (mit viel Witz) das Zuhause des kleinen Jojo mit Gastanks belieferte. Jojo war ein einsamer Träumer, der dringend eine glitzernde Patin brauchte … Erich Rettstadt ist ein queerer amerikanischer Filmemacher und Theaterkünstler, dessen Arbeit sich auf Inklusivität und Eskapismus konzentriert. Er erwarb einen Bachelor in Filmproduktion an der Tisch School of the Arts in New York und einen Master in Schreiben für Film und Fernsehen an der University of Southern California. Once upon a time, the magical Tank Fairy delivered tanks of gas (with plenty of sass) to the home of young Jojo, a lonely dreamer in need of a glittery godmother… Erich Rettstadt is a queer American filmmaker and theatre artist whose work emphasises inclusivity and escapism. He earned his bachelor’s degree in film production from Tisch School of the Arts New York City and a master’s degree in writing for screen and television from the University of Southern California. State Debate (2012)

Ton Sound Sonia Calico, Utjung Tjakivalid Schnitt Editor Erich Rettstadt Tongestaltung Sound design Kenny Cheng Produktion Production Erich Rettstadt Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Erich Rettstadt Taiwan erichrettstadt@gmail.com tankfairy.com

177

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 10+ Programme 10+

Tong Zhuang Xian Nu Tank Fairy

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 10+ Programme 10+

Miglasha Shohra Black Slide

4. Mai 11:00 Uhr 4 May 11:00 am Lichtburg 5. Mai 9:15 Uhr 5 May 9:15 am Sunset 7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Star 9. Mai 9:00 Uhr 9 May 9:00 am Lichtburg

Regie Director Uri Lotan

Eviah, ein ängstlicher Junge kurz vor der Pubertät, und sein bester Freund gehen heimlich zur Black Slide, der gefährlichsten Rutsche im Aqua Fun. Dort lernt Eviah etwas, das ihn auf bevorstehende Ereignisse zu Hause vorbereitet. Uri Lotan ist ein Animationsregisseur und lebt in Tel Aviv, Israel. Nach seinem Abschluss am Ringling College of Art and Design hat er an Spielfilmen und beim Fernsehen gearbeitet. Sein Debüt als Regisseur gab er 2016 mit dem Musikvideo Ma’agalim für Jane Bordeaux. Eviah, a young and timid kid on the brink of puberty, and his best friend sneak into the Black Slide, the most terrifying ride in Aqua Fun. There, Eviah will gain insight to prepare him for events about to unfold at home. Uri Lotan is an animation director based in Tel Aviv, Israel. Since graduating from Ringling College of Art and Design, he has worked on feature films and television. He made his debut as a director in 2016 with the music video Ma’agalim for Jane Bordeaux.

Buch Script Uri Lotan

Ma’agalim (2016), The ballad of poisonberry pete (2012)

Israel, Vereinigtes Königreich Israel, United Kingdom 2021 11'12" Farbe Colour Hebräisch mit englischen Untertiteln Hebrew with English subtitles

Schnitt Editor Naama Shohet Musik Music Asaf Sagiv Animation Charles Larrieu, Gabi Barito, Lauren Adassovsky Produktion Production The Hive Studio & FlipBook Studio Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Miyu Distribution Luce Grosjean Frankreich France festival@miyu.fr miyu.fr

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Israel 2021 8'30" Farbe Colour Hebräisch mit englischen Untertiteln Hebrew with English subtitles Regie Director Ma’ayan Rypp Buch Script Ma’ayan Rypp

4. Mai 11:00 Uhr 4 May 11:00 am Lichtburg 5. Mai 9:15 Uhr 5 May 9:15 am Sunset 7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Star 9. Mai 9:00 Uhr 9 May 9:00 am Lichtburg

Die 12-jährige Omer entscheidet, das Schicksal ihrer Familie selbst in die Hand zu nehmen und ihren Vater zurück nach Hause zu bringen. Ma’ayan Rypp ist eine amerikanisch-kanadisch-israelische Regisseurin und Drehbuchautorin, die in Tel Aviv geboren und aufgewachsen ist. Sie machte ihren Abschluss an der Fakultät für Film und Fernsehen der Universität Tel Aviv. Ihr erster studentischer Kurzfilm Any Little Thing wurde auf zahlreichen Filmfestivals gezeigt. In den letzten Jahren hat sie bei mehreren Filmen im Art Department gearbeitet. Twelve-year-old Omer decides to take responsibility for the family’s fate and bring her father back home. Ma‘ayan Rypp is an American-Canadian-Israeli director and screenwriter born and raised in Tel Aviv. She graduated from the Film Department of Tel Aviv University. Her first student short film, Any little Thing, was screened at numerous film festivals. In recent years she has worked in the art department of several films. The Great Wolodarsky Cribbage Tournament (2017), Martha Must Fly (2011), Any Little Thing (2010)

Kamera Camera May Abadi Grebler Schnitt Editor Adam Weingrod Tongestaltung Sound design Rotem Dror Produktion Production HKM Productions Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Ma’ayan Rypp Israel maayan.rypp@gmail.com

179

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 10+ Programme 10+

Girud Itch

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 10+ Programme 10+

Channidae

Belgien Belgium 2021 7' Farbe Colour Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles

4. Mai 11:00 Uhr 4 May 11:00 am Lichtburg 5. Mai 9:15 Uhr 5 May 9:15 am Sunset 7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Star 9. Mai 9:00 Uhr 9 May 9:00 am Lichtburg

Die drei Kinder Colin, Charlie und Martin treffen sich im Park, um miteinander zu spielen. Colin möchte mit Masken „Familie“ spielen. Er spielt seine Rolle mit immer mehr Überzeugung, bis er zu weit geht. Im Spiel so zu tun als ob, kann schnell zur Realität werden. Pauline Morel erwarb 2019 ihr nationales Kunstdiplom an der École Supériere d’Art de Lorraine – Épinal. Sie trat in die École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre in Brüssel ein und machte 2021 ihren Master in Animation. Channidae ist ihr Debütfilm. Colin, Charlie and Martin are three children who meet in a park to play together. Colin suggests playing family with masks. He becomes more and more convincing in his role, until he goes beyond the limits. Therefore, playing pretend can become more than real. Pauline Morel earned her National Diploma of Art at the École Supériere d‘Art de Lorraine – Épinal in 2019. She entered the École nationale supérieure des arts visuels of La Cambre Brussels and got her master’s degree in animation in 2021. Channidae is her debut film.

Regie Director Pauline Morel Buch Script Pauline Morel Ton Sound Robin Ravez, Anaëlle Hautier Animation Pauline Morel Produktion Production Atelier de Production de la Cambre, ASBL Pauline Morel Frankreich France paumorel@outlook.com

180

Frankreich France 2021 15'58" Farbe Colour Französisch, Spanisch mit englischen Untertiteln French, Spanish with English subtitles Regie Director Olivier Lopes Barros Buch Script Olivier Lopes Barros Kamera Camera Alexandra de Saint Blanquat

4. Mai 11:00 Uhr 4 May 11:00 am Lichtburg 5. Mai 9:15 Uhr 5 May 9:15 am Sunset 7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Star 9. Mai 9:00 Uhr 9 May 9:00 am Lichtburg

Simon zieht mit seiner Mutter in ein elfstöckiges Gebäude. Sein neues Leben beunruhigt ihn und seine Sinne spielen ihm einen Streich nach dem anderen. Olivier Lopes Barros stammt aus Colmar und wuchs in einem Haus in der Rue d’Amsterdam auf, was ihn zu seinem ersten Kurzfilm inspirierte. Er absolvierte eine Ausbildung zum Cutter und nahm an verschiedenen Schreibwerkstätten der Agence culturelle Grand Est teil, während er für verschiedene Produktionsfirmen in Straßburg arbeitete. Simon moves with his mother into an eleven-story building. Troubled by this new life, his senses play tricks on him. Olivier Lopes Barros is from Colmar and grew up in a house in the Rue d’Amsterdam, which inspired him to make his first short film. He trained as an editor and took part in various writing workshops at the Agence culturelle Grand Est while working for various production companies in Strasbourg. Ma Saudade (2021)

Ton Sound Nicolas Cadiou Schnitt Editor Mona-Lisa Lanfant Musik Music Eric Bentz Produktion Production Piano Sano Films Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Piano Sano Films Idris Lettifi Frankreich France idris@pianosanofilms.fr pianosanofilms.fr

181

Kinderfilmwettbewerb Children’s Film Competition Programm 10+ Programme 10+

13, rue d’Amsterdam 13 Amsterdam Street

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 12+ Programme 12+

Free as a Bird

Niederlande Netherlands 2021 15'17" Farbe Colour Niederländisch mit deutschen Untertiteln (HG) Dutch with German subtitles (SDH) Regie Director Annelies Kruk Kamera Camera Jean Counet Ton Sound Anneloes Pabbruwee

4./6. Mai 8:30 Uhr 4/6 May 8:30 am Gloria 7. Mai 15:30 Uhr 7 May 3:30 pm Sunset 9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Star

Ariana (12) liebt es, mit ihrem flauschigen Freund, ihrem Hund Mikey, zu tanzen. Leider trägt sie eine tickende Zeitbombe in sich: zwei Nieren, die nicht funktionieren. Wenn sie weitertanzen möchte, muss sie einen Spender finden. Sie ist fest entschlossen, über ein selbst gepostetes Onlinevideo fündig zu werden. Aber wie soll man ein Video über etwas machen, vor dem man eigentlich Angst hat? Annelies Kruk studierte Kulturpädagogik und begann, beim Jugendfernsehen zu arbeiten, wo sie ihre Liebe zum Filmemachen entdeckte. Seitdem hat sie verschiedene Dokumentarfilme für Jugendliche und Erwachsene gedreht, manchmal auch auf eigene Faust. Ariana (12) loves to dance with her hairy friend Mikey, her dog. Sadly, she has a ticking bomb inside of her: two kidneys that are not working. If she wants to continue dancing, she must find a donor. She is determined to look for one by posting an online video. But how should you make a video about something that you’re actually so scared of? Annelies Kruk studied cultural education and started working in youth television, where she discovered her love for filmmaking. Since then, she has made various documentaries for young people and adults, sometimes on her own.

Deutsche Festivalpremiere German festival premiere

Mima is Mima (2019), Moeders voor de buurt (2019), Gracious (2018), De Monsoonshow (2017), Het meisje met de witte huid (2017), Scott en Julia (2016), Los pies de Manuele Solis (2015), Sisi and Wanwan (2014), Haiduc (2014), Days at the Lennon Park (2013), Calling for Koney (2013), Father wanted with a piggy nose (2012), A dress for Anuschka (2010), I want to go home (2007), La loca girl (2006), Happy Faces (2006), NIMA (2004)

Tangerine Tree Mascha Arkink Niederlande Netherlands festival@tangerinetree.nl tangerinetree.nl

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Schnitt Editor Saskia Kievits Tongestaltung Sound design Rob Dul Produktion Production Tangerine Tree

Armenien Armenia 2021 6'40"

4./6. Mai 8:30 Uhr 4/6 May 8:30 am Gloria 7. Mai 15:30 Uhr 7 May 3:30 pm Sunset 9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Star

Ein Lächeln reist durch die Welt der Traurigkeit. Dabei wird es von Emotionen und Gedanken geformt … Lilit Altunyan hatte als bildende Künstlerin lokale und internationale Ausstellungen. Als Autorin und Illustratorin hat sie preisgekrönte Bilderbücher veröffentlicht. Erb es tkhur em ist ihr Debütfilm. A smile travels through the world of sadness being transformed by emotions and thoughts… Lilit Altunyan has had local and international exhibitions as a visual artist. As an author and illustrator, she has published award-winning picture books. When I am Sad is her debut film.

Farbe Colour Armenisch mit deutschen Untertiteln (HG) Armenian with German subtitles (SDH) Regie Director Lilit Altunyan Buch Script Lilit Altunyan, Armine Anda Schnitt Editor Karen Baghinyan Musik Music Miqayel Voskanyan Animation Lilit Altunyan, Mina Convers Tongestaltung Sound design Miqayel Voskanyan, Tigran Kuzikyan Produktion Production Hoshkee Film Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Hoshkee Film Armine Anda Armenien Armenia hoshkeefilm@gmail.com hoshkee.com

183

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 12+ Programme 12+

Erb es tkhur em When I Am Sad

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 12+ Programme 12+

Hong Se Zang Li Red Funeral

China, Macau 2022 15' Farbe Colour Mandarin mit deutschen Untertiteln (HG) Mandarin with German subtitles (SDH) Regie Director Jane Zhang Buch Script Jane Zhang Kamera Camera Ronnie Wu, Junior Lucano (S.O.C, A.C.O)

4./6. Mai 8:30 Uhr 4/6 May 8:30 am Gloria 7. Mai 15:30 Uhr 7 May 3:30 pm Sunset 9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Star

Bai Lu, ein 12-jähriges Mädchen in einem kleinen Dorf in China darf bei der Beerdigung seiner geliebten Großmutter nicht dabei sein, da es zum ersten Mal seine Periode bekommt. Bai Lu versteht nicht, warum ihre Menstruation als „rituell unrein“ gilt. Eine letzte Reise zu Ehren ihrer Großmutter ist ihr Versuch, sich zu verabschieden. Jane Zhang ist eine Regisseurin und Drehbuchautorin aus Macau, China, mit einem Abschluss in Psychologie von der University of South Florida. Sie konzentriert sich auf die Dokumentation des Lebens und der Probleme von Frauen und Menschen aus marginalisierten Gruppen. Derzeit absolviert sie ihren Master of Arts in Filmregie an der University of Southern California. Bai Lu, a 12-year-old girl in a small village in China, is forbidden to attend her beloved grandmother’s funeral as she is experiencing her first period. Bai Lu does not understand why her menstruation is considered ‘ritually unclean’. She tries to bid farewell to her grandmother in one final journey to pay homage. Jane Zhang is a director and screenwriter from Macau, China, with a degree in psychology from the University of South Florida. She focuses on documenting the lives and struggles of women and people from marginalised communities. She is currently pursuing her Master of Arts in Film Directing at the University of Southern California. Hide, Seek (2021), Wuni River (2018)

Schnitt Editor Husain Amer Produktion Production Irene Gau, Luke Hwong Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jane Zhang China janezwork54@gmail.com

184

Peru 2021 9'28" Farbe Colour Spanisch mit deutschen Untertiteln (HG) Spanish with German subtitles (SDH) Regie Director Gonzalo Lugon Buch Script Gonzalo Lugon

4./6. Mai 8:30 Uhr 4/6 May 8:30 am Gloria 7. Mai 15:30 Uhr 7 May 3:30 pm Sunset 9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Star

SilencioVozRuido ist ein Dokumentarfilm, der mithilfe von Fotografien, Objekten und Dokumenten aus dem Familienarchiv über die Erfahrungen des Regisseurs mit dem PierreRobin-Syndrom in seinen ersten Lebensjahren berichtet. Der Film ist eine intime, persönliche Reise zur Neuinterpretation der im Gedächtnis verankerten Bilder. Eine Reise in die Vergangenheit, um die Gegenwart zu verstehen. Gonzalo Lugon wurde 1981 in Lima geboren und lebt dort als Filmemacher. Seine Kurzfilme und Dokumentarserien wurden mit Preisen ausgezeichnet. Derzeit arbeitet er an seinem Dokumentarfilm Cómo Suceder en Silencio. SilenceVoiceNoise is a documentary that tells, through photographs, objects and documents from the family archive, the experience of the director during the first years of his life with Pierre Robin syndrome. The documentary is an intimate, personal journey of reinterpretation of the images anchored in the memory. A journey to the past to understand the present. Gonzalo Lugon, born in Lima in 1981, is a filmmaker from Lima, Peru. His short films and documentary series have won awards. He is currently working on his documentary film Cómo Suceder en Silencio. La Lista (2010), El Barbero (2010), La Espalda (2009)

Ton Sound Gonzalo Lugon Schnitt Editor Gonzalo Lugon Produktion Production Berenice Adrianzen Internationale Festivalpremiere International festival premiere Camino Films Berenice Adrianzen Peru alejandro.smallr@gmail.com

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Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 12+ Programme 12+

SilencioVozRuido SilenceVoiceNoise

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 12+ Programme 12+

Titan

4./6. Mai 8:30 Uhr 4/6 May 8:30 am Gloria 7. Mai 15:30 Uhr 7 May 3:30 pm Sunset 9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Star

Regie Director Valéry Carnoy

Nathan ist ein sturer 13-jähriger Junge. Angestiftet von seinem neuen Freund Malik bereitet er sich auf ein sonderbares Ritual vor, um Teil einer Jugendclique zu werden. Damit er auf die anderen Kinder stark wirkt, ritzt Nathan ein Kreuz in seine Brust, in der Hoffnung, damit seine Willensstärke zu beweisen. Valery Carnoy ist ein junger belgischer Regisseur und Bildredakteur, der am Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion in Brüssel ausgebildet wurde. Nathan is a stubborn thirteen-year-old boy. Driven by his new friend Malik, he prepares himself for a strange ritual to become a member of a teenage gang. In order to look strong to the other kids, Nathan scariﬁes a cross on his chest, hoping it will prove his willpower. Valéry Carnoy is a young Belgian director and image editor who trained at the National Institute of Performing Arts and Directing in Brussels.

Buch Script Valéry Carnoy

Ma planète (2018), Genêt (2015)

Belgien, Frankreich Belgium, France 2021 18'56" Farbe Colour Französisch mit deutschen Untertiteln (HG) French with German subtitles (SDH)

Kamera Camera Arnaud Guez Ton Sound Pierre-Nicolas Blandin Schnitt Editor Marianna Romano Musik Music Julien Thiverny Tongestaltung Sound design Colin Favre-Bulle Produktion Production Hélicotronc, Punchline Cinéma Hélicotronc Anthony Rey Belgien Belgium info@helicotronc.com helicotronc.com

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USA 2021 12'50" Farbe Colour Englisch mit deutschen Untertiteln (HG) English with with German subtitles (SDH) Regie Director Katherine Propper Buch Script Katherine Propper Kamera Camera Sam Mohney Schnitt Editor Katherine Propper Musik Music Cole McDonnell

4. Mai 11:15 Uhr 4 May 11:15 am Sunset 6. Mai 9:15 Uhr 6 May 9:15 am Sunset 8. Mai 11:00 Uhr 8 May 11:00 am Sunset

Birds ist ein hybrider narrativer Kurzfilm, der Momente aus dem Leben von Teenagern in Austin, Texas, zusammenschneidet. Jede Szene besteht aus einzelnen Vignetten, die realistisch einen Moment in einer Gruppe von Freunden wiedergeben. In ihrer Gesamtheit zeigen diese zusammengeschnittenen Episoden ein größeres Bild davon, was es bedeutet, heute jung zu sein. Katherine Propper ist eine in Austin lebende und in Los Angeles geborene Filmemacherin. Während ihres Studiums der Kunstgeschichte an der Georgetown University entwickelte sie eine Liebe zum visuellen Geschichtenerzählen. Sie erwarb einen Master in Filmproduktion an der University of Texas in Austin. Birds ist ihr Abschlussfilm. Birds is a hybrid narrative short film that intercuts moments in the lives of teenagers in Austin, Texas. Made up of individual vignettes, each scene realistically depicts a moment among groups of friends. Collectively, these intercut moments show a bigger picture about what it means to be young today. Katherine Propper is an Austin-based, Los Angeles-born filmmaker. While studying art history at Georgetown University, she developed a love for visual storytelling. She earned a master’s degree in film production at the University of Texas at Austin. Birds is her graduation film. Street Flame (2019), Pentecost (2018)

Tongestaltung Sound design Glenn Eanes Produktion Production Sophia Loffreda Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Katherine Propper USA katherinepropper@gmail.com katherine-propper.com

187

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 14+ Programme 14+

Birds

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 14+ Programme 14+

Menagerie

USA 2021 4'26" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Jack Gray Animation Jack Gray

4. Mai 11:15 Uhr 4 May 11:15 am Sunset 6. Mai 9:15 Uhr 6 May 9:15 am Sunset 8. Mai 11:00 Uhr 8 May 11:00 am Sunset

Tag für Tag gehen die Bewohner der Menagerie ihren Gewohnheiten nach, gleichmäßig wie ein Uhrwerk. Menagerie ist eine Studie über die täglichen Abläufe und banalen Aufgaben des zeitgenössischen Stadtlebens. Mit seinen Hunderten von wiederkehrenden animierten Figuren untersucht der Film, wie die repetitiven Handlungsabläufe unseres Alltags sich schnell zu einem Kaleidoskop der Abstraktion entwickeln. Jack Gray lebt in Philadelphia. Er schloss sein Studium an der Rhode Island School of Design 2017 mit einem Bachelor of Arts in Animation ab. Sein Ansatz bei der Animation kombiniert traditionelle und experimentelle Techniken mit verspielten Charakteren und Looping-Sequenzen. Day after day, inhabitants of the Menagerie play out their daily lives like clockwork. Menagerie is a study of the daily motions and mundane tasks of contemporary city life. Featuring hundreds of looping animated characters, the film explores how the repetitive actions of our day-to-day lives quickly spiral into an endless kaleidoscope of abstraction. Jack Gray lives in Philadelphia. He graduated with a bachelor of arts in animation from the Rhode Island School of Design in 2017. His approach to animation combines traditional and experimental techniques with playful characters and looping sequences. Navigational Dream (2016)

Tongestaltung Sound design Judy Kim Produktion Production Jack Gray Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Jack Gray USA jackwgray@gmail.com jackwg.com

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Frankreich France 2021 14'28" Farbe Colour Französisch, Russisch mit deutschen Untertiteln (HG) French, Russian with German subtitles (SDH) Regie Director Lauriane Lagarde

4. Mai 11:15 Uhr 4 May 11:15 am Sunset 6. Mai 9:15 Uhr 6 May 9:15 am Sunset 8. Mai 11:00 Uhr 8 May 11:00 am Sunset

Lina und Inès kennen sich nicht. Von Dach zu Dach, über niedrige Mauern und Zäune hinweg beobachten die beiden Teenager sich gegenseitig aus der Ferne, mögen einander und versuchen, sich anzunähern. Aber weil sie nicht gesehen werden wollen, werden sie ständig gestört. Lauriane Lagarde ist ausgebildete Dokumentarfilmerin und hat mehrere Dokumentarfilme für das Fernsehen gedreht. Un corps brûlant ist ihr zweiter fiktionaler Kurzfilm. Lina and Inès don’t know each other. From roof to roof, from low walls to fences, the two teenagers observe each other from a distance, like each other, try to get closer. But because they don’t want to be seen, they are constantly interrupted. Lauriane Lagarde is trained in documentary filmmaking and has made several documentaries for television. A Free Run is her second fictional short film. L‘étincelle (2017), A L‘horizon (2016), A part entière (2015), Madeleine (mon Amérique à moi) (2013)

Buch Script Anne Fromm Kamera Camera Fabio Caldironi Ton Sound Nicolas Cadiou Musik Music Sylvian Texier Produktion Production JABU-JABU Internationale Festivalpremiere International festival premiere JABU-JABU Caroline Moreau Frankreich France contact@jabu-jabu.eu jabu-jabu.eu

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Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 14+ Programme 14+

Un corps brûlant A Free Run

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 14+ Programme 14+

I Am Good at Karate

4. Mai 11:15 Uhr 4 May 11:15 am Sunset 6. Mai 9:15 Uhr 6 May 9:15 am Sunset 8. Mai 11:00 Uhr 8 May 11:00 am Sunset

Buch Script Jess Dadds

I Am Good at Karate folgt einem jungen Teenager mit psychischen Problemen und einer großen Leidenschaft für Karate. Das Kind streift durch eine Wohnsiedlung im Südosten Englands, gefangen in verbalen und physischen Auseinandersetzungen mit einem eingebildeten Dämon aus Fußballtrikots. Jess Dadds ist ein britischer Drehbuchautor, Regisseur und Künstler. In seinen Filmen geht es hauptsächlich um Jugendkultur und soziale Themen, die junge Menschen betreffen, und zwar auf eine Art und Weise, die innerhalb des unabhängigen Kinos progressiv ist. I Am Good at Karate follows a young teenager with mental health issues who is passionate about karate. They wander around a housing estate in South East England, locked in verbal and physical battles with a hallucinatory demon made of football shirts. Jess Dadds is a British screenwriter, director and artist. His films are mainly about youth culture and social issues affecting young people in a way that is progressive within independent cinema.

Kamera Camera Jamie Harding

The Rat King (2016)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 11'13" Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Englisch mit deutschen Untertiteln (HG) English with German subtitles (SDH) Regie Director Jess Dadds

Schnitt Editor Ben Matthews Musik Music Joe Deamer Tongestaltung Sound design Kevin Vanbergen Produktion Production Nina Somers Internationale Festivalpremiere International festival premiere Jess Dadds Vereinigtes Königreich United Kingdom jessdadds@gmail.com jessdadds.com

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Frankreich France 2021 22'31" Farbe Colour Französisch mit deutschen Untertiteln (HG) French with German subtitles (SDH) Regie Director Claudia Lopez Lucia

4. Mai 11:15 Uhr 4 May 11:15 am Sunset 6. Mai 9:15 Uhr 6 May 9:15 am Sunset 8. Mai 11:00 Uhr 8 May 11:00 am Sunset

Drei Rugbyspielerinnen hinterfragen ihre eigenen Vorurteile und die ihres sozialen Umfelds zu weiblichen und männlichen Merkmalen. Während des gesamten Films verfolgen wir ihre Gespräche in der Umkleidekabine und ihre Trainingseinheiten und sehen dabei, welche Kompromisse sie zwischen Anflügen von Koketterie und dreckigen Knien eingehen. Ohne große Reden oder Theorien zeigen sie uns eindeutig eine andere Art, Mädchen zu sein. Claudia Lopez Lucia studierte zunächst Politikwissenschaften und dann audiovisuelle Medien. 2014 machte sie ihren Abschluss als Regieassistentin, 2018 schloss sie ihren Master in Drehbuchschreiben ab und schrieb in der Zwischenzeit ihren ersten abendfüllenden Film. Les Roses et les Bleus ist ihr Debütfilm. Three rugby girls question their own prejudices and those of their social circles towards female and male attributes in our society. All through the film we follow their locker room talks, their sport practice as well as their compromises mixing both coquettish touches and mudded knees. Without any use of speeches or theories, these teenaged girls definitely offer us another way of being girls. Claudia Lopez Lucia first studied political sciences and then audio-visual media. In 2014, she graduated as a miseen-scène assistant. In 2018, she completed her master’s degree in screenwriting, meanwhile writing her first featurelength film. Pink, Black and Blue is her debut film.

Ton Sound Romain Supe Schnitt Editor Alexis Courtois, Sonia Franco Musik Music Julie Roué Produktion Production Haiku films Internationale Festivalpremiere International festival premiere Carmen Leroi Frankreich France festival@haikufilms.fr

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Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 14+ Programme 14+

Les Roses et les Bleus Pink, Black and Blue

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 16+ Programme 16+

A point The Right Time

Frankreich France 2021 20' Farbe Colour Französisch mit deutschen Untertiteln (HG) French with German subtitles (SDH)

4. Mai 10:30 Uhr 4 May 10:30 am Star 6. Mai 8:30 Uhr 6 May 8:30 am Star 7. Mai 17:45 Uhr 7 May 5:45 pm Sunset

Die junge Ana muss eine Entscheidung fällen, zwischen ihrem aktuellen Leben mit ihrer Familie, Freunden und ihrer großen Liebe oder ihrer Zukunft: einem Praktikum, weit weg, in einem Edelrestaurant … Aurélie Marpeaux studierte an der Ecole du Théâtre National de Chaillot in Paris und an der School of Physical Theatre, Jacques LeCoq in London. Sie arbeitete mit Scott William und Nora Habib und schloss sich dann dem Kollektiv Crazy People an, wo sie Theater- und Kurzfilmprojekte vorschlug. Derzeit schreibt sie an ihrem ersten Spielfilm. Young Ana is facing a choice: her current life with family, friends and love or the future: an internship far away, in a palace restaurant… Aurélie Marpeaux studied at the Chaillot Theatre School in Paris and at Jacques LeCoq’s School of Physical Theatre in London. She worked with Scott William and Norah Habib and then joined the Crazy People collective, proposing theatre and short film projects. She is currently writing her first feature film. Arthur (2016), Nage Libre (2016), Pourquoi pas moi (2015)

Regie Director Aurélie Marpeaux Buch Script Aurélie Marpeaux Ton Sound Romain Bossoutrot, Louis Molinas, Yoann Veyrat Schnitt Editor Hélène Raphel Musik Music Laetitia Pansanel-Garric Produktion Production 24 25 Films Deutsche Festivalpremiere German festival premiere 24 25 Films Sébastien Lagoszniak Frankreich France s.lagoszniak@gmail.com

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Schweden Sweden 2021 10'57" Farbe Colour Schwedisch mit deutschen Untertiteln (HG) Swedish with German subtitles (SDH) Regie Director Desirée Mwepu Buch Script Desirée Mwepu Kamera Camera Jean-Luc Mwepu Schnitt Editor Jean-Luc Mwepu, Desirée Mwepu Musik Music Harrison First & Mopiano Tongestaltung Sound design Jean-Luc Mwepu

4. Mai 10:30 Uhr 4 May 10:30 am Star 6. Mai 8:30 Uhr 6 May 8:30 am Star 7. Mai 17:45 Uhr 7 May 5:45 pm Sunset

In En sol i natten folgen wir zwei Gruppen von Mädchen an einem Sommerabend. Derselbe Ort, dieselbe Zeit, zwei völlig verschiedene Welten. Safira befindet sich zwischen diesen Welten und lernt sich selbst im Verhältnis zu den Himmelskörpern kennen, zwischen denen sie hin- und herreist. En sol i natten ist ein Film über Schwesternschaft und übers Dazugehören. Desirée Mwepu gibt im Alter von 16 Jahren ihr Debüt als Regisseurin und Drehbuchautorin. Ihr filmisches Werk ist geprägt von Jugend, Identität und dem Gefühl, zwischen zwei Welten gefangen zu sein. Sie lebt in Schweden, stammt aber ursprünglich aus dem Kongo und arbeitet als Kostümbildnerin in Kurzfilmen, Werbespots und Musikvideoproduktionen. En sol i natten ist ihr Debütfilm. In A Sun in the Night, we follow two girl gangs during a summer evening. Same place, same time, two completely different worlds. Safira finds herself between these two worlds, and gets to know herself in relation to the celestial bodies she travels between. A Sun in the Night is a film about sisterhood and fitting in. Desirée Mwepu makes her debut as a director and screenwriter at the age of 16. Her cinematic work is characterised by youth, identity and the feeling of being caught between two worlds. She lives in Sweden but is originally from Congo and works as a costume designer in short films, commercials and music video productions. A Sun in the Night is her debut film.

Produktion Production Jean-Luc Mwepu Internationale Festivalpremiere International festival premiere Jean-Luc Mwepu Schweden Sweden mwepu1@gmail.com rozarozafilm.com

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Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 16+ Programme 16+

En sol i natten A Sun in the Night

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 16+ Programme 16+

Genetica

Israel 2021 15'23" Farbe Colour Hebräisch mit deutschen Untertiteln (HG) Hebrew with German subtitles (SDH) Regie Director Chen Shahuda Buch Script Chen Shahuda Kamera Camera Mathias Zagoni Ton Sound Avishai Binot Schnitt Editor Rotem Gabay Musik Music Johanna Riethmueller Tongestaltung Sound design Rotem Dror

4. Mai 10:30 Uhr 4 May 10:30 am Star 6. Mai 8:30 Uhr 6 May 8:30 am Star 7. Mai 17:45 Uhr 7 May 5:45 pm Sunset

Das Verhältnis zwischen dem 15-jährigen Hemi und seinem konservativen Vater nimmt eine schlechte Wendung. Für Tanzstunden stiehlt Hemi seinem Vater Geld – und etwas Unbekanntes wird in ihm entfacht. Beim Tanzen trifft er Dani, einen russischen Tänzer, der alle möglichen Gefühle in ihm auslöst. Wird Hemis neues Abenteuer die Beziehung zu seinem Vater beeinträchtigen? Chen Shahuda ist ein Regisseur, Drehbuchautor und vielseitiger Künstler aus Israel. Er kommt aus dem Bereich Performance und Schauspiel und hat einen Master of Arts in Film und Fernsehen von der Universität Tel Aviv und einen Bachelor in Theater- und Kommunikationswissenschaften von der Universität Haifa. The relationship between 15-year-old Hemi and his conservative father is taking a downturn. Hemi steals money from his dad for dancing classes, and something ignites in him. Between classes he meets Dani, a Russian dancer who sparks all kinds of emotions. Will Hemi’s new adventure affect his relationship with his father? Chen Shahuda is a director, screenwriter and diverse artist from Israel. He comes from a performance art and acting background and holds a Master of Arts degree in Film and Television from Tel Aviv University and a bachelor’s degree in Theatre and Communication Studies from University of Haifa. Cold Bath (2019), Welcome Home (2017)

Produktion Production Tel Aviv University (TAU), Tel Aviv University School of Film and Television Festival-Weltpremiere Festival world premiere Asaf Yecheskel Israel asaf@costanza-films.com

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4. Mai 10:30 Uhr 4 May 10:30 am Star 6. Mai 8:30 Uhr 6 May 8:30 am Star 7. Mai 17:45 Uhr 7 May 5:45 pm Sunset

Eine Geschichte, die in einer strahlend blauen Nacht spielt, über ein Mädchen, einen Vogel, die Sonne und eine Reise, die es gar nicht gibt. Song Ye ist Studentin an der Beihang-Universität in Peking mit dem Hauptfach Animation. Ri Chu Yuan Li ist ihr Debütfilm. A story that takes place in a night as bright as a sapphire, containing a girl, a bird, the sun and a journey that does not exist. Song Ye is a student at Beihang University Peking majoring in animation. The Principle of Sunrise is her debut film.

China 2021 4'57" Farbe Colour ohne Text without text Regie Director Song Ye Buch Script Song Ye Ton Sound Hu Yao Schnitt Editor Song Ye Musik Music Hu Yao Animation Song Ye Produktion Production Song Ye Deutsche Festivalpremiere German festival premiere Song Ye China sy479918702@gmail.com

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Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 16+ Programme 16+

Ri Chu Yuan Li The Principle of Sunrise

Jugendfilmwettbewerb Youth Film Competition Programm 16+ Programme 16+

Memoir of a Veering Storm

Griechenland Greece 2022 14'02" Farbe Colour Griechisch mit deutschen Untertiteln (HG) Greek with German subtitles (SDH) Regie Director Sofia Georgovassili Buch Script Sofia Georgovassili Ton Sound Stavros Avramides, Yorgos Kerpelis Schnitt Editor Giorgos Zafeiris Musik Music Jay Glass Dubs

4. Mai 10:30 Uhr 4 May 10:30 am Star 6. Mai 8:30 Uhr 6 May 8:30 am Star 7. Mai 17:45 Uhr 7 May 5:45 pm Sunset

Was passiert mit einem Reh in der Fortpflanzungszeit? Was spürt ein junger Körper während und nach einer Abtreibung? Kann ein Zyklon nur in unserem Unbewussten ausbrechen? Ein Septembermorgen. Kurz vor einem Sturm. Die 15-jährige Anna stiehlt sich heimlich aus der Schule und besucht mithilfe ihres Freundes ein Krankenhaus. Dort wird sie mit einem Ereignis konfrontiert, das sie schlagartig erwachsen werden lässt. Sofia Georgovassili ist eine preisgekrönte Schauspielerin und Filmemacherin und lebt in Athen, Griechenland. Ihr erster Kurzfilm als Regisseurin, Preparation, wurde auf vielen Festivals weltweit gezeigt und gewann zahlreiche Preise. Derzeit befindet sie sich in der Voproduktion zu ihrem ersten Spielfilm Mignon. What happens to roe deer during their reproductive period? What does a young body feel during and after an abortion? Can a cyclone break out only in our unconscious? It is a morning in September. A storm is about to break. Anna, a fifteen-year-old girl sneaks out of school, and with the help of her boyfriend, they visit a hospital. There, she has to face an event that will jolt her into adulthood. Sofia Georgovassili is an award-winning actress and filmmaker based in Athens, Greece. Her first short film as a director, Preparation, was screened at many festivals worldwide and won numerous awards. She is currently in pre-production on her first feature film, Mignon. Cedar Wolf (2019), Proetoimasia (2017)

Tongestaltung Sound design Persefoni Miliou Produktion Production Stelios Contionis, Sofia Georgovassili Flavio Armone Italien Italy lightson@lightsonfilm.org

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5. Mai 11:00 Uhr 5 May 11:00 am Lichtburg 8. Mai 13:15 Uhr 8 May 1:15 pm Sunset The Darkness That You Fear

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 3'56", Farbe colour, Englisch English Regie Director RUFFMERCY, Musik Music The Chemical Brothers, Produktion Production My Accomplice, Label Virgin Vorfreude auf einen ausgelassenen Sommer oder eine Einladung zum Tanz nach langer Abstinenz. Das farbenfrohe Video verbindet Rave-Footage aus den späten 90ern mit handgemalten Super-8-Filmtexturen und gezeichneten Animationen. The anticipation of an exuberant summer or an invitation to a dance after a long abstinence. This colourful video combines rave footage from the late 90s with hand-painted Super 8 film textures and drawn animation.

Is Life Possible?

Deutschland Germany 2021 4'05", Farbe colour, Englisch English Regie Director Mary Ocher, Musik Music Mary Ocher ft. Les Trucs, Produktion Production Mary Ocher Es ist 1997 und zwei junge Männer finden in einer Videohülle von Independence Day eine VHS-Kassette, auf der „2020“ steht … Was könnte darauf nur zu sehen sein? The year is 1997 and two young men find a VHS tape marked ‘2020’ inside of an Independence Day tape box… What could be on it?

Big Deal

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 4'29", Farbe colour, Englisch English Regie Director Saskia Dixie, Musik Music Tiberius b, Produktion Production Object & Animal, Label Zelig Records AUS DEM HAUS, DEN WEG RUNTER, RÜBER ZU DEN STEINEN, NACH OBEN AM HIMMEL VORBEI, INS GRÜNE, DURCH DEN SCHLAMM, INS WASSER und dann nach Hause … OUT THE HOUSE, DOWN THE LANE, ACROSS TO THE STONES, UP PAST THE SKY, INTO THE GREEN, THROUGH THE MUD, INTO THE WATER, over to home….

Drake ist auch nicht glücklich Drake Is Not Happy Either

Deutschland Germany 2021 5'51", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Fitore Muzaqi, Musik Music CONNY „Wenn Drake nicht glücklich ist, sehe ich schwarz. Der Kapitalismus hat versagt.“ Drake hat einfach alles: heiße Frauen, große Häuser, Schmuck. Aber ist er wirklich glücklich damit? Ein buntes Musikvideo über die dunkle Seite des vermeintlich grenzenlosen Reichtums. ‘If Drake is not happy, then I see black. Capitalism has failed.’ Drake can have it all: hot women, fast cars, big houses, jewellery. But is he really happy with it? A colourful music video about the dark side of supposedly unlimited wealth.

Magpie

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 3'34", Farbe colour, Englisch English Regie Director Milo Blake, Musik Music Lava La Rue, Produktion Production Jordi Estape, Label Marathon Artists Die 22-jährige Londonerin Lava La Rue begibt sich auf eine Zeitreise durch die musikalische Subkultur in der Londoner U-Bahn. The 22-year-old Londoner Lava La Rue time-travels through the musical subculture in the city’s Underground.

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MuVi 14+

5. Mai 11:00 Uhr 5 May 11:00 am Lichtburg 8. Mai 13:15 Uhr 8 May 1:15 pm Sunset Racked

Estland Estonia 2021 3'37", Farbe colour, Englisch English Regie Director Anna Himma, Musik Music Tommy Cash, Produktion Production Allfilm Über ein Jahr lang entstanden diverse Treatments, bevor eines Tages diese schräge mittelalterliche Vision ans Licht trat. Ein humorvolles wie absurdes Spiel mit Mythologien, Religion und Esoterik. For over a year, various treatments were created before, one day, this offbeat medieval vision emerged. A humorous, absurd, playful take on mythologies, religion and esotericism.

When in Summer, I Forget About the Winter

USA, Südkorea USA, South Korea 2021 3'21", Farbe colour, Englisch English Regie Director Yaeji, Musik Music Yaeji, Produktion Production Yaeji, Label XL Recordings Der Clip führt den Zuschauer durch eine Collage von Erinnerungen aus Yaejis persönlicher Dokumentation ihrer Reise während der Entstehung und Veröffentlichung ihres Albums What We Drew. This clip takes the viewer through a collage of memories from Yaeji’s personal documentation of her journey during the creation and publication of her album What We Drew.

StOOpid

Deutschland Germany 2021 2'52", Farbe colour, Englisch English Regie Director Steve Macadams, Musik Music Zouj, Label City Slang Als Sohn einer französisch-marokkanischen Mutter und eines amerikanischen Vaters wuchs Zouj in Paris auf, bevor er mit 14 nach Leipzig zog. Wir betreten die surreale Welt des Künstlers, der über Effektivitätszwang und den mangelnden Raum für Fehler klagt. Zouj grew up in Paris as the son of a French-Moroccan mother and American father before moving to Leipzig at 14. We enter the surreal world of the artist as he laments the pressure to be effective and the lack of space for errors.

Vampire

USA 2021 2'30", Farbe colour, Englisch English Regie Director Oliver Boothe, Musik Music Payday ft. Danny Brown, Produktion Production Tinus Seaux, Label COR/TAN Records Die 17-jährige amerikanische Musikerin Payday nimmt kein Blatt vor den Mund. Das Video wurde an Halloween veröffentlicht, Payday und Danny Brown verwandeln sich in Vampire und ziehen durch die Provinz. The 17-year-old American musician Payday doesn’t mince matters. The video was brought out at Halloween; Payday and Danny Brown turn into vampires and travel through the countryside.

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Let’s Sing Let’s Dance

USA 2021 3'48", Farbe colour, Englisch English Regie Director Kevin Lombardo, Musik Music Park Hye Jin, Produktion Production LFR, Label Ninja Tune Das nächtliche Treiben der Millionenmetropole Los Angeles und insbesondere die Sehnsüchte unseres im Kiosk arbeitenden Helden stehen im Mittelpunkt des Videos. This video focuses on the nocturnal goings-on in the huge city of L.A. and particularly on the yearnings of our hero, who works in a kiosk.

Count On Me

USA 2021 3'33", Farbe colour, Englisch English Regie Director Dan Streit, Kevin Abstract, Musik Music Brockhampton, Produktion Production Happy Place, Label RCA, Question Everything Lil Nas X und Dominic Fike machen einen sonnigen Ausflug in den Wald, der plötzlich eine bedrohliche Wendung nimmt. Doch sie finden Trost in den Armen des jeweils anderen. Lil Nas X and Dominic Fike go on a sunny excursion to the woods that suddenly takes a threatening turn. But they find comfort in each other’s arms.

How Many

Deutschland Germany 2021 2'55", Farbe colour, Englisch English Regie Director Bianca Scali, Musik Music Mathieu B oogaerts, Produktion Production Filmakademie Baden-Württemberg Mathieu wird von vielen Fragen nahezu erdrückt, was sich negativ auf seinen Zustand auswirkt. Als er jedoch seiner Traurigkeit nachgibt, werden aus den Regentropfen Tränen und aus den Tränen Regentropfen. Er wird eins mit seiner Traurigkeit. Es ist für ihn an der Zeit zu tanzen und die Tränen begleiten ihn. Mathieu is weighed down by many questions which put him in a heavy state. But as he gives in to his sadness, the rain becomes tears and his tears become rain. He becomes one with his sadness. It’s his time to dance, and the tears accompany him.

Long Legged Larry

USA 2021 3'20", Farbe colour, Englisch English Regie Director Rob Shaw, Musik Music Aesop Rock, Label Rhymesayers Entertainment Der langbeinige Larry, ein bärtiger, liebenswerter Frosch, hüpft von Ort zu Ort, um bei allen Problemen zu helfen. Long-legged Larry, a bearded, amiable frog, hops from place to place to help with any problem.

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MuVi 14+

5. Mai 11:00 Uhr 5 May 11:00 am Lichtburg 8. Mai 13:15 Uhr 8 May 1:15 pm Sunset

MuVi 14+

5. Mai 11:00 Uhr 5 May 11:00 am Lichtburg 8. Mai 13:15 Uhr 8 May 1:15 pm Sunset Got to move

Deutschland Germany 2021 3'10", Farbe colour, Englisch English Regie Director Oltscho, Musik Music Oltscho, Produktion Production Oltscho Ein Mann am Fließband einer Sushibar. Die Annehmlichkeiten unserer Konsumwelt ziehen vorbei. Aber der schöne Schein wird auf einmal getrübt. Die verstörende Ungerechtigkeit, die mit unserem Konsumverhalten verknüpft ist, drängt sich ins Bild und fordert sein und unser Gewissen heraus. A man in front of the assembly line of a sushi bar. The comforts of our consumer world passing by. But the beautiful glow is suddenly clouded. The disturbing injustice that is linked to our consumer behaviour pushes itself into the picture and challenges his conscience and ours.

Colors and Shapes

USA 2021 4'20", Farbe colour, Englisch English Regie Director Sam Mason, Musik Music Mac Miller, Produktion Production Hornet, Label Warner Records Wir begleiten Mac Millers Hund bei einer Reise in sein Unterbewusstsein. Der Film ist das Porträt einer Traumwelt mit abstrakter und gleichzeitig realistischer CG-Animation, flüchtigen Übergängen und einer aufrichtigen, herzlichen Geschichte. Following Mac Miller’s dog Ralphie as he embarks on a quest into unconsciousness, the film is a dreamscape portrait with abstract yet realistic CG animation, ethereal transitions, and a genuine, heartfelt story.

200

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Walzenlager

Der Kinder- und Jugendfilmwettbewerb wurde 1978 in Oberhausen etabliert. Er eröffnet nicht nur jungen Zuschauerinnen und Zuschauern ungewohnte Perspektiven auf die Welt. Seit mehr als 20 Jahren werden auch Kinder- und Jugendfilme für den Verleih des Festivals erworben. In diesem Programm werden acht Arbeiten präsentiert, die aktuell im Verleih zur Verfügung stehen. Alle Filme kommen ohne Sprache aus. The Children’s and Youth Film Competition in Oberhausen was established in 1978. It opens up unfamiliar perspectives on the world, and not just for young viewers. For more than 20 years, children’s and youth films have also been acquired by the festival’s distribution service. This programme presents eight works that are currently available for distribution. All films work without language.

Kiki la plume Kiki the Feather

Frankreich France 2020 6', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Julie Rembauville, Nicolas Bianco-Levrin Der Kanarienvogel Kiki kennt nur seinen Käfig und die alte Dame, die ihn füttert. Er träumt davon, draußen mit den anderen Vögeln zu fliegen. Als die Tür des Käfigs eines Tages offen steht, entwischt er und entdeckt die große weite Welt, in der man fliegen können muss. Ein freier Vogel zu sein, ist ganz schön beängstigend. Kiki the canary only knows his cage and the old lady who feeds him. He dreams of flying with the free birds from outside. When at last the door of the cage stays open, he escapes and discovers the big outside world where it’s necessary to know how to fly. Finally, being a free bird, it’s scary.

Fisketur Out Fishing

Schweden Sweden 2018 9', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Uzi Geffenblad Betty ist hungrig und allein und fischt nur Müll aus dem Fluss. Dann hat sie einen Geistesblitz und findet eine originelle Lösung. Doch der Weg zum Erfolg ist mit Fallen gespickt. Betty is hungry and lonely and fishing in the river gives only scrap. In a moment of illumination Betty finds a creative solution. But the road to success is lined with traps.

Ma Mama (Toto Bona Lokua)

Frankreich France 2017 4', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Katy Wang Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische Freunde. Two lovers explore a patterned jungle world and meet some animal friends along the way.

201

Kinderfilme im Verleih des Festivals Children’s Films in the Festival Distribution

6. Mai 20:00 Uhr 6 May 8:00 pm Walzenlager

Hoppe Jump

Norwegen Norway 2008 1'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Yngvild Sve Flikke Hüpf mit! Join the jumping!

Donkey

Irland Ireland 2009 5'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Louise Bagnall Donkey ist seinen schlecht bezahlten Job am Strand leid. Donkey is tired of his miminum wage job at the beach.

Anna Lovenstein

Frankreich France 2008 8'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Pauline Bureau Ein achtjähriges Mädchen. Eine Abfolge von Ritualen. Eine eigene Welt. Ein Junge beobachtet sie. An eight-year-old little girl. A succession of rituals. A world of its own. A boy is watching her.

Plody mraků The Fruits of Clouds

Tschechien Czech Republic 2017 10'20", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Kateřina Karhánková Die Geschichte eines kleinen Pelztiers, das eine große Entdeckung macht, als es seine Angst vor dem Unbekannten überwindet. The Story of a little Furry, who will make a great discovery by overcoming the fear of the unknown.

Foul

Norwegen Norway 2014 6', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Rune Denstad Langlo Ein Kind zu sein ist manchmal ganz schön hart. Besonders wenn man nicht zur Clique gehört. Eine humorvolle und melancholische Odyssee durch den Alltag. It can be tough to be a kid. Especially if you‘re not part of the gang. A humorous and melancholy everyday odyssey.

202

6. Mai 14:45 Uhr 6 May 2:45 pm Star

Christopher Gorski und Oliver Bassemir sind in Hamburg ansässige Filmemacher und Vorsitzende der Analogfilmwerke e. V., einem gemeindebasierten Filmlabor, das sich auf photochemische Filmworkshops spezialisiert hat. Von ihnen angeleitet hat im Vorfeld des Festivals ein dreitägiger Workshop mit Schüler*innen der Gesamtschule Osterfeld Oberhausen stattgefunden. Der Workshop kulminiert in der Präsentation der Resultate in einer Expanded Cinema Performance mit mehreren Projektoren. Die Super-8- und 16-mmFilme werden zeitgleich mit 35-mm-Dias projiziert und (potenziell) von einer Live-Sound Performance begleitet. Die Schüler*innen haben die Bilder während der Projektion durch das Bewegen von Objekten vor dem Objektiv, wie zum Beispiel farbige Filter, oder durch die Bewegung der Projektoren selbst, zusätzlich manipuliert. Christopher Gorski and Oliver Bassemir are Hamburg-based filmmakers and chairpersons of Analogfilmwerke e. V., a community-based film lab that specialises in photochemical film workshops. They led a three-day workshop with students from the Gesamtschule Osterfeld Oberhausen in the run-up to the festival. The workshop culminated in the presentation of the results in an Expanded Cinema Performance with several projectors. The Super 8 and 16mm films are projected simultaneously with 35mm slides and (potentially) accompanied by a live sound performance. The students additionally manipulated the images during projection by moving objects in front of the lens, such as coloured filters, or by moving the projectors themselves.

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Labs for Kids

Das lebendige Bild The living picture

Thema 16+ Theme 16+

Reibungsflächen Sources of friction

7. Mai 20:15 Uhr 7 May 8:15 pm Sunset

Es läuft selten so wie es sollte, und das ist gut. Veränderung beginnt, wenn die Umgebung, etwa aus der Perspektive einer Heranwachsenden, zu eng, verbohrt, verständnislos, zu feindlich gestimmt scheint. Ein fertiges Script gibt es dafür nicht, weder in London, Berlin oder Dakar. Aber verschiedene Möglichkeiten, etwas auszuprobieren. Things rarely work out the way they should, and that’s a good thing. Change begins when the environment, from the perspective of an adolescent for example, seems too narrow, stubborn, uncomprehending, too hostile. There is no ready-made script for this, neither in London, Berlin nor Dakar. But there are various possibilities to try something out.

Polyglot

Es begann mit der einfachen Idee, Kurzfilme zu drehen, und daraus wurde dann eine ganze Serie über ein Gefühl, das vielleicht viele Menschen haben, das aber nur selten auf der Leinwand gezeigt wird. Etwa dass Immigranten im europäischen Kontext dargestellt werden, wie sie versuchen, schlicht und ergreifend mit ihrem Leben zurechtzukommen. — Amelia Umuhire At the core of it, the simple idea was to make short films, and then these became a whole series, about a feeling that a lot of people might have and yet, one that is rarely depicted on screen. It’s rare to encounter depictions of immigrants in a European context where they just get on with their lives. — Amelia Umuhire

Le mal du pays Homesickness

Deutschland Germany 2015 10', Farbe colour, Französisch, Englisch mit englischen Untertiteln French, English with English subtitles Regie Director Amelia Umuhire

My Own

Deutschland Germany 2015 14', Farbe colour, Englisch English Regie Director Amelia Umuhire

Das Bewerbungsgespräch The Interview Deutschland Germany 2015 5', Farbe colour, Englisch English Regie Director Amelia Umuhire

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Walabok, Episode 1

Senegal 2021 26', Farbe colour, Wolof, Französisch mit englischen Untertiteln Wolof, French with English subtitles Regie Director Fatou Kandé Senghor Die 18-jährige Mossane ist das vierte von sieben Kindern einer einfachen Familie in einem Vorort von Dakar. Die Mutter betreibt einen kleinen Laden, um ihre Familie zu ernähren. Mossane ist eine brillante und kreative Schülerin und ein Fan von Hip-Hop und Tanz. Sie muss ihre Leidenschaft vor ihrer Mutter verbergen, die eine künstlerische Laufbahn nicht für erfolgreich hält. 18-year-old Mossane is the fourth child of seven in a modest family in the suburbs of Dakar. The mother runs a small shop to feed her family. Mossane is a brilliant and creative student and fan of Hip Hop and dance. She has to hide her passion from her mother, who does not consider an artistic career to be a successful outcome.

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Thema 16+ Theme 16+

7. Mai 20:15 Uhr 7 May 8:15 pm Sunset

The One Minutes Jr

Ukraine

46 × 1', Farbe colour, Englisch, Ukrainisch English, Ukrainian

8.Mai 14:00 Uhr 8 May 2:00 pm Walzenlager

In den Jahren 2016 und 2017 reiste The One Minutes Jr mehrmals in die Ukraine, um mit jungen Menschen Workshops über ihr Leben, den Krieg und ihre Träume durchzuführen. In 2016 and 2017, The One Minutes Jr went to Ukraine multiples times for workshops with young people on their lives, the war and their dreams. Mariupol Challenge Ukraine 2017 Regie Director Yekaterina Masalskaya Meloncholy Ukraine 2017 Regie Director Andrey Gruzdev A boy needs a father Ukraine 2017 Regie Director Vadym Strong family bond Ukraine 2017 Regie Director Sofia Devotchenkova

Dance Dance Dance Ukraine 2017 Regie Director Anna Kolesnyk Spinning around Ukraine 2017 Regie Director Danil Potapov End of the road Ukraine 2017 Regie Director Kristina Tolmacheva Suicide is not a solution Ukraine 2017 Regie Director Mikhail Perekhrest

You’re in my heart Ukraine 2017 Regie Director Marina Postolati

Mangush Ukraine 2017 Regie Director Viktoriya Shchelkunova

Fifteen Hugs Ukraine 2017 Regie Director Katia Tsap

Motherland Ukraine 2016 Regie Director Oleksandr

A quiet day in Avdiivka Ukraine 2017 Regie Director Denis Levchenko

Confession Ukraine 2016 Regie Director Volodymyr

Sounds of Avdiivka Ukraine 2017 Regie Director Dina Nadel

Ever Ukraine 2016 Regie Director Artyr

Molodyozhnaya Ukraine 2017 Regie Director Dina Nadel

Can you live in fear Ukraine 2017 Regie Director Viacheslav

Koksokhim Ukraine 2017 Regie Director Denis and Adrej

What do you think? Ukraine 2017 Regie Director Alexandra Kulichenko

Solo Dance Ukraine 2017 Regie Director Dasha Starikova

Black & White news Ukraine 2017 Regie Director Daniil Buli

Class from the future Ukraine 2017 Regie Director Bibikova Anastasia

The Old Bus Ukraine 2017 Regie Director Bogdan Yali

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Life is dearer Ukraine 2017 Regie Director Veronika Shaposhnikova Tight Lines! Ukraine 2017 Regie Director Aleksandr Tsukor Bakhmut Ukraine 2017 Regie Director Alena Solyanik Animal farm Ukraine 2017 Regie Director Alexander Kurilenko The future is before me Ukraine 2017 Regie Director Anna Lusenkova Comic Walls Ukraine 2017 Regie Director Mariya Tseluh Slavic Heart Ukraine 2017 Regie Director Lilia Migutsa Future for robots Ukraine 2017 Regie Director Ivan Kuraksin My Dream Ukraine 2017 Regie Director Ulyana Chernikh Debt Ukraine 2016 Regie Director Rostyslav What is a lie? Ukraine 2017 Regie Director Vadim Ergard

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The Grey Mass Ukraine 2017 Regie Director Vyacheslav Potsko Source of life Ukraine 2017 Regie Director Nastya Starchenko Beauty standards Ukraine 2017 Regie Director Maruschenko Valeria Masks of indifference Ukraine 2017 Regie Director Dasha Shmulich Torn Apart Ukraine 2017 Regie Director Ivan Gorb On opposite sides Ukraine 2017 Regie Director Yana Muntyan Far Away Ukraine 2017 Regie Director Nikita Novgorodse Around the corner Ukraine 2017 Regie Director Danilo Savkevich Scars of war Ukraine 2017 Regie Director Anastasia Fesenko Passion Ukraine 2017 Regie Director Daniil Buzevskyu Wings of an Angel Ukraine 2017 Regie Director Valeria Gukezheva

The One Minutes Jr

8.Mai 14:00 Uhr 8 May 2:00 pm Walzenlager

MuVi

MuVi-Preis MuVi Award

1000 Thomas

Deutschland Germany 2021 4'12" Farbe Colour Deutsch German Regie Director Mare Hakamushi, Rolf Blumig Schnitt Editor Mare Hakamushi, Rolf Blumig Musik Music Rolf Blumig Animation Mare Hakamushi Produktion Production Mare Hakamushi Label Staatsakt Festival-Weltpremiere Festival world premiere Mare Hakamushi Deutschland Germany marehakamushi@gmail.com

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Pünktlich zum Comeback von Thomas Gottschalks Show Wetten, dass..? erschien der Agit-Schlager 1000 Thomas von Rolf Blumig. Ein Song, der einen gewissen Unmut, womöglich Ekel angesichts des Über-Talkmasters vermuten lassen könnte. Das Video nimmt uns mit in die digitale Glitch- und Montagewelt von Mare Hakamushi. Aus Gottschalk, heute ja vor allem bekannt als penetranter Besserwisser bei Bild.TV, macht er einen blonden, superdeutschen, sich ewig fortpflanzenden Monstermutanten, den unbesiegbaren und ewigen Endboss der alten BRD. Mare Hakamushi wurde 1986 in Tokio geboren und lebt in Leipzig. Er kam 2011 nach Deutschland und studiert seit 2013 Malerei an der Kunsthochschule Berlin Weißensee und an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Er ist Teil des sozio-experimentellen TV-Studios Hitness Club in Leipzig und produziert und organisiert dort Filme, Livestreams und Veranstaltungen. 1000 Thomas ist sein erster Film. Rolf Blumig ist Musiker. Er lebt und arbeitet in Leipzig. The agit-pop song 1000 Thomas by Rolf Blumig came out just in time for the comeback of Thomas Gottschalk’s show Wetten Dass..? A song that could suggest a certain annoyance or perhaps disgust at this talk show host supreme. The video takes us into Mare Hakamushi’s digital world of glitches and montage. He turns Gottschalk, currently known best as a pushy know-it-all on Bild.TV, into a blonde, super-German monster mutant that is always breeding, the invincible and eternal final boss of old West Germany. Mare Hakamushi was born in Tokyo in 1986 and lives in Leipzig. He came to Germany in 2011 and has been studying fine arts / painting at the Weißensee Academy of Art Berlin and the Academy of Visual Arts Leipzig since 2013. He is part of the socio-experimental TV studio Hitness Club in Leipzig, where he produces and organises films, livestreams and events. 1000 Thomas is his first film. Rolf Blumig is a musician. He lives and works in Leipzig. 210

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

2021 war mein Leben chaotisch, absurd und verwirrend. Ich war gezwungen, viel mehr Zeit vor dem Bildschirm zu verbringen. Ich schieße in Spielen und im Internet und rekonstruiere diese ungewohnten und gleichzeitig realistischer werdenden Bilder. motong Huang wurde 1989 in Mianyang, China, geboren. Seit 2018 studiert er an der Akademie der Bildenden Künste München. Das Chaos ist sein erster Film. In 2021, my life was chaotic, absurd and flustered. I was forced to spend more time facing the screen. I shoot in games and on the internet, and reconstruct these unfamiliar but increasingly real images. motong Huang was born in 1989 in Mianyang, China. He has been studying at the Academy of Fine Arts Munich since 2018. Chaos is his first film.

Deutschland Germany 2021 2'40" Farbe Colour ohne Text without text Von By motong Huang Produktion Production motong Huang Festival-Weltpremiere Festival world premiere motong Huang Deutschland Germany motongh@gmail.com

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MuVi-Preis MuVi Award

Das Chaos Chaos

MuVi-Preis MuVi Award

Disappoint Me

Deutschland Germany 2022 3'44" Schwarzweiß Black-and-white Englisch English Regie Director Chris Imler, Alexander Gheorghiu, Markus S Fiedler Kamera Camera Alexander Gheorghiu Schnitt Editor Markus S Fiedler Musik Music Chris Imler Produktion Production Chris Imler

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Wie hypnotisiert tanzt Chris Imler gegen das Erwachen aus der Ambivalenz. Durch immer exzessivere Bewegungen wird der Tanz zu einer Beschwörung gegen den Zwang der Entscheidung und für die Pluralität der Optionen. Als Schutzzauber dient die Melodie: „… for emergencies I got this melody from a hypnotist …“. Chris Imler ist Schlagzeuger, Sänger, Texter und Komponist. Neben seiner Arbeit als Solokünstler arbeitet(e) er unter anderem mit Golden Showers, Peaches, Puppetmastaz, Patric Catani, Oum Shatt, Die Türen und Jens Friebe. Alexander Gheorghiu ist Kameramann und Fotograf. Für sein Mitwirken an Marie Wilkes Höllental erhielt er 2021 den Deutschen Fernsehpreis für Beste Kamera in der Sektion „Dokumentarische Serie“. Markus S Fiedler ist bildender Künstler und Kopfstandspezialist. As if hypnotised, Chris Imler dances against the awakening from ambivalence. Increasingly excessive movements turn the dance into an incantation against the pressure to decide and for the plurality of options. The melody ‘…for emergencies I got this melody from a hypnotist…’ serves as a protective spell. Chris Imler is a drummer, singer, lyricist and composer. In addition to his work as a solo artist, he works with Golden Showers, Peaches, Puppetmastaz, Patric Catani, Oum Shatt, die Türen and Jens Friebe. Alexander Gheorghiu is a cinematographer and photographer. For his work on Marie Wilke’s Höllental, he received the German Television Award for Best Camera in the documentary series category in 2021. Markus S Fiedler is a visual artist and headstand specialist.

Label Fun In The Church Festival-Weltpremiere Festival world premiere Markus S Fiedler Deutschland Germany m@errorerror.net

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Deutschland Germany 2021 3'21" Farbe Colour Deutsch, Englisch German, English Regie Director Michael Ullrich Kamera Camera DJ Hell, Jonathan Meese Team

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Die erste Single der Kooperation zwischen dem Künstler Jonathan Meese und DJ Hell mit dem Titel Dr. No. Ein collageartiges Video, das aus Behind-the-Scenes-Material aus dem Studio und anderen Elementen besteht. Michael Ullrich, geboren 1988, ist ein deutscher Künstler, Fotograf und Musiker, der sich durch eine sehr intime und direkte Sichtweise ausdrückt. Er studierte Fotografie an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg als Meisterschüler von Juergen Teller, wo er 2019 auch sein Diplom in Grafikdesign in der Klasse von Holger Felten und Friederike Girst abschloss. Seine Arbeiten wurden bereits in mehreren Ausstellungen, Magazinen und Institutionen präsentiert. The first single from the collaboration project between artist Jonathan Meese and DJ Hell, entitled Dr No, set to a collage-style video consisting of behind-the-scenes material from the studio and a variety of other elements. Michael Ullrich, born in 1988, is a German artist, photographer and musician who expresses himself through a very intimate and direct point of view. He studied photography at the Academy of Fine Arts Nuremberg as a master student of Juergen Teller, where he also finished his diploma in graphic design in the class of Holger Felten and Friederike Girst in 2019. His work has been presented in several exhibitions, magazines and institutions.

Schnitt Editor Michael Ullrich Musik Music Meese X Hell Produktion Production Michael Ullrich, DJ Hell Label Buback Tonträger GmbH Festival-Weltpremiere Festival world premiere Thorsten Seif Deutschland Germany thorsten@buback.de

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MuVi-Preis MuVi Award

Dr. No

MuVi-Preis MuVi Award

Feel Like Change

Deutschland Germany 2021 5'

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Eine spießige Familie bricht mithilfe von Ritualen und Tänzen aus ihren Zwängen aus und findet dabei neu zusammen. Kim Lêa Sakkal wurde 1994 in Beirut, Libanon, geboren. Studium an der Kunsthochschule für Medien Köln von 2015 bis 2020 mit Schwerpunkt Regie und Drehbuch. Ihr Abschlussfilm Intermezzo feierte Premiere auf dem Filmfestival Max Ophüls Preis. Zurzeit schreibt sie an ihrem ersten langen Spielfilm, gefördert von der Film- und Medienstiftung NRW. A stuffy family breaks free from its clutches through rituals and dances and finds itself together anew. Kim Lêa Sakral was born in 1994 in Beirut, Lebanon. She studied at the Academy of Media Arts Cologne from 2015 to 2020, specialising in directing and screenwriting. Her graduation film Intermezzo premiered at the Filmfestival Max Ophüls Preis. She is currently writing her first feature film, funded by the Film- und Medienstiftung NRW.

Farbe Colour Englisch English Regie Director Kim Lêa Sakkal Kamera Camera Paul Faltz Schnitt Editor Kim Lêa Sakkal Musik Music Wolfgang Pérez Produktion Production Kim Lêa Sakkal Label Fun In The Church Festival-Weltpremiere Festival world premiere Kim Lêa Sakkal Deutschland Germany kimleasakkal@gmail.com

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Deutschland Germany 2021 3'15"

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Das Video untersucht das menschliche Ekelgefühl. Es taucht in Bilder ein, die wir oft meiden, und rekontextualisiert diejenigen, die wir gewöhnlich als angenehm empfinden. So werden ansprechende Bewegtbilder abstoßenden gegenübergestellt, um dem kostenlosen Archivmaterial aus dem Internet neues Leben einzuhauchen. Julia Crescitelli ist in New York geboren und aufgewachsen, wo sie ihre Karriere in der Werbung begann. Ihre Liebe zu Film und Musik führte dazu, dass sie als Regisseurin und Cutterin begann, experimentelle Videokunst mit Musik zu machen. Sie lebt heute in Berlin. The video is an exploration into the human emotion of disgust. It dives into images we often avoid and recontextualises those that usually bring us pleasure, juxtaposing delicious moving images with repulsive ones in order to bring new life to these free stock clips gathered from around the internet. Julia Crescitelli was born and raised in New York City, where she began her career in advertising. Her love of film and music led her to start making experimental video art with music as a director and editor. She now lives in Berlin.

Farbe Colour ohne Text without text Von By Julia Crescitelli Musik Music Lotic Produktion Production Julia Crescitelli Label Balance Club/Culture Festival Festival-Weltpremiere Festival world premiere Julia Crescitelli Deutschland Germany juliacrescitelli@gmail.com juliacrescitelli.com

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MuVi-Preis MuVi Award

Flourish

MuVi-Preis MuVi Award

LA Screen Memories (The Downtown Tunnels)

Deutschland Germany 2022 9'34" Farbe Colour ohne Text without text Von By Jan Jelinek Musik Music Jan Jelinek

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Los Angeles, Stadt der Filmkulissen: LA Screen Memories vereint 19 geloopte Filmszenen, die allesamt im 2nd und 3rd Street Tunnel gedreht worden sind. Deren Tonspuren wurden durch 19 Field Recordings von den Originalschauplätzen ersetzt. Die Klangspektren dieser Aufnahmen aus der „echten“ Welt wurden manipuliert. Das Ergebnis ist eine geisterhafte Akustik, die eine verschwommene Realität widerspiegelt. Jan Jelinek ist Musiker, Hörstück-Autor, Komponist und Remixer. In seinen Arbeiten kommen keine traditionellen Musikinstrumente zum Einsatz – vielmehr werden Collagen aus winzigen Klangpartikeln konstruiert. Er veröffentlicht seit 1998 unter seinem Namen als auch unter diversen Pseudonymen. LA Screen Memories ist sein Filmdebüt. Los Angeles, city of film sets: LA Screen Memories brings together 19 looped film scenes that were all shot in the 2nd and 3rd Street Tunnels. Their soundtracks were replaced by 19 field recordings made at the original location. The sound spectra of these recordings from the ‘real’ world were manipulated. The result is an eerie acoustic that reflects a blurred reality. Jan Jelinek is a musician, radio play author, composer and remixer. He does not use traditional musical instruments in his works – rather, he constructs collages from tiny particles of sound. He has been publishing under his own name as well as under various pseudonyms since 1998. LA Screen Memories is his film debut.

Produktion Production Jan Jelinek Label Jan Jelinek Festival-Weltpremiere Festival world premiere Jan Jelinek Deutschland Germany info@janjelinek.com janjelinek.com

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7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

John und Yoko, versunken in der Welt der Liebenden aller Art. Christine Gensheimer wurde in Frankfurt am Main geboren und studierte Zeichnung und Illustration an der Fachhochschule Bielefeld. Sie lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin und Filmemacherin in ihrer Wahlheimat Bielefeld. John and Yoko deep in the world of lovers of all kinds. Christine Gensheimer was born in Frankfurt am Main and studied drawing and illustration at the Bielefeld University of Applied Sciences. She lives and works as freelance artist and filmmaker in her adopted home of Bielefeld.

Deutschland Germany 2022 5'15" Farbe Colour Englisch English

Filmauswahl Selected works The Source of the Absolute Knowledge (2021, in Oberhausen 2021), Chico Crew I (2020, in Oberhausen 2020), Musterhaus (2018, in Oberhausen 2019), Die Amsel (2014, in Oberhausen 2015), Dying in the Garden (2014, in Oberhausen 2015), Plasticbag (2013), The Old Castle (2012), Tonight Something Was at My Door (2010), Golden Phone (2008), Autokino (2007, in Oberhausen 2007)

Von By Christine Gensheimer Musik Music Lovers of all kinds feat. Jaakko Eino Kalevi Produktion Production Christine Gensheimer Label Mutual Recordings Festival-Weltpremiere Festival world premiere Christine Gensheimer Deutschland Germany gensheimer.christine@gmail.com christinegensheimer.de

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MuVi-Preis MuVi Award

Lovers of all kinds

MuVi-Preis MuVi Award

Neo Biedermeier

Deutschland, USA, Griechenland Germany, USA, Greece 2022 7'31" Farbe Colour ohne Text without text Von By Daniel Brandt Musik Music Paul Frick & Daniel Brandt

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

1995 war ich mit meinen Eltern auf dieser Kreuzfahrt durch die Karibik. Ich erinnere mich vor allem an endlose Büfetts mit Eisskulpturen und daran, dass ich dauernd Softeis aß. Damals dachte niemand an die Auswirkungen von Kreuzfahrtschiffen auf unseren Planeten. Seitdem haben sich ihre Größe und ihre Kapazität verdreifacht. An einem einzigen Tag emittiert ein Kreuzfahrtschiff so viel Feinstaub wie eine Million Autos. Ohne konsequent umgesetzte internationale Gesetze wird sich Kreuzfahrtindustrie möglichen Lösungen weiterhin versperren. Daniel Brandt ist Komponist, Schlagzeuger und audiovisueller Künstler. Er ist Absolvent der Kunsthochschule für Medien Köln mit dem Schwerpunkt Film- und Videokunst. Als Regisseur hat er mehrere Videoarbeiten geschaffen, die auf zahlreichen internationalen Festivals, TV-Sendern und Websites gezeigt wurden und Preise gewonnen haben. 2017 startete er gemeinsam mit Max Dax die Interviewreihe STRRR. Er ist Mitbegründer des Tanzmusiklabels The Gym Records. I attended this Caribbean cruise with my parents in 1995 when I was 9 years old. My main memory is endless buffets with ice sculptures and eating soft ice cream non-stop. Back then not many thought about the impact that cruise ships could make on the planet. They have tripled in size and capacity since. In one day, a single cruise ship can emit as much particulate matter as a million cars. Without strictly enforced international rules, the cruise ship industry will continue to disregard possible solutions. Daniel Brandt is a composer, drummer and audio-visual artist. He is a graduate of the Academy of Media Arts Cologne with a focus on film and video art. As a director, he has created several video works that have been shown at numerous international festivals, TV stations and websites and have won prizes. In 2017, he launched the interview series STRRR together with Max Dax. He is co-founder of the dance music label The Gym Records. Filmauswahl Selected works Masse (2019), Flamingo (2018), Eternal Something (2017), Summerless (Douglas Greed) (2014), Plastic Like Your Mother (Brand Brauer Frick feat. Om‘Mas Keith) (2013), Soapland (2011), Bob (Brandt Brauer Frick) (2009)

Produktion Production Daniel Brandt Label col legno music GmbH Festival-Weltpremiere Festival world premiere Daniel Brandt Deutschland Germany daniel@strrr.tv danielbrandt.de

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Deutschland Germany 2021 4'11" Farbe Colour Deutsch German Regie Director Katharina Duve Kamera Camera Helena Wittmann Schnitt Editor Katharina Duve Musik Music School of Zuversicht

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Josef Beuys forderte 1976 Zeige Deine Wunde und provozierte so das Zurschaustellen des Leids in der Kunst. Für das Video reenacten Freund*innen und Kolleg*innen der Band Body Art Performances und erproben so, wie der menschliche Körper dabei zum künstlerischen Material wird. In einem Spiel aus Zeigen und Verbergen verwischen die Grenzen von Kostüm und Körper und damit auch die Grenzen von Natur und Künstlichkeit, Begehren und Leid, Lebenslust und Verlustangst. Katharina Duve ist eine interdisziplinäre Künstlerin in den Bereichen experimenteller Film, Kostüm und Performance, wobei unwahrscheinliche Identitäten, diverse Körperkonzepte und das Material selbst als Informationsträger thematisiert werden. Seit 2022 lehrt sie an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften Hamburg im Bereich Zeitbezogene Medien. In 1976, Josef Beuys demanded Show Your Wound, thus prompting the flaunting of suffering in art. For this video, friends and colleagues of the band re-enact body art performances, trying out how the human body becomes artistic material in the process. In a game of showing and concealing, the borders between costume and body become blurred, interrogating the boundaries between nature and artificiality, desire and suffering, lust for life and fear of loss. Katharina Duve is an interdisciplinary artist in the fields of experimental film, costume and performance who explores improbable identities, different concepts of the body and the material itself as a carrier of information. Since 2022, she has been teaching at the Hamburg University of Applied Sciences in the field of time-based media.

Produktion Production Katharina Duve Festival-Weltpremiere Festival world premiere Katharina Duve Deutschland Germany katharinaduve@gmx.de

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MuVi-Preis MuVi Award

Nur weil du mir deine Wunden zeigst, bist du noch lange nicht mein Heiland Showing me your wounds doesn’t make you my saviour

MuVi-Preis MuVi Award

Wann hast du das letzte Mal Blumen betrachtet When Was the Last Time You Looked at the Flowers

Deutschland Germany 2022 2'03" Farbe Colour Deutsch German Von By Mariola Brillowska Musik Music Günter Reznicek/Nova Huta Produktion Production Mariola Brillowska

7. Mai 22:15 Uhr 7 May 10:15 pm Lichtburg

Wann hast du das letzte Mal Blumen betrachtet | Wann hast du in Ruhe deiner Katze zugeschaut | Wie sie hinter der rotgrün karierten Decke | Aus Miami verschwindet | Wann hast du an die Partys in Miami Beach gedacht | An das Kadaver des Babyhaies | Das du nach dem Schwimmen in der Morgendämmerung | Am Strand liegen sahst | Wann hast du an die betrügerische Galeristin gedacht | Die von dir nichts wissen wollte Mariola Brillowska wuchs im noch kommunistischen Polen auf. Mit 20 Jahren ging sie nach Hamburg, wo sie Freie Kunst studierte. Ihre Handschrift als anarchistische F ilm-, Theater- und Hörspielregisseurin, Performancekünstlerin und Autorin vermittelt sie auch als Professorin an Kunstund Filmhochschulen. When did you last look at flowers | When did you watch your cat in peace | As it disappears behind the red and green chequered ceiling | From Miami | When did you think of the parties in Beach Miami | Of the carcass of the baby shark | That you saw lying on the beach after the swim at dawn | When did you think of the cheating gallery owner | Who didn’t want to know about you | Mariola Brillowska grew up in still-communist Poland. At 20, she went to Hamburg, where she studied art. She also brings her unique perspective as an anarchist film, theatre and radio drama director, performance artist and writer to her work as a professor at art and film schools. Filmauswahl (alle in Oberhausen) Selected works (all in Oberhausen) Ego Mein Alter (Nova Huta) (2015), Ich habe Angst (2010), H.O.N.D. Aerobic (2007), The Lady Moon Turns Sulky (2006), Schwarze Hand (2006), Matki Wandalki (2005), Alle Welt ist Angst (2003), Morgenröte (1999)

Festival-Weltpremiere Festival world premiere Mariola Brillowska Deutschland Germany mariola@mariolabrillowska.com mariolabrillowska.con

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MuVi International

Musikvideos in Krisenzeiten Music videos in times of crisis

Die berühmte letzte Rede, die David Foster Wallace 2005 vor dem Abschlussjahrgang des Kenyon College gehalten hat, beginnt mit einer Parabel: Zwei junge Fische schwimmen ihres Weges, aus der Gegenrichtung erreicht sie ein älterer Fisch, er grüßt und fragt: „Guten Morgen! Wie ist das Wasser heute?“ Als der ältere Fisch vorbei ist, blicken sich die jüngeren Fische ahnungslos an: „Wasser? Was zum Teufel ist Wasser?“ Die Lehre daraus: Das Alltäglichste und Offensichtlichste, das, was einen scheinbar bedingungslos umgibt, lässt sich nur schwer erkennen. Es entzieht sich der Aufmerksamkeit so lange, bis es tiefgreifend gestört wird oder sogar ganz verschwindet. Die letzten Jahre sind von dicht aufeinanderfolgenden Krisen geprägt gewesen. Die Geflüchtetenkrise seit 2015, die Corona-Pandemie und jüngst der zerstörerische Krieg in der Ukraine. Diese Ereignisse haben erschüttert, was für lange Zeit selbstverständlich erschien: Zwischenmenschlichkeit, Frieden, die Freuden des Alltags. Und sie haben infrage gestellt, was bislang unhinterfragte Gültigkeit besaß: Vorstellungen von Freiheit, Gerechtigkeit und Solidarität. Davon bleiben auch Musikvideos nicht unbeeinflusst. Das Musikvideo ist ein hybrides Medienformat. Es ist nicht nur „bebilderte Musik“, und ebensowenig ein „bloßer“ Kurzfilm. Was bei der Entstehung des Musikfernsehens in den 1980er Jahren noch als „ Raubbau an nahezu allen bisherigen visuellen Produktionsformen“ angesehen wurde, wird mittlerweile gerade für seine genrespezifische Einzigartigkeit geschätzt, die es ermöglicht, zwischen unterschiedlichen Gattungen und Formen zu oszillieren. Es ist gewiss nicht übertrieben, zu behaupten, dass es eine Königsdisziplin der Musikvideoproduktion ist, solche Hybridstrukturen subtil mitzudenken und durch Verweise auf benachbarte Disziplinen wie der Kunst oder den Film oder auf die eigene Geschichte zu thematisieren. Eine Königsdisziplin, von der sich auch aktuelle Musikvideos nicht abwenden, verleiht sie dem Genre doch besondere Fähigkeiten und Freiheiten. Scheinbar Eindeutiges kann in seiner Widersprüchlichkeit gezeigt, Stabilität ins Wanken gebracht werden, Kritik ist ohne Anklage möglich. Die ganze Breite möglicher Umgangsformen mit krisenhaften Erfahrungen kann ausgeschöpft werden: von der Begreifbarmachung individueller Ein- und Umbrüche, über die Infragestellung von gesellschaftlichen oder politischen Debatten bis zum Entwurf einer Gegenwelt. Aber nicht nur auf Ebene der Produktion haben die krisenhaften Erfahrungen der letzten Jahre Einfluss auf Musikvideos genommen. Sondern das gilt auch für dessen Betrachtung.

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The famous last speech that David Foster Wallace gave in 2005 to the graduating class at Kenyon College starts with a parable: Two young fish are swimming along. An older fish comes up to them from the other direction, greets them and says: ‘Morning, boys! How’s the water?’ When the older fish has gone on by, the younger fish look at each other in bewilderment: ‘Water? What the hell is water?’ What is the moral of the story? That the most everyday and obvious things, the things that surround us with seeming unconditionality, are difficult to perceive. They escape our awareness until they are profoundly disturbed or even disappear entirely. The past few years have been overshadowed by a series of back-to-back calamities: the refugee crisis since 2015, the coronavirus pandemic and, most recently, the devastating war in Ukraine. These events have unsettled things that for a long time seemed normal and natural: interpersonal relations, peace, everyday pleasures. And they have called into question values whose validity has been accepted without dispute up to now: ideas of freedom, justice and solidarity. Music videos have not remained untouched by all this. Music video is a hybrid media format. It is not just ‘illustrated music’ or ‘mere’ short film. Something that was seen as the ‘predatory exploitation of nearly all previous visual forms of production’ when music television emerged in the 1980s is now valued for its own brand of uniqueness, which lies precisely in its ability to oscillate between different genres and forms. It is certainly no exaggeration to contend that it is a supreme discipline in the field of music-video production to subtly keep in mind such hybrid structures and to highlight them by drawing on its own history, or on neighbouring disciplines such as film or those of the arts. This is a supreme discipline to which current music videos also remain true, as it gives the genre special abilities and freedoms. Things that seem unambiguous can be shown from their contradictory side; stability can be undermined; criticism is possible without accusation. The whole spectrum of possible ways to deal with critical experiences can be exploited, from rendering comprehensible individual setbacks and changes and the questioning of social and political debates, to coming up with counter-worlds. But the influence that the critical experiences of the past years has had on music videos goes beyond the level of production. Our way of watching them has also been affected. Narrative, performative or associative image sequences that were once stimulating and uplifting can now arouse anxiety. Quick cuts or restless camera movements suddenly seem to

MuVi International

Ob narrative, performative oder assoziative Bildfolgen, was einst im positiven Sinne aufregend und inspirierend war, kann nun als Beklemmung empfunden werden. Schnelle Schnitte oder eine unruhige Kameraführung sind plötzlich Ausdruck der schlagartigen Entrücktheit des Alltags, einer neuen Orientierungslosigkeit und eines veränderten Zeitempfindens. Das gilt umso mehr in einer Zeit, in der das Musikvideo stärker als jemals zuvor in den eigenen Alltag eingedrungen ist. Lange schon ist es nicht mehr an die Rezeptionsbedingungen des Fernsehens gebunden. YouTube oder auch Spotify, wo Ausschnitte aus Musikvideos einen atmosphärischen Einblick in das Musikerlebnis geben sollen, lassen Musikstücke zu jeder Zeit und an jedem Ort visuell erfahrbar werden. Im Zeitalter der Sozialen Medien bilden Musikvideos zudem mehr denn je den Kick-off zu partizipativen Aneignungsformen. Längst wird nicht mehr nur angeschaut und zugehört, mitgesungen und nachgetanzt, sondern all das wird wiederum zum Ausgangspunkt für die Inszenierung der eigenen Rezeption, sei es in Reaction-Videos oder TikToks. Auch die Rezeption hat sich demnach hybridisiert, und sie verlangt umgekehrt von der Produktion, Interaktion zu ermöglichen. Die diesjährige Auswahl beinhaltet einige Grenzgänger des Genres, denen es gerade durch die Abweichung gelingt, die eigenen Spezifika anschaulich zu machen. Sie sind wie der ältere Fisch in der Parabel von Wallace, denn sie verdeutlichen, was selbstverständlich und ganz natürlich erscheint: zum Beispiel, dass zum Musikvideo die Musik gehört. Durch die damit erzeugten Störungen und Irritation wird die Gegenwart besonders spürbar, die Verwirrung, die Entrücktheit von jeder Normalität und das Gefühl der Perspektivlosigkeit. All das zur Darstellung bringen zu können, zeigt, wie krisensicher das Musikvideo ist. Annekathrin Kohout Annekathrin Kohout arbeitet als freie Autorin und Kulturwissenschaftlerin. Sie ist Mitherausgeberin und Redakteurin der Zeitschrift Pop. Kultur und Kritik sowie der Buchreihe Digitale Bildkulturen. Als Mitglied des Editorial Boards betreut sie das internationale Journal of Global Pop Cultures.

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express the snatching away of everyday life, a new lack of orientation and a changed sense of time. This is all the more true at a time when music videos penetrate our everyday lives more than ever before. Their reception is no longer dependent on television. YouTube and Spotify, where excerpts from music videos are intended to give an atmospheric insight into the musical experience, allow us to enjoy pieces of music visually at any time or place. In the social-media era, music videos are also more than ever the kick-off point for forms of participative appropriation. For a long time now, people have not just watched and listened or sung and danced along, but have used all this as the basis for documenting their own reception, whether in reaction videos or TikToks. The reception itself has thus taken on hybrid forms, putting pressure on producers in their turn to make interaction possible. This year’s selection includes some borderline examples of the genre whose very deviation highlights its specific traits. They are like the older fish in Wallace’s parable, as they make clear something that seems obvious and very natural: for example, that music belongs to music videos. The disruptions and discomfiture they produce throw into relief the confusion, the removal of any kind of normality and the feelings of hopelessness that characterise the present day. The ability of music video to encapsulate all of this shows how crisisproof it is. Annekathrin Kohout Annekathrin Kohout works as a freelance author and cultural scientist. She is co-publisher and editor of the journal Pop. Kultur und Kritik and the book series Digitale Bildkulturen. As a member of the editorial board, she oversees the international Journal of Global Pop Cultures.

Find My Way

USA 2021 3'54", Farbe colour, Englisch English Regie Director Andrew Donoho, Musik Music Paul McCartney, Beck, Label Capitol Records Ein jugendlicher Paul McCartney oder Deepfake als digitaler Jungbrunnen. „Die Technologie, um Talente zu entaltern“, sagt Remington Scott von Hyperreal, Koproduzent des Clips. McCartney tanzt durch einen psychedelischen Hotelkorridor und wird in surreale Settings entführt. Der Weg scheint so unvorhersehbar wie vorgezeichnet, und am Ende fällt die Maske. A youthful Paul McCartney or deepfake as a digital fountain of youth. ‘The technology to de-age talents,’ says Remington Scott from Hyperreal, co-producer of the clip. McCartney dances through a psychedelic hotel corridor and is carried off into surreal settings. The way seems both unforeseeable and predetermined, and at the end the mask falls.

Money Is The One True God

USA 2021 6'56", Farbe colour, Englisch English Regie Director Lachlan Turczan, Musik Music Blake Mills, Produktion Production Lachlan Turczan, Label New Deal Records Eine Sammlung von hochauflösenden Scans zeigt bunte Schnipsel von Geldscheinen aus 23 Ländern aus dem 18. Jahrhundert bis heute. Darunter auch das Porträt des Rebellenführers Samuel Sharpe, einen Stich von Tenochtitlan und einen kaleidoskopischen Sonnenuntergang. Die Bilder zeigen, wie sich die Auffassung von Wert mit der Zeit weiterentwickelt hat. This compilation of high-resolution scans reveals colourful snippets of currency from 23 countries dating from the 1800s to the present day – including a portrait of rebellion leader Samuel Sharpe, an engraving of Tenochtitlan and a kaleidoscopic sunset – that show how notions of value have evolved over time.

Twist Into Any Shape

Italien Italy 2021 3'28", Farbe colour, Englisch English Regie Director Donato Sansone, Musik Music Cmon Tigre, Produktion Production Cmon Tigre Found Footage wird mit einer Punk-Videocollage-Ästhetik bearbeitet und die ästhetische Erfahrung des Mash-Ups mit der Idee des Tanzes verbunden. Tanzende Körper werden auf groteske und spielerische Weise ästhetisch kontaminiert, surreal und cartoonhaft. Found footage is processed using a punk video-collage aesthetic, and the aesthetic experience of the mash-up is combined with the idea of dance. Dancing bodies are aesthetically contaminated in grotesque and playful ways, with a surreal and cartoon-like effect.

FOOL

Deutschland Germany 2021 3'42", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Juliana Oliveira, Helena Ratka, Musik Music FrontMan, Produktion Production FrontMan, Label Misitunes Keine Angst vor dem Sprung ins kalte Wasser. FOOL: das erste Musikvideo in der über 50-jährigen Bandgeschichte der legendären FrontMan. Die „Godfathers of Rock’n’Roll“ bleiben ihrer Unberechenbarkeit weiterhin treu und beweisen einmal mehr, dass sie gerne große Wellen schlagen. Haltet die Luft an! Don’t be afraid of jumping into cold water. FOOL: the first music video in the more than 50-year band history of the legendary group FrontMan, the ‘Godfathers of Rock‘n‘Roll’. The band remains true to its wonted unpredictability and proves once again that it likes causing a stir. Hold your breath!

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MuVi International

6. Mai 22:15 Uhr 6 May 10:15 pm Lichtburg 8. Mai 20:15 Uhr 8 May 8:15 pm Sunset

MuVi International

6. Mai 22:15 Uhr 6 May 10:15 pm Lichtburg 8. Mai 20:15 Uhr 8 May 8:15 pm Sunset Tongues

Kanada Canada 2021 3'25", Farbe colour, Englisch English Regie Director Caitlin Veitch, Musik Music Tanya Tagaq, Produktion Production Driftnote, Label Six Shooter Records Das Video zu Tongues ist eindeutig eine Analogie zur Rückgewinnung und -eroberung von Sprache. Wir beobachten den unglaublichen Überlebenskampf eines Mundes, bei dem Zunge und Kreuz auf einem Tundra-Schlachtfeld aneinandergeraten. The video for Tongues is an unmistakable analogy for language reclamation. Watch a mouth’s epic fight for survival as tongue and cross clash on a tundra battleground.

Home (Toro Y Moi Remix)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 3'13", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Richard Kenworthy, Musik Music Caribou, Label City Slang, Merge Records Richard Kenworthy von Shynola und langjähriger Freund von Caribou ließ sich von der skulpturalen Struktur des Songs inspirieren. Er drehte eine Art Scratch-Film, indem er täglich ein winziges Songfragment isolierte und kleine Kritzeleien von Hand animierte, indem er ins Schwarz kratzte. Improvisierte und traumhafte Handarbeit. Richard Kenworthy of Shynola, a long-time friend of Caribou, took inspiration from the sculptural structure of the song. He made a kind of scratch film for which he isolated a tiny song fragment every day and animated small, freewheeling sketches by hand by scratching into the black. Improvised and dreamlike handiwork.

To the Old World (Thank You for the Use of Your Body)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 8', Farbe colour, Englisch English Regie Director Mark Leckey, Produktion Production Art Night To the Old World (Thank You for the Use of Your Body) dreht sich um YouTubeFilmmaterial in Dauerschleife. Sie zeigen einen junge Mann, der durch die Fensterscheibe einer Bushaltestelle springt, erweitert um einen Akrobaten, der die gleiche Szene nachspielt und von einem strahlenden Licht geblendet wird. Leckey meint: „Ich habe diesen Clip gefunden. Er zeigt einen Jugendlichen, der auf eine Bushaltestelle zu rennt und durch das Glas springt. Es gibt viele ähnliche Clips im Internet, in denen Menschen sich verletzen … aber die Art, wie er es macht, hat etwas Tragisches und gleichzeitig etwas Großartiges. Und das fasziniert mich. Das Fesselnde daran ist für mich die Frage nach dem warum.“ Im Auftrag von Art Night with Fact in Zusammenarbeit mit 180 Studios. To the Old World (Thank You for the Use of Your Body) centres on looped YouTube footage of a young man jumping through the glass window of a bus stop, augmented by an acrobat re-enacting the same action, flashed by a brilliant light. Leckey says, ‘it’s a clip I found of this kid running up to a bus stop and jumping through the glass. There’s a lot of stuff like it on the internet, people getting hurt … but there’s something tragic and also magnificent about the way he does it. And I’m drawn to that. What’s so compelling about it is that I want to know why.’ Commissioned by Art Night with Fact in collaboration with 180 Studios.

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A Mark of Resistance

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 3'45", Farbe colour, Englisch English Regie Director Mira Calix, Musik Music Mira Calix, Produktion Production Mira Calix, Label Warp Records Kunsthistorische Bilder werden mit Material aus der Werbung und den Nachrichten verbunden. So entsteht ein Netzwerk aus endlosen Verbindungen zwischen der Art, wie Bilder konstruiert werden, und wie Männer die Machtdynamik unserer visuellen Welt dominieren. Art historical images are spliced with adverts and news footage to make an endless network of connections between the ways images are constructed and how men dominate the power dynamic of our visual world.

Electra Rex

Spanien, Vereinigtes Königreich Spain, United Kingdom 2021 2'38", Farbe colour, Englisch English Regie Director Carlota Guerrero, Arca, Musik Music Arca, Label XL Recordings Elektra Rex zeigt die Sängerin mit Freund:innen, die nichtbinäre, futuristische Outfits tragen und auf dem Plaça dels Àngels in Barcelona tanzen. Das Musikvideo bringt das Gehen und Voguing im Ballroomstil auf den Platz, ehe es zu einem für alle zu sehenden, bebenden Haufen nichtbinärer Körper wird. Elektra Rex features the singer with friends dressed in non-binary, futuristic outfits dancing in front of the Plaça dels Àngels in Barcelona. The music video depicts ballroom-style walking and voguing to the plaza before turning into a writhing pile of non-binary bodies for all to see.

Impazamo

Südafrika South Africa 2020 4'18", Farbe colour Regie Director Chris Kets, Amílcar Patel, Musik Music Menzi, Produktion Production KAMVA Collective, Label Nyege Nyege Tapes Menzi spielte als Kind bei bestimmten Zeremonien die Trommel für seinen Vater. Als Reflexion dieses kulturellen Erbes und zu Ehren des Geburtsortes der Musikrichtung Gqom wollte das Produktionshaus KAMVA COLLECTIVE die reiche Zulu-Tradition der Sangoma zeigen. Die Masken der Tänzer wurden alle von Bluepriest Ritual Attire und Ketumeso designed. Menzi grew up playing the drum for certain ceremonies for his father. To reflect this heritage and to honour the birth location of Gqom cultural production house, KAMVA COLLECTIVE wanted to represent the rich Zulu tradition of the Sangoma. The dancers are all wearing masks designed by Bluepriest Ritual Attire and Ketumeso.

Brick Figures

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 2'49", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Dan Streit, Christopher Rutledge, Musik Music TNGHT, Produktion Production Grin Machine, Label Warp Records, LUCKYME® Falten, Poren, Venen. Zwei nackte ältere Männerkörper als CGI-Versionen, die von dem Track, den Legofiguren in ihrer Freizeit hören würden (so Lunice von TNGHT), verzerrt und deformiert werden. Wrinkles, pores, veins. Two naked, elderly male bodies as CGI versions that are distorted and deformed by the track, which Lego figures would listen to in their free time (says Lunice from TNGHT).

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MuVi International

6. Mai 22:15 Uhr 6 May 10:15 pm Lichtburg 8. Mai 20:15 Uhr 8 May 8:15 pm Sunset

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6. Mai 22:15 Uhr 6 May 10:15 pm Lichtburg 8. Mai 20:15 Uhr 8 May 8:15 pm Sunset Carnivore

Frankreich France 2021 3'09", Farbe colour, Französisch French Regie Director Yoann Stehr, Musik Music CORPS, Produktion Production Temple Caché, Label Mercury Carnivore ist ein bulimischer Clip mit einem Überfluss an Bildern, die wir jeden Tag aufnehmen müssen – veröffentlicht in der Stadt oder mehr oder weniger versteckt im Internet. Der explizite und sexuelle Songtext unterstreicht das Bedürfnis, unser unstillbares Verlangen nach diesem Überschuss an Werbebildern zu stillen, mit ihren „perfekten“ Körpern, dem glänzenden und üppigem Essen und all den anderen Botschaften, die unsere Gefühle ansprechen und dieses Bedürfnis in unserem Unterbewusstsein hervorrufen sollen. Carnivore ist ein Clip, der eine Gesellschaft widerspiegelt, die bereit ist, sich selbst zu konsumieren. Carnivore is a bulimic clip that exposes the overflow of images we have to ingest on a daily basis, whether they are posted in the city or more or less hidden on the internet. The explicit and sexual lyrics of the song highlight the need to satisfy our insatiable desire for this surplus of advertising images, with its ‘perfect’ bodies, its shiny and abundant food, as well as all the other messages designed to appeal to our emotions and trigger the need in our unconscious. Carnivore is a clip that reflects a society ready to consume itself.

Who’s Got the Bag

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 2'53", Farbe colour, Englisch English Regie Director Mike Skinner, Musik Music The Streets, Label Universal Von Festivals und Clubs bis hin zu Stränden und Flughäfen zeigen die Aufnahmen zahlreiche Orte und Ereignisse, auf deren Besuch sich viele von uns freuen, sobald wir wieder dorthin gehen können. Dabei sitzt Mike in jedem Setting allein dort. From festivals and clubs to beaches and airports, the visuals display locations and events many of us are looking forward to visiting when we can, with Mike sitting by his lonesome in each setting.

My Name is Nat Ćmiel

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020 3'07", Farbe colour, Englisch English Regie Director Nat Ćmiel, yeule, Musik Music yeule, Produktion Production Nat Ćmiel, yeule, Label Bayonet Records Nat Ćmiel stellt sich selbst in einer sinnlichen Reihe banaler Ereignisse aus dem eigenen Leben vor, als Hirngespinst der Vorstellungskraft, als ein Pixel auf dem Bildschirm; der Cyborg-Popstar möchte nur im Äther existieren. Nat Ćmiel introduces themselves in a sultry series of mundane events in their life, as a figment of imagination, a pixel on a screen. The cyborg pop star only wants to exist in the ether.

Fallen Angels

USA 2021 6'05", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Little Snake, Musik Music Little Snake ft. Flying Lotus, Produktion Production Little Snake, Strangeloop, Label Brainfeeder Auf einem wilden Ritt durch Raum und Zeit verformt Klangkünstler Little Snake seine Musik, seine Umgebung und sich selbst – unter Zuhilfenahme von Weltstar Flying Lotus. Sound artist Little Snake distorts his music, surroundings and himself during a wild ride through space and time – with the help of world star Flying Lotus.

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My Blue Suit

Kanada, USA Canada, USA 2021 2'37", Farbe colour, Englisch English Regie Director Geoff McFetridge, Label Drag City, Palace Records, Domino „Für dieses Video habe ich zuerst gemalt. Mein Werk, als Reaktion auf den Song, bestand aus großen Figuren, die ich bei den mit der Kamera aufgenommenen Szenen nutzen konnte. Alle Filmszenen wurden mit der Kamera gefilmt, es gibt keinerlei digitale Effekte. Für die grafischen Sequenzen wurden die Malereien um einen Mülleimer gewickelt, der auf einem Technics 1200-Plattenspieler stand.“ — Geoff McFetridge ‘I started this video by painting. The work I created, in response to the song, was large-scale figures I could use in scenes filmed on camera. All the images in the film are done in camera, there are no digital effects. The graphic sequences were done with paintings wrapped around a garbage can placed on a Technics 1200 turntable.’ — Geoff McFetridge

Container

USA 2021 3'19", Farbe colour, Englisch English Regie Director Erin Vassilopoulos, Musik Music The Wants, Label Council Records Ein winzig kleiner, klaustrophobischer Wohnraum für Madison VeldingVanDams explosive Live-Performance. Mit einem abgespecktem, monochromatischen Set nutzten wir einen minimalistischen, visuellen Stil und den Charakter und die Beschaffenheit von Film, um eine visuelle Dimension aufzubauen und gleichzeitig unsere simple Farbpalette und Beleuchtung beizubehalten. A minimal, claustrophobic domestic space to contain Madison Velding-VanDam’s explosive live performance. With a stripped-down monochromatic set, we embraced a minimalist visual style and the character and texture of film to build visual dimension while maintaining our simple palette and lighting.

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MuVi International

6. Mai 22:15 Uhr 6 May 10:15 pm Lichtburg 8. Mai 20:15 Uhr 8 May 8:15 pm Sunset

Thema Theme

SYNCHRONIZE! Beziehungen, Bezugnahmen, Begegnungen. Panafrikanische Filmnetzwerke Connections, References, Encounters: Pan-African film networks

Thema Theme SYNCHRONIZE!

SYNCHRONIZE!

Beziehungen, Bezugnahmen, Begegnungen. Panafrikanische Filmnetzwerke Connections, References, Encounters: Pan-African film networks

The story of African film is the story of unmade, The story of African film is the story of unmade, uncompleted and impossible projects. uncompleted and impossible projects. — Stacy Hardy — Stacy Hardy King Sunny Adé, nigerianischer Musiker und Entrepreneur, dem der Poptheoretiker Greg Tate Anfang der 1980er auf dessen Tournee durch die USA prognostizierte, er sei auf dem besten Weg zum ersten wirklich internationalen Star in der Geschichte der Popmusik zu werden, eben dieser King Sunny Adé veröffentlichte 1983 ein Album mit dem Titel Synchro System. Auf dem Cover sind achtzehn Musiker abgebildet, jeder mit einem anderen Instrument und einem eigenen move. Sich mit und durch „Synchro System“ zu synchronisieren, meint eben nicht Gleichschritt, sondern Jùjú, also Bewegungsabläufe, abgestimmt durch einen Sound, der gleichermaßen auseinanderdriftet und zusammenläuft. Wobei sich ein asynchron-synchrones Universum des Polyrhythmischen öffnet und zugleich koordiniert. Die „Synchro System“-Idee als eine Art Anleitung zur Zusammenarbeit (und was sich davon lernen lässt), als grenzüberschreitendes audiovisuelles Bezugssystem, aber auch als Impuls mit katalysierender Wirkung, war uns bei der Programmauswahl Methode und Ausgangspunkt. Die arbeitsteiligen Abläufe einer jeden Filmproduktion haben wohl etwas von diesem orchestralen Big-Band-„Synchro System“: jeder für sich, aber im Wissen um die Arbeit der anderen am selben Stück mitwirkend. Filmemachen auf dem afrikanischen Kontinent geht wie überall – und findet doch unter komplett verschärften Bedingungen und anderen Vorzeichen statt, die quasi notgedrungen einen unternehmerischen Erfahrungswert und technischen Erfindungsreichtum generieren. Jeder realisierte Film komme einem Wunder gleich, kommentierte Idrissa Ouédraogo mal diesen Kraftakt, noch bevor digitale Bildtechniken die Herstellung deutlich vereinfachten. Und auch fast siebzig Jahre nach Paulin Soumanou Vieyras Afrique sur Seine (1955) wird das sogenannte afrikanische Kino seinen Sonderstatus nicht los und braucht ihn doch, um überhaupt wahrgenommen zu werden. Die Filmkritikerin Catherine Ruelle, die es gemeinsam mit Guy Hennebelle von Frankreich aus als eine der Ersten von Anfang an mit systematischer Aufmerksamkeit journalistisch begleitete, hat mal mit sarkastischem Unterton angemerkt, in Frankreich könne man sich maximal einen Namen pro Jahr merken, gefiltert und veredelt durch die Autoren-Auswahlprozeduren in Cannes. Und es war fast ausschließlich ein Autoren-, kein Autorinnenfilter. Auch diese Form der Filmautor*innen-Geschichtsschrei-

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During a tour by King Sunny Adé through the US at the start of the 1980s, the cultural theorist Greg Tate predicted to the Nigerian musician and entrepreneur that he was well on the way to becoming the first really international star in the history of pop music. And in 1983, that same King Sunny Adé released an album with the title Synchro System. Its cover shows 18 musicians, each with a different instrument, outfit and move. Synchronizing by means of ‘Synchro System’ did not mean lockstep but jùjú: sequences of movement are harmonised by a sound that drifts apart and converges in equal measure, opening up and coordinating an asynchronous-synchronous polyrhythmic universe. The ‘Synchro System’ idea – as a kind of guideline for collaboration (and what can be learnt from it), as a boundarycrossing audio-visual system of references and as an impulse with a catalytic effect – was for us method and starting point for selecting the programme. The way work is split up during any film production is probably somewhat reminiscent of this orchestral, big-band ‘Synchro System’: everyone participating on their own account but in the awareness of the work others are doing on the same project. Filmmaking on the the African continent works like anywhere else, but is done under highly difficult conditions and different preconditions that compel people to be enterprising and technically inventive. Every film that is made is tantamount to a miracle, Idrissa

OUAGA, capitale du cinéma

L‘envers du décors

The gaze itself is transformed

bung soll mithilfe des „Synchro System“ ausgehebelt werden, zugunsten einer Wahrnehmung von ciné-geografischen Rahmenbedingungen, von Beziehungen, Bezugnahmen, Begegnungen. Der Blick selbst wird transformiert Aber wie lässt sich das zeigen? Wie und wann werden Bezugssysteme und Herstellungsprozesse sichtbar? Der tunesische Filmemacher und Kurator Mohamed Challouf verfolgt seit Langem ähnliche Fragestellungen, er macht Filme über Netzwerke, Filmpolitik, andere Filmemacher, jene, die in Vergessenheit geraten sind. 2005 gründete er die Rencontres Cinématographiques de Hergla; zwanzig Jahre früher, 1985, war er zum ersten Mal in Ouagadougou beim panafrikanischen Filmfestival FESPACO. Es war die erste Hochphase der vielversprechenden Umwälzungen und sechzehn Jahre nach seiner Gründung war das FESPACO damals längst zum wichtigsten Knotenpunkt geworden. Der junge Präsident Thomas Sankara hatte im Jahr davor Obervolta in Burkina Faso umbenannt, das „Land der Unbestechlichen“, und er verlieh dem Festival und überhaupt dem Kino und dem Filmemachen diesen besonderen Stellenwert der transversalen Vermittlung. Während Burkina Faso in der europäischen Wahrnehmung, wenn überhaupt, nur als Armutsbild existierte, hatte es bereits auf die Zukunft des Kinos gesetzt, als gleichwertig wichtiges Element, neben Ökologie, Landreform, Emanzipation, Unabhängigkeit, Bildung. Zwei Jahre später wurde Sankara bei einem Staatsstreich ermordet. Von Tunesien aus – ähnlich wie von Ägypten oder Marokko aus – ist die Frage der Orientierung immer eine eminent politische Entscheidung, weil vor allem in diesen Ländern suggeriert wird, es gäbe eine Wahl: Wer begreift sich als Teil des afrikanischen Kontinents und wer sucht nach Bestätigung in Europa? Die Blickrichtung verändert alles, Haltung und Selbstverständnis. Jihan El-Tahri, eine der wichtigsten Dokumentarfilmemacherinnen, Mohamed Challouf wie auch Tahar Cheriaa, Filmkritiker und Gründer der Journées cinématographiques de Carthage (1966), entschieden sich eindeutig für eine Bezugnahme Richtung Süden. Mit OUAGA, capitale du cinéma (2001) und Tahar Cheriaa: A l’ombre du Baobab (2014) gelingen Challouf zwei Festivalfilme aus und

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But how can this be rendered apparent? How and when do systems of reference and production processes become visible? The Tunisian filmmaker and curator Mohamed Challouf has been looking into such questions for a long time; he makes films about networks, film politics, other filmmakers, those that have fallen into oblivion. In 2005 he founded the Rencontres Cinématographiques de Hergla; 20 years previously, in 1985, he was in Ouagadougou for the first time at the pan-African film festival FESPACO. It was during the first heyday of promising radical changes, at a time when FESPACO, 16 years after its founding, had long become the most important hub for African film. One year earlier, the country’s young president, Thomas Sankara, had changed the name Upper Volta to Burkina Faso, the ‘Land of Incorruptible People’. He gave the festival, and, indeed, cinema and filmmaking, a special status as transversal mediators. Although Burkina Faso was perceived in Europe – if it was perceived at all – only in terms of poverty, it had already placed its faith in the future of cinema as being equally as important as ecology, land reform, emancipation, independence and education. Two years later, Sankara was to be murdered during a coup. In Tunisia – as in Egypt or Morocco – the question of orientation is always an eminently political decision because, in these countries in particular, the suggestion is that there is a choice: to see oneself as part of the African continent or to look for confirmation in Europe. The direction of view changes everything that has to do with attitude and selfimage. Jihan El-Tahri, one of the most important documentary filmmakers, Mohamed Challouf and Tahar Cheriaa, film critic and founder of the Journées cinématographiques de Carthage (1966), decided firmly in favour of taking their bearings from the South. With OUAGA, capitale du cinéma (2001) and TAHAR CHERIAA, À l‘ombre du baobab (2014), Challouf succeeded in making two festival films from and about Carthage and Ouagadougou in which this perspective crystallises amid an overwhelming amount of material – the films are always about everything: image-making, music, culture, debate, location and discourse cannot be divided from one another. ‘Le regard se transforme’, the gaze itself is transformed, reflects a voice from off-screen at the start of the OUAGA film, while mopeds rush by in the dusty twilight. What is transformed here is the self-image and its acceptance. It is not about being the exception, having a special status, being lacking, but the celebration of diversity and abundance, without pressure to explain oneself, without always having to start

Thema Theme SYNCHRONIZE!

Ouédraogo once said, at least in the days before digital technology made production much simpler. And even almost 70 years after Paulin Soumanou Vieyra’s Afrique sur Seine (1955), so-called African cinema couldn’t get rid of its special status and, indeed, still needs it to be perceived at all. The French film critic Catherine Ruelle, who, together with Guy Hennebelle, was one of the first to pay systematic journalistic attention to it, once remarked, somewhat sarcastically, that in France people were able to remember one name a year at most after it had been filtered and refined by the selection procedures in Cannes. And that filter was almost always applied only to male, and not female, filmmakers. We aim to counter this type of filmmaker historiography as well with the aid of the ‘Synchro System’ and to try instead to create an awareness of geography-driven cinematic conditions, of connections, references, encounters.

Thema Theme SYNCHRONIZE!

Résonances d’un rêve

über Karthago und Ouagadougou, in denen sich diese Blickrichtung durch eine überwältigende Menge an Material kristallisiert – und dabei geht es immer um alles, image-making, Musik, Kultur, Debatte, Ort, Diskurs lassen sich nicht voneinander trennen. „Le regard se transforme“, der Blick selbst wird transformiert, reflektiert eine Stimme aus dem Off zu Beginn von OUAGA, capitale du cinéma, während die Mopeds in der staubigen Dämmerung vorbeirauschen. Was sich da verändert, ist das Selbstverständnis – und die Selbstverständlichkeit. Eben nicht Ausnahme, Sonderstatus, Mangel, sondern das Zelebrieren von Vielfalt, Fülle, ohne Druck, sich zu erklären, die Freiheit, nicht immer wieder bei null anfangen zu müssen. All die grands auteurs, ansonsten in der Welt verstreut, tauchen irgendwo auf: auf der Bühne, auf dem Weg ins Kino, am Pool, an der Bar, Reden schwingend, Gaston Kaboré, Idrissa Ouédraogo, Djibril Diop Mambéty, Med Hondo, Férid Boughedir, Abderrahmane Sissako, Ola Balogun, Henri Duparc und viele mehr, Ousmane Sembène mischt überall mit, als „chef d’orchestre“. Während das Publikum, die multitude, wiederum seinen eigenen Ton angibt. Auch diese Filmgeschichte ist in erster Linie vor allem männlich, Challouf sieht das und setzt Kontrapunkte. Alimata Salembéré, selten erwähntes Gründungsmitglied des FESPACO, die Dokumentarfilmemacherin Ateyyat Al Abnoudy taucht immer wieder auf, Fanta Nacro mit ihrer scherzenden Direktheit, und am Ende steht nicht Nostalgie, sondern wiederum Vermittlung als Öffnung. Die Schauspielerinnen Naky Sy Savane und Aï Keïta, beide seit den 1970ern im Geschäft, diskutieren mit Schülerinnen und Schülern die Apparate der Abhängigkeit: Produktionsbedingungen, die durchs Nadelöhr europäischer Fördermittel bedingt werden, die Bedeutung von afrikanischen Alltagsgeschichten im Fernsehen, als wiedererkennbare Selbstbilder, über die Notwendigkeit und Abwesenheit von Ausbildungsmöglichkeiten usw. Challouf montiert und verdichtet mit beiden Filmen parallele Filmgeschichte, die für die Programmauswahl Synchronize! auch eine Grundlage bildet, die verschiedenen Zeitebenen miteinander zu verschalten, und zugleich die Möglichkeit freilegt, auf die nächsten Generationen zu fokussieren oder auch Hintergründe, Prozesse, Abseitiges in den Vordergrund zu rücken.

again from scratch. All the ‘grands auteurs’, otherwise scattered around the world, make an appearance somewhere – on the stage, on the way to the cinema, at the pool, at the bar, holding forth: Gaston Kaboré, Idrissa Ouédraogo, Djibril Diop Mambéty, Med Hondo, Férid Boughedir, Abderrahmane Sissako, Ola Balogun, Henri Duparc and many more. Ousmane Sembène is involved everywhere as ‘chef d’orchestre’, while the public, the multitude, calls its own tune. This history of film is also primarily male; Challouf sees that and counterpoints it. Alimata Salembéré, the rarely mentioned founding member of FESPACO, and the documentary filmmaker Ateyyat Al Abnoudy often put in an appearance, along with Fanta Nacro with her humorous frankness, and at the end there is not nostalgia, but education as a way of opening. The actors Naky Sy Savane and Aï Keïta, both in the profession since the 1970s, discuss the manifestations of independence with school pupils: conditions of production that are determined by the limited nature of European subsidies, the meaning of everyday African stories on television as recognisable self-images, the necessity for and absence of educational opportunities, etc. With his two films, Challouf depicts and condenses parallel histories of film, which also gives the programme Synchronize! a basis for intertwining the different time planes and opens up the possibility of either focusing on the next generations or of emphasising backgrounds, processes and recondite elements. History as source code for the present

Twenty years later, Jihan El-Tahri, the current director of DOX BOX, is picking up where Mohamed Challouf‘s film stops. Her persistent interrogation of history as source code for the present, her refusal to recognise categorisations and boundaries (Sub-Saharan Africa?) and her phenomenal attention and efficiency while researching – all the things that drive her documentaries – now provide the basis for a nomadically transnational education programme that she developed in the past years. At the start of 2022, the pilot generation of the Mouatheqat Collective, Rim Harrabi, Rua Osmane, Salimata Bâ and Yosra El-Gazzar, finished their first two films (The Dream Continues and Do Flowers Bloom After The Spring?) after a year of training. They were made in a Tunisia that is in a state of upheaval ten years after its revolution broke out, triggering Geschichte als Quellcode der Gegenwart the Arab Spring. These young filmmakers look for traces as a means of orienJihan El-Tahri, derzeit Direktorin von DOX BOX, macht zwanzig Jahre später da weiter, wo Mohamed Challoufs Film tation. How can surfaces be read: the city, districts, streets?

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And what concept of city is contained in the reading material stacked in untidy towering piles along the walls of a book kiosk? Such navigation tools are employed to endure the lack of orientation; this is how the filmmakers feel their way forward. The method is as unspectacular as it is sustainable; the idea is to interrogate the processes, the before and after, the continuity – things that are quickly lost from view amid the all-consuming effect of a revolutionary event. The artist Jasmina Metwaly, who has been living in Berlin since the backlash in Egypt, proceeds similarly by approaching the centre of power, and thus the fabrication of history, by way of peripheral places and supporting actors, such as the tailor who makes the military uniforms (Badrawi’ atelier, 2019). Katia Kameli, for her part, circles about Algerian history starting out from a popular random generator, all through the prism of her in-between position both personally and geographically (Paris–Algiers). It is nothing more than a historical postcard kiosk set up in a busy street in Algiers, but she takes precisely the things that casually become visible as seriously as an atlas. In The Algerian Novel 1–3 (2016–2019), Kameli puts together layers of different readings of images, seen, analysed and experienced by the philosopher Marie-José Mondzain, the lawyer Wassyla Tamzali, the designer and sewer Louisette Ighilahriz, the photo-journalist Louiza Ammi and others. Set theory One of the main questions that concerns Greg Tate in his essay on the tour by King Sunny Adé and his orchestra is: ‘Who would check the righteous connection between jùjú music and funk and go with it?’ It is not the exoticizing difference (Nigerian cool versus African-American cool) that interests Greg Tate, but the overlap, the actual connection. This is something that, again, has to do with the listening and viewing habits of an audience and its interest, and then with the question of the role played by the culture industry. How are the divisions, the differentiations in taste, the blind spots, produced? What intersections are brought into synch?

Mengenlehre Eine der grundlegenden Fragen, die Greg Tate in seinem Essay über die Tour von King Sunny Adé und seinem Orchester umtreibt, lautet: „Who would check the righteous connection between jùjú music and funk and go with it?“ Es ist nicht die exotisierende Differenz (Nigerian cool versus AfroAmerican cool), sondern die Schnittmenge, die tatsächliche Verbindung, für die sich Greg Tate interessiert. Was wiederum mit den Hör-und Sehgewohnheiten, dem Interesse eines Publikums, und im nächsten Schritt mit der Frage zu tun hat, welche Rolle die Kulturindustrie dabei spielt. Wie werden die Trennungen, die ausdifferenzierenden Geschmacksrichtungen produziert, die blinden Flecken? Welche Schnittmengen werden in synch gebracht? Das lässt sich in verschiedene Richtungen weiterdenken und übertragen. Der im letzten Jahr wieder in Umlauf gebrachte und restaurierte Film Ali au pays des merveilles (1975) von Djouhra Abouda und Alain Bonnamy fordert, als außergewöhnlicher Hybrid seiner Zeit, sowohl die Anhänger*innen des formal experimentellen Films heraus Le roman algérien, chapitre 1 Anbar (Badrawi’s Atelier)

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aufhört. Ihr beharrliches Befragen von Geschichte als Quellcode der Gegenwart, ihre verweigernde Ignoranz gegenüber Kategorisierung und Grenzziehungen (Subsahara-Afrika?) und ihre phänomenale Aufmerksamkeit und Effizienz bei der Recherche – all das, was ihre Dokumentarfilme vorantreibt, bildet nun die Basis für ein nomadisch transnationales Ausbildungsprogramm, das sie in den letzten Jahren entwickelte. Die Pilotinnen des Mouatheqat Collective, Rim Harrabi, Rua Osman, Salimata Bâ und Yosra El-Gazzar, haben Anfang 2022 nach nur einem Trainingsjahr ihre ersten zwei Filme fertiggestellt (Résonances d’un rêve und Do Flowers Bloom After The Spring?). Realisiert in einem Tunesien, das sich mitten im Umbruch befindet, zehn Jahre nach dem Aufbruch der Revolution als Initialzündung des Arabischen Frühlings. Die jungen Filmemacherinnen suchen nach Spuren zur Orientierung. Wie lassen sich Oberflächen lesen, die Stadt, Viertel, Straßen. Und welche Vorstellung von einer Stadt hält hingegen der Lesestoff bereit, der in wuchernden Türmen entlang der Wände eines Bücherkiosks gestapelt ist. Es werden die Navigationstools befragt, um die Orientierungslosigkeit auszuhalten, und so tasten sich die Filmemacherinnen voran. Die Methode ist so unspektakulär wie nachhaltig: Es geht darum, die Prozesse zu befragen, das Vorher und Nachher, die Kontinuität – was durch die soghafte Wirkung eines revolutionären Events schnell aus dem Blick gerät, eben dass die katalysierenden „Synchro-Momente“ auch nur Übergänge sind. Die Künstlerin Jasmina Metwaly, die seit dem „backlash“ in Ägypten in Berlin lebt, geht ähnlich vor, indem sie sich dem Zentrum der Gewalt, und damit auch der Fabrikation von Geschichte, von den Nebenschauplätzen her annähert, über Nebendarsteller, etwa den Schneider der Militäruniformen (Badrawi’s Atelier, 2019). Während Katia Kameli, durch das Prisma ihres geo-biografischen Dazwischen (ParisAlgier), algerische Geschichte ausgehend von einem populären Zufallsgenerator umkreist. Es ist nicht mehr als ein historisches Postkarten-Kiosk, aufgestellt an einer belebten Straße in Algier, aber genau das, was beiläufig sichtbar wird, nimmt sie so ernst wie einen Atlas. Mit Le roman algérien, chapitre 1–3 (2016–2019) montiert Kameli Schichten verschiedener Bildlektüren, gesehen, erklärt, analysiert, erlebt von der Philosophin Marie-José Mondzain, der Juristin Wassyla Tamzali, der Designerin und Näherin Louisette Ighilahriz, der Fotojournalistin Louiza Ammi und anderen.

Thema Theme SYNCHRONIZE!

als auch die Aktivist*innen des politischen Dokumentarfilms. Auf diese vermeintlich unvereinbare Gratwanderung – politische Dringlichkeit versus formale Spielerei – hatte Ignacio Ramonet seinerzeit in Le Monde diplomatique hingewiesen (und dem Film die Schwierigkeiten seiner Rezeption prognostiziert). Die sichtbar-unsichtbaren Tätigkeiten der migrantischen/algerischen Bauarbeiter in Paris strukturieren die flackernden Bildrhythmen und Loops des Films, der jene in ihrer Präsenz und ihrer Arbeit in eine künstlerische Avantgardebewegung und Dringlichkeit mit einschreibt und eben nicht zum externen Problem erklärt und darin festschreibt. Die Frage des Nebeneinanders, der Vereinbarung, der Schnittstelle – alles notwendige tools fürs Synchronisieren – führt nicht zuletzt auch zu Kanonfragen. In der Liste der fünfzig Lieblingsfilme von Jean-Pierre Bekolo, derzeit von LaCinetek abgefragt, finden sich zum Beispiel Michael Hanekes Benny’s Video neben Flora Gomes’ Mortu Nega, David Lynchs Mullholland Drive neben Souleymane Cissés Yeelen, Djibril Diop Mambéty neben Stanley Kubrick. Es ist auch nur eine von vielen möglichen und praktischen Gewichtsverlagerungen der Aufmerksamkeitsökonomie, die das kinematografische Verständnis von der Welt ein Stück weit dekolonisiert und in synch bringt, aber immerhin.

This idea can be developed and applied in different directions. As an exceptional hybrid for its time, the film Ali au pays des merveilles (1975) by Djouhra Abouda and Alain Bonnamy, which was restored and put back into circulation last year, challenges both the adherents of form-related experimental film and the activists behind political documentaries. Ignacio Ramonet had drawn attention to this allegedly irreconcilable balancing act – political urgency versus playing around with form – in Le Monde diplomatique (and predicted the problems this film would face in its reception). The visible-invisible activities of the migrant/Algerian construction workers in Paris structure the flickering image rhythms and loops of the film, which inscribes the presence and work of the former into an artistic avant-garde movement and urgency and does not at all class and pigeonhole them as an external problem. The issue of juxtaposition, of agreement, of interface – all necessary tools for synchronization – also tends to lead to questions concerning the film canon. The list of 50 favourite films compiled by Jean-Pierre Bekolo at the request of La Cinetek includes, for example, Michael Haneke’s Benny’s Video alongside Flora Gomes’ Mortu Nega, David Lynch’s Mullholland Drive alongside Souleymane Cissé‘s Yeleen, Djibril Diop Mambéty alongside Stanley Kubrick. This is also just one of many possible and practical ways of shifting emphaAnnett Busch and Marie-Hélène Gutberlet ses within the attention economy to decolonise and bring into synch the cinematographic understanding of the world just a Annett Busch (Trondheim) und Marie-Hélène Gutber- little, but it is something at least. let (Frankfurt/Main) betreiben seit 2017 gemeinsam und in verschiedenen Konstellationen die Agency for Flying Ideas Annett Busch and Marie-Hélène Gutberlet Women on Aeroplanes. Sie entwickeln Methoden, die sich in forschungsbasierten Ausstellungen oder transversalen Evening Classes realisieren, als Inflight Magazine und Zusam- Annett Busch (Trondheim) and Marie-Hélène Gutberlet menkünfte mit Stationen in Berlin, Lagos, Bayreuth, London, (Frankfurt/Main) have been running the Agency for Flying Warschau, Frankfurt/Main, Johannesburg, Kigali. Beide kura- Ideas Women on Aeroplanes since 2017 in various configuratieren seit 20 Jahren Filme von Filmemacher*innen aus dem tions. They devise methods that are implemented in researchafrikanischen Kontinent und der Diaspora. Im Zentrum ihrer based exhibitions or Transversal Evening Classes, as Inflight Arbeit steht der Film als Transmitter einer Geschichte, die Magazine and gatherings with stopovers in Berlin, Lagos, Baysich anders erzählt und vermittelt als die Geschichtsbücher reuth, London, Warsaw, Frankfurt am Main, Johannesburg, uns glauben machen. Der es ermöglicht, Perspektiven und Kigali. The two have been curating films by filmmakers from Erfahrungen im öffentlichen Raum kennen zu lernen, aufzu- the African continent and the diaspora for 20 years. Their fächern, und Formen eines nicht-hegemonialen Wissens auf- work focuses on film as the transmitter of a history that is zeigt. narrated and passed on differently than history books would have us believe, and as a means for allowing us to encounter and differentiate perspectives and experiences in the public sphere and for revealing forms of non-hegemonic knowledge.

Ali au pays des merveilles

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Wir möchten uns ganz herzlich bei allen Beteiligten für ihr Engagement und ihre Hilfe bedanken. Ohne ihre Unterstützung hätte dieses Programm nicht realisiert werden können. We would like to thank everyone involved for their commitment and help. This programme could not have been realised without it. Vorführkopien mit freundlicher Genehmigung von Screening copies courtesy of the La Cinémathèque de Grenoble La Cinémathèque française Icarus Films LUX PSV-Films TALITHA und den Filmemachern und Künstlern and the filmmakers and artists Mit Unterstützung von Supported by

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Thema Theme SYNCHRONIZE!

Dank Acknowledgements

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 1 Programme 1

Nachhall (I) Echos of Beginnings (I)

5. Mai 12:30 Uhr 5 May 12:30 pm Gloria

Ablagerungen, Nachbeben, Überlieferungen von asynchron verlaufenden Parallel-Ereignissen an verschiedenen Orten, Momente des Aufbruchs, der Befreiung, Rückschläge. Geschichte wird mit den Anliegen der Gegenwart befragt, flüchtige Einblicke konkretisieren sich in Bild, Ton und Rhythmen, die wiederum auseinander driftende Ebenen bilden, die sich nicht synchronisieren lassen. Nur durchs Erzählen, durch das Interesse, die Suche, das Insistieren und Wiederholen entstehen jene Schlaufen, die ein Lernen und Verstehen möglich machen. Versuche, um durch den kinematographischen Raum zumindest die Synapsen in synch und in Schwingung zu versetzen. Residues, aftershocks, accounts of asynchronously occurring parallel events in different places, moments of awakening, of liberation, setbacks. History is interrogated through the lens of present-day concerns; fleeting impressions take on more concrete form in images, sound and rhythms that in their turn create layers that drift apart and do not let themselves be synchronised. It is only through narrative, through interest, searching, insistence and repetition that the loops arise that enable learning and understanding. Attempts to use the cinematographic space to put the synapses in synch and set them vibrating, at least.

Le roman algérien, chapitre 1 The Algerian Novel, Chapter 1

Frankreich, Algerien France, Algeria 2016 16'35", Farbe colour, Französisch, Arabisch mit englischen Untertiteln French, Arabic with English subtitles Regie Director Katia Kameli Ausgangspunkt ist ein Fotokiosk in der Innenstadt von Algier. Im ersten Kapitel von Le roman algérien wird die Straße zum Schauplatz und Display: Passanten durchstöbern Postkartensammlungen, im Off reflektieren verschiedene Protagonisten die Bedeutung und den Stellenwert der Fotografien. The Algerian Novel is a video conceived as an immersion into Algeria’s history, and collective memory. It takes place in Larbi Ben M’Hidi street, in Algiers, where Farouk Azzoug and his son own a nomad kiosk where they sell old postcards and reproductions of archival photographs.

Résonances d‘un rêve The Dream Continues

Tunesien, Deutschland Tunisia, Germany 2021 59', Farbe colour, Arabisch, Französisch mit englischen Untertiteln Arabic, French with English subtitles Regie Director Mouatheqat/DOX BOX collective (Rim Harrabi, Rua Osmane, Salimata Bâ, Yosra El-Gazzar) Résonances d’un rêve beginnt in einem kleinen Buchladen im beliebten Stadtteil Bousalsela und entwickelt sich zu einer Rundreise, die die Notwendigkeit erforscht, die Vergangenheit zu betrachten, um die Gegenwart zu verstehen, indem sie die Bestrebungen der Studentenrevolte in Tunesien 1968 bis zum politischen Umschwung 2021 nachzeichnet. The Dream Continues starts in a small bookshop in the popular neighbourhood of Bousalsela and unfolds as a circular journey exploring the necessity to revisit the past to understand the present by tracing intergenerational aspirations from Tunisia’s 1968 student uprising to the political overthrow in the summer of 2021.

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5. Mai 17:00 Uhr 5 May 5:00 pm Gloria

Der Begriff des Systems als auch der der Synchronisierung sollte mit King Sunny Adé im Ohr leicht ironisch gelesen werden. Es geht um in tune Momente, um Gelegenheiten, sich aufeinander einzustimmen. Um Festivalorte als Knotenpunkte, an denen sich einzelne Filme in ein Beziehungsgeflecht transformieren, weil nur im Nebeneinander und in der Verdichtung imaginäre oder reale Bezugnahmen aufscheinen. Auch weil in der Debatte, im Gespräch, in der geteilten Erfahrung auf dieselbe Leinwand zu schauen, weitere synch-Ebenen entstehen. Was wohl passiert, beim Festival-Filmeschauen auf einem Filmfestival? The term system and that of synchronisation should be read somewhat ironically, with King Sunny Adé in one‘s ears. It is about in-tune moments, about opportunities to get into harmony with one another. About festival locations as nodal points where individual films are transformed into a network of relationships because imaginary or real references appear only in juxtaposition and concentration. That is also because further synch levels arise during debates, conversations, the shared experience of looking at the same screen. What happens while looking at festival films at a film festival?

La grammaire de grand mère Grandma’s Grammar

Frankreich, Kamerun France, Cameroon 1996 35mm, 8', Farbe colour, Französisch French Regie Director Jean-Pierre Bekolo Der große senegalesische Filmemacher Djibril Diop Mambéty erinnert sich an seine ersten Erfahrungen mit dem Kino und erklärt: „Es ist eine Großmutter, die weiß, wie man Geschichten erzählt … aber die Großmutter selbst lässt zu, verraten zu werden … Sie will, dass wir die Geschichte jedes Mal neu und anders beginnen.“ – JP Bekolo The great Senegalese filmmaker Djibril Diop Mambéty is recalling his first experiences of cinema and explains: ‘It’s a grandmother who knows how to tell stories… but grandmother allows herself to be betrayed… Grandmother wants us to start the story again each time in a different way.’ – JP Bekolo

OUAGA, capitale du cinéma OUAGA, the Capital of Cinema

Tunesien Tunisia 2000 63', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Mohamed Challouf Das FESPACO in Ouagadougou, Burkina Faso, eines der wichtigsten panafrikanischen Filmfestivals der Welt, war der Schauplatz einer aufregenden Kinoutopie. Mit der Unterstützung des jungen Präsidenten Thomas Sankara (1983–1987) wurde das Festival zu einem Symbol für die kulturelle Renaissance eines ganzen Kontinents. FESPACO in Ouagadougou, Burkina Faso, one of the most important PanAfrican film festivals in the world, was the scene of an exciting cinema utopia. With the support of the young president Thomas Sankara (1983–1987), the festival became a symbol of the cultural renaissance of a whole continent.

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Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 2 Programme 2

Synchro System (I)

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 3 Programme 3

Synchro System (II)

5. Mai 22:15 Uhr 5 May 10:15 pm Lichtburg

Deux festivals à Grenoble Two Festivals in Grenoble

Frankreich France 1974 28'38", Schwarzweiß black-and-white, Französisch French Regie Director Ateyyat Al Abnoudy Deux festivals à Grenoble ist in der doppelten Bewegung des Festivals aufgebaut: Filmen und Zeigen. Ihre Arbeit als Regisseurin und Cutterin ermöglicht es Ateyyat Al Abnoudy, das Festival in all seiner Vielfalt zu erfassen, Alltagsbeobachtungen mit den noch immer relevanten Diskussionen und Überlegungen der Fachleute zu verknüpfen. — Peggy Zejgman-Lecarme Deux festivals à Grenoble is constructed in the double movement of the festival: filming and showing. Her work as a director and editor enables Ateyyat Al Abnoudy to capture the festival in its diversity, to link everyday observations with the still timely discussions and statements of the professionals. — Peggy Zejgman-Lecarme

Tahar Cheriaâ: À l’ombre du Baobab Tahar Cheriaâ: Under the Shadow of the Baobab

Tunesien Tunisia 2015 71', Farbe colour, Arabisch mit englischen Untertiteln Arabic with English subtitles Regie Director Mohamed Challouf Challouf erzählt die Geschichte von Tahar Cheriaâ und seiner Freundschaft mit den Pionieren des Kinos in Afrika wie Sembène Ousmane, Tawfik Salah, Timité Bassori, Moustapha Alassane und den vielen anderen, die nach der Unabhängigkeit ihre ganze Energie darauf verwendeten, die ersten echten Bilder des postkolonialen Afrika zu schaffen. With intimate insight, Challouf tells the story of Tahar Cheriaâ and his friendship with the pioneers of cinema in Africa such as Sembène Ousmane, Tawfik Salah, Timité Bassori, Moustapha Alassane and the many others who, in the aftermath of independence, devoted all their energy to creating the first real images of post-colonial Africa.

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6. Mai 14:45 Uhr 6 May 2:45 pm Gloria

Ausgehend von verschiedenen Orten und Gegenständen adressieren und befragen diese drei Filme die Prozesse einer Herstellung. Das Schneidern von Militäruniformen und wie diese wiederum das öffentliche Bild der Staatsoberhäupter in Ägypten fabrizieren; historische Fotographien aus Algerien, deren Symbolik durch divergierende Lektüren porös wird; die Produktion eines Films, Ceddo, der wiederum selbst von der Gemachtheit von Religion und deren Verhältnis zur Macht handelt. Geschichte als Geflecht einer geschichteten Ästhetik, die oft mehr verbirgt als sie zeigt. Setting out from different places and objects, these three films address and interrogate the processes of a particular production. The tailoring of military uniforms and how they fabricate the public image of the heads of state in Egypt; historical photographs from Algeria whose symbolism becomes porous amid divergent readings; the production of a film, Ceddo, which in its turn is about the contrived nature of religion and its relationship to power. History as the mesh of a layered aesthetic that often conceals more than it reveals.

L’envers du décors Behind the scenes

Senegal 1981 25', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Paulin Soumanou Vieyra Vieyra bietet die seltene Gelegenheit, Ousmane Sembène und seiner Crew bei der Arbeit zuzuschauen – während der Dreharbeiten zu Ceddo, bei Proben mit den Schauspieler*innen oder im Dialog mit der Cutterin Florence Eymon bei Entscheidungsprozessen während der Montage. Vieyra provides the rare opportunity to watch Ousmane Sèmbene and his crew at work, filming Ceddo, rehearsing with the actors, but also in dialogue with editor Florence Eymon about decision-making processes during editing.

Anbar (Badrawi’s Atelier)

Belgien Belgium 2019 19', Farbe colour, Arabisch mit englischen Untertiteln Arabic with English subtitles Regie Director Jasmina Metwaly Welche Erzählungen sind in die Stoffen, den Schnitt, die Accessoires einer Uniform eingeschrieben? Metwaly unterhält sich mit einem ägyptischen Schneider bei der Arbeit, der sein langjähriges Know-how in Sachen „Power Dressing“ erläutert. Badrawi’s Atelier ist Teil einer Trilogie. Which narrations are inscribed in the fabrics, the cut, the accessories of a uniform? Metwaly is in conversation with an Egyptian tailor at work in his atelier, who explains his longstanding know-how of ‘power-dressing’. Badrawi’s atelier is part of trilogy organised around three different characters.

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Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 4 Programme 4

In der Herstellung In the Making

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 4 Programme 4

6. Mai 14:45 Uhr 6 May 2:45 pm Gloria

Le roman algérien, chapitre 2 The Algerian Novel, Chapter 2

Frankreich, Algerien France, Algeria 2017 34', Farbe colour, Französisch, Arabisch mit englischen Untertiteln French, Arabic with English subtitles Regie Director Katia Kameli Im zweiten Kapitel von Le roman algérien kehren wir zu den Bildern und Aufnahmen aus Kapitel 1 zurück. Durch den sachkundigen Blick zweier wichtiger Zeitgenossinnen, der Philosophin Marie-José Mondzain und der Juristin Wassyla Tamzali, eröffnet sich ein Verhandlungsraum, in dem Geschichte an Dynamik und Komplexität gewinnt. In Chapter 2 of The Algerian Novel, we return to the same images of Chapter 1 through the informed gaze of two major contemporaries: the philosopher Marie-José Mondzain and the lawyer Wassyla Tamzali. Their analyses open up a space of negotiation from which history can regain momentum and complexity.

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6. Mai 21:45 Uhr 6 May 9:45 pm Gloria

Bilder, die in Zwischenzonen gemacht werden, in geographischer oder zeitlicher Distanz, sind womöglich immer out of synch mit den Gegebenheiten, die sie versuchen zu erfassen. Sie beginnen zu flackern, geraten schief, werden durch Musik vervollständigt, zurückgeholt, durch insistierende Loops verstärkt. Was aber, wenn Bild als Konzept gar nicht vorhanden ist, stattdessen sich aber in eine potenziell kollektive Denkfigur übersetzt? Und wie lässt sich ein Film in und über ein Bilderarchiv realisieren, wenn die Bilder selbst nicht zur Verfügung stehen? Images made in intermediate zones, at a geographical or temporal distance, are possibly always out of synch with the circumstances they are trying to record. They begin to flicker, go awry, are rounded off by music, fetched back, reinforced by insistent loops. But what about when image is not even present as a concept and is instead translated into a potentially collective figure of thought? And how can a film made in and about a picture archive be realised when the pictures themselves are not available?

A Third Version of the Imaginary

Kenia, USA Kenya, USA 2012 12', Farbe colour, Swahili mit englischen Untertiteln Swahili with English subtitles Regie Director Benjamin Tiven Der Film zeichnet die Begegnung mit einem ganz besonderen Archiv nach: der Video- und Filmbibliothek der Kenya Broadcasting Corporation in Nairobi, einem der ersten Fernsehsender in Afrika [gegr. 1928]. Wir gingen davon aus, dass diese Bibliothek eine umfangreiche visuelle Geschichte Ostafrikas beherbergen würde. (Benjamin Tiven) The film traces an encounter with a very particular archive: the video and film library of the Kenya Broadcasting Corporation in Nairobi, one of the first television stations in Africa. Our working assumption was that this library would house a vast visual history of East Africa [f. 1928]. (Benjamin Tiven)

Concerto pour un exil Concerto for an Exile

Frankreich France 1968 35mm, 30'30", Schwarzweiß black-and-white, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Désiré Ecaré Mit künstlerisch reizvollen Mitteln stellt dieser Film am Leben einer Gruppe afrikanischer Studenten die Problematik eines Hochschulsystems dar, das auf diese Weise nach seiner sozialen und vitalen Wirksamkeit befragt wird. … Désiré Ecaré ist es gelungen, dieses Problem so zu formulieren, daß der Zuschauer erkennt: Bildungs- und Gesellschaftspolitik sind nicht mehr zu trennen. (Jurybegründung für den Preis des Kultusministers des Landes Nordrhein-Westfalen, Kurzfilmtage Oberhausen 1969) Looking at the lives of a group of African students, this film uses appealing artistic means to depict the problems of a higher education system and ask questions about its social and fundamental effectiveness… Désiré Ecaré succeeds in presenting this problem in such a way that viewers recognise how educational and social policies can no longer be separated from one another. (Jury statement for the Prize of the Minister of Culture of the State of North Rhine-Westphalia, Short Film Festival Oberhausen 1969)

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Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 5 Programme 5

Denkbilder Imaginaries

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 5 Programme 5

6. Mai 21:45 Uhr 6 May 9:45 pm Gloria

Ali au pays de merveilles Ali in Wonderland

Frankreich France 1975 56', Farbe colour, Französisch, Arabisch mit englischen Untertiteln French, Arabic with English subtitles Regie Director Djouhra Abouda, Alain Bonnamy Welches Thema könnte für eine Algerierin, die in Frankreich lebt, wohl beunruhigender sein als Migration? Von Anfang an hatten Alain Bonnamy und ich beschlossen, keine typisch konventionelle Reportage zu drehen, die auf Interviews basiert. Der Diskurs der migrantischen Arbeiter wird stärker, wenn wir sie bei der Arbeit zeigen. Und so habe ich auf die alltäglichen Gesten einen Loop gelegt. (Djouhra Abouda) What subject could be more troubling for an Algerian woman living in France than migration? From the beginning, Alain Bonnamy and I decided not to make a typical, traditional reportage based on interviews. The discourse of migrant workers becomes stronger when we show them at work. I put a loop on the everyday gestures. (Djouhra Abouda)

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7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Gloria

„Wenn es eine Konstante in den Beziehungen zwischen Afrika und dem Westen gibt, dann ist es die, dass unsere Wünsche nie berücksichtigt werden.“ (JP Bekolo) Was auf der Leinwand, den Bildschirmen abwesend ist, was als Geschichte und Alltagsgeschichte ausgeklammert wird, braucht, um Wirksamkeit zu entfalten und um möglichst viele zu erreichen, eben nicht Nische, nicht Arthouse, sondern ein populäres Medium und ein Genre wie die Fernsehserie, oder eine Webserie, vertrieben über einen Youtube Kanal. ‘If there is any constant in the relationship between Africa and the West, it is that our wishes are never taken into account.’ (JP Bekolo) To have an effect and reach as many people as possible, that which is absent on the screen, that which is ignored as history and everyday history, does not need a niche or arthouse medium, but a popular one, and a genre like that of a TV series or a net series, distributed via a YouTube channel.

Polyglot

Le mal du pays Homesickness

Deutschland Germany 2015 10', Farbe colour, Französisch, Englisch mit englischen Untertiteln French, English with English subtitles Regie Director Amelia Umuhire

My Own

Deutschland Germany 2015 14', Farbe colour, Englisch English Regie Director Amelia Umuhire

Das Bewerbungsgespräch The Interview Deutschland Germany 2015 5', Farbe colour, Englisch English Regie Director Amelia Umuhire

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Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 6 Programme 6

Serienformate Serial Formats

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 6 Programme 6

7. Mai 12:30 Uhr 7 May 12:30 pm Gloria

Walabok, Episode 1

Nous Les Noirs (Clips)

Kamerun Cameroon 2021 20', Farbe colour, Französisch, Spanisch, Englisch mit englischen Untertiteln French, Spanish, English with English subtitles Regie Director Jean-Pierre Bekolo Was passiert, wenn ein Filmemacher aus Kamerun nach Kolumbien reist, um die Verflechtungen zwischen Afrika und Lateinamerika zu erkunden? Wer ist das Ich, wer ist der Andere? Ein Fake-Ethnologischer Film über Africolombians. What happens when a filmmaker from Cameroun journeys to Colombia to explore the entanglements of Africa and Latin America? Who is the self, who is the other? A fake ethnology film on Africolombians.

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7. Mai 17:00 Uhr 7 May 5:00 pm Gloria

Integration Report 1

USA 1960 23', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Madeline Anderson Reden, Stimmlagen, Stimmung. Diskriminierung in Worte fassen. Polizeigewalt. Widerstand. Marschieren. Protest. Angespannte, fröhliche, ernste Gesichter, Sonnenbrillen, die Haltung der Frauen, Männer, Kinder. Wie sich eine schwarze Bürgerrechtsbewegung formiert. Und eine solidarische Ansprache des kenianischen Gewerkschafters Tom Mboya. Speeches, voice pitches, mood. Putting discrimination into words. Police violence. Resistance. Marching. Protest. Tense, happy, serious faces, sunglasses, the attitude of women, men, children. How a Black civil rights movement is forming. And a speech in solidarity by the Kenyan trade unionist Tom Mboya.

In the Year of the Quiet Sun

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2013 33'57", Farbe colour, Englisch English Regie Director Otolith Group Die Briefmarken selbst sind interessant: ihr schematisches Design aus der Werbung der 1960er-Jahre und die modernistischen Schriftarten, die sie fest in den amerikanischen Kontext einordnen, in dem sie entstanden sind und verbreitet wurden. Warum, so fragt die Erzählstimme, werden die Symbole der panafrikanischen Befreiung und Entkolonialisierung in der Wall Street entworfen? — Tamar Garb The stamps themselves are interesting: we notice their schematic design of 1960s commercial art and advertising and the modernist fonts which situate them firmly in the American context from which they were generated and distributed. Why, asks the narrator, are the symbols of Pan-African liberation and decolonization designed on Wall Street? — Tamar Garb

Street 66

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2017 13'41", Farbe colour, Englisch English Regie Director Ayo Akingbade Chronik des Lebens der ghanaischen Wohnungsbauaktivistin Dora Boatemah und ihres Einflusses auf die Erneuerung des Angell Town Estate in Brixton, Südlondon. Chronicling the life of Ghanaian housing activist Dora Boatemah and her influence on the regeneration of Angell Town Estate in Brixton, South London.

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Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 7 Programme 7

Nachhall (II) Echos of Beginnings (II)

Thema Theme SYNCHRONIZE! Programm 8 Programme 8

Nachhall (III) Echos of Beginnings (III)

8. Mai 17:30 Uhr 8 May 5:30 pm Lichtburg

Elles The Women

Algerien Algeria 1966 22'35", Schwarzweiß black-and-white, Arabisch, Französisch mit englischen Untertiteln Arabic, French with English subtitles Regie Director Ahmed Lallem Vier Jahre nach der Unabhängigkeit Algeriens diskutiert Ahmed Lallem mit Schülerinnen und fragt sie nach ihren Wünschen und Ansichten. Er nimmt dies zum Anlass, um über den Stand der Emanzipation in der algerischen Gesellschaft nachzudenken. Für wen wurde die „Revolution“ erfunden? Four years after Algerian independence, Ahmed Lallem talks with female high school students and asks them about their wishes, their views. He uses this as an opportunity to reflect on the status of emancipation in Algerian society. For whom was the ‘revolution’ invented?

Archie Shepp à Alger Archie Shepp in Alger

Frankreich, Algerien France, Algeria 1971 17', Schwarzweiß black-and-white, Französisch, Englisch mit englischen Untertiteln French, English with English subtitles Regie Director Théo Robichet Eine besondere Art der Begegnung in der Geschichte des Jazz. Der Film zeigt Archie Shepps Konzert in den Straßen von Algier während des berühmten ersten panafrikanischen Festivals 1969, bei dem der Free-Jazz-Saxophonist mit Jazzgrößen wie Alan Silva, Sunny Murray, Clifford Thornton und Grachan Moncur III improvisierte. One of the most outstanding encounters in the history of jazz. The short film shows Archie Shepp’s concert in the streets of Algiers during the legendary first Pan-African Festival in 1969, where the free-jazz saxophonist improvised with fellow jazz greats Alan Silva, Sunny Murray, Clifford Thornton and Grachan Moncur III.

Le roman algérien, chapitre 3 The Algerian Novel, Chapter 3

Frankreich, Algerien France, Algeria 2019 45', Farbe colour, Französisch, Arabisch mit englischen Untertiteln French, Arabic with English subtitles Regie Director Katia Kameli In diesem Kapitel beruht die Befragung von Geschichte in erster Linie auf Fotografien und Bildern von Marie-José Mondzain und Louiza Ammi sowie auf gefundenem Filmmaterial aus dem Film La Nouba des femmes du Mont Chenoua (1979) von Assia Djebar. Die Methode des erneuten Lesens von Bildern und die Praxis der Fotografie kommen ins Gespräch. In this chapter, the analysis of history is based primarily on photographs or images of Marie-José Mondzain and Louiza Ammi, and on found footage from the film La Nouba des femmes du Mont Chenoua (1979) by Assia Djebar. The method of re-reading images and the practice of photography get into conversation.

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Thema Theme

Solidarität als Störung Epilog 2022 Solidarity as a Disruption Epilogue 2022

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption

Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption

Epilog 2022 Epilogue 2022

Das Themenprogramm Solidarität als Störung hat in den letzten drei Jahren eine Reihe von Transformationen durchlaufen, vom ursprünglichen Konzept für die Pandemiezeit und einer einjährigen Aussetzung über mehrere Anpassungen zur Online-Ausgabe des Festivals 2021 mit mehreren Segmenten bis zu seinem jetzigen Abschluss in Form eines Epilogs, bestehend aus Vorführungen und einem diskursiven Programm. Diese turbulente Reise von der Idee der Solidarität als disruptiver Akt durch ihre verschiedenen Anpassungen und Phasen spiegelt die vielen Veränderungen und Herausforderungen wider, die das Festival und der gesamte Bereich der Kultur und des Kinos in den letzten Jahren durchlaufen haben. Wir werden auf die Macht des Kinos zurückgreifen, um unseren erkenntnistheoretischen Horizont zu verändern und unsere Perspektive von den Mustern zu befreien, die uns von den vorherrschenden Wissens- und Wahrnehmungssystemen vorgegeben werden. Wir erwecken das Festival als Chronotop, als Ort einer neuen Geografie simultaner und heterogener Stimmen – eine spezifische Geschichte einer entstehenden Welt der Solidarität in einer Zeit, die wir durch die Ideen teilen, die in einem Lichtstrom vorbeiziehen. So können wir diese soziale Form wieder aufgreifen, nachdem sie in den vergangenen (?) zwei Pandemiejahren in den digitalen Raum überführt wurde. Das Kino und der Bereich der zeitgenössischen Kunst boten grenzenlose Möglichkeiten für osmotische Experimente zur Erweiterung unseres Wahrnehmungs- und Lernpotenzials. Der Epilog bringt zwei Programme zusammen, die sich an diesen Themen orientieren: Poetische Verwandlungen und Performative Gesten – Lernen (und Vergessen) von

The theme programme Solidarty as Disruption has been transforming over the course of three years from its initial plans through the pandemic period, a delay for a year, then several adaptations to the digital format of the Festival with several segments being realised in 2021, until it is now concluding in the form of an epilogue, consisting of the screenings and a discursive programme. This turbulent travel from an idea of solidarity as disruptive action through its various adaptations and phases reflects the many changes and challenges the Festival and the overall field of culture and cinema went through in the past years. We will go back to the power of cinema to transform our epistemological framework and liberate our perspective from the patterns we are served by the dominant regimes of knowledge and perception. We evoke the Festival as a chronotope, the place of a new geography of simultaneous and heterogeneous voices, a specific history of an emerging world of solidarity in the time we share through the ideas passing in a flux of light, so we can revisit this social form after its transposition into a digital space for the (past?) two pandemic years. The cinema and the field of contemporary art offered limitless possibilities for osmotic experiments in expanding of our potential to perceive and learn. The Epilogue brings together two screening programmes oriented towards these themes: Poetic Transformations and Performative Gestures – (Un)learning from…, relying on cinema as a space of time spent together. The programme Poetic Transformations will offer a diachronically set journey to review the potentiality of art and cinema in times of the global transformations which today

¿Qué es para usted la poesía

Početnica

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Parada

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Ashes

threaten to revise the histories of political emancipation. The film programme explores artistic potential, imagination and social transformations; it deploys the common time together with poetry, music and visual art compositions, and opens up the possibility for a reset of our sensibilities – with works by Cecilia Vicuña, Katarina Zdjelar, Laida Lertxundi, Apitchapong Weerasethakul and Bojana Marjan. Cecilia Vicuña’s What is poetry to you? takes us to a deep reflection on poetry and emancipation in a form of cinematic poetry; so does Katarina Zdjelar in her My Lifetime (Malaika), where we let the music to be our guide in that process. The film Ashes by Apichatpong Weerasethakul challenges our perception through experimental cinematic techniques so that we can rediscover the otherwise fragmented experience of social struggles and communities, and Laida Lertxundi defragments the social and emotional connections with nature spread through the otherwise imperceivable-as-common space. The programme Performative Gestures – (Un)learning from…will take us to a discussion about the relationships between freedom, society and art from a point of (un)learning, through the destabilization of notions limited by petrified definitions (Mladen Stilinović, Zoran Popović, StraubHuillet, Vladimir Kristl), bringing together films that question concepts and methods, contradictions and resistance – gestures of (de)instituting, (un)learning and the wider context of institutional critique. Primer 1, 2, 3 (1973), a short experimental film by Mladen Stilinović introduces us to the programme. Including a message for the audience, the film begins with an intertitle ‘Please read the text aloud’. By recreating the experience of watching together, the Primer requires a certain activity from the viewers; it counts on the human voice. By means of the instruction to read aloud, the film is conceived as an interactive experience that liberates the cinema viewer. Clashes with authority and control, forms of resistance to institutions are further explored in different ways in the works by Straub-Huillet, Vladimir Kristl and Zoran Popović. A rebellious boy, a mass of bodies in public space in a collective performance of utopian revolutionary potential staged as a metanarrative construction of a film production set, and an artist film structured in a series of performative actions with appearances by such figures as Kathryn Bigelow or Mel Ramsden of the Art & Language group question the art system, the institutions that frame it and points of interaction between art and society. Our discussion can start in a forum, a city square, and its contingencies, as we saw them march alongside the pre-

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption

…. Sie schauen auf das Kino als einen Raum der gemeinsam verbrachten Zeit. Das Programm Poetische Verwandlungen lädt ein zu einer diachronen Reise, um das Potenzial von Kunst und Kino in Zeiten globaler Transformationen auszuloten; Transformationen, die heute die Geschichte der politischen Emanzipation zu revidieren drohen. Das Filmprogramm erforscht das künstlerische Potenzial, die Vorstellungskraft und die sozialen Transformationen, es setzt die gemeinsame Zeit zusammen mit Poesie, Musik und bildnerischen Kompositionen ein und eröffnet die Möglichkeit eines Neustarts unserer Sensibilität – mit Werken von Cecilia Vicuña, Katarina Zdjelar, Laida Lertxundi, Apichatpong Weerasethakul und Bojana Marijan. Cecilia Vicuñas ¿Qué es para usted la poesía führt uns zu einer tiefen Reflexion über Poesie und Emanzipation in Form von filmischer Poesie, ebenso wie Katarina Zdjelar in ihrem My Lifetime (Malaika), bei dem uns die Musik in diesem Prozess begleitet. Der Film Ashes von Apichatpong Weerasethakul fordert unsere Wahrnehmung durch experimentelle filmische Techniken heraus, sodass wir die ansonsten fragmentierte Erfahrung sozialer Kämpfe und Gemeinschaften wiederentdecken können, und Laida Lertxundi defragmentiert die sozialen, emotionalen und naturverbundenen Zusammenhänge, die sich in einem ansonsten nicht wahrnehmbaren gemeinsamen Raum ausbreiten. Das Programm Performative Gesten – Lernen (und Vergessen) von … lädt ein zu einer Diskussion über die Beziehungen von Freiheit, Gesellschaft und Kunst vom Standpunkt des (Ver-)Lernens aus, durch die Destabilisierung der Begriffe, die durch versteinerte Definitionen begrenzt sind (Mladen Stilinović, Zoran Popović, Straub/Huillet, Vladimir Kristl). Hier kommen Filme zusammen, die Konzepte und Methoden, Widersprüche und Widerstand infrage stellen – Gesten des Eröffnens und Verschließens, des (Ver-)Lernens und des weiteren Kontextes der Institutionskritik. Početnica 1, 2, 3 (1973), ein kurzer Experimentalfilm von Mladen Stilinović, führt uns in das Programm ein. Der Film enthält eine Botschaft an das Publikum und beginnt mit dem Zwischentitel „Bitte lesen Sie den Text laut vor“. Indem Početnica die Erfahrung des gemeinsamen Zuschauens nachstellt, verlangt er vom Publikum eine bestimmte Handlung: die menschliche Stimme. Durch die Aufforderung zum lauten Lesen wird der Film zu einer interaktiven Erfahrung, die den Kinobesucher befreit. Die Auseinandersetzung mit Autorität und Kontrolle und Formen des Widerstands gegen die Institutionen werden in den Werken von Straub/Huillet, Vladimir Kristl und Zoran Popović auf unterschiedliche Weise weiter erforscht. Ein rebellischer Junge, eine Masse von Körpern im öffentlichen Raum in einer

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption

East Side Story

kollektiven Performance mit utopisch-revolutionärem Potenzial, inszeniert als metanarrative Konstruktion eines Filmproduktionssets, und ein Künstlerfilm, der als eine Reihe von performativen Aktionen mit Auftritten von Kathryn Bigelow oder Mel Ramsden von der Art & Language strukturiert ist, hinterfragen das Kunstsystem, die Rahmeninstitutionen und den Sinn der Interaktion von Kunst und Gesellschaft. Den Ausgangspunkt unserer Diskussion kann das öffentliche Forum, der städtische Platz mit all seinen Möglichkeiten, aber auch Unwägbarkeiten bilden – in Dušan Makavejevs Parada wohnen wir den Bewegungen abseits der penibel choreografisch strukturierten Rituale bei, Joyce Wieland fängt den Rhythmus solidarischer Bewegung ein und in Igor Grubićs East Side Story sehen wir, wie der öffentliche Raum durch das körperliche Erinnern am Originalschauplatz einer Bewegung zurückerobert wird. Branka Benčić und Aleksandra Sekulić Branka Benčić ist Kunsthistorikerin, Kuratorin und Leiterin des Museums für moderne und zeitgenössische Kunst in Rijeka, Kroatien. Sie hat Ausstellungen und Filmprogramme in Kroatien sowie international kuratiert. Sie war künstlerische Leiterin des Apoteka – Space for Contemporary Art, kuratierte die Reihe Artists Cinema am Museum für zeitgenössische Kunst in Zagreb und das Programm Cinemaniac Think Film auf dem Filmfestival von Pula, Kroatien. Sie war Kuratorin des kroatischen Pavillons auf der 57. Biennale von Venedig (2017). Aleksandra Sekulić ist Literaturwissenschaftlerin und -philologin, Programmkuratorin am Center for Cultural Decontamination (CZKD) in Belgrad und Chefredakteurin der Zeitschrift Beton. In den 2000er-Jahren war sie Programmkuratorin und Filmproduzentin am Belgrader Academic Film Center und Mitglied der Low-Fi-Videobewegung, des Projekts Media Archaeology und des Kollektivs Kosmoplovci in Belgrad. Gemeinsam und einzeln kuratierten sie Ausstellungen und Diskussionen und publizierten zum Erbe des experimentellen Kinos, früher Videoproduktionen und Filmclubs im ehemaligen Jugoslawien.

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dicted, choreographically structured rituals in Dušan Makavejev’s Parade or the rhythm of solidarity movement by Joyce Wieland, and see how public space is regained by in situ memory of movement in East Side Story by Igor Grubić. Branka Benčić und Aleksandra Sekulić Branka Benčić is a curator and art historian and director of the Museum of Modern and Contemporary Art in Rijeka, Croatia. She has curated exhibitions and screenings in Croatia and internationally. She served as artistic director at the Apoteka Space for Contemporary Art and curated the Artists Cinema series at the Museum of Contemporary Art Zagreb and the Cinemaniac Think Film programme at the Pula Film Festival. She curated the Croatian Pavilion at the 57th Venice Biennale (2017). Aleksandra Sekulić is a philologist of general literature and theory of literature, the programme curator at the Centre for Cultural Decontamination (CZKD) in Belgrade and co-editor of Beton magazine. In the 2000s, she was a programme curator and film producer at the Academic Film Center in Belgrade and a member of the Low-Fi Video movement, the Media Archaeology project and the Kosmoplovci collective in Belgrade. Together and individually, they have curated exhibitions and discussions and published essays on the heritage of experimental cinema, early video production and film clubs in former Yugoslavia.

Wir möchten uns ganz herzlich bei allen Beteiligten für ihr Engagement und ihre Hilfe bedanken. Ohne ihre Unterstützung hätte dieses Programm nicht realisiert werden können. We would like to thank everyone involved for their commitment and help. This programme could not have been realised without it. Vorführkopien mit freundlicher Genehmigung von Screening copies courtesy of the Archive of Jugoslovenska kinoteka BELVA Film DELTA VIDEO d.o.o. Deutsche Kinemathek – Museum für Film und Fernsehen Electronic Arts Intermix Light Cone Museum of Contemporary Art Provincial Secretariat for Culture, Public lnformation and Relations with Religious Communities, Novi Sad und den Filmemachern und Künstlern and the filmmakers and artists

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Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption

Dank Acknowledgements

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption Programm 1 Programme 1

Performative Gesten Performative gestures Lernen (und Vergessen) von … (un) learning from…

7. Mai 22:30 Uhr 7 May 10:30 pm Sunset

Kunst, Literatur, Film und deren Politik werden von ihren Institutionen gerahmt und manifestieren sich als Produktion eines variablen Beziehungsgeflechts, das durch die Aufrechterhaltung politischer und ideologischer Machtverhältnisse oder den Widerstand gegen ebendiese verwoben ist. Wir beginnen mit Mladen Stilinovićs Wiederherstellung der Gemeinschaft im Kino und fahren fort mit Filmen, die Konzepte und Methoden, Widersprüche und Widerstand infrage stellen – Gesten der (De-)Institutionalisierung, des (Ver-)Lernens und des weiteren Kontextes der Institutionskritik. Art, literature, film and their politics are framed by their institutions, and manifested as a production of a variable set of relationships, intertwined by the functioning of political and ideological relations of power or resistance to them. We start with reconstituting the community in cinema with Mladen Stilinović, and continue with films that question concepts and methods, contradictions and resistance – gestures of (de)instituting, (un)learning and wider context of institutional critique.

Početnica 1, 2, 3 Primer 1, 2, 3

Jugoslawien Yugoslavia 1973 5'28", Schwarzweiß black-and-white, Serbisch Serbian Regie Director Mladen Stilinovic Početnica 1, 2, 3 ist ein interaktiver Experimentalfilm in drei Akten, in denen der Künstler die Zuschauer*innen Worte und Bilder aus dem Film laut vorlesen lässt. Hierdurch entsteht ein Gemeinschaftsprojekt. Nahaufnahmen aus dem ersten Teil zeigen Werbeschilder an Geschäften, die als Tatsachen präsentiert werden. Das Gedicht löst sich in kurzen Einstellungen in Wörter und Buchstaben auf. Die Fabel enthält schließlich eine Moral, eine Botschaft über Macht. Primer 1, 2, 3 is an experimental ‘interactive’ film in three parts in which the artist asks the viewers to read aloud words and images from the film, thereby creating a joint work. Close-ups in the first part show advertising signs located above shops, which he treated as a collection of facts; his poem is dissolved into words and letters in short takes; and the fable at the end carries a moral, a message about power.

En rachâchant

Frankreich France 1983 7'39", Schwarzweiß black-and-white, Französisch mit deutschen Untertiteln French with German subtitles Regie Director Jean-Marie Straub, Danièle Huillet En rachâchant beruht auf der Kurzgeschichte Ah! Ernesto! (1971) von Marguerite Duras. Das Kind Ernesto möchte nicht mehr zur Schule gehen, da er dort nur Dinge lernt, die er nicht kennt. En rachâchant is based on the short story Ah! Ernesto! (1971) by Marguerite Duras, in which the child Ernesto does not want to go to school anymore as all that he is taught are things he does not know.

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Arme Leute

Deutschland Germany 1963 12', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Vladimir Kristl Menschen jagen einem Topf voller Gold hinterher, der möglicherweise leer und auch kein Topf mehr ist. Das Wichtigste: Sie suchen wie besessen nach etwas, von dem sie glauben, es würde alles ändern. Das tut es nicht, zumindest nicht wie erwartet. People run after a pot full of gold that is perhaps empty and possibly not even a pot anymore. The important thing is: completely obsessed, they run after something that they believe will change something. But it doesn’t. Not in that way.

Struggle in New York

USA 1976 56'30", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Zoran Popović Struggle in New York wurde im Oktober und November 1976 in New York gedreht. In seinen zwölf Teilen dreht sich der Film um das Thema „Kunst und Gesellschaft“ mit einer deutlichen antikapitalistischen Botschaft. Struggle in New York was shot in October and November 1976 in New York. The film consists of 12 parts organised around the subject of ‘art and society’, with a strong anti-capitalist message.

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Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption Programm 1 Programme 1

7. Mai 22:30 Uhr 7 May 10:30 pm Sunset

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption Programm 2 Programme 2

Poetische Verwandlungen Poetic Transformations

8. Mai 22:15 Uhr 8 May 10:15 pm Lichtburg

Das Programm widmet sich den Möglichkeiten der künstlerischen Praxis, das Unsichtbare sichtbar zu machen und die Sprache der Kunst und des Kinos zu emanzipieren, um komplexe Veränderungen zu denken und zu fühlen – von der filmischen Poesie in der Arbeit von Vicuña über die Empathie von Zdjelars My Lifetime (Malaika) oder die Defragmentierung von Lertxundi und Weerasethakul bis hin zur humorvollen öffentlichen Selbstreflexion von Marijan. The programme is dedicated to envisioning the potentialities of the artistic practice as an opportunity to render visibility to the invisible, emancipate the language of art and cinema to think and feel the complex changes. The work of Vicuña as a cinematic poetry, through the empathy of Zdjelar’s My Lifetime (Malaika), defragmentation by Lertxundi and Weerasethakul, to the humurous public self-reflection by Marijan.

¿Qué es para usted la poesía What Is Poetry to You?

Kolumbien Colombia 1980 23', Farbe colour, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Cecilia Vicuña Die chilenische Künstlerin und Dichterin Cecilia Vicuña fragt Bettler, Prostituierte, Polizisten und Passanten: „Was heißt Poesie für Sie?“ Die vielen überraschenden Antworten offenbaren die vielfältige mündliche Kultur in Bogotá, Kolumbien. Chilean artist and poet Cecilia Vicuña asks beggars, prostitutes, policemen and passers-by ‘What is poetry to you?’ The surprising answers she gets reveal the richness of the oral culture in Bogotá, Colombia.

Vesela klasa Merry Working Class

Jugoslawien Yugoslavia 1969 35mm, 13', Schwarzweiß black-and-white, Serbisch mit deutschen Untertiteln Serbian with German subtitles Regie Director Bojana Marijan Arbeiter in ihrer Freizeit. How workers spend their free time.

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Words, Planets

USA 2018 10'50", Farbe colour, Mandarin, Spanisch, Englisch Mandarin, Spanish, English Regie Director Laida Lertxundi Dieser Film wendet die sechs Kompositionsprinzipien an, die der chinesische Maler Shih-T’ao im 18. Jahrhundert in seinem Werk Aufgezeichnete Worte des Mönchs Bittermelone zur Malerei formulierte und auf die Raúl Ruíz in seinem Essay Für ein schamanisches Kino Bezug nimmt (zum Beispiel „die Aufmerksamkeit auf eine Szene lenken, die aus einem statischen Hintergrund hervortritt“ oder „der Unbeweglichkeit eine verstreute Dynamik verleihen“). Der Film besteht aus Szenen mit Nichtschauspielern und Texten von Ronald D. Laing und Lucy Lippard. This film applies the six principles for composition delineated in Opinions on Painting by the Monk of the Green Pumpkin, written by the eighteenth-century Chinese painter Shih-T’ao as referenced in Raúl Ruíz’s essay For a Shamanic Cinema (for example, ‘draw attention to a scene emerging from a static background’ or ‘add scattered dynamism to immobility’). The film is composed of scenes with non-actors and texts by R.D. Laing and Lucy Lippard.

My Lifetime (Malaika)

Niederlande Netherlands 2012 5'37", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Katarina Zdjelar My Lifetime (Malaika) wurde mit dem National Symphony Orchestra Ghana im Nationaltheater in Accra aufgenommen. Die Musiker spielen Malaika, ursprünglich eine fröhliche und ermutigende postkoloniale Komposition, die von berühmten Musikern wie Miriam Makeba, Harry Belafonte, Boney M. und vielen anderen gespielt wurde. My Lifetime (Malaika) features Ghana’s National Symphony Orchestra recorded in the National Theatre in Accra. The musicians play Malaika, originally a cheerful and empowering postcolonial composition that was famously performed by musical celebrities like Miriam Makeba, Harry Belafonte, Boney M. and many others.

Ashes

Thailand, USA 2012 20'18", Farbe colour, Thailändisch mit englischen Untertiteln Thai with English subtitles Regie Director Apichatpong Weerasethakul Weerasethakul filmte Ashes mit einer LomoKino, einer damals neuen, billigen und einfach zu bedienenden 35-mm-Kamera. Die holprigen Bilder wirken wie ein Heimvideo, die schnellen Schnitte unterscheiden sich von den langsamen, meditativen Bildern vieler anderer Filme von Weerasethakul. Inhaltlich kontrastiert er ländliche, intime Alltagsszenen mit den dunklen Seiten der gesellschaftlichen Realität in Thailand. Weerasethakul filmed Ashes with a LomoKino, a then new, cheap and easyto-use 35 mm camera. The bumpy images look like a home video; the fast cuts differ from the slow, meditative images of many of his films. In terms of content, he contrasts rural, intimate everyday scenes with the darker sides of social reality in Thailand.

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Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption Programm 2 Programme 2

8. Mai 22:15 Uhr 8 May 10:15 pm Lichtburg

Thema Theme Solidarität als Störung Solidarity as a Disruption Programm 3 Programme 3

Diskussion und Vorführung Discussion and screening

9. Mai 12:30 Uhr 9 May 12:30 pm Gloria

Solidarität, Störung und Eventualität Solidarity, Disruption and Contingency

Diskussion Diskussion Von By Aleksandra Sekulić, Branka Benčić Mit With Tanja Vrvilo, Igor Grubić Wie sehen wir die Solidarität, jetzt, wo die Unvorhersehbarkeit scheinbar zurück ist? Die Rückeroberung des öffentlichen Raums und des gemeinsamen Gedächtnisses der emanzipatorischen Politik. How do we see solidarity, now that contingency is seemingly back? The reclaiming of the public space and common memory of emancipatory politics.

Parada Parade

Jugoslawien Yugoslavia 1962 11', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Dusan Makavejev Festzug in Belgrad am 1. Mai, aus einer anderen Perspektive gefilmt. 1st of May parade in Belgrade, shot from a different perspective.

Solidarity

Kanada Canada 1973 16mm, 11', Farbe colour, Englisch English Regie Director Joyce Wieland Ein Film über den Dare-Streik in den frühen 1970er-Jahren. Hunderte von Füßen und Beinen, die sich bewegen, marschieren und Streikposten aufstellen, wobei das Wort „Solidarität“ eingeblendet wird. Zu hören ist die Rede eines Organisators über die Situation der Arbeiter. A film on the Dare strike of the early 1970s. Hundreds of feet and legs, milling, marching and picketing with the word ‘solidarity’ superimposed on the screen. The soundtrack is an organiser’s speech on the labour situation.

East Side Story

Kroatien Croatia 2008 14', Farbe colour, Kroatisch mit englischen Untertiteln Croatian with English subtitles Regie Director Igor Grubić Der Dokumentarfilm stellt Fernsehaufnahmen von zwei verschiedenen GayPride-Veranstaltungen, die 2001 in Belgrad und 2002 in Zagreb stattgefunden haben, einer tänzerischen Nachstellung dieser Aufnahmen gegenüber. The documentary film juxtaposes television footage taken from two separate gay pride events that took place in Belgrade in 2001 and in Zagreb in 2002, with a re-enactment of that footage through the medium of dance.

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Profile Profiles

Profile Profiles Rainer Komers

Verfolgende Kamera, fotografische Kamera Monitoring camera, photographic camera

Gegen Ende der 90er-Jahre, mit Mitte fünfzig, begriff sich Rainer Komers erstmals als Autor. Wenn er davon erzählt, klingt es, als sei ihm diese Erkenntnis recht plötzlich gekommen; in seinem Atelier im Mülheimer Schloss Styrum, drei Jahrzehnte Ausbildung und Praxis in Grafik, Film und Fotografie im Rücken. „Beeinflusst von Benjamin und Warhol, im ‚Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit‘, wollte ich kein Künstler und kein Zuarbeiter des Kunstmarktes sein. Hinzu kamen antibürgerliche Reflexe, die mich von Sektgläser-in-den-Händenhalten-Stehpartys in sterilen White Cubes fernhielten. Meine Medien waren das von mir entworfene und gedruckte Plakat auf der Straße und der Film auf der silbernen Leinwand oder dem Bildschirm – alles barrierefrei, reproduzierbar und für jedermann zugänglich. Später kamen auf Brottüten gedruckte Gedichte dazu (Auflage: 85 000).“[1] Das muss man erst einmal verstehen. Bezeugt nicht jeder Film, der eine Handschrift verrät, jedes seriöse Kunstwerk und jeder Text, der etwas taugt, Autor*innenschaft? Attestiert nicht die „politiques des auteurs“ der Filmkritik diese nicht schon seit den Fünfzigerjahren auch Studioregisseuren in Hollywood? Etwas aber hinderte Rainer Komers offensichtlich daran, sich hinter der Kamera als vollwertiger Autor zu fühlen: das Primat von Sendeformaten, eine bestimmte, arbeitsteilige Arbeitsweise und der beobachtende, dialoglastige Dokumentarstil des Direct Cinema, der seit Jahrzehnten tonangebend im anspruchsvollen Dokumentarfilm war.

Die Misshandlung des Fritz Hofstatt

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Rainer Komers’ Weg zum künstlerischen Dokumentarfilm Rainer Komers’ path to artistic documentary film

At the end of the 1990s, in his mid-50s, Rainer Komers began to see himself as an auteur. When he speaks about this, it sounds as though the realisation came to him very suddenly: in his studio in Mülheim’s Styrum Castle, with three decades of training and practice in graphic art, film and photography behind him. ‘Influenced by Benjamin and Warhol, in the “age of technological reproducibility”, I did not want to be an artist or assistant to the art market. There were also anti-bourgeois reflexes that kept me away from stand-up champagne-glass-in-hand parties in sterile white cubes. My media were the posters on the street that I had designed and printed, and film on the silver screen or TV screen – all barrier-free, reproducible and accessible to all. Later, there were poems printed on sandwich bags (edition: 85,000).’[1] This is hard to grasp at first. Isn’t authorship attested to by every film that displays an original thumbprint and by every serious work of art and text that is worth anything? Hasn’t the auteur theory ascribed authorship even to studio directors in Hollywood since the 1950s? But something obviously prevented Rainer Komers from feeling like a fully-fledged auteur when standing behind the camera: the primacy of broadcasting formats, a certain collaborative way of working and the observing, dialogue-heavy documentary style of direct cinema, which dominated for decades in the field of highbrow documentary film. As late as 1989, he had, with Klaus Helle, created an almost archetypal example of this style with Erinnerung an Rheinhausen, a full-length film bearing witness to structural transformation. Then, with his street trilogy ErdBewegung (B 244, 1999; Nome Road System, 2004; NH2, 2004), Komers made a radical U-turn: his camera no longer monitored events but rather captured reality in a photographic manner; noise compositions replaced the spoken word. This new documentary school, which at last allowed Komers to experience an autonomy similar to that in his work as a poet, has, in fact, an even longer history than direct cinema. Anyone tracing it back will touch on Andy Warhol’s Screen Tests and Joris Ivens’ Regen and finally come to the minimalistic world encyclopaedia of the Lumière brothers. It is a type of cinema that, in the same way as great photography, does not differentiate between art and documentation. Like the late great Mülheim filmmakers in his circle of friends, Werner Nekes, Dore O. and Christoph Schlingensief, Rainer Komers found himself as a filmmaker by inventing his own cinema. But, of course, it was not invented in a day.

B 244

Now, for the first time, the first films that Rainer Komers made before and during his time as a student can be seen. Perhaps Komers later had to detect something in his own works that he could shake off in an act of liberation to be able to appreciate the freedom that is already present but unrecognised in these films. You Will Buy (1967) is experimental film as a cinema of attractions. Expressive images in motion, tracks and a goods train recall the predilections of the film avant-garde in the 1920s, and colourful poster and advertising motifs cut into the black-and-white film bring to mind those of pop art (in many filmographies there is the title Nebengleise, apparently the same subject). In between there are scenes of rural wasteland in which a horror film could be set; the dadaist rhythm is reminiscent of Hans Richter’s Vormittagsspuk. Death then really does put in an appearance in the guise of a pet cat filmed with the patience of an animal film; it has fun with the mouse it has caught long after the latter has ceased to live. With its 16-minute duration, this work by the 22-year-old filmmaker has the same ambitious length as the experimental film debut of his school friend Werner Nekes, Fehlstart, made around the same time. It was the heyday of experimental film, but Komers was obviously not drawn to the special festival in Knokke as were Nekes, Dore O. and the Düsseldorfer Lutz Mommartz, an event where they scored great successes. In 1965, in Kettwig, he had already done the camerawork for the silent documentary film Tom Doyle and Eva Hesse, later claimed by Nekes – the only film document of any length

Zigeuner in Duisburg

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Profile Profiles Rainer Komers

Mit dem abendfüllenden Zeugnis des Strukturwandels Erinnerung an Rheinhausen hatte er noch 1989 gemeinsam mit Klaus Helle ein geradezu archetypisches Beispiel dieses Stils geschaffen. Mit seiner Straßentrilogie ErdBewegung (B 244, 1999; Nome Road System, 2004; NH2, 2004) vollzog Komers dann eine radikale Umkehr. Seine Kamera verfolgte kein Geschehen mehr, sie fasste die Wirklichkeit stattdessen fotografisch ein; Geräuschkompositionen ersetzten das gesprochene Wort. Diese neue dokumentarische Schule, die Komers endlich eine seiner Arbeit als Lyriker vergleichbare Autonomie erleben ließ, hat indes eine noch längere Geschichte als das Direct Cinema. Wer sie zurückverfolgt, streift auf dem Weg Andy Warhols Screen Tests und Joris Ivens’ Regen und gelangt schließlich zur minimalistischen Weltenzyklopädie der Brüder Lumière. Es ist ein Kino, das wie große Fotografie nicht unterscheidet zwischen Kunst und Dokument. Wie die großen verstorbenen Mülheimer Filmemacher in seinem Freundeskreis, Werner Nekes, Dore O. und Christoph Schlingensief, fand sich Rainer Komers als Filmemacher, indem er sein eigenes Kino erfand. Nur wurde es natürlich nicht an einem einzigen Tag erfunden. Zum ersten Mal sind nun die ersten Filme zu sehen, die Rainer Komers noch vor und während seines Studiums gedreht hat. Vielleicht musste Komers später etwas im eigenen Werk ausmachen, das er befreiend abschütteln konnte, um die Freiheit zu schätzen, die unerkannt schon in diesen Filmen steckt. You Will Buy (1967) ist Experimentalfilm als Kino der Attraktionen. Expressive Fahraufnahmen, Gleise und ein Güterzug erinnern an die Vorlieben der Filmavantgarde der Zwanzigerjahre; in den Schwarz-Weiß-Film eingeschnittene farbige Plakat- und Werbemotive an die der Pop-Art (in manchen Filmografien steht der Titel Nebengleise, offenbar das gleiche Sujet). Dazwischen Schauplätze ländlicher Einöde, in denen sich ein Horrorfilm abspielen könnte, der dadaistische Rhythmus erinnert an Hans Richters Vormittagsspuk. Der Tod hat dann tatsächlich seinen Auftritt in Gestalt einer mit der Geduld des Tierfilms beobachteten Hauskatze, die sich mit ihrem Mäusefang weit über dessen Ableben hinaus vergnügt. Mit 16 Minuten hat das Werk des 22-Jährigen die gleiche ambitionierte Laufzeit wie das um dieselbe Zeit entstandene Experimentalfilmdebüt seines Schulfreundes Werner Nekes, Fehlstart. Es war die Blütezeit des Experimentalfilms, doch offensichtlich zog es Komers nicht wie Nekes, Dore O. oder den Düsseldorfer Lutz Mommartz zum Spezialfestival in Knokke, wo sie große Erfolge feierten. Bereits 1965 hatte er in Kettwig den später von Nekes reklamierten stummen Dokumentarfilm Tom Doyle und Eva Hesse fotografiert, das einzige längere Filmdokument der früh verstorbenen Künstlerin: In leuchtenden Farbaufnahmen erfasst Komers die junge Hesse im Moment ihres entscheidenden kreativen Aufbruchs. Vielleicht stellte sich schon hier eine erste Weiche in seinem späteren Filmwerk – ein Interesse für dokumentarische Porträts von Menschen und Orten; reinen Experimentalfilm wird er anderen überlassen. Nachdem Komers die nächsten Jahre künstlerisch vorrangig dem Siebdruck widmete, drehte er 1972 den Kurzfilm Wissen wie der Hase läuft. Was sich auf den ersten Blick als Porträt eines Düsseldorfer Werbemannes präsentiert, ist eine ironische Miniatur über den Konsumkapitalismus. Die Ideologie seiner Auftraggeber beim Parteifilm Bottrop: Nützt dem Bürger eine DKP-Fraktion im Rathaus? (1975, zusammen mit Reinald Schnell) teilte er dagegen durchaus. Es ist Komers’ erster Versuch im Direct-Cinema-Stil und aus heuti-

Profile Profiles Rainer Komers

480 Tonnen bis Viertel vor zehn

ger Sicht ein bedeutendes Dokument – als eines der wenigen filmischen Zeugnisse der Bürgerarbeit einer vom öffentlichrechtlichen Fernsehen kaum repräsentierten Partei. Komers nutzte die Gelegenheit, gestalterisch unabhängig zu arbeiten. Im Wintersemester 1975 begann er sein Studium in der Filmklasse der Düsseldorfer Kunstakademie. Ihr Leiter, der dänische Kameramann Ole John Povlsen, war mit dem Kurzfilm Det perfekte menneske (1967, Jørgen Leth) bekannt geworden, der Lars von Trier später zu seinem Essayfilm The Five Obstructions (2005) inspirierte. Ole Johns Berufung verortete den Dokumentar- und Essayfilm an der Schnittstelle zwischen dem Filmfestivalkontext und der bildenden Kunst. Rainer Komers gehörte neben Erwin Michelberger zu seinen letzten Studierenden. Er erinnert sich im Gespräch: „Schon nach meinem ersten Semester wurde der Vertrag von Ole John nicht mehr verlängert. Wir waren ohne Lehrer. Die Akademieleitung unter Norbert Kricke wollte der Klasse einen ‚künstlerischen Kurswechsel‘ aufzwingen, gegen den wir uns ein Jahr lang heftig gewehrt haben, u. a. weil wir mehrheitlich Dokumentarfilm machen wollten. Zwischenzeitlich wurde Ursula Wevers als Dozentin berufen, die eng mit Gerry Schum zusammengearbeitet hat, und von Gerhard Richter, damals Professor an der Akademie, wurde der Satz kolportiert: ‚Film ist ein Abfallprodukt der bildenden Kunst‘.“ Die Schnittstelle zwischen Dokumentarfilm und Kunst, an der Ole Johns Klasse operierte, mag rückblickend als ein für Komers’ Werk prägendes Spannungsfeld erscheinen. Damals allerdings fehlte im Kunstbetrieb – ähnlich wie in der Fotografie – noch weitgehend die Wertschätzung dieser Zwischen-

„Zigeunerdorf“ im Gleisdreieck

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about this artist, who died early. Komers captures the young Hesse at the moment of her decisive creative breakthrough. Perhaps this is already a first harbinger of a tendency found in his later films – an interest in documentary portraits of people and places; he was going to leave pure experimental film up to others. After focusing primarily on screen printing in his artistic work for the next few years, in 1972 Komers made the short film Knowing How the Wind Blows. At first, this gives the appearance of being a portrait of a Düsseldorf advertising consultant, but in fact it is an ironic miniature about capitalism. In the political-party film Bottrop: Will DKP Representation in the Town Hall Benefit Citizens? (1975, along with Reinald Schnell), however, he very much shares the ideology of those who commissioned it. It is Komers’ first attempt at the direct cinema style and an important document from today’s point of view as one of the few testimonies on film to the civic activities of a party that was barely represented on publicservice television. Komers used this opportunity to put into practice his own artistic concepts. In the winter semester of 1975, Komers began studying in the film class at the Düsseldorf Kunstakademie. It was headed by the Danish cameraman Ole John Povlsen, who had made a name with the short film Det perfekte menneske (1967, Jørgen Leth), which was later to inspire Lars von Trier to make his essay film The Five Obstructions (2005). His appointment placed documentary and essay film at the interface between the film festival context and the visual arts. Rainer Komers was one of Ole John’s last students, along with Erwin Michelberger. In an interview, he recalled: ‘Ole John’s contract was not renewed after my very first semester. We were without a teacher. The academy heads under Norbert Kricke wanted to impose an “artistic change of course” on the class, something we fiercely fought against for a year, partly because most of us wanted to make documentary films. In the meantime, Ursula Wevers, who worked together closely with Gerry Schum, was appointed as a lecturer, while Gerhard Richter, who was a professor at the academy at the time, was rumoured to have said the sentence: “Film is a waste product of the fine arts.”’ In retrospect, the interface between documentary film and art where Ole John’s class operated might seem to have informed the dynamics of Komers’ work. But back then, the art scene – like photography – largely lacked any appreciation for these nuances. It was only in 2020 that Komers dug up his 8mm film made at the time, Am Femund-See. Seen from

Daniel Kothenschulte Daniel Kothenschulte ist Autor, Kurator und Dozent für Filmund Kunstgeschichte an verschiedenen Hochschulen. Als Buchautor hat er u. a. Hollywood in den 30er Jahren (mit Robert Nippoldt, Gerstenberg Verlag, 2010) und The Art of Pop Video (hrsg. mit Michael P. Aust Gestalten, 2011) veröffentlicht. Er ist Begründer der Reihe Videonale.scope in Köln. Außerdem betätigt er sich als Stummfilmpianist.

Tor 2

today’s perspective, it is a textbook example of how to make an artistic documentary film. Without sound, it develops its own lyrical rhythm from an observation of nature. Komers: ‘“Femund” was screened in 1976 during the public exhibition held each semester. I myself couldn’t take part because I was sick at home with the flu. Professors who saw it criticised it as “unartistic, an amateur holiday film, out of place in an art academy” – that’s what I was told later. A year later, “Femund” was shown at an artist-run gallery in Mülheim, where Klaus Wildenhahn saw it, got in contact with me and hired me as cameraman for the film “Tor 2”.’ Komers’ return to the political documentary film in 1980 marked the start of another theme running through his works: his engagement for discriminated ethnic minorities. Zigeuner in Duisburg won the critics’ award in Oberhausen and is Komers’ first masterpiece. The expulsion of the protagonists from a square in Duisburg prompts several generations to speak about what they have suffered in the past. Speaking of his later film style, Komers was to say that he replaced the ‘monitoring’ camera with the ‘photographic’ camera, but here he shows he was already in possession of this method. The necessity of keeping the editing ratio low led to reduced but generous portrait shots that give the protagonists space and dignity. In 1979, Nam June Paik was appointed to the Kunstakademie, accomplishing the artistic change of course. During a later semester exhibition, this important video artist saw Zigeuner in Duisburg. Komers recalled: ‘This time I was there. His reaction: “I slept well during the film, and the gypsies of Bulgaria will win sovereignty over the world.”’ Daniel Kothenschulte Daniel Kothenschulte works as an author, curator and lecturer for film and art history at different universities. Among his publications are Hollywood in den 30er Jahren (with Robert Nippoldt, Gerstenberg Verlag, 2010) and The Art of Pop Video (ed. with Michael P. Aust , Gestalten, 2011). He founded the Videonale.scope series in Cologne, Germany, and works as a silent film pianist.

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[1] Rainer Komers: Außen Fuji Tag. Hg. von Andreas Erb. Alexander Verlag, Berlin 2022, S. 19

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töne. Erst 2020 holte Komers seinen damals entstandenen 8-mm-Film Am Femund-See ans Tageslicht. Aus heutiger Sicht ist es das Musterbeispiel eines künstlerischen Dokumentarfilms. Der Stummfilm entwickelt aus der Naturbeobachtung einen eigenen, lyrischen Rhythmus. Komers: „‚Femund‘ wurde 1976 beim Semesterrundgang gezeigt. Ich selbst konnte daran nicht teilnehmen, weil ich wegen einer Grippe zu Hause bleiben musste. Professoren, die ihn gesehen haben, bemängelten: ‚unkünstlerisch, ein amateurhafter Urlaubsfilm, in einer Kunstakademie fehl am Platz‘ – so wurde es mir hinterher berichtet. Im Jahr darauf wurde ‚Femund‘ in einer Produzentengalerie in Mülheim gezeigt, wo ihn Klaus Wildenhahn sah, Kontakt zu mir aufnahm und mich beim Film ‚Tor 2‘ als Kameramann anheuerte.“ Komers’ Rückkehr zum politischen Dokumentarfilm markiert 1980 den Beginn eines weiteren bestimmenden Motivs in seinem Werk, den Einsatz für diskriminierte ethnische Minderheiten: Zigeuner in Duisburg gewann den Kritikerpreis der Kurzfilmtage und ist Komers’ erstes Meisterwerk. Die Vertreibung der Protagonisten von einem Platz in Duisburg gibt mehreren Generationen Gelegenheit, vom Erlittenen der Vergangenheit zu erzählen. Wenn Komers von seinem späteren Filmstil sagen wird, er habe die „verfolgende“ durch die „fotografische“ Kamera ersetzt, so zeigt er sich doch bereits hier im Besitz dieser Mittel. Aus der Notwendigkeit, mit einem geringen Drehverhältnis auszukommen, entstehen reduzierte und doch großzügige Porträteinstellungen, die den Dargestellten Raum und Würde geben. 1979 war Nam June Paik an die Kunstakademie berufen und damit der künstlerische Kurswechsel vollzogen worden. Bei einem späteren Semesterrundgang sah der bedeutende Videokünstler Zigeuner in Duisburg. Komers erinnert sich: „Diesmal war ich dabei. Seine Reaktion: ‚Ich habe beim Film gut geschlafen, und die Zigeuner Bulgariens werden die Weltherrschaft erobern.‘“

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Rainer Komers

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komersfilm@gmail.com

Geboren 1944 in Guben. Entwurf und Druck von Plakaten (1965–1987); Serigrafie bei der Galerie Denise René Hans Mayer (1970–1973). Filmstudium an der Kunstakademie Düsseldorf, Meisterschüler (1975–1981). Filmprojekte in Alaska, Indien, Japan, Jemen, Kalifornien, Lettland und Montana. Barstow, California erhält den ARTE-Dokumentarfilmpreis 2018, Nome Road System den Deutschen Kurzfilmpreis 2004, B 224 den Hessischen Filmpreis 2001, Zigeuner in Duisburg den Preis der Deutschen Filmkritik 1980; Ruhrpreis für Kunst und Wissenschaft (2006). Masterclass beim Institute of Documentary Film, Prag (2012); Werkschau bei Videonale.scope #2, Köln (2014); 9-KanalFilminstallation bei aparatfocus in Iași, Rumänien (2015); Goethe-Stipendium in der Villa Kamogawa, Kioto (2015). Festivalscreenings in 35 Ländern; Preise in Kanada, Frankreich, Polen und USA. Finalist beim Lyrikpreis München (2016); Lyrikband Worte Fliege Agfa in der edition offenes feld, Dortmund (2018). Regie, Kamera, Word-Art, Gedicht. Lebt in Berlin und Mülheim an der Ruhr. Born in Guben in 1944. Design and printing of posters (1965–1987); silk-screen printing at the Galerie Denise René Hans Mayer (1970–1973). Film studies at the Düsseldorf Kunstakademie, distinction as Meisterschüler (1975–1981). Film projects in Alaska, India, Japan, Yemen, California, Latvia and Montana. Barstow, California received the ARTE Documentary Film Award in 2018, Nome Road System the German Short Film Award in 2004, B 224 the Hessian Film Award in 2001, Zigeuner in Duisburg the German Film Critics Association Award in 1980; Ruhr Prize for Art and Science (2006). Masterclass at the Institute of Documentary Film, Prague (2012); monographic show at Videonale.scope #2, Cologne (2014); nine-channel film installation at aparatfocus in Iași, Romania (2015); Goethe Scholarship in Villa Kamogawa, Kyoto (2015). Festival screenings in 35 countries; prizes in Canada, France, Poland and the USA. Finalist at Lyrikpreis München (Munich) (2016); volume of poems Worte Fliege Afga in the edition offenes feld, Dortmund (2018). Direction, camera work, word-art, poetry. Lives in Berlin and Mülheim an der Ruhr. Filmauswahl Selected works Barstow, California (2018), Kursmeldungen (2017), Ruhrurbia (2014), Ruhr Record (2014), Daugava Delta (2014), 25572 Büttel (2012), Seseke Classic (2010), Milltown, Montana (2009), Ma’rib (2008), Kobe (2006), Nome Road System (2004), NH2 (2003), B 224 (1999), Ofen aus (1995), Lettischer Sommer (1992), Erinnerung an Rheinhausen (1989), Die Sterne der Heimat (1985), Wer bezahlte für Hitler? (1983), 480 Tonnen bis Viertel vor zehn (1981), Die Misshandlung des Fritz Hofstatt (1981), „Zigeunerdorf“ im Gleisdreieck (1981), Zigeuner in Duisburg (1980), Tor 2 (1979), Am Femund-See (1976), Bottrop: Nützt dem Bürger eine DKP-Fraktion im Rathaus? (1975), 2211 Büttel (1974), Wissen wie der Hase läuft (1972), You Will Buy (1967)

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You Will Buy

Deutschland Germany 1967 10'32", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, stumm silent Regie Director Rainer Komers Adoleszenz in Bewegung zwischen geflecktem Schwarz-Weiß von Katze, Hund und Kuh, Güterwagen und Abstellgleisen, Schlauchstuhl und Fingerübung – mit Frans Masereels Stundenbuch als Pate. Adolescence in motion between the mottled black and white of cat, dog and cow, goods wagons and sidings, stocking frame and finger exercise – with Frans Masereel’s Book of Hours as inspiration.

Deutschland Germany 1972 16 mm, 9'30", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Rainer Komers Der Angestellte einer Werbefirma macht sich Gedanken über seinen Beruf und seine Situation als Einzelkämpfer. The employee of an advertising company contemplates his job and his situation as a lone wolf.

Bottrop: Nützt dem Bürger eine DKP-Fraktion im Rathaus? Bottrop: Will DKP Representation in the Town Hall Benefit Citizens?

Deutschland Germany 1975 16 mm, 34'30", Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Rainer Komers, Reinald Schnell Film zur Kommunalwahl 1975. Bottroper Kommunisten, darunter der populäre Gewerkschafter Clemens Kraienhorst, fordern mehr Kinderspielplätze, bessere ärztliche Versorgung, agitieren gegen Mieterhöhungen, Lehrermangel und Rattenplage und organisieren eine Kinderfreizeit in der DDR. A film for the 1975 local elections. Bottrop communists, including the popular unionist Clemens Kraienhorst, demand more children’s playgrounds and better medical care, campaign against rent hikes, the lack of teachers and the plague of rats, and organise a children’s camp in East Germany.

Tor 2 Gate 2

Deutschland Germany 1979 16 mm, 30', Farbe colour, Deutsch German Regie Director Rainer Komers, Klaus Wildenhahn, Jutta Uhl, Helmut Herbst, Christoph Hübner, Gabriele Voss Ein Solidaritätsfilm für die streikenden Stahlarbeiter in Duisburg. Ihre Forderungen: 5 % mehr Lohn und die Einführung der 35-Stunden-Woche. Gefühle und Gedanken in der eiskalten Silvesternacht 1978/79 am Tor 2 der Mannesmann-Hüttenwerke. A solidarity film for the striking steelworkers in Duisburg. Their demands: 5 percent more pay and the introduction of the 35-hour week. Feelings and thoughts in the icy-cold night of New Year’s Eve of 1978/79 at Gate 2 of the Mannesmann steelworks.

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Programm 1 Programme 1

Wissen wie der Hase läuft Knowing How the Wind Blows

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5. Mai 13:00 Uhr 5 May 1:00 pm Lichtburg

Programm 2 Programme 2 Profile Profiles Rainer Komers

5. Mai 17:30 Uhr 5 May 5:30 pm Lichtburg

Am Femund-See At Lake Femund

Deutschland Germany 1976 16', Farbe colour, stumm silent Regie Director Rainer Komers Der Film zeigt Wanderer mit Angel, Kanu und Zelt am Femundsee in Mittelnorwegen. Neben dem Zeltplatz bauen Sámi einen Weidezaun für ihre Rentiere. Bei einer gemeinsamen Kaffeepause tauscht man Erfahrungen aus und eine Axt. This film shows hikers with fishing rod, canoe and tent at Lake Femund in central Norway. Next to the campground, Sámi are putting up a pasture fence for their reindeer. Experiences and an axe are exchanged during a joint coffee break.

Zigeuner in Duisburg Gypsies in Duisburg

Deutschland Germany 1980 16 mm, 37', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Rainer Komers Mit sparsamen Mitteln und ohne Sentimentalität zeigt der Film die Lebensbedingungen einer Duisburger Sinti-Familie und die Vertreibung von ihrem Wohnwagenplatz. Ein ganzes Jahrhundert der Verfolgung der Minderheit kommt dabei zur Sprache. With economy of means and without sentimentality, this film shows how a Duisburg Sinti family lives and how they is ousted from their caravan park. The film addresses a whole century of persecution of this minority.

„Zigeunerdorf“ im Gleisdreieck ‘Gypsy Village’ in the Rail Triangle

Deutschland Germany 1981 Super8, 6', Schwarzweiß black-and-white, stumm silent Regie Director Rainer Komers Die Stadt Duisburg will ihren Sinti im Stadtteil Neumühl ein „Zigeunerdorf“ errichten. Das dafür vorgesehene Gelände liegt zwischen einem Autobahnund einem Eisenbahndamm und heißt im Volksmund „Gleisdreieck“. The city of Duisburg wants to set up a ‘gypsy village’ for its Sinti in the district of Neumühl. The area set aside for it is situated between a motorway and a railway embankment and is commonly called ‘rail triangle’.

B 224

Deutschland Germany 1999 35 mm, 23', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Rainer Komers B 224 bereichert um eine radikale Perspektive eines Mittendrinseins in einem hybriden Umfeld, dem Menschen weder entkommen können noch völlig ausgeliefert sind. Unterschwellig paart sich Apokalyptisches mit einer Art Entspannung. B 224 adds a radical perspective from the midst of a hybrid environment that people cannot escape but that they are not completely at the mercy of, either. The apocalyptic combines with a kind of relaxation at a subliminal level.

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Die Misshandlung des Fritz Hofstatt The Mistreatment of Fritz Hofstatt

Deutschland Germany 1981 16 mm, 31', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Rainer Komers Präzise Darstellung eines Falles von Auflehnung, Gewalt und Misshandlung in Mülheim an der Ruhr. Die Bilder zeigen städtische Tatorte, eine Off-Stimme zitiert aus Polizeiprotokollen und Anklageschriften, Beteiligte und Opfer berichten. A precise depiction of a case of rebellion, violence and mistreatment in Mülheim an der Ruhr. The images show urban crime scenes, an off-screen voice quotes from police reports and indictments, and involved parties and victims give their accounts.

Deutschland Germany 1981 16 mm, 45', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Rainer Komers Der Südhafen in Duisburg-Hochfeld. Erze, Bleche und Rohre werden verladen. Der Meister teilt die Schicht ein, nennt Namen, Kran und Schiff. Betriebsrat Günter Prusa und seine Kollegen wollen, dass ihre schwere Arbeit als Fachberuf anerkannt wird. The Südhafen port in the Duisburg district of Hochfeld. Ore, sheet metal and pipes are being loaded. The foreman assigns the workers, names names, crane and ship. Employee representative Günter Prusa and his colleagues want their difficult job recognised as a profession.

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Programm 3 Programme 3

480 Tonnen bis Viertel vor zehn 480 Tonnes by a Quarter to Ten

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6. Mai 12:30 Uhr 6 May 12:30 pm Gloria

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Die Idee ist der Film The idea is the film

Der in Los Angeles lebende Künstler Morgan Fisher setzt sich Whether working with film, painting, or photography, Los in seinen Werken eng mit dem jeweiligen Medium ausein- Angeles-based artist Morgan Fisher produces works that ander, sei es Film, Malerei oder Fotografie. Er selbst sagte closely explore their medium. He has said that his films tend einmal, seine Filme würden häufig eine Eigenschaft oder ein to examine a quality or property of film in a radical way. ‘They Merkmal von Film auf radikale Weise untersuchen. „Sie alle each examine an axiom of cinema and say, “What if?”’[1] Since untersuchen ein Grundprinzip des Films und sagen, ‚Was the 1960s, he has produced an extremely coherent body of wäre wenn?‘“[1] Seit den 1960er-Jahren hat Fisher ein höchst work that challenges often unexamined assumptions about geschlossenes Werk geschaffen, in denen er häufig unge- the different media that he works with. For the last couple prüfte Annahmen über die verschiedenen Medien, mit denen of decades, he has been primarily active as a visual artist er arbeitet, hinterfragt. In den letzten Jahrzehnten war er working in a gallery context. Fisher’s paintings challenge the hauptsächlich als bildender Künstler im Galeriekontext tätig. expectations of painting – for instance, the rectangular form, Fishers Gemälde unterlaufen die Erwartungen an Malerei – or the presumption that a painting can be hung anywhere sei es die rechteckige Form des Bildes oder die Annahme, – and generally retain a strong relationship to the architecdass sich ein Gemälde überall aufhängen lässt – und stehen ture of their exhibition space. Perhaps best known for 16 mm im Allgemeinen in einem engen Bezug zur Architektur des films which bring together industrial film practices and visual Ausstellungsraums. Fisher, dessen bekannteste Werke ver- arts strategies, Fisher is a conceptual filmmaker who never fit mutlich die 16-mm-Filme sind, in denen er die Methoden der neatly into any established categories. ‘Yes, but …’ he playFilmindustrie mit denen der bildenden Kunst verbindet, ist fully summarised his relationship to and inclusion in the difein konzeptueller Filmemacher, der nie in eine der gängigen ferent modes of practice (avant-garde cinema, Hollywood, Kategorien passte. „Ja, aber …“, fasste er kürzlich in einem conceptual art, minimalism) in a recent lecture at the Walker Vortrag im Walker Art Center spielerisch sein Verhältnis zu Art Center. den und seine Einbindung in die verschiedenen Praxisformen Fisher looks for strategies that enable him to avoid hav(Avantgardekino, Hollywood, Konzeptkunst, Minimalismus) ing to take compositional decisions, and prefers to speak of zusammen. ‘construction’. Quoting influences from Marcel Duchamp to Fisher sucht nach Strategien, die es ihm ermöglichen, Sol Lewitt, Fisher likes to think about his films in relationship keine kompositorischen Entscheidungen treffen zu müs- to the modular and as a case of the ‘ready-made’. Not the sen, und zieht es vor, von „Konstruktion“ zu sprechen. Unter ready-made as we know it but as how Duchamp expanded on Berufung auf Einflüsse von Marcel Duchamp bis Sol LeWitt the notion by claiming that painting is in itself a ready-made, betrachtet er seine Filme gerne als etwas Modulares und als since it is a combination of things that pre-exist. Similarly, einen Fall von „Readymade“. Kein Readymade, wie wir es ken- Fisher uses pre-existing units such as the industrial standards nen, sondern in der Erweiterung des Begriffs durch Duchamp, (100 ft, 400 ft) for commercial rolls of raw film material. Fisher der behauptete, dass die Malerei an sich bereits ein Ready- seeks to let the work make itself. In Sol LeWitt’s words: ‘the made sei, weil es sich dabei um eine Kombination aus bereits idea becomes the machine that makes the art.’[2] Fisher is interested in the mechanical – the machine of cinvorhandenen Dingen handle. In ähnlicher Weise verwendet Fisher bereits existierende Einheiten wie die Industriestan- ema – but also in the possibility of the idea itself as material. dards (30,5 m, 122 m) für handelsübliche Rohfilmrollen. Fis- The most extreme example of this notion is Screening Room her versucht, das Werk sich selbst machen zu lassen. Um es (1968). It’s a film that exists in as many as 13 different ‘states’, mit Sol LeWitt zu sagen: „Die Idee wird zu einer Maschine, but could exist in infinitely more, continuing to be the same die Kunst macht.“[2] work, if further occasions arose for it to be (re)made. As Fisher Fishers Interesse gilt dem Mechanischen – der Maschine explains, ‘“Screening Room” is a tracking shot into the room in des Films –, aber auch der Möglichkeit der Idee selbst als which the viewer is seated watching the film. The film is siteMaterial. Das extremste Beispiel dieses Konzepts ist Scree- specific, but it can also exist in as many instances as there ning Room (1968). Dieser Film existiert in nicht weniger als 13 are places to see a film.’[3] The first Screening Room was verschiedenen „Zuständen“, könnte jedoch, sollte es weitere produced in 1968 for a festival at St. Lawrence University in Gelegenheiten geben, ihn (neu) zu drehen, noch unendlich upstate New York; the Oberhausen one was made in 2007 for viele weitere haben und es würde sich dennoch weiter um Kinomuseum, curated by Ian White. das gleiche Werk handeln. „‚Screening Room‘“, erklärt FisThe filmmaker has claimed that his 2003 film ( ) – which

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marked a return to 16 mm after a two-decade hiatus – could be any length (it’s 21 minutes long), that someone else could make it, and it would still be the same film. ( ) is a collection of insert shots from narrative films, organised together according to a rule that Fisher has never revealed. But for Fisher it doesn’t matter what the specific insert shots that it contains are. The film has an identity that is irrespective of what you see in it – any film made up of inserts and organised according to the same rule would also be ( ). Fisher is careful to insist that, in spite of appearances, ( ) is not edited. In fact, all of Fisher’s films manifest a rejection of montage that seems all the more conspicuous considering that he worked as an editor in the film industry – an experience recounted with affection (but not without irony) in Standard Gauge (1984). In ( ), combinations of images happen by chance, not by design, inflicting the work with both surrealist and structural tendencies. In a very productive period between 1968 and 1976, Fisher completed most of his 14 films. Documentary Footage (1968), Production Stills (1970) and Picture and Sound Rushes (1973) are all 11 minutes long, the length of a 400-ft roll. They are all examples of long takes – though Picture and Sound Rushes is only a long take insofar as Fisher’s performance in it is concerned. In these three films, as in all of his work, Fisher manifests his interest in examining industrial procedures, and does so by using industry equipment and modes of production. Picture and Sound Rushes works on the premise that in a film there can be image or no image, sound or no sound. We see Fisher giving a lecture in which he carefully enumerates all the permutations between these four possibilities. He uses industry terminology – sync, MOS, wild sound – but needs to invent a new term, ‘null’, for the state with neither sound nor synchronous image (in other words, moments when both camera and sound recorder are off). The four states occur in the course of the film as Fisher attempts to describe them. The film sabotages itself, with Fisher neither seen nor heard (or both) for long periods. Sync is of course the situation the spectator is most familiar with and desires, but as the film demonstrates, it is also the least ‘natural’ state, the one that requires most work. Picture and Sound Rushes is, as Thom Andersen has noted, ‘nothing more than an exposition of its structure’[4], but the same can be said of most of Fisher’s work. When writing about Documentary Footage, Fisher uses the term ‘framework’, one which he created, and in response to which the performer improvised. ‘Most of my films document their own making. What they document most frequently is the moment of their production, by showing the equipment and the people who are making the film.’[5] Production Stills is in many ways the quintessential Fisher film, literally a document of its own production. Shot with a fixed camera (as are most of his films), it reveals a wall to which a series of Polaroid photographs are pinned one after the other. These Polaroids are being taken while the film is being shot and depict the filmic apparatus and crew. Production Stills is perhaps the most effective example of the ‘film that makes itself’, though I would argue that whilst his strategies allow Fisher to avoid taking compositional decisions, they do not necessarily ‘depersonalise’ or ‘de-authorise’ his work. Such strategies highlight the filmmaking process and in doing so make the viewer more aware of it. But just as I cannot find a way to let this text write itself, Fisher’s work is imbued with his presence, with the particular quality of his delivery, with his sense of humour, with his love for film. In other words, his films are deeply personal – though I suspect he wouldn’t be happy for them to be described as such. It is

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her, „ist eine Kamerafahrt in den Raum, in dem der Betrachter sitzt und den Film sieht. Der Film ist ortsspezifisch, kann aber auch an so vielen Orten existieren, wie es Orte gibt, an denen man einen Film sehen kann.“[3] Der erste Screening Room wurde 1968 für ein Festival an der St. Lawrence University im US-Bundesstaat New York produziert; der Oberhausener Film entstand 2007 für das von Ian White kuratierte Kinomuseum. Fisher zufolge könnte sein Film ( ) von 2003 – mit dem er nach einer zwanzigjährigen Pause zum 16-mm-Format zurückkehrte – eine beliebige Länge haben (er ist 21 Minuten lang) oder auch von jemand anderem gedreht werden und wäre immer noch der gleiche Film. ( ) besteht aus einer Reihe von Inserts aus Erzählfilmen, die nach einer nie von Fisher preisgegebenen Regel zusammengestellt wurden. Für Fisher spielt es jedoch keine Rolle, welche Einblendungen der Film enthält. Die Identität des Films ist unabhängig von dem, was wir in ihm sehen – bei jedem aus Inserts bestehenden und nach der gleichen Regel aufgebauten Film würde es sich ebenfalls um ( ) handeln. Fisher ist es jedoch wichtig hervorzuheben, dass ( ) trotz gegenteiligem Anschein nicht geschnitten ist. Tatsächlich wird in Fishers Filmen eine Ablehnung des Filmschnitts deutlich, die umso auffälliger erscheint, wenn man bedenkt, dass er als Editor in der Filmindustrie gearbeitet hat – eine Erfahrung, von der er in Standard Gauge (1984) liebevoll (aber nicht ohne Ironie) erzählt. Die Bildkombinationen in ( ) ergeben sich zufällig, nicht geplant, und verleihen dem Werk etwas Surrealistisches und Strukturelles zugleich. In einer höchst produktiven Phase zwischen 1968 und 1976 schuf Fisher die meisten seiner 14 Filme. Documentary Footage (1968), Production Stills (1970) und Picture and Sound Rushes (1973) sind jeweils elf Minuten lang, die Länge einer 120-Meter-Rolle . Sie alle sind Beispiele für Totalen – obwohl es sich bei Picture and Sound Rushes nur im Hinblick auf Fishers Auftritt darin um eine Totale handelt. In diesen drei Filmen zeigt sich ebenso wie in seinem gesamten Werk Fishers Interesse an der Untersuchung industrieller Verfahren, und zwar mittels Verwendung industrieller Geräte und Produktionsmethoden. Picture and Sound Rushes basiert auf der Prämisse, dass es in einem Film ein Bild oder kein Bild, Ton oder keinen Ton geben kann. Wir sehen Fisher, der in einem Vortrag sorgfältig alle Permutationen zwischen diesen vier Möglichkeiten aufzählt. Dabei verwendet er die in der Branche üblichen Begriffe wie „Sync“, „MOS“, „Wild Sound“, muss aber einen neuen Begriff erfinden, „Null“, für den Zustand, in dem es weder Ton noch ein synchrones Bild gibt (mit anderen Worten: Momente, in denen sowohl Kamera als auch Tonaufnahmegerät ausgeschaltet sind). Die vier Zustände treten im Laufe des Films auf, während Fisher versucht, sie zu beschreiben. Der Film sabotiert sich selbst, denn Fisher ist für längere Zeiträume nicht zu sehen oder zu hören (oder beides). Der Sync-Zustand ist natürlich der, den das Publikum am besten kennt und den es sich wünscht, doch zeigt der Film, dass es dabei auch um den am wenigsten „natürlichen“ Zustand handelt, den, der die meiste Arbeit erfordert. Picture and Sound Rushes ist, wie Thom Andersen bemerkt hat, „nichts weiter als eine Zurschaustellung seiner Struktur“[4], doch trifft dies auf die meisten Arbeiten Fishers zu. In einem Text über Documentary Footage spricht er selbst von einem „Rahmen“, den er geschaffen hat und der der Darstellerin für ihre Improvisation diente. „Die meisten meiner Filme dokumentieren ihre eigene Entstehung. Am häufigsten dokumentieren sie den Moment ihrer Produktion, indem sie die Ausrüstung und die Menschen zei-

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gen, die den Film machen.“[5] Production Stills ist in vielerlei Hinsicht der Inbegriff eines Fisher-Films, buchstäblich ein Dokument seiner eigenen Produktion. Er wurde mit einer feststehenden Kamera gedreht (wie die meisten von Fishers Filmen) und zeigt eine Wand, an die nacheinander eine Reihe von Polaroidfotos gepinnt wird. Diese Polaroids werden während des Drehs aufgenommen und zeigen die filmische Apparatur und das Filmteam. Möglicherweise ist Production Stills das eindrucksvollste Beispiel eines „Films, der sich selbst macht“. Ich würde jedoch argumentieren, dass Fishers Strategien es ihm zwar ermöglichen, kompositorische Entscheidungen zu vermeiden, dass sie seine Arbeit aber nicht unbedingt „entpersonalisieren“ oder „entautorisieren“. Derartige Strategien heben den Prozess des Filmemachens hervor und schärfen so das Bewusstsein des Publikums für diesen Prozess. Aber ebenso, wie ich keine Möglichkeit finden kann, diesen Text sich selbst schreiben zu lassen, ist Fishers Werk durchdrungen von seiner Präsenz, der besonderen Qualität seines Vortrags, seinem Sinn für Humor und seiner Liebe zum Film. Mit anderen Worten, seine Filme sind zutiefst persönlich – auch wenn ich vermute, dass es ihm nicht gefallen würde, sie so beschrieben zu sehen. Es ist seine Hingabe an das Material Film, die sich sowohl im autobiografischen Voiceover-Text als auch in den über die Jahre mühsam gesammelten Filmschnipseln manifestiert, die Standard Gauge zu einem der bewegendsten Filme über das Kino machen, die je gedreht wurden. Die emotionale Kraft des Films ist das zentrale Thema von Fishers jüngstem Werk Another Movie (2017), einer Erwiderung auf A Movie (1958) von Bruce Conner. Obwohl er oberflächlich betrachtet wenig mit Fishers frühen Filmen gemein zu haben scheint, ist auch Another Movie ein Readymade, ein modularer Film, der die ungeprüfte Behauptung untersucht, Conners Werk sei so fest und unerschütterlich in der Geschichte des Avantgardekinos verankert, dass es unmöglich scheint, einer Neubetrachtung zu unterziehen. Und doch fordert uns Fishers Film genau dazu auf, indem er dessen Soundtrack (Pines of Rome von Respighi) aufgreift und die Verbindung zwischen der faschistischen Politik des Komponisten und der faschistischen Ästhetik von A Movie aufzeigt. Fisher beginnt Another Movie mit Respighis Beschreibungen der Szenen, die die vier Sätze der Originalkomposition darstellen sollten. Und obwohl wir sie gerade erst gelesen haben, können wir nicht umhin, stattdessen Conners Film zu „sehen“, was das Ausmaß von dessen Einfluss und Manipulation demonstriert. In Another Movie wird die Zeit, die zwischen Conners Film und Fishers Antwort vergangen ist, verdichtet, doch ist Another Movie nicht Fishers erster Film, der „zurückblickt“. Wenn wir uns seine Filme heute ansehen, können wir nicht anders, als ebenfalls zurückzublicken. Sie wurden in der Gegenwart gedreht, ohne zu ahnen, dass sie wenig später als Zeugnis für das Kino dienen würden, als Erinnerung an das, was Film einmal war.

his devotion to the material of film, manifest both in the autobiographical voice-over text and more poignantly through the bits of film that he had painstakingly collected over the years, that makes Standard Gauge one of the most moving films on the cinema ever made. The emotional power of film is very much the subject of Fisher’s latest work Another Movie (2017), a response to Bruce Conner’s A Movie (1958). Although on the surface it would appear to have less in common with Fisher’s early films, Another Movie is also a ready-made, a modular film that looks at an unexamined proposition, Conner’s film – a work with a reputation so firmly and indisputably cemented in the history of avant-garde cinema that it would appear impossible to consider it anew. And yet, that’s what Fisher’s film invites us to do by focusing on its soundtrack (Respighi’s Pines of Rome) and highlighting the connection between the fascist politics of the composer and the fascist aesthetics of A Movie. Fisher begins Another Movie with Respighi’s descriptions of the scenes the four movements in the original composition were intended to depict. And even though we have just read them, we cannot help but ‘see’ Conner’s film instead, demonstrating the extent of its influence and manipulation. Another Movie condenses the time that has passed between Conner’s film and Fisher’s response, but Another Movie is not Fisher’s first film to ‘look back’. Watching his films today we cannot help but look back, too. They were made in the present tense, unaware that not long thereafter they would come to serve as a testament to the cinema, a reminder of what film once was. María Palacios Cruz María Palacios Cruz is a film curator, writer and educator based in London. She has been a programmer for the Courtisane Festival in Gent since 2008 and is currently the director of London Open City Documentary Festival.

María Palacios Cruz [1] Mark Webber, Escape from the filmic Bermuda Triangle, Tate Etc, No. 5, Autumn 2005

María Palacios Cruz ist Filmkuratorin, Autorin und Pädagogin und lebt in London. Seit 2008 ist sie Kuratorin für das Courtisane Festival in Gent und derzeit Leiterin des Open City Documentary Festival, London.

[2] Sol LeWitt, Paragraphs on Conceptual Art, Artforum 5, no. 10, June 1967 [3] Morgan Fisher, Screening Room, in Sabine Folie & Susanne Titz (eds), Morgan Fisher: Writings, Verlag der Buchhandlung Walther König, Cologne, 2012 [4] Thom Andersen, Pebbles Left on the Beach, in Sabine Folie & Susanne Titz (eds), Morgan Fisher: Two Exhibitions, Verlag der Buchhandlung Walther König, Cologne, 2012 [5] Morgan Fisher, Notes on the Works, in Sabine Folie &

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Susanne Titz (eds), Morgan Fisher: Two Exhibitions, Verlag der Buchhandlung Walther König, Cologne, 2012

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Morgan Fisher

Morgan Fisher wurde 1942 in Washington, D. C. geboren. Er besuchte das Harvard College (1960–1964), machte einen Bachelorabschluss in Kunstgeschichte und zog dann nach Los Angeles, um an der Filmschule zu studieren. 1968 begann er, Kurzfilme zu drehen. Seine Filme wurden auf Filmfestivals (unter anderem Oberhausen, Berlin, Pesaro, London, New York) und in Museen (unter anderem Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Museum of Modern Art, Whitney Museum of American Art, Tate Modern, Centre Pompidou) gezeigt. Sein jüngster Film, Another Movie (2017), war auf den Festivals in Berlin und London, auf dem Courtisane Festival, dem internationalen Filmfestival Curtas Vila do Conde sowie im Museum of Modern Art in New York zu sehen. Ende der 1990er-Jahre erweiterte Fisher seine künstlerische Praxis auf Malerei, Zeichnung, Fotografie und Installation. Die Werke wurden in Galerien und Museen wie dem Portikus in Frankfurt, dem Raven Row in London, dem Museum Abteiberg, der Generali Foundation in Wien und auf der Whitney Biennial of American Art 2014 gezeigt. Fisher war Gastdozent an der Brown University, am California Institute of the Arts und an der University of California, Los Angeles. Er stellt in der Galerie Buchholz, Köln/ Berlin/New York, bei Maureen Paley, London, und bei Bortolami, New York, aus. Er lebt und arbeitet in Los Angeles. Bei Walther König ist 2013 ein Buch mit eigenen Texten zu seiner Arbeit in Film und anderen Medien erschienen. Morgan Fisher was born in Washington, D. C. in 1942. He attended Harvard College (1960–1964), receiving a BA in art history, then moved to Los Angeles to attend film school. In 1968 he began making short films. Films shown at film festivals (Oberhausen, Berlin, Pesaro, London, New York, etc.) and in museums (Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Museum of Modern Art, Whitney Museum of American Art, Tate Modern, Centre Pompidou, etc.). His most recent film, Another Movie (2017), was shown at the Berlin and London festivals, at Courtisane, at Curtas Vila do Conde and at the Museum of Modern Art in New York. Toward the end of the 1990s he extended his practice to include painting, drawing, photography and installation. His non-film work has been exhibited at, among other places, Portikus, Raven Row in London, Museum Abteiberg, Generali Foundation and the 2014 Whitney Biennial of American Art. Fisher has been a visiting teacher at Brown University, California Institute of the Arts and the University of California, Los Angeles. He shows with Galerie Buchholz, Cologne/Berlin/New York, Maureen Paley, London and Bortolami, New York. He lives and works in Los Angeles. A book of his writings on his work in film and other media was published by Walther König in 2013. Filmauswahl Selected works Another Movie (2017), ( ) (2003), Standard Gauge (1984), Projection Instructions (1976), Picture and Sound Rushes (1973), Cue Rolls (1974), The Wilkinson Household Fire Alarm (1973), Production Stills (1970), Documentary Footage (1968), Screening Room (1968 and subsequently), Phi Phenomenon (1968), The Director and His Actor Look at Footage Showing Preparations for an Unmade Film (1968)

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Profile Profiles Morgan Fisher Programm 1 Programme 1

5. Mai 19:30 Uhr 5 May 7:30 pm Gloria

Screening Room

Deutschland Germany 1968/2007 16 mm, 4'30", Schwarzweiß black-and-white, stumm silent Regie Director Morgan Fisher Der Film ist eine Kamerafahrt in das Kino, in dem der Film gezeigt wird. Das Kino ist dunkel, es gibt jedoch kein Publikum. Der Projektor läuft, auf der Leinwand ist ein Rechteck aus Licht zu sehen. Die Aufnahme stellt dieses in den Mittelpunkt und zoomt dann langsam hinein. Der Filmstreifen läuft aus dem Projektor hinaus und hinterlässt wirklich ein Rechteck aus Licht auf der Leinwand, das nur einen Moment zuvor als Bild wahrgenommen wurde. The film is a tracking shot into the theatre where the film is being projected. The theatre is in darkness, but there is no audience. The projector is running, on the screen is a rectangle of light. The shot centers this, then slowly zooms within it. The print runs out of the projector, leaving as a reality, a rectangle of light on the screen, what only a moment before the audience had seen as an image.

Documentary Footage

USA 1968 16 mm, 11', Farbe colour, Englisch English Regie Director Morgan Fisher Eine junge Frau sitzt nackt auf einem Hocker. Sie liest in regelmäßigen Abständen Fragen über das äußere Erscheinungsbild vor und nimmt diese mit einem Tonbandgerät auf, etwa „Welche Farbe haben deine Augen?“. Sie spielt die Aufnahme ab, steht auf und improvisiert die Antworten auf die Fragen. A young woman, nude, seated on a stool reads into a tape recorder at regular intervals a series of question about physical appearance, for example, ‘What colour are your eyes?’. She plays the tape back, stands up, and improvises her answers to the questions.

Production Stills

USA 1970 16 mm, 11', Farbe colour, Englisch English Regie Director Morgan Fisher Eine durchgängige Einstellung zeigt in einem extremen Close-up eine Reihe von Polaroidfotos von den Menschen und der Ausrüstung, die am Film beteiligt sind. Das letzte Polaroidfoto wurde von einer Person aufgenommen, die wir vorher auf den Bildern gesehen haben, und zeigt die Person, welche die vorherigen Fotos aufgenommen hat. One continuous shot shows in extreme close-up a succession of Polaroid photographs of the people and equipment that are making the film. The last Polaroid, taken by someone we had seen in the earlier photographs, shows the person who had taken the earlier photographs.

Standard Gauge

USA 1984 16 mm, 35', Farbe colour, Englisch English Regie Director Morgan Fisher Nach einem einleitenden schriftlichen Titel zeigt eine durchgängige Einstellung in einer extremen Nahaufnahme eine Reihe von 35-mm-Film-Teilen, die ich während meiner Jahre als Cutter gesammelt habe und über die ich im Voiceover spreche. Teilweise eine Autobiografie, teilweise die Geschichte eines technischen Artefakts und der Institution, deren Grundlage es ist: der kommerziellen Filmindustrie. — Morgan Fisher After an introductory written title, a continuous shot shows in extreme closeup a succession of pieces of 35 mm I collected during my years as a film editor as I talk about them in voice-over. Partly an autobiography, part a history of a technological artifact and the institution of which it is the foundation, the commercial motion picture industry. — Morgan Fisher

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Picture and Sound Rushes

USA 1973 16 mm, 11', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Morgan Fisher In einer statischen Halbtotale wird ein Darsteller an einem Tisch sitzend dabei gefilmt, wie er die Kombinationen von Bild und Ton erklärt, die bei der Produktion eines Synchron-Tonfilms möglich sind, während diese im Film selbst systematisch umgesetzt werden. In a static medium shot a performer seated at a table delivers an explanation of the combinations of picture and sound that are possible in the production of a synchronous sound motion picture, as the film itself systematically undergoes them.

USA 1976 16 mm, 4', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Morgan Fisher Ein Reihe von Anweisungen wie etwa „Ton aufdrehen“ veranlassen den Filmvorführer, an den Schaltern des Projektors herumzuspielen. Jede Anweisung erscheint geschrieben auf der Leinwand, während die Worte parallel auf der Tonspur zu hören sind. A succession of instructions tells the projectionist to manipulate the controls on the projector, for example, ‘Turn sound up.’ Each instruction appears on the screen in writing as the same words are spoken on the soundtrack.

()

USA 2003 16 mm, 21', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, stumm silent Regie Director Morgan Fisher ( ) besteht aus Inserts, die alle – gemäß einer versteckten Regel – kommerziellen Spielfilmen entnommen wurden. Diese Regel produziert Gegenüberstellungen an völlig zufälligen Schnittstellen. Der Film befreit die Inserts von ihrer einfachen, zweckdienlichen Funktion; sie sind nicht mehr nur notwendig, sie sind frei. ( ) consists of inserts taken from commercial narrative films structured by a hidden rule. This rule produces juxtapositions at the cuts that are entirely a matter of chance. The film liberates inserts from their lowly instrumental function, raising them from necessity to freedom.

Another Movie

USA 2017 22', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Morgan Fisher Another Movie ist eine Reaktion auf Bruce Conners Film A Movie. Der Film nutzt den Satz aus Respighis Komposition Pini di Roma, der in Conners Film ausgelassen wurde. Der Satz wird von einer meiner Aufnahmen begleitet. Sie zeigt die Szene, die laut Respighi von der Musik beschrieben wird. Während die Musik, die Conner verwendet hat, spielt, ist die Leinwand schwarz. Dadurch, dass die in A Movie ausgelassene Musik mitsamt der dazu passenden Szene eingesetzt wurde, während Conners Bilder durch eine schwarze Leinwand ersetzt wurden, ist Another Movie eine Ergänzung zu A Movie. — Morgan Fisher Another Movie is a response to Bruce Conner’s film A Movie. It restores to Respighi’s composition The Pines of Rome the movement that Conner’s film omitted. Accompanying the movement is a shot I took showing the scene that Respighi said the music describes. During the parts of the music that Conner included the screen is black. By including the music that A Movie omits and with it a scene corresponding to it while replacing Conner’s images with black, Another Movie is a complement to A Movie. — Morgan Fisher

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Programm 2 Programme 2

Projection Instructions

Profile Profiles Morgan Fisher

6. Mai 19:30 Uhr 6 May 7:30 pm Gloria

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

The cinematic pulse of Sylvia Schedelbauer

Der Begriff „orphan film“ bzw. „Waisenfilm“ diente zwar ursprünglich zur Beschreibung von Filmmaterial, das „von seinem Besitzer oder Verwalter aufgegeben wurde“, doch nach der gängigen Interpretation handelt es sich allgemeiner um Bilder, die aus den verschiedensten Gründen systematisch vernachlässigt, verdrängt oder vergessen wurden.[1] Wie die „ärmlichen Bilder“, auf die sich Hito Steyerl in ihrem wegweisenden Text bezieht, trotzen auch die verwaisten Bilder „dem Patrimonium, einer Nationalkultur oder dem Urheberrecht“ und zeugen als solche oft „von der gewaltsamen Verschiebung, Übertragung und Verdrängung von Bildern … innerhalb der Teufelskreise des audiovisuellen Kapitalismus“[2]. Als kulturelles Artefakt besitzt der Waisenfilm ein unschätzbares Potenzial, nicht nur, weil das Material nicht den Einschränkungen kommerzieller Bindungen oder Wertvorstellungen unterliegt, sondern auch wegen seiner einzigartigen Position als Signifikant für eine bestimmte Art von gesellschaftlicher Ablehnung, Zurückweisung oder Amnesie. In ihrem Kino der Alterität bahnt sich Sylvia Schedelbauer einen persönlichen Weg durch dieses Material. Ihre Arbeiten sind sowohl technisch als auch konzeptionell von der Beschaffenheit und dem Status der Bilder geprägt, die sie sich zu eigen macht; die von ihr ausgewählten Szenen haben etwas Entferntes und Vertrautes zugleich und bei ihrer Bearbeitung scheint sie ebenso akribisch wie intuitiv vorzugehen. Schedelbauer, 1973 als Kind einer japanischen Mutter und eines deutschen Vaters in Tokio geboren, zog 1993 nach Berlin, wo sie seither lebt und arbeitet. Ihre transnationale Identität war ebenso wie die weitgehend unausgesprochene Vergangenheit ihrer Eltern von Anfang an ein zentraler Aspekt ihres Werks, in dem sie sich direkt und implizit mit Fragen des familiären Erbes und des Umgangs mit einer Geschichte aus-

Falsche Freunde

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While the term ‘orphan film’ was originally used to describe footage ‘abandoned by its owner or caretaker’, the prevalent interpretation refers more broadly to images that for a number of possible reasons have been systematically neglected, suppressed or forgotten.[1] Like the poor images that Hito Steyerl describes in her seminal text, orphan images defy ‘patrimony, national culture or indeed copyright’, and as such they often ‘testify to the violent dislocation, transferrals and displacement of images… within the vicious cycles of audiovisual capitalism’[2]. As a cultural artefact, the potential of orphan film is inestimably rich, not only because the material is unbound by the limitations imposed by commercial ties or value, but also because of its unique position as a signifier of a certain kind of societal rejection, dismissal, or amnesia. In her cinema of alterity, Sylvia Schedelbauer forges a personal route through this material, making work that is shaped both technically and conceptually by the condition and status of the images she appropriates, singling out scenes that feel both remote and familiar, and adopting an editing approach that seems as meticulous as it does intuitive. Born in Tokyo in 1973 to a Japanese mother and German father, Schedelbauer moved to Berlin in 1993 and has lived and worked there in the years since. This transnational identity, along with her parents’ largely unspoken pasts, has from the start played an integral role in Schedelbauer’s work, through which she has directly and implicitly addressed questions of family legacy and how to reckon with a history that conceals more than it opens up. Schedelbauer forms part of a generation of artists for whom the intersection between the personal and political plays an important role. Writing in 2017, film academic Sarah Durcan suggested that growing up in the ‘age of the transition from analogue to digital media… inflects [artists’] work in their media sampling and recombinant approaches to film and video’, with the accessibility of non-linear editing systems affording the possibility of ‘recasting historical footage… in ways that displace the original contexts and interpretations of such material’[3]. While a certain amount of ‘recasting’ is a feature of Schedelbauer’s work with existing footage, what is arguably more striking is her interest in amplifying or extending out the material she works with, motivated by a desire to uncover the latent significance of an image or for the images to, in her words, ‘speak more’[4]. Schedelbauer achieves this most overtly through her recurring use of a flicker or strobe effect generated initially in False Friends (2007) by the insertion of intervals of black screen that appear at varying speeds in between material that

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Sounding Glass

she draws from educational, industrial and amateur films. A device adopted partly to obscure the poor quality of low-resolution SD video transfers of 16 mm film that she had at her disposal, the interspersed black frames perform a number of discrete functions from film to film. False Friends is so far one of the few films into which Schedelbauer has incorporated B-movie footage alongside documentary sequences and in so doing, brings the two primary registers of cinema typically kept apart into active dialogue with each other, using the black screen as a means of negotiating the ordinarily uneasy relationship between them. The black inserts in this film, which crosses images of a nursery and a young boy with scenes of a couple having sex and a menacing figure with a torchlight, appear to also give expression to gaps in memory as well as the lost passage from infancy to adulthood. In the opening section of Sounding Glass (2011), however, the black frames are now shuddering at a much greater speed, introducing the ‘frenzied inertia’ that critical theorist Francis Summers describes in relation to Austrian experimental filmmaker Martin Arnold’s Pièce touchée (1989), a 16-minute film that stretches out an 18-second extract from a 1950s American B Movie that he says ‘mires the audience in a perpetual present that evokes a “now-nownow”’, a sensation of desired apprehension not dissimilar to the experience of absorbing some of Schedelbauer’s recent works.[5] Integrating a heightened sense of the present in work that is largely made up of mid-century footage is an uncanny facet of Schedelbauer’s filmmaking not least because her flicker work feels connected in some ways to early forms of moving image technology. In her frequent use of intervals to animate a rapid succession of still images at the outset of Sounding Glass for instance, Schedelbauer evokes the interstitial mechanics created by the vertical slits in the nineteenthcentury zoetrope. The stark contrast from light to dark that occurs at the midway point in Sounding Glass, however, has a more direct kinship with the desired effect of Brion Gysin and William Burroughs’ Dreamachine, a device created in the 1950s (which itself operates on the same principle as the zoetrope) to mimic the hypnagogic state caused by sunlight piercing through the gaps between regularly spaced out trees or buildings while on a car, bus or train journey. Schedelbauer calls attention to her affinity to the Dreamachine in Sounding Glass in her selection of fleeting sequences which include a view in motion of a small rural village as if shot from a moving train, sun bursting through an expanse of clouds, and a series

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

einandersetzt, die mehr verbirgt als offenlegt. Schedelbauer gehört zu einer Künstlergeneration, für die die Schnittstelle von Persönlichem und Politischem große Bedeutung hat. Die Filmwissenschaftlerin Sarah Durcan schrieb 2017, dass das Aufwachsen im „Zeitalter des Übergangs von den analogen zu den digitalen Medien … die Arbeit [von Künstler*innen] in ihrem Medien-Sampling und ihren rekombinanten Ansätzen in Film und Video beeinflusst“, wobei die Zugänglichkeit nichtlinearer Schnittsysteme die Möglichkeit biete, „historisches Filmmaterial … auf eine Art und Weise umzugestalten, durch die die ursprünglichen Kontexte und Interpretationen dieses Materials verdrängt werden“[3]. Ein gewisses Maß an „Umgestaltung“ ist durchaus charakteristisch für Schedelbauers Arbeit mit vorhandenem Filmmaterial, weitaus auffälliger ist jedoch ihr Interesse an der Vertiefung oder Erweiterung des Materials, mit dem sie arbeitet, motiviert durch den Wunsch, die latente Bedeutung eines Bildes freizulegen oder die Bilder, wie sie sagt, „mehr sprechen zu lassen“[4]. Am offensichtlichsten gelingt Schedelbauer dies durch den wiederholten Einsatz eines Flicker- oder Stroboskopeffekts, wie sie ihn erstmals in Falsche Freunde (2007) erprobte, indem sie Schwarzpausen mit unterschiedlicher Geschwindigkeit in Material aus Lehr-, Industrie- und Amateurfilmen einfügte. Ursprünglich auch als Mittel gedacht, um die schlechte Qualität der ihr zur Verfügung stehenden SDVideoübertragungen von 16-mm-Filmen mit niedriger Auflösung zu verschleiern, erfüllen die vereinzelt auftauchenden Schwarzbilder mittlerweile von Film zu Film unterschiedliche Aufgaben. Falsche Freunde gehört bislang zu den wenigen Filmen, in denen Schedelbauer neben dokumentarischen Sequenzen auch Material aus B-Movies verwendet und so zwei primäre Register des Kinos, die im Allgemeinen getrennt bleiben, in einen aktiven Dialog miteinander bringt. Die Schwarzbilder dienen hier als Mittel, um das gewöhnlich angespannte Verhältnis zwischen beiden zu verhandeln. In diesem Film, der Bilder von einem Kinderzimmer und einem kleinen Jungen mit Szenen eines Paares beim Sex und einer bedrohlichen Gestalt mit einer Taschenlampe vereint, scheinen die schwarzen Einblendungen zudem auch Erinnerungslücken sowie den Verlust des Übergangs von der Kindheit zum Erwachsensein zum Ausdruck zu bringen. In der Eröffnungssequenz von Sounding Glass (2011) jedoch flackern die Schwarzbilder nun mit viel größerer Geschwindigkeit, in der „rasenden Trägheit“, wie sie der kritische Theoretiker Francis Summers in Bezug auf den Film Pièce touchée (1989) des österreichischen Experimentalfilmers Martin Arnolds beschreibt. In diesem 16-minütigen Film wird ein 18-sekündiger Ausschnitt aus einem amerikanischen B-Movie der 1950er-Jahre auf eine Weise gedehnt, die, wie Summers sagt, „das Publikum in eine fortwährende Gegenwart des ‚Jetzt-Jetzt-Jetzt‘ hineinzieht“, ein Gefühl angespannter Erwartung, das der Erfahrung beim Betrachten von Schedelbauers neueren Arbeiten nicht unähnlich ist.[5] Die Einbindung eines verstärkten Gegenwartsgefühl in ein Werk, das größtenteils aus Filmmaterial aus der Mitte des letzten Jahrhunderts besteht, ist eine außergewöhnliche Facette von Schedelbauers Filmschaffen, nicht zuletzt, weil eine gewisse Verbindung zwischen ihren Flickerarbeiten und frühen Formen der Bewegtbildtechnologie spürbar ist. So erinnert die häufige Verwendung von Intervallen zu Beginn von Sounding Glass, mit der Schedelbauer eine schnelle Abfolge von Standbildern animiert, an die interstitielle Mechanik, wie sie die vertikalen Schlitze des Zoetrops bzw. der Wundertrommel aus dem 19. Jahrhundert erzeugen. Der starke Hell-Dunkel-Kontrast in der Mitte von Sounding Glass

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

Way Fare

erinnert jedoch eher an den Effekt, den die Dreamachine von Brion Gysin und William Burroughs hervorrufen sollte. Dieses in den 1950ern entwickelte Gerät, das auf dem gleichen Prinzip beruht wie das Zoetrop, sollte die hypnotische Wirkung nachahmen, wie sie das bei einer Auto-, Bus- oder Zugfahrt durch die Lücken zwischen Baum- oder Gebäudereihen fallende Sonnenlicht erzeugt. Schedelbauer verweist in Sounding Glass auf ihre Affinität zur Dreamachine, indem sie flüchtige Sequenzen wie die bewegte, wie aus einem Zug aufgenommene Ansicht eines kleinen ländlichen Dorfes, Sonne, die durch ein Wolkenfeld bricht, und eine Reihe von Waldlandschaften auswählt. Der Wald ist ein häufig wiederkehrender Schauplatz in Schedelbauers Werk. Oft fixiert die Kamera einen Baum oder einen Ast oder, wie in Sounding Glass, eine einsame Gestalt, die den Betrachter aufmerksam anschaut und in der alle Fragen des Films über die durch globale Konflikte verursachte kulturelle Entwurzelung zusammenlaufen. Die Figuren in Schedelbauers Filmen sind oft einsam und nomadisch und vermitteln ein schmerzhaftes Gefühl der Andersartigkeit, das an die peripatetischen Charaktere in den Büchern des deutschen Schriftstellers W. G. Sebald erinnert. Am deutlichsten ist dies vielleicht in Austerlitz (2001), dessen gleichnamiger jüdischer Protagonist zu Beginn des Zweiten Weltkriegs geboren und im Rahmen der Kindertransporte nach London verschickt wird. Das deutliche Gefühl der Entwurzelung, das Schedelbauers Way Fare (2009) hervorruft, erinnert an den Roman, aber auch an die Geschichte in Erinnerungen (2004), dem ersten Film der Künstlerin, in dem sie anhand einer Sammlung von Fotografien ihres deutschen Vaters versucht, hinter die streng gehüteten Geheimnisse seines und des Lebens ihrer japanischen Mutter in der Zeit unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg zu kommen. Obwohl der Schatten des Krieges über einem Großteil von Schedelbauers frühen Arbeiten hängt und eine deutliche Verbindung zwischen zwischenmenschlicher Gewalt und Umweltzerstörung hergestellt wird, lässt sich die Filmemacherin auch von der geheimnisvollen Verbindung und Synchronizität zwischen dem Innen und der äußeren, natürlichen Welt inspirieren und findet darin Ruhe und eine unglaubliche Schönheit. Am deutlichsten kommt dies vielleicht in Labor of Love (2020) zum Ausdruck, wo sich Nervenbahnen nahtlos in das unterirdische Wurzelgeflecht eines Baumes verwandeln. Diese Bandbreite an Effekten erzeugt einen mächtigen Sog, der die Betrachtenden in seinen Bann zieht, mit Bildern von Insekten, Bäumen und Meerwasser, die von der Leinwand

of forest landscapes. The forest is a setting which recurs again and again in Schedelbauer’s work, the camera often fixating on a branch or foliage or, as in the case in Sounding Glass, a figure who stares out at the viewer intently from under the shelter of a tree and to whom all the film’s questions of cultural dislocation caused by global conflict relate. The figures in Sylvia’s films are often solitary and nomadic, conveying a painful sense of alterity, reminiscent of the peripatetic characters that populate the books of German writer W.G. Sebald, perhaps most notably in Austerlitz (2001), whose eponymous Jewish hero is born in the advent of the Second World War and sent as part of the Kindertransport to London. The conspicuous feeling of rootlessness evoked in Schedelbauer’s Way Fare (2009) resonates with the novel, but so too does the story that emerges in Memories (2004), the artist’s first film, in which she uses a collection of her German father’s photographs to try and unearth the closely guarded secrets of both his and her Japanese mother’s early lives in the immediate aftermath of World War II. While the shadow of war hangs over much of Schedelbauer’s early work and a clear connection is powerfully made between interhuman violence and the destruction of the environment, Schedelbauer also derives inspiration from and finds incredible beauty in the mysterious connection and synchronicity between interiority and the external, natural world. This is maybe expressed most explicitly in Labor of Love (2020), where neural pathways transform seamlessly into the subterranean network of roots beneath a tree. This range of effects creates a vortex for the viewer, who is drawn in as images of insects, trees, and sea water seem to radi-

Erinnerungen

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Labor of Love

Alice Butler strahlend den gesamten Raum einzunehmen scheinen. Es ist gleichermaßen die Art, wie sie das Material kombiniert, als auch die Auswahl, die sie trifft, die Schedelbauers Arbeit mit Found Footage auszeichnet – so ist die Hybridität, das Zusammenfügen zweier oder mehrerer Filmstücke zu einem dritten, vierten usw. ein wesentlicher Teil ihres Schaffens. Diese Erzeugung von neuem Material ist ein Transformationsprozess, der auf der Leinwand stattfindet und bei dem jeder Film ein immerwährendes Werden durchlebt und jeder Abgrund durch den nächsten ersetzt wird. Mit diesen Aufnahmen wird die „Vergänglichkeit“ des Filmbildes zusätzlich verstärkt, die Eigenschaft, die uns als Publikum den Filmschaffenden ausliefert, die letztendlich entscheiden, wie lange wir eine Aufnahme sehen und durch was sie abgelöst wird.[6] Diese somatische Erfahrung ist das Kennzeichen jeder Begegnung mit Schedelbauers außergewöhnlichen Filmen und die überwältigende Kraft ihres synkopischen Leuchtens.

Alice Butler is co-founder and co-director of aemi, an Irish organisation that supports and regularly exhibits moving image work by artists and experimental filmmakers. Alice regularly writes and lectures on the moving image and currently teaches a module on experimental cinema at Trinity College Dublin. aemi.ie

Alice Butler Alice Butler ist Mitbegründerin und Kodirektorin von aemi, einer irischen Organisation, die Bewegtbildarbeiten von Künstlerinnen und experimentellen Filmemachern unterstützt und regelmäßig ausstellt. Butler schreibt und hält regelmäßig Vorträge über das bewegte Bild und unterrichtet derzeit ein Modul über experimentelles Kino am Trinity College Dublin. aemi.ie

[1] Orphans III, Listening to Orphan Films, Sound/Music/ Voice, An Orphan Film Symposium, September 2002, https://www.sc.edu/filmsymposium/archive/orphans2002/ orphanfilms.html [2] Hito Steyerl, In Defense of the Poor Image, e-flux Journal, Issue #10, November 2009, https://www.e-flux.com/journal/10/61362/in-defense-of-the-poor-image/ [3] Sarah Durcan, Mediatized Memories in Mark Leckey’s Dream English Kid 1964–1999 AD (2015), Moving Image Review & Art Journal, Volume 6, Numbers 1 & 2, 2017, p. 267 & 268 [4] Sylvia Schedelbauer, in conversation with the writer [5] Francis Summers, (Re)Counting Love: Martin Arnold’s Pièce touchée (2011), https://extra.shu.ac.uk/transmission/ papers/SUMMERS%20Francis.pdf [6] Michel Chion, Audio-Vision: Sound on Screen, translated

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and edited by Claudia Gorbman, ColumbiaUniversity Press, 2009, p. 7

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

ate out from the screen to inhabit the full space of the rooms they occupy. It is the act of combining as much as it is the act of selection that distinguishes Schedelbauer’s work with found footage – hybridity is an essential component of what she does, blending two or more pieces of film to create a third, a fourth, etc. This spawning of new material is a process of transformation that takes place onscreen, each film living out a perpetual becoming, each precipice replacing the last. These shots exaggerate the ‘evanescence’ of the film image, the quality that places us as viewers under the command of the filmmaker, who ultimately decides how long we see each shot and what it will be replaced by.[6] This somatic experience is the mark of any encounter with Schedelabauer’s extraordinary films and the all-consuming force of their syncopated luminosity.

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

Sylvia Schedelbauer

Kontakt Contact

mail@sylviaschedelbauer.com sylviaschedelbauer.com

Sylvia Schedelbauer wurde in Tokio geboren und zog 1993 nach Berlin, wo sie seither lebt. Sie studierte an der Universität der Künste Berlin (bei Katharina Sieverding). In ihren Filmen beschäftigt sie sich mit dem Spannungsfeld zwischen allgemeinen, historischen Narrativen und dem Persönlichen und Psychologischen, vorrangig in Form poetischer Bearbeitungen von Found Footage und Archivmaterial. Ihre Filme wurden auf zahlreichen Festivals gezeigt, darunter die Berlinale, das Toronto International Film Festival, die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, das London Film Festival, das New York Film Festival und das Robert Flaherty Film Seminar. Schedelbauer wurde unter anderem mit dem VG Bildkunst Preis, dem Preis der Deutschen Filmkritik und dem Gus Van Sant Award für den besten Experimentalfilm ausgezeichnet und war 2019/20 Stipendiatin am Radcliffe Institute der Harvard University. Born in Tokyo Sylvia Schedelbauer moved to Berlin in 1993, where she has been based since. She studied at the University of Arts Berlin (with Katharina Sieverding). Her films negotiate the space between broader historical narratives and personal, psychological realms mainly through poetic manipulations of found and archival footage. Selected screenings: Berlinale, Toronto International Film Festival, International Short Film Festival Oberhausen, London Film Festival, New York Film Festival, and Robert Flaherty International Film Seminar. Awards include the VG Bildkunst Award, the German Film Critics’ Award and the Gus Van Sant Award for Best Experimental Film. Schedelbauer was a 2019/20 arts fellow at the Harvard Radcliffe Institute. Filmauswahl Selected works

Labor of Love (2020, in Oberhausen 2020), Wishing Well (2018, in Oberhausen 2018), Sea Of Vapors (2014, in Oberhausen 2014), Sounding Glass (2011, in Oberhausen 2012), Way Fare (2009), False Friends (2007), Remote Intimacy (2007, in Oberhausen 2007), Memories (2004, in Oberhausen 2005)

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Sounding Glass

Deutschland Germany 2011 10', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Sylvia Schedelbauer Ein Mann im Wald ist einer Flut von Eindrücken ausgesetzt. Rhythmische Wellen von Bildern und Klängen geben seiner Selbstwahrnehmung Gestalt. A man in a forest is subject to a flood of impressions; rhythmic waves of images and sounds give form to his introspection.

Erinnerungen Memories

Meer der Dünste Sea of Vapors

Deutschland Germany 2014 15', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Sylvia Schedelbauer Eine Kaskade von Aufnahmen, Bild für Bild geschnitten, münden in eine Allegorie des Mondzyklus. A cascade of images cut frame by frame flow into an allegory of the lunar cycle.

Falsche Freunde False Friends

Deutschland Germany 2007 4'50", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Sylvia Schedelbauer Eine Montage von Found Footage aus der Mitte des letzten Jahrhunderts: Mysteriöse Stränge werden wie besessen verflochten und schaffen so eine poetische Reflexion über ein unruhiges Wechselspiel von Erinnerung und Projektion. A montage of mid-century found footage: mysterious strands are obsessively braided to create a poetic reflection about an anxious interplay of memory and projection.

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Programm 1 Programme 1

Deutschland Germany 2004 19', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Sylvia Schedelbauer Eine Frau wächst in Japan zur Zeit der Bubble Economy auf. Warum haben ihre Eltern nie über die Vergangenheit gesprochen? Die Filmemacherin nutzt einen Karton voller Fotos aus ihrem Familienarchiv, um eine Version einer Familiengeschichte zu konstruieren. A woman grows up during the bubble economy in Japan. Why did her parents never speak about the past? Using a box full of photos found in her family archive, the filmmaker tries to construct one version of a family history.

Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

7. Mai 10:45 Uhr 7 May 10:45 am Lichtburg

Programm 2 Programme 2 Profile Profiles Sylvia Schedelbauer

8. Mai 12:30 Uhr 8 May 12:30 pm Gloria

Ferne Intimität Remote Intimacy

Deutschland Germany 2007 14'30", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch, Japanisch mit englischen Untertiteln, English, Japanese with English subtitles Regie Director Sylvia Schedelbauer Bewusstseinsstrom mit fiktiven und gefundenen Geschichten und einer persönlichen Note. Stream of consciousness with fictitious and found stories and a personal reference.

Wishing Well

Deutschland Germany 2018 13', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sylvia Schedelbauer Leuchtende Farben. Eine unzusammenhängende, aber synchrone Zeit. Eine transzendente Wendung, ein Streben nach Handlungsmacht, ein Wiedersehen mit den Strömungen des Waldes. Gushing colours. A time disjointed, yet synchronous. A transcendent turn, a quest for agency, a reunion with currents of the forest.

Way Fare

Deutschland Germany 2009 5'55", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Sylvia Schedelbauer Ein vielschichtiges Tongedicht aus gefundenen Bildern und verwobenen Klanglandschaften bildet ein sich wandelndes Psychogramm – eine nomadische Reise durch Räume innerhalb und außerhalb der Zeit. A layered tone poem of found images and woven soundscapes renders a shifting psychogram; a nomadic passage across spaces in and out of time.

Labor of Love

Deutschland Germany 2020 11'30", Farbe colour, Englisch English Regie Director Sylvia Schedelbauer Ein sich ausdehnendes Gefühl, das neue Wendungen offenbart – auf ewig anders, auf ewig im Wandel. An expanding feeling, unfolding new inflections – forever different, forever changing.

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Profile Profiles Sohrab Hura

Half-moving

„Schließen Sie Ihre Augen, breiten Sie Ihre Arme ‘Shut your eyes, spread your arms and imagine aus und stellen Sie sich vor, Sie gingen gerade you’re walking around a room. Imagine you are durch einen Raum. Stellen Sie sich vor, wie Sie running your fingers along the walls. You sudmit Ihren Fingern an den Wänden entlangfah- denly start to feel its texture which you may ren. Plötzlich spüren Sie die Textur der Wände, have seen before but you didn’t know. You nodie Sie vielleicht schon einmal gesehen haben, tice cracks, the peeling paint, maybe you step aber die Ihnen nicht vertraut war. Sie fühlen die on a coin that you hadn’t seen lying somewhere. Risse, die abblätternde Farbe, vielleicht treten Maybe your knee hits a stool you’ve been thinkSie auch auf eine Münze, von der Sie nicht ein- ing of moving to another room but it’s still there, mal bemerkt hatten, dass sie dort herumliegt. and bumping your knee has made you aware Vielleicht stoßen Sie mit dem Knie an einen of it.’ Stuhl, den Sie eigentlich in einen anderen Raum These words, spoken by Sohrab Hura to describe his approach stellen wollten, der aber immer noch da ist; und to composition and editing, are an apt description of his pracals Sie sich das Knie daran gestoßen haben, ist tice as a whole. The artist, who was born in West Bengal in 1981 and resides in New Delhi, works in photography, the mover in Ihr Bewusstsein gerückt.“ ing image, and in book form. Hura’s encounters with and close Diese Worte von Sohrab Hura, mit denen er seine Heran- observation of people and places across India veer towards gehensweise an die Komposition und den Schnitt beschrie- defamiliarisation rather than exposition – his images are evocben hat, sind ebenfalls eine treffende Beschreibung für seine ative but enigmatic. The artist frequently revisits his own phogesamte künstlerische Arbeit. Der 1981 in Westbengalen tographs to morph them into new formats and contexts; with geborene und in Neu-Delhi lebende Künstler arbeitet mit Hura, it is repeated consideration that can yield new insights Fotografien, Bewegtbildern und Büchern. Das Ergebnis von – together with great beauty. The artist’s films, surveyed here in titles from 2010 to 2020, Huras Begegnungen mit Menschen und Orten in ganz Indien oscillate between still and moving imagery. That Hura is a und von deren genauer Beobachtung ist eher eine Verfremdung als eine Darstellung – seine Bilder sind suggestiv, aber contemporary member of the historic Magnum Photos assorätselhaft. Der Künstler greift häufig seine eigenen Fotografien wieder auf, um sie in neue Formate und Kontexte zu setzen; bei Hura bringt diese wiederholte Betrachtung neue Einsichten zum Vorschein – und gleichzeitig auch große Schönheit. Die Filme des Künstlers, von denen hier Werke zwischen 2010 und 2020 untersucht werden, wechseln zwischen Standund Bewegtbildern. Dass Hura ein Mitglied der historischen Vereinigung Magnum Photos ist, ruft uns die visuelle Kultur in Erinnerung, innerhalb derer er seine Bilder erschafft. Der alles entscheidende Moment oder das eine ganze Generation bestimmende Foto gehören längst der Vergangenheit an; sie sind mittlerweile durch eine algorithmische Flut an Informationen und viralen Bildern ersetzt worden. Auch wenn Huras eindrucksvolles Werk Themen wie Falschinformationen, identitätsbasierte Gewalt und Ressourcenabbau beleuchtet, sind seine Filme weit mehr als reine Dokumentarfilme. Sie The Lost Head & The Bird

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The Coast

kombinieren Fakten mit Fiktion und setzen dabei vor allem auf Konfrontation, durch die er uns zeigt, wie Bedeutungen erschaffen werden und welche Machtsysteme sich dahinter verbergen. Auch wenn das auf Fotomontagen basierende Kino auf eine vielfältige Avantgarde-Geschichte zurückblicken kann (wie bei nostalgia von Hollis Frampton oder La Jetée von Chris Marker), bin ich nicht sicher, ob diese Tradition für Hura eine Rolle spielt. Mit ihrer förmlichen Präzision und Eleganz haben seine Filme eine allegorische und atmosphärische Tendenz und erwidern damit auf gewisse Weise die Bemerkung von Jean-Luc Godard: „Ein Film, das ist die Wahrheit 24-mal pro Sekunde und jeder Schnitt ist eine Lüge“. In einem Interview aus dem Jahr 2019 verglich Hura seine Haltung mit der eines Historikers, der „die Dinge so aufzeichnet, wie [er] sie geschehen [sieht].“ Diese Arbeitsweise fußt allerdings auf der Betrachtung; in einer postfaktischen Welt sind es die kritischen Momente, die den Raum schaffen, um tiefgründiger zu denken, die Perspektive zu wechseln oder Annahmen zu treffen. Für den Künstler, der zum Zeugen der Nöte und Unruhen wird, hat „die Gewalt eher damit zu tun, dass wir nicht mehr die Möglichkeit haben, wirklich über die Bilder nachzudenken“. Bei seinen fotografischen Werken arbeitet Hura in Serien und erschafft Bilder, die sich im Kontext des Kunst- und Fotojournalismus bewegen. Das Bewegtbild bietet dem Künstler noch mehr, nämlich die Art und Weise zu bestimmen, wie seine Bilder erlebt werden, und dieses Erleben zu einem bestimmten Zweck zu steuern. In The Lost Head & The Bird (2016–2019) spiegelt die hektische Anhäufung von Bildern die Intensität des Ausgangspunkts dieser Arbeit wider – das zunehmend beunruhigende politische Klima in Indien. In einem Umfeld, in dem sich ein Gerücht über WhatsApp wie ein Lauffeuer verbreiten und zu einem durch Hass motivierten Verbrechen führen kann, versteht Hura seine Arbeit so, dass sie lediglich die Art und Weise verstärkt und beschleunigt, mit der wir heute bereits Informationen konsumieren. The Lost Head & The Bird beginnt als eine Art Flackerfilm. Der Künstler erzählt die Geschichte einer kopflosen Frau als pulsierendes Bild, das sich dem Betrachter entzieht, bevor es langsam in den Fokus rückt. Das Porträt der Figur, die uns ihren Rücken zuwendet und die so unter zerknitterten Bettlaken verborgen ist, dass sie keinen Kopf zu haben scheint, ist verführerisch und auch verletzlich, suggestiv und verfremdend. Die Sprache wird von elektronischen Klängen abgelöst, während eine Reihe von Diptychen vorbeirauscht. Würde ich diesen Bildern in Huras Fotobuch begegnen, würde

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ciation is a convenient reminder of the visual culture within which he makes images. Long gone is the decisive moment or the generation-defining photograph, replaced today with the algorithmic deluge of information and viral images. While Hura’s impactful work sheds light on issues like misinformation, identity-based violence, and resource extraction, his films can’t easily be called documentary in nature. Combining fact and fabulation, they especially hinge on juxtaposition to make evident the ways in which meaning is created and the systems of power therein. While there is a rich avant-garde history of photomontage-based cinema (in Hollis Frampton’s nostalgia or Chris Marker’s La Jetée), I can’t be certain this tradition is of interest to Hura. With formal precision and elegance, his films lean towards allegory and atmosphere, and somehow feel like a rejoinder to Jean-Luc Godard’s quip that ‘film is truth 24 frames a second, and every cut is a lie.’ In a 2019 interview, Hura likened his position to that of a historian, ‘marking things as [he] see[s] them happen.’ But that practice is rooted in meditation; in a post-truth world, it’s juncture that creates space to think more deeply, to shift in perspective or assumption. While he bears witness to hardship and unrest, for the artist, ‘the violence is more to do with us not really having the chance to really think about images anymore.’ In his photographic practice, Hura works in series, creating images that have circulated in art and photojournalism contexts. The moving image offers the artist something else, to modulate how his pictures are experienced and to calibrate that to a certain end. In The Lost Head & The Bird (2016–2019), the piece’s frenetic build-up of imagery mirrors its starting point – the increasingly alarming political climate in India – in intensity. In an environment where a rumour can spread like wildfire on WhatsApp and instigate a hate crime, Hura sees his work as simply amplifying and accelerating the way in which information is already being consumed. The Lost Head & The Bird begins as a flicker film of sorts. The artist narrates a tale about a headless woman as a pulsating image eludes the viewer before slowly coming into focus. The portrait of a figure showing its back, contorted in rumpled bedsheets as to seem without a head, is alluring if vulnerable, suggestive but othered. Speech gives way to electronic sounds as a series of diptychs dart by. Were I encountering the images in Hura’s photobook, I would surely pause on the formal and dramatic qualities of each; here, I can hardly keep up with the mass of people and places. The pace quickens into all-out frenzy, with the artist’s images spliced together with found videos of mob violence, right-wing propaganda,

news headlines, scenes from Bollywood films, and more, the whole culminating in sensory overload. Hura envisioned the photographic series The Lost Head & The Bird as a psychological landscape of contemporary India in which undercurrents of gender, caste, sexuality, and politics are apparent. In the work’s video form, Hura posits that a meditation on the doctored image and the too-real loss of life that flows from it yields a fuller, grimmer portrait. Hura’s dexterous editing and ear for rhythm (by his account derived from growing up on 1980s and ’90s television) are further deployed in the installation version of The Lost Head & The Bird (its original iteration, if such a hierarchy can be applied). In that setting, the video unfolds in twelve acts, with each loop hardcoded with discrete permutations, scrambling the predictability of encounter or the assurance of what a title card or credits signify in cinematic time. It is also relevant that the film’s five sections are of equal length. While the artist prizes multiple experiences of his work, one thing is sure – any viewer will have felt time go by according to the film’s upward tempo. Hura plays on the affective qualities of viewership, overriding equal measure with the forward drive of syncopation. Here, the writer’s sleight of hand: I’ve omitted the fifth and final section, in which handwritten credits list sources appropriated by the artist. They fleetingly offer respite after the climax of images and sound, until the solemnity of the content described registers. Above all, the artist’s hand is revealed – our guide through this journey to where meaning falls apart. Hura shot the images for this last work along India’s coastline, a theme called out more explicitly in The Coast (2020). Across the artist’s practice, the shoreline takes on metaphorical significance, standing in for states of volatility in a society on edge. Opposite the latter’s fast-paced remix, The Coast is composed from footage shot by Hura, of religious festivities in a village in southern India which concludes with throngs of worshippers throwing themselves into the sea in a cleansing ritual. Slowed down and scored with a thunderous drone of

Pati Bittersweet

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ich sicherlich die formalen und dramaturgischen Qualitäten jedes einzelnen ergründen; hier kann ich allerdings mit der Masse an Menschen und Orten kaum mithalten. Das Tempo steigert sich bis zu einem regelrechten Rausch, bei dem die Bilder des Künstlers mit Found Footage zu Mobgewalt, rechter Propaganda, Schlagzeilen, Szenen aus Bollywood-Filmen und vielen weiteren Bildern kombiniert werden, was in einer Reizüberflutung gipfelt. Hura hat die Fotoserie The Lost Head & The Bird als eine psychologische Landschaft des zeitgenössischen Indiens konzipiert, bei der die Unterströmungen in Form von Geschlecht, Kaste, Sexualität und Politik deutlich werden. In der Videoversion des Werks postuliert Hura, dass die Betrachtung des manipulierten Bildes und der daraus resultierende allzu reale Verlust des Lebens ein umfassenderes, düstereres Bild ergeben. Huras geschickte Filmmontage und sein Gehör für Rhythmus (ihm zufolge zurückzuführen auf das Fernsehen der 80er und 90er, mit dem er aufwuchs) kommen auch bei der Installationsversion von The Lost Head & The Bird zum Einsatz (seine ursprüngliche Iteration, falls man von dieser Hierarchie sprechen kann). In diesem Setting entfaltet das Video sich in zwölf Akten, wobei jede Schleife jeweils mit leichten Permutationen fest einprogrammiert wird. Überdies ist zu erwähnen, dass die fünf Abschnitte des Films gleich lang sind. Während der Künstler die multiplen Erfahrungen seines Werks sehr schätzt, ist eines sicher: Alle im Publikum spüren, wie die Zeit mit dem steigenden Tempo des Films vergeht. Hura spielt mit den gefühlsbedingten Eigenschaften des Publikums und setzt dabei die Gleichmäßigkeit mit dem Vorwärtsdrang der Synkopierung außer Kraft. Und hier der Taschenspielertrick der Autorin: Ich habe den fünften und letzten Abschnitt ausgelassen, in dem handgeschriebene Credits vom Künstler bestimmte Quellen auflisten. Sie bieten eine flüchtige Ruhepause nach der Klimax aus Bildern und Klang, bis dem Publikum der Ernst des beschriebenen Inhalts bewusst wird. Vor allem zeigt sich die Hand des Künstlers, die uns auf dieser Reise dorthin führt, wo Bedeutung zerfällt. Die Bilder für diese Arbeit hat Hura an der indischen Küste aufgenommen – ein Motiv, das in The Coast (2020) noch deutlicher in den Vordergrund tritt. In den Arbeiten des Künstlers nimmt die Küste eine metaphorische Bedeutung an und steht für den Zustand der Unbeständigkeit in einer Gesellschaft, die am Abgrund steht. Im Gegensatz zu dem rasanten Remix bei dem vorherigen Film besteht The Coast aus Aufnahmen, die Hura von religiösen Feierlichkeiten in einem Dorf in Südindien gemacht hat und die damit enden, dass sich die Gläubigen in Scharen für ein Ritual der Reinigung in das Meer werfen. Der verlangsamte und mit dem Donnern einer Drohne und Field Recordings unterlegte Film wechselt zwischen den aus Körpern zusammengesetzten Landschaften, die sich in den sich brechenden Wellen verfangen, und Porträtnahaufnahmen, was zu einer völligen Desorientierung führt. Hier zeigt sich wieder einmal Huras künstlerische Strategie, die physischen Geografien in Allegorien zu verwandeln, um dadurch die realen Gegebenheiten umso unmittelbarer für uns spürbar zu machen. Ich frage mich, wie sich das Werk zur Schönheit verhält, denn die Bilder sind zwar fesselnd und verführerisch, aber gleichzeitig auch beunruhigend. In der Dunkelheit der Nacht ist es aufgrund der kollektiven Trance schwer, eine Umarmung von einem Angriff, einen Begeisterungssturm von einer Gefahr und das Karnevaleske von etwas Düsterem zu unterscheiden. Vielleicht geht es hierbei darum, dass wir nicht wegschauen. In der Kurzgeschichte hinter The Lost Head & The Bird gibt es eine Figur, die als „der idiotische Fotograf“ bezeich-

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net wird; für den Künstler ist dieser unbeholfene Voyeur ein Teil von ihm und ein Teil von uns. Eine frühere Arbeit des Programms zeigt Hura bei der Reflexion über den fotografischen Blick der Anmut und der Aufrichtigkeit. Pati (2010) führt uns zum Beginn der Karriere des Künstlers zurück, als er eine Gruppe von Aktivisten, Akademikern und Journalisten nach Madhya Pradesh begleitete: zu einer einst üppigen Region in Zentralindien, die aufgrund von Abholzungen fast nicht mehr bewohnbar ist. Dieser Besuch war der erste von vielen Besuchen, die Huras künstlerische Perspektive über mehrere Jahre hinweg prägen sollten. Pati kombiniert unbewegte mit bewegten Bildern, die alle in Schwarz-Weiß sind. Während Huras Off-Stimme die alltäglichen Nöte des Dorfes schildert, verstoßen die Bilder im Zeitraffer auf subtile Weise gegen sämtliche dokumentarische und ethnografische Konventionen. Besonders auffällig sind hierbei die Zoom-Schnitte, die die Kinder aus den Gruppenporträts isolieren und die die Wirkung ihrer aufrichtigen Gesichter und verspielten Momente im Alltag zu Hause verstärken. Auch wenn der Film die rauen Lebensbedingungen abbildet, die viele dieser jungen Menschen erwarten, sind für ihn das lokale Wissen und die mündlich überlieferten Geschichten wichtiger als die Narrative von außen. In Pati stellt Hura seinen Status als Besucher in den Vordergrund, so wie auch die Beziehungen (und die Arbeit), die nur mit der Zeit entstehen können. „Bei Fotoaufnahmen in verschiedenen Dörfern im Rahmen von Auftragsarbeiten wurde mir bewusst, dass ich die Mutter von jemand anderem fotografieren kann, aber nicht meine eigene Mutter.“ Bittersweet (2019), das Porträt der Mutter des Künstlers, die an paranoider Schizophrenie leidet, ist Huras bisher persönlichster Film. Die nun schon unverkennbare Montage von Film und Fotografie ermöglicht es dem Künstler, sich mit einem zugleich schwierigen und zärtlichen Erlebnis in seinem Leben auseinanderzusetzen und es zu überwinden. Die in eine Vielzahl von Bildern eingebetteten intimen, verletzlichen und farbenfrohen Szenen im eigenen Zuhause erinnern in ihrer freimütigen Darstellung von Gemeinschaft und Geisteskrankheit an Nan Goldins The Ballad of Sexual Dependency (1979–2004). Elsa, der Hund von Huras Mutter, taucht immer wieder als Verweis auf die alternativen Formen von Familie darin auf, während er gleichzeitig in Form von verschmutzten Laken und sabberndem Grinsen (mit einer liebevollen Anspielung auf Huras Verlag Ugly Dog Books) zur hausbackenen Atmosphäre des Werks beiträgt. Tiere tauchen in Huras Werk immer wieder auf und sind auch in Bittersweet allgegenwärtig: Spinnweben, Wasserläufer im Waschbecken und flinke Eidechsen gehören zum Familienleben. Indem er sich dafür entscheidet, die Grenze zwischen Ablehnung und Zuneigung nicht zu ziehen, erschafft Hura eine würdevolle Ode an die gegenseitige Abhängigkeit. Sophie Cavoulacos

mixed and field recordings, the film teeters between landscapes of bodies tangled in the crashing waves and portraitclose-ups to utterly disorienting effect. Hura’s artistic strategy is again on display, to transform physical geographies into allegorical ones to make real-life properties all the more viscerally felt. I also wonder about the work’s relationship to beauty: it must be said that the imagery is captivating and seductive, but disconcerting in turn. In the dark of night, the come-down from collective trance makes it hard to distinguish an embrace from a tackle, exaltation from danger, and the carnivalesque from something more sinister. Perhaps the point is that we not look away. There is a character in the short story behind The Lost Head & The Bird named as ‘the idiot photographer’ – for the artist, that bumbling voyeur is a bit of him and a bit of us. An early work in the programme reveals Hura reflecting on the photographic gaze with grace and sincerity. Pati (2010) harkens back to the beginning of the artist’s career, when he accompanied a group of activists, academics, and journalists to Madhya Pradesh, a once-lush region in central India made nearly uninhabitable by deforestation. The visit would be the first of many which would shape Hura’s artistic outlook over many years. Pati combines still and moving imagery, all in black and white. While Hura’s voiceover details the day-to-day hardship in the village, the lapse of pictures subtly undercuts any documentary and ethnographic conventions at play. Especially striking are zoom-cuts that isolate the figures of children from group portraits, doubling down on candid expressions and mischievous moments in life at home. While the film outlines the harsh life that await many of these young people, it nonetheless prizes local knowledge and oral history over outside narratives. In Pati, Hura foregrounds his status as a visitor, and the bonds (and work) that can only be created over time. ‘I was photographing in villages, on assignments, and I realised that I could photograph someone else’s mother, but not my own.’ Bittersweet (2019), a portrait of the artist’s mother, who suffers from paranoid schizophrenia, is Hura’s most personal film to date. The now-signature assemblage of film and photography allow the artist to both confront and transcend a complex and tender lived experience. Cocooned within a range of imagery, intimate, vulnerable, and colourful scenes at home evoke Nan Goldin’s The Ballad of Sexual Dependency (1979–2004) in their frank depiction of companionship and mental illness. His mother’s dog, Elsa, recurs throughout, hinting at the alternative forms of kinship while contributing to work’s homespun aura in the form of soiled sheets and drooling grins (Hura’s publishing imprint, Ugly Dog Books, is named in a loving nod). Animals figure throughout Hura’s work, and are omnipresent in Bittersweet, with high-contrast spiderwebs, water bugs in the sink, and darting lizards part of family life. Opting not to draw the line between abjection and affection, Hura constructs a dignified ode to interdepen dence.

Sophie Cavoulacos ist Associate Curator für Film am Sophie Cavoulacos Museum of Modern Art in New York. Sophie Cavoulacos is an Associate Curator of Film at The Museum of Modern Art in New York.

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Kontakt Contact

contact@sohrabhura.com sohrabhura.com

Profile Profiles Sohrab Hura

Sohrab Hura

Der Kern von Sohrab Huras Arbeit liegt in der Fotografie. Diese Form versucht er jedoch regelmäßig zu brechen und sie auf Film, Text und Ton auszuweiten. 2010 drehte er seinen ersten Kurzfilm Pati – eine Montage aus Fotografien, Geräuschen, Filmmaterial, Text und seinem eigenen Voiceover. Der Film gibt einen Einblick in das Leben eines Dorfes in Zentralindien. Auch das Publizieren von Büchern ist für Hura eng mit dem Filmemachen verwoben. In seinem Selbstverlag Ugly Dog veröffentlichte er fünf Bücher. 2019 gewann Hura den PhotoBook Of The Year Award von Paris Photo und der Aperture Foundation für sein Buch The Coast. 2020 wurde sein gleichnamiger Kurzfilm auf der Berlinale uraufgeführt. Hura lebt und arbeitet in Neu-Delhi. While the core of Sohrab Hura’s work lies in photographs, he tries to break that form regularly and extend it into film, text and sound. In 2010 he made his first short film, Pati, an assemblage of photographs, collected sounds and film footage as well as text and his voiceover to give a glimpse of life in a village in Central India. Book making is intertwined with his practice of filmmaking, and under his self-publishing imprint Ugly Dog, Hura has published five books. In 2019 he won the Aperture – Paris Photo Photobook Of The Year Award for his book The Coast. In 2020, his short film also named The Coast premiered at the Berlinale. He lives and works in New Delhi. Filmauswahl Selected works The Coast (2020), Bittersweet (2019, in Oberhausen 2020), The Lost Head & The Bird (2016-19, in Oberhausen 2018), Pati (2010)

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Programm Programme Profile Profiles Sohrab Hura

8. Mai 10:45 Uhr 8 May 10:45 am Lichtburg

Pati

Indien India 2010 11'48", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Sohrab Hura „Ich erinnere mich. Es blies ein starker, heißer Wind und das Thermometer kletterte beinahe auf 50 Grad. Ein kleiner Junge versuchte, mithilfe von Ochsen, die fast wie Skelette aussahen, ein Stück Land zu pflügen. Das Land war felsig und ich konnte mir nicht vorstellen, das dort irgendetwas wachsen würde. Aber er trug diese Dringlichkeit in sich, als ob seine Familie sofort verhungern würde, wenn er dort jetzt nichts anpflanzte. Es war 2005, als ich zum ersten Mal nach Pati fuhr.“ 2010 kehrte Hura in die Region zurück und drehte den gleichnamigen Schwarz-Weiß-Film, in dem er als Erzähler dem Publikum das Leben in einer kleinen Ansammlung von Dörfern in Zentralindien näherbringt, wo er seit über 15 Jahren arbeitet. ‘I still remember, a strong hot wind was blowing and the temperature was touching fifty degrees. A really young boy was trying to plough a piece of land with bullocks that were almost like skeletons. The land was all rock, and I couldn’t imagine anything growing there. But he had this urgency in him, as if, if he didn’t grow anything there that very day his family would starve. That was in 2005 when I went to Pati for the first time.’ In 2010, Hura returned to the region and made the eponymous black-and-white film, in which he, as a narrator, leads the viewer through life in a small cluster of villages in Central India where he has been working for over fifteen years.

The Lost Head & The Bird

Indien India 2016–2019 10'13", Farbe colour, Englisch English Regie Director Sohrab Hura Die Antwort des Künstlers auf das gegenwärtige gesellschaftspolitische Klima in Indien. Das Publikum wird mitgenommen auf eine Reise zu verborgenen Aspekten der indischen Gesellschaft. Eine verwirrende und absurde Welt, in der Untertöne von Kaste, Sexualität, Religion und politischer Gewalt unter der Oberfläche lauern und immer häufiger durchbrechen. The artist’s response to the current socio-political climate in India. It takes the audience on a journey to hidden aspects of Indian society – to life on the fringes. A disorientating and absurd world, where the undercurrents of caste and sexual, religious and political violence lurk beneath the surface, erupting in ever more frequent outbursts.

Bittersweet

Indien India 2019 13'38", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Sohrab Hura Sohrab Hura stellt sein persönliches Familienleben in den Mittelpunkt, insbesondere die Beziehung zwischen seiner an akuter paranoider Schizophrenie leidenden Mutter und ihrem Hund Elsa. Was als Ausbruch aus seiner familiären Situation begann, wurde zur Strategie, sich der Realität zu Hause zu stellen. Fotografiert und gefilmt über einen Zeitraum von zehn Jahren versucht das Werk, einen Sinn zu finden und mit Vergangenem abzuschließen. Dabei hinterfragt und entdeckt Hura die Banalitäten seines häuslichen Alltags. Sohrab Hura focuses on intimate family life, particularly the relationship between his mother, who was diagnosed with acute paranoid schizophrenia, and her dog, Elsa. What began as a way to escape his family situation turned into a method of confronting the realities at home. Photographed and filmed over a period of ten years, it is a search for meaning and closure, with Hura questioning and discovering the banalities of everyday life at home.

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The Coast

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Programm Programme

Indien India 2020 17'28", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sohrab Hura Die Grenze zwischen Land und Wasser wird zum Punkt der Befreiung, an dem die Figuren Angst, Überraschung, Ärger, Trauer, Vertrauen, Vorfreude, Begeisterung, Verachtung, aber auch Verzückung erleben. In dieser Fortsetzung von The Lost Head & The Bird nutzt Hura die Metapher des Wegwaschens der Maskerade als Zeichen der Hoffnung auf das Ablegen der verschiedenen Masken in der Gesellschaft, mit denen sie ihr Handeln ausführt und rechtfertigt. Das Meer verlangt eine andere Form der Osmose und Verwandlung, das Meer verlangt nach Umarmung und nicht nach Zusammenprall. The margin between land and water becomes a point of release beyond which characters experience fear, surprise, anger, sadness, trust, anticipation, excitement, contempt but also rapture. In this sequel to The Head & The Bird, Hura uses the metaphor of the washing away of the masquerade as a hope for the removal of the different masks that society wears to commit and justify their actions. The sea asks for a different kind of osmosis and transformation; the sea asks for embracing and not colliding.

Profile Profiles Sohrab Hura

8. Mai 10:45 Uhr 8 May 10:45 am Lichtburg

Profile Profiles Eszter Szabó

Screen as canvas

Christiane Büchner Eszter, Sie haben nie ein Geheimnis daraus gemacht, dass Ihre Animationen auf Gemälden beruhen. Haben Sie eine klassische Ausbildung als Malerin durchlaufen? Eszter Szabó An der Ungarischen Akademie der Bildenden Künste in Budapest muss man bereits bei der Aufnahme entscheiden, ob man Bildhauerei, Malerei, Grafikdesign usw. machen will. Ich habe mich für Malerei entschieden. Meine Arbeiten mit Video, neuen Medien, Installationen – das kam alles später. Christiane Büchner Ihre Abschlussarbeit war allerdings eine Animation. Wie kam es dazu? Eszter Szabó In meiner Klasse gab es keine konzeptionelle Ausbildung. Wir mussten nie erklären, woran wir interessiert waren. Der Arbeitsablauf war sehr intuitiv. Unsere Ateliers befanden sich in einem wunderschönen Garten. Ein magischer Ort, wie ein Stück vom Garten Eden mitten in der Stadt. Und wir haben immerzu schöne Dinge gemalt. Für mich war es schwierig, in dieser verträumten Umgebung einen Sinn in der Malerei zu finden. Ganz am Ende meines Studiums gab es einen offenen Aufruf an die Studierenden, Porträts von Rektoren einer anderen Universität zu malen. Ich bewarb mich nicht auf diese Ausschreibung, aber ich interessierte mich für die Idee: Wer ist es wert, gemalt zu werden? Gemalt und vertikal an einer Wand präsentiert zu werden, bedeutete immer Respekt. So kam ich auf die Idee, die beiden Frauen zu porträtieren, die im Studierendenbüro meiner Universität arbeiteten. Bis heute sind sie Schlüsselfiguren im Leben der Universität. Sie sind sehr einflussreich, auch wenn ihre Macht nie so respektvoll anerkannt wurde wie die des Rektors. Als ich sie fragte, ob ich sie porträtieren könne, sagten sie nein und meinten, ich solle mir ein ästhetischeres Motiv suchen. Es fiel ihnen schwer, sich ein Bild von zwei Frauen mittleren Alters vorzustellen, das weder verschönert noch verspottet werden würde. Sie glaubten, ein Bild von ihnen wäre absurd. Ihre Reaktion hat mich noch mehr motiviert. Ich bestand darauf und nahm die Herausforderung an. Schließlich willigten sie ein, ich malte das Bild und es stellte sich heraus, dass es beiden sehr gut gefiel. Es hängt immer noch an der Wand in ihrem Büro und hinterfragt die Machtverhältnisse an der Akademie. Christiane Büchner Das Porträt hat also diesen konzeptionellen Prozess in Gang gestoßen? Eszter Szabó Ja, von da an habe ich mir angewöhnt, mein Atelier und den schönen Garten zu verlassen. Ich nahm meine Fotokamera und begann, an Orte zu gehen, an die ich normalerweise nicht gehen würde. Ich verließ meine eigenen Kreise,

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Christiane Büchner Eszter, your animations never deny that they also exist as paintings. You started as a classically trained painter? Eszter Szabó At the University of Fine Arts in Budapest you have to decide already with the entry exam whether you want to be a sculptor, a painter, a graphic designer, or whatever. And I picked painting. All my work with video, new media, installation came later. Christiane Büchner But your diploma was already an animation. So what happened in between? Eszter Szabó In my class there was no conceptual training. We never had to explain what we were interested in. The workflow was very intuitive. Our studios were situated in a beautiful garden. A magical place, like a piece of the Garden of Eden in the middle of the city. And we all painted beautiful things. For me it was difficult to find meaning in painting in this dreamy surrounding. At the very end of my studies there was an open call to the students to paint portraits of rectors of another university. I didn’t apply to this call, but got interested in the idea of: who is worth to be painted. To be painted and presented vertically on a wall always meant respect. So I got the idea to portray the two women who worked in the students’ office of my university. Up to today they are key figures in the university’s life. They are very influential, even though their power was never as respectfully acknowledged as the rector’s. When I asked them whether I could portray them, they said no and proposed that I should find a more aesthetic topic. It was hard for them to imagine a painting of two middle-aged women, who are neither beautified nor made fun of. They thought that the painting will be grotesque. Their reaction made me even more interested. I insisted and took the challenge. Finally they agreed, I made the painting and it turned out that they both liked it a lot. It is still hanging on the wall in their office and questions the power relations of the school. Christiane Büchner So the process to work conceptually with painting started with this portrait? Eszter Szabó Yes, from then on I developed the habit to leave my studio and the beautiful garden. I took a photo camera with me and started to go to places where I normally would not go to. I left my own circles, my middle-class student life. With my camera I looked around in the streets next to the university. First thing I found was a hairdresser. Just behind the school. I was interested in all the photos of idealised women and their well-groomed hair on the walls. And beneath, the women with all kinds of hair, who want to resemble these images. It reminded me of construction sites. You

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see all the gravel, the machines. Everything is turned upside down. And on a billboard a 3D-render shows the future building: an idyllic place with happy people, large trees, etc. I began to search for motifs like this. Christiane Büchner Your first animation Shapes was still an analogue object animation? Eszter Szabó I visited all these beauty studios, and these places were the inspiration for my diploma work, which became my first animation. The idea came from an experience that I had when playing with a piece of wax in my hand. I noticed that if I want to form a cube with my hands I was only successful when I pushed the wax against the table. One side turned out really straight. But as soon as I wanted to fix the other sides, my hand destroyed the already perfectly straight side. Unless you are a machine you can not form a perfect cube. There is a price for all the sides. In Shapes I animated this cube. It is jumping on a table, pushing itself against the flat surface, when it turns, you see the beautifully manufactured side losing its shape. The cube is ‘exercising’ in front of some perfectly constructed geometrical cubes. It is a three channel video; there is also a cylinder and a sphere ‘building their muscles’. Christiane Büchner What I find fascinating is the minimalism of movement in your animations. For example, how you use aging as a linear process as an implicit narrative in time. Eszter Szabó In the beginning of the 2000s, things started to grow in Hungary. Suddenly, there were a lot of new buildings, all these shopping malls, a lot of fashion and other things Hungary adopted from the Western world. But the inhabitants just stayed the same. So you could see these huge spaces with their clean and expensive interiors and the people who moved inside them didn’t seem to belong there. I created a series of works about people wandering around in the city. I later extended this series with works that were about people in the near future. Deriving from the current state, mindset, etc. of contemporary youth. I look at a portrait as a time print. Christiane Büchner How do you work when you start with photography? What are the traits that you manipulate in painting to extrapolate your view on reality? Eszter Szabó First I make drawings of the photos looking for details that I like. This can be how somebody’s eyebrows are curved. The line of the lips. Sometimes a whole face. For example in my first series I was ‘collecting’ thin lips with downturned corners of the mouth. Many people have this who had to be serious a lot of times, and then this expression stays somehow on their faces. And not only on old people’s faces. My paintings and animations are a combination of these very familiar characteristic details. I focus on subtle movements. How my characters repeat their traits in personal loops. This what I want to show. There is no story, no narrative. I am not explaining the situation. Christiane Büchner You also work with lenticular images. Eszter Szabó Yes. I like the interactivity of it. In my work Facelift, a person is constantly rubbing her face. And the face becomes totally distorted by this movement of the hands. It is interesting how with aging everything goes down and we engage in this ridiculously senseless effort to push up. From the breast to the hair – everything! As a lenticular piece this movement becomes a mixture between still image and moving image. What you see depends on your angle of view. It is a restless situation. A video can be paused. But such an image you can not stop, unless you totally freeze. Christiane Büchner A painted portrait can show the before and the after in one image. Is this why in all your digital works exists the act of painting at a certain stage?

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mein bürgerliches Studierendenleben. Mit meiner Kamera sah ich mich in den Straßen neben der Universität um. Das erste, was ich fand, war ein Friseur. Gleich hinter der Schule. Ich interessierte mich für all die Fotos dieser gestylten Frauen und ihren gepflegten Haaren an den Wänden. Und darunter die Frauen mit allen möglichen Frisuren, die diesen Bildern ähneln wollen. Es erinnerte mich an Baustellen. Man sieht den ganzen Schotter, die Maschinen. Alles ist auf den Kopf gestellt. Und auf einer Plakatwand zeigt ein 3-D-Visualisierer das künftige Gebäude: einen idyllischen Ort mit glücklichen Menschen, großen Bäumen usw. Ich begann, nach solchen Motiven zu suchen. Christiane Büchner Ihre erste Animation Shapes war immer noch eine analoge Objektanimation? Eszter Szabó Ich besuchte Schönheitsstudios. Sie bildeten die Inspiration für meine Diplomarbeit, die zu meiner ersten Animation wurde. Die Idee entstand aus einer Erfahrung, die ich beim Spielen mit einem Stück Wachs in meiner Hand machte. Ich bemerkte, dass ich, wenn ich mit meinen Händen einen Würfel formen wollte, nur Erfolg hatte, wenn ich das Wachs gegen den Tisch drückte. Dann wurde eine Seite schön gerade. Aber sobald ich die anderen Seiten begradigen wollte, zerstörte meine Hand die bereits perfekt gerade Seite. Wenn man keine Maschine ist, kann man keinen perfekten Würfel formen. Alle Seiten haben ihren Preis. In Shapes habe ich diesen Würfel animiert. Er hüpft auf einem Tisch, drückt sich gegen die flache Oberfläche, und wenn er sich dreht, sieht man, wie die schön gearbeitete Seite ihre Form verliert. Der Würfel „trainiert“ vor einigen perfekt konstruierten geometrischen Würfeln. Es handelt sich um ein Dreikanalvideo, in dem auch ein Zylinder und eine Kugel „ihre Muskeln trainieren“. Christiane Büchner Was ich faszinierend finde, ist der Minimalismus der Bewegung in Ihren Animationen. Zum Beispiel, wie Sie den linearen Prozess des Alterns als implizite Erzählung in der Zeit verwenden. Eszter Szabó Anfang der 2000er-Jahre begann in Ungarn alles zu wachsen. Plötzlich gab es eine Menge neuer Gebäude, all diese Einkaufszentren, eine Menge Mode und andere Dinge, die Ungarn von der westlichen Welt übernommen hat. Aber die Einwohner*innen blieben einfach dieselben. So konnte man diese riesigen Räume mit ihrer sauberen und teuren Innenausstattung sehen und die Menschen, die sich darin bewegten, schienen nicht dorthin zu gehören. Ich schuf eine Reihe von Arbeiten über Menschen, die in der Stadt umherwandern. Später erweiterte ich diese Serie um Arbeiten, die von Menschen in der nahen Zukunft handelten. Ich leite diese Arbeiten vom aktuellen Zustand, der Mentalität usw. der heutigen Jugend ab. Ich betrachte ein Porträt als einen Zeitabdruck. Christiane Büchner Wie arbeiten Sie, wenn Sie mit der Fotografie beginnen? Was sind die Merkmale, die Sie in der Malerei manipulieren, um Ihre Sicht auf die Realität fortzuschreiben? Eszter Szabó Zuerst mache ich Zeichnungen von den Fotos und suche nach Details, die mir gefallen. Das können beispielsweise die geschwungenen Augenbrauen einer Person sein, die Form ihrer Lippen, manchmal auch ein ganzes Gesicht. In meiner ersten Serie habe ich zum Beispiel dünne Lippen mit nach unten gezogenen Mundwinkeln „gesammelt“. Das haben viele Menschen, die sehr oft ernst sein mussten, und dann bleibt dieser Ausdruck irgendwie in ihrem Gesicht. Und das nicht nur auf den Gesichtern von alten Menschen. Meine Bilder und Animationen sind eine Kombination aus diesen sehr vertrauten charakteristischen Details. Ich konzent-

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riere mich auf subtile Bewegungen: wie meine Figuren ihre Züge in persönlichen Schleifen wiederholen. Das ist es, was ich zeigen möchte. Es gibt keine Geschichte, keine Erzählung. Ich erkläre die Situation nicht. Christiane Büchner Sie arbeiten auch mit Lentikularbildern. Eszter Szabó Ja. Ich mag die Interaktivität. In meinem Werk Facelift reibt sich eine Person ständig ihr Gesicht. Und das Gesicht wird durch diese Bewegung der Hände völlig verzerrt. Es ist interessant, wie mit dem Älterwerden alles nach unten geht und wir uns auf diese lächerlich sinnlose Anstrengung einlassen, alles nach oben zu pushen. Von der Brust bis zu den Haaren – alles! Mit dem Lentikularprinzip wird diese Bewegung zu einer Mischung aus Standbild und bewegtem Bild. Was Sie sehen, hängt von Ihrem Blickwinkel ab. Es entsteht eine unruhige Situation. Ein Video kann pausiert werden. Aber ein solches Bild kann man nicht anhalten, es sei denn, man friert es völlig ein. Christiane Büchner Ein gemaltes Porträt kann das Vorher und das Nachher in einem Bild zeigen. Kommt deshalb in all Ihren digitalen Arbeiten der Akt des Malens in einem bestimmten Stadium vor? Eszter Szabó Ich liebe die Materialität der Farbe. Wenn ich male, experimentiere ich oft mit verschiedenen analogen Materialien und auch mit verschiedenen Softwares. Das ist dasselbe wie mit Farben oder Pinseln. Ich entwickle einen bestimmten Arbeitsablauf, angepasst auf meine eigenen Zwecke. Széphercegnő war zum Beispiel meine erste Arbeit, bei der ich 3-D verwendet habe. Das hat mich schon immer interessiert, denn ich wollte meine Bilder aus einer Betrachterperspektive hinaus in ein dreidimensionales Objekt verwandeln können. Auch wenn es trashig aussieht, wollte ich ein dreidimensionales Porträt schaffen. Ich arbeite mit vorgefertigten 3-D-Modellen, die ich verzerre, damit sie nicht so perfekt aussehen, sondern normal. Es ist eine Menge Arbeit, diese generischen Modelle zu zerstören. Dann verwende ich meine Bilder als Textur für diese 3-D-Modelle. Christiane Büchner Manche Ihrer Figuren sprechen auch direkt mit den Zuschauenden … Eszter Szabó Ja, mein erstes Video dieser Art war Maria. Es war – wie üblich – ursprünglich ein Gemälde. Mein Plan war es, ein detailliertes Porträt einer gewöhnlichen, alltäglichen Frau zu malen. Als ich in meinem Atelier daran arbeitete, wurde das Porträt viel zu seltsam und grotesk. Wenn ich male, trete ich zurück, korrigiere meine eigenen Ideen und gehe wieder zurück. Bei diesen „Spaziergängen“ kam mir die Idee, dass Maria selbst anfängt, mich zu korrigieren: „Das sieht furchtbar aus, korrigiere die Haare, ändere meine Lippen usw.“. Die gemalte Figur verbesserte und normalisierte sich. Im Video habe ich sie also tatsächlich dazu gebracht, sich über ihr Aussehen zu beschweren und darüber zu sprechen. Kürzlich habe ich gelernt, dass diese Art des Erzählens „die Sicht der zweiten Person“ genannt wird. Sie wird manchmal in der Literatur verwendet, zum Beispiel in Winnie-the-Pooh, wenn der Autor mit der Leserschaft spricht. In der Installationsversion von Széphercegnő sehen wir die Figur sitzen. Es gibt eine Vorderansicht, aber man kann die Figur auch von hinten sehen, wenn man sich um sie herumbewegt. Und manchmal schaut die Protagonistin zu einem zurück. Sie scheint zu wissen, dass man da ist. Christiane Büchner Vielen Dank, Eszter, für das Gespräch. Christiane Büchner ist Filmemacherin, Autorin und Zeichnerin. Seit 2002 Kommissionsmitglied der Kurzfilmtage.

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Eszter Szabó I love the materiality of the paint. When I am painting, I often experiment with different analogue materials as well as with different softwares. It is the same as with paints or brushes. I am developing a certain kind of workflow for my own purposes. For example, Princess Beauty was my first work where I used 3D. I was always interested in it, because I wanted to be able to turn my paintings from a face position to a three-dimensional object. Even if it looked trashy, I wanted to achieve a three-dimensional portrait. I work with prefabricated 3D models that I distort to make them look less perfect. Normal. It is a lot of work to destroy these generic models. I then use my paintings as a texture for these 3D models. Christiane Büchner Some of your characters also speak back to the viewer. Eszter Szabó Yes, my first video like that was Maria. It was – as usual – originally a painting. My plan was to create a detailed portrait of a generic, everyday woman. As I was working on it in my studio, the portrait started to be way too weird and grotesque. When I paint, I step back, correct my own ideas and go back. During these ‘walks’ I got the idea that Maria herself would start to correct me: ‘This looks horrible, correct the hair; change my lips, etc.’ The painted character improved and normalised herself. So in the video I actually made her talk and complain about how she looks. I recently learnt that this way of storytelling is called ‘the second person view’. It is sometimes used in literature, i. e. in Winnie-the-Pooh when the writer speaks out to the reader. In the installation version of Princess Beauty, we see the character sitting. There is a front view, but you can also see the character from the back when you move around. And sometimes the protagonist is looking back at you. She seems to know that you are there. Christiane Büchner Thank you Eszter. It was a pleasure to talk to you. Christiane Büchner is a filmmaker, author and illustrator. Member of the selection comitee of the Kurzfilmtage since 2002.

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eszterszabo1@gmail.com eszterszabo.hu

Profile Profiles Eszter Szabó

Eszter Szabó

Eszter Szabó lebt und arbeitet in Budapest. Sie hat einen MA der Ungarischen Universität der Bildenden Künste in Malerei. 2016 schloss sie ihr Postgraduiertenstudium am Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains in Tourcoing, Frankreich, ab. Szabós Arbeiten, meist konzeptuelle Videos ohne Narrativ, sind animierte Versionen ihrer Gemälde. Sie arbeitet mit Zeichnung, Ölmalerei und Aquarell sowie mit 2-D- und 3-D-Animationen. In ihrer Praxis der Erkundung von Manifestationen sozialer Prozesse konfrontiert sie häufig die Ästhetik herrschender Verhältnisse mit dem Alltäglichen. Wiederkehrende Themen in ihrem Werk sind Verletzbarkeit, Trägheit, Überdruss sowie das unstillbare Verlangen nach Perfektion. Sie erschafft fiktive Personen, die sich aus verschiedenen Charakteristika der menschlichen Gestalt zusammensetzen, wie sie ihr bei ihren Spaziergängen auf der Straße begegnen. Ihr besonderes Interesse gilt dabei den wesentlichen Merkmalen. In ihren jüngsten Arbeiten erforscht sie Begriffe wie Domestizierung, Konformität und Unsichtbarkeit. Szabó hatte zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen sowie Künstlerresidenzen weltweit. Kürzlich wurde ihr der Leopold Bloom Art Award verliehen. Eszter Szabó lives and works in Budapest. She has an MA in painting from the Hungarian University of Fine Arts. In 2016 she finished her postgraduate studies at Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains. Her works are mostly non-narrative, conceptual videos that are animated versions of her paintings. She creates drawings, oil paintings and aquarelles, and she works with both 2D and 3D animation. She researches manifestations of social processes. During her practice, she often confronts the aesthetics of the status quo with the ordinariness of everyday life. Vulnerability, inertia, weariness and unattainable desires to be perfect are general themes that return again and again in her work. She creates fiction, characters combining different elements of people observed in the street, seeking their most familiar components. In her recent works she explores notions of domestication, compliance and invisibility. She has participated in various solo and group exhibitions, as well as holding art residencies around the world. Recently she has won the Leopold Bloom Art Award. Filmauswahl Selected works Széphercegnő (2021, in Oberhausen 2021), Inercia (2018), Wristgrab (2017), Abandoning the Testicals (2017), Doubletake (2016), Dispenser of Delights (2014/15), Our Lady (2013), The Reconquest of Paradise (2011), S.S.&H.T. (2011), Sassetta Speedcore (2010), Maria (2010), In 2053 (2010), Red Flowers (2008), Hamburger (2008), 179.– (2008), H&M (2008), Tiger (2008), Auchan couple (2008), CBA couple (2008), Shapes (2006)

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Programm Programme Profile Profiles Eszter Szabó

8. Mai 19:30 Uhr 8 May 7:30 pm Gloria

Pickle

Ungarn Hungary 2022 06", Farbe colour, stumm silent Regie Director Eszter Szabó Pickle ist ein laufendes Projekt. Es ist Teil einer Reihe von Videoinstallationen, darunter Reproduktionen von Renaissance-Porträts, Collagen/Ölmalereien und simulierte 3-D-Animationen, installiert auf mehreren mehrseitigen, skulpturartigen Bildschirmen. Pickle is work in progress. It is part of a series of video installations that include reproductions of Renaissance portraits, collage/oil paintings, simulated 3D animations installed in various, multi-sided sculpture-like screens.

Széphercegnő Princess Beauty

Ungarn Hungary 2020 2'30", Farbe colour, Englisch English Regie Director Eszter Szabó Széphercegnő ist eine Mixed-Media-Videoinstallation. Der Titel bezieht sich auf ein Gedicht von Aliz Mosonyi, in dem es um ein Mädchen mit Tulpen in den Händen geht, die ihr alle möglichen disziplinarischen Anweisungen ins Ohr flüstern. Sie versuchen, das Mädchen zu zähmen, damit es eine gepflegte und gut erzogene Dame wird. Das Werk beschäftigt sich mit dem Konflikt zwischen der eigenen Handlungsfähigkeit und den physischen und psychischen Zwängen, denen diese unterliegt. Es geht um die Versuche der Protagonistin, in dieser Umgebung zu existieren, um ihre Gefühle und ihre Flucht. Die Videos der Installation sind eine Kombination aus 3-D-Animationen und physischen Simulationen. Zahlreiche unvorhersehbare, zufällige Ereignisse und Glitch-Effekte wurden Teil des kreativen Prozesses. Princess Beauty is a mixed-media video installation. The title refers to Aliz Mosonyi’s poem, which is a tale about a girl with tulips in her hands that whisper all kinds of disciplinary orders into her ears. They are trying to tame her to be a well-groomed and well-behaved lady. The work deals with the conflict between one’s own agency and the physical and mental constraints that are imposed on them. It addresses the protagonist’s attempts to exist in this environment, her emotions and her escape. The videos in the installation are a combination of 3D animations with physical simulations. A lot of unpredictable, random events and glitchy effects became part of the creative process.

Maria

Ungarn Hungary 2010 56", Farbe colour, Ungarisch mit englischen Untertiteln Hungarian with English subtitles Regie Director Eszter Szabó Ursprünglich ist Maria ein Gemälde, das Porträt einer fiktiven Person namens Maria. Im Video „erwacht“ das Porträt zum Leben und beschwert sich über das Gemälde. Maria kritisiert es, weil sie glaubt, dass es ihr nicht ähnlich sieht. Originally, Maria is a painting that portraits a fictive person called Maria. In the video this portrait becomes ‘alive,’ and it is complaining about the painting. She is criticising it because she thinks it is not similar to her.

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C’est combien le kilo?

Homo Domesticus

Ungarn Hungary 2019 Farbe colour, stumm silent Regie Director Eszter Szabó Die Definition des Worts „Domestizierung“ ist die Anpassung eines lebenden Organismus aus einem wilden oder natürlichen Zustand in enger Verbindung mit dem und zum Nutzen des Menschen. Der Zähmungsprozess verläuft gemäß den persönlichen Interessen des Trainers. Die Gemälde, Collagen und kurzen Animationen der Reihe Homo Domesticus erkunden die Spuren der Domestizierung. Im Mittelpunkt stehen dabei die Frauen und das Phänomen, das als „beschönigte Sklaverei“ bezeichnet werden könnte – das Ergebnis der Disziplinierung, demütig, gehorsam und gesittet zu sein. The definition of the word domestication is to adapt any living organism from a wild or natural state into close association with and for the benefit of humans. In the process of taming, personal interests are annexed by the trainer. The paintings, collages and short animations of the series entitled Homo Domesticus explore the traces of domestication. Its focus is on women and on the phenomenon that could be called ‘embellished servitude,’ which is a result of the discipline to be meek, obedient and appropriately civilised.

Abandoning The Testicles

Ungarn Hungary 2017 1'19", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eszter Szabó Abandoning The Testicles gehört zu einer Reihe, die sich mit dem Ärger ganz normaler Menschen beschäftigt und ihren Möglichkeiten, ungehorsam zu sein. Abandoning The Testicles is part of a series that deals with the anger of everyday people and their possibilities for disobedience.

Shapes

Ungarn Hungary 2006 30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eszter Szabó Eine Stop-Motion-Knetanimation: ein Dreikanalvideo, das eine Kugel, einen Zylinder und einen Würfel zeigt, die verzweifelt Sport treiben, um die perfekte Form zu haben. „Dies ist meine Diplomarbeit, mein erstes Video.“ (Eszter Szabó) It is a stop motion clay animation: a three-channel video showing a sphere, a cylinder and a cube desperately exercising to have the perfect shape. ‘This was my diploma work, the first video I made.’ (Eszter Szabó)

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Programm Programme

Ungarn Hungary 2009 Farbe colour, stumm silent Regie Director Eszter Szabó Diese Reihe kleiner Gemälde und kurzer Videoschleifen erforscht die Erscheinungsformen und die Ursprünge der öffentlichen Meinung, indem sie den Schwerpunkt auf gewöhnliche Details legt, die so vertraut sind, dass sie fast unsichtbar werden. Die Protagonist*innen zeigen Anzeichen von Verletzlichkeit, Trägheit, Müdigkeit, Desinteresse und dem unerreichbaren Verlangen, perfekt oder einfach nur jemand anderes zu sein. The series of small paintings and short video loops explores manifestations and the origins of public opinion by focussing on ordinary details that are so familiar that they almost become invisible. The protagonists bear signs of vulnerability, inertia, weariness and unconcern as well as the unattainable desires to be perfect or just be someone else.

Profile Profiles Eszter Szabó

8. Mai 19:30 Uhr 8 May 7:30 pm Gloria

Programm Programme Profile Profiles Eszter Szabó

8. Mai 19:30 Uhr 8 May 7:30 pm Gloria

Dispenser of Delights

Ungarn Hungary 2015 4'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eszter Szabó Das Video besteht aus mehreren collageartigen Szenen. Der Hintergrund basiert auf einem 3-D-Raum mit Texturen von Fotos, die Immobilieninserate aus dem Internet zeigen. Die Protagonist*innen sind erfundene Figuren, die in 2D gemalt und animiert wurden. The video is composed of several collage-like scenes. The background is based on a 3D space with textures of photos of real estate advertisements that were downloaded from the internet. The protagonists are invented characters that are painted and animated in 2D.

The Reconquest of Paradise

Ungarn Hungary 2011 3', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eszter Szabó The Reconquest of Paradise ist eine dreiminütige animierte Dauerschleife mit Sound, die eine „idealistische“ Zukunft in Ungarn darstellt. Eine übertriebene Idylle mit einem zentralisierten einheitlichen Geschmack, vorgegeben durch die ungarische Regierung. The Reconquest of Paradise is a three-minute-long animated loop with sound that depicts an ‘idealistic’ future of Hungary. It is an exaggerated idyll with a centralised common taste of the Hungarian government.

In 2053

Ungarn Hungary 2010 8', Farbe colour, Englisch English Regie Director Eszter Szabó In 2053 ist Teil einer Reihe, die sich mit dem Alter und der nahen Zukunft beschäftigt. Der Film spielt mit dem Gedanken, wie die heutige junge Generation die Dinge sehen wird, wenn sie in den 2050er-Jahren über 70 ist. Ausgehend von der Beobachtung, dass die Persönlichkeiten und Ideologien der Menschen in der Regel unverändert bleiben, versucht das Video, sich die ältere Version der heutigen Teenager vorzustellen. In 2053 is part of a series dealing with old age and the near future. It plays with the idea of how today’s young generation will view things in their late 70s, around the 2050s. Deriving from the observation that people’s personalities and ideologies tend to stay the same as when they were young, the video attempts to imagine the elderly version of today’s teens.

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Profile Profiles Shalimar Preuss

Mit dem gleichen Blick Sharing the same gaze

Die Filme von Shalimar Preuss besitzen etwas Dokumenta- Shalimar Preuss’s films are infused with a documentary risches und vermitteln so den Eindruck, dass es sich bei den dimension which gives the sensation that she’s filming sponAufnahmen um spontane Eindrücke aus dem wahren Leben taneous and true moments of life. However, fiction keeps handelt. Die Fiktion kommt jedoch immer wieder an die Ober- showing up on the surface, and the audience soon realises fläche und dem Publikum wird schnell klar, dass es in Preuss’ that her work is less about recording an apparent reality than Werk weniger darum geht, eine offensichtliche Realität auf- unveiling what she sees in it. The Franco-Canadian filmmaker zuzeichnen, als darum, das zu offenbaren, was sie darin sieht. finds this delicate balance by intertwining fictional situations Diese Ausgewogenheit zwischen Realität und Fiktion gelingt – which have previously been scripted and are staged during der frankokanadischen Filmemacherin, indem sie fiktionale the shooting – with unwritten dialogues and free improvisaSituationen – die zuvor als Skript ausgearbeitet und während tions. She is then ready to capture moments of grace that can des Drehs inszeniert werden – mit ungeschriebenen Dialogen happen only because she let them occur. ‘We know what we are looking for’, she says when explainund freier Improvisation verknüpft. Auf diese Weise glücken ihr Zufallsmomente, die überhaupt nur möglich sind, weil sie ing her method, which consists of mixing professional and sie zugelassen hat. non-professional actors and giving them freedom within a „Wir wissen, wonach wir suchen“, sagt sie zur Erläuterung very specific space. Scenes are thus acted several times, part ihrer Arbeitsweise, die darin besteht, einer Mischung aus by part. When she feels something is about to happen, the professionellen und nichtprofessionellen Schauspieler*innen director begins to shoot. There is then an urge to grasp the innerhalb eines ganz bestimmten Raums Freiheit zu lassen, right instant, and the shooting becomes like an artistic perbis sie ihr Ziel erreicht hat. Die Szenen werden also Stück formance where anything can happen in front of the camera. für Stück mehrmals gespielt. Sobald sie das Gefühl hat, dass Afterwards, each sequence can be restructured with footage etwas passieren wird, beginnt die Regisseurin mit der Auf- from different takes and dialogues can be recorded again in nahme. Dann geht es darum, den richtigen Moment zu erwi- post-production, until they reach a feeling of perfect contischen, und die Dreharbeiten werden zu einer künstlerischen nuity, as if the result had been captured live. It is not the least of Shalimar Preuss’s achievements to be Performance, bei der vor der Kamera alles passieren kann. Anschließend besteht die Möglichkeit, die einzelnen Sequen- able to make invisible to the audience the strong editing work zen mit Material aus verschiedenen Takes neu zu strukturie- (both on sounds and on images) which allows such an accuren und die Dialoge in der Postproduktion neu aufzunehmen, racy in tone. Because behind that formal elegance appears bis ein Gefühl perfekter Kontinuität entsteht, so, als wäre das a mix of control and letting go which lets the unexpected Ergebnis live aufgenommen worden. happen. Es ist keine geringe Leistung von Shalimar Preuss, die In Fade Far Away (2007), a woman and her two children starke Bearbeitung (beim Ton wie beim Bild), die eine sol- sit down in a restaurant at the seaside and order a meal. The che Genauigkeit in der Tonalität ermöglicht, für das Publikum young mother looks absent. She seems to stare into space, unsichtbar zu machen. Denn hinter dieser formalen Eleganz strangely indifferent to everything that surrounds her. The verbirgt sich eine Mischung aus Kontrolle und Laissez-faire, toddlers play and squabble. The other consumers talk to each other. Life bubbles. And suddenly, a stick insect that die das Unerwartete geschehen lässt. In L’escale (2007) nehmen eine Frau und ihre beiden Kin- has wound up on the table gives a new impulse and creates, der in einem Restaurant am Meer Platz und bestellen etwas for a few seconds, a slight bond between the family memzu essen. Die junge Mutter wirkt abwesend. Sie scheint ins bers. This incursion of reality within the movie paradoxically Leere zu starren, seltsam gleichgültig gegenüber allem, was brings an almost magical tone. It sounds like a moment of um sie herum geschieht. Die Kinder spielen und zanken sich. pure poetry, which appears as such only because it has been Die anderen Gäste unterhalten sich miteinander. Das Leben shot and offered to the audience members. brodelt. Und plötzlich sorgt eine Stabheuschrecke, die auf There are, in each film of this programme, similar incursions dem Tisch gelandet ist, für neue Impulse und stellt für ein into some kind of magic-realism, as subtle as they are unique. paar Sekunden eine Verbindung zwischen den Familien- In Rendez-vous à Stella-Plage, a young woman picks up an mitgliedern her. Dieser Einbruch der Realität innerhalb des unanswered phone booth ringing in a street near the beach. Films erzeugt paradoxerweise einen fast magischen Tonfall, She pretends to be Sandrine, the daughter of the woman calleinen Moment reiner Poesie, der nur deshalb als solcher ing. They begin to chat, and go on until twilight. The friends

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Profile Profiles Shalimar Preuss

Étrange dit l’ange

erscheint, weil er aufgenommen und dem Publikum präsentiert wurde. In allen Filmen dieses Programms gibt es ähnliche, gleichermaßen subtile wie einzigartige Momente einer Art von magischem Realismus. In Rendez-vous à Stella-Plage geht eine junge Frau in einer Telefonzelle am Strand an ein klingelndes Telefon. Sie gibt sich als Sandrine aus, die Tochter der Anruferin. Sie beginnen, bis zum Einbruch der Dämmerung zu plaudern. Die Freund*innen der jungen Frau verlieren die Geduld. Sie sind von dem Gespräch ausgeschlossen und kreisen vergeblich um die Telefonzelle, die zum Kokon der jungen Frau geworden ist. Niemand kann hören, was sie sagt. Alles spielt sich zwischen ihr und der fernen Stimme in der Leitung ab. Es ist ein sehr starker und überwältigender Moment emotionaler Intimität, der auch durch den Kontrast zwischen dem Gesagten und dem Unausgesprochenen entsteht. Stille und durch den Straßenlärm unhörbare Sätze verstärken dieses Gefühl. Ein aus der Zeit gefallener Moment, der sich nicht so einfach erschließt. Wir werden nicht mehr über die beiden Frauen erfahren, was diese kurze Begegnung noch wertvoller und einzigartiger macht. Dies ist vor allem deshalb der Fall, weil das Publikum etwas erahnt, was die anderen Protagonist*innen nicht wissen, wodurch eine weitere Verständnisebene entsteht. So werden in der äußerst berührenden Eröffnungssequenz Bestattungen von Menschen ohne Angehörige gezeigt. Während der Zeremonie sprechen Freiwillige tröstende Worte zum Geleit der Verstorbenen und zu deren Würdigung als „Teil der menschlichen Gesellschaft“. Shalimar Preuss bringt uns dazu, die beiden Sequenzen miteinander zu verknüpfen und herauszufinden, was nie erzählt wurde: Sandrine könnte auch anonym und allein gestorben sein. So lässt die Filmemacherin durch die Nebeneinanderstellung und auch das Aufeinandertreffen von Szenen plötzlich einen Sinn entstehen. Der einige Jahre später entstandene Film Étrange dit l’ange (2017) zeigt eine subtile Änderung ihrer Arbeitsweise. Eine Begegnung mit der Choreografin Hélène Iratchet und ihrer Familie löst bei der Filmemacherin den Wunsch aus, sie zu filmen. Das Projekt erinnert an eine tragische Nachrichtenmeldung aus dem Jahr 2014; damals starb ein kleiner Junge bei einem Sommerlager durch kontaminiertes Wasser. Kontaminierung und Transformation werden zu Leitmotiven einer Geschichte, die sich sowohl aus der Persönlichkeit und den Gewohnheiten der einzelnen Familienmitglieder – die Regisseurin hat ihnen die Rollen auf den Leib geschrieben – als auch aus fiktiven Hinweisen speist, die sie ihnen gibt. Sie

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of the young woman lose patience. They’re excluded from the conversation and circle in vain around the phone booth, which has become the young woman’s cocoon. Nobody can hear what she is saying. Everything takes place between her and the distant voice on the line. It is a very strong and deeply touching moment of emotional intimacy, which also comes from the contrast between what is said and what remains unspoken. Silences and inaudible sentences – because of sounds of the street – accentuate that sensation. That out-oftime moment won’t open up easily. We won’t know anything else about the two women, which makes that brief encounter even more valuable and unique. This is especially true as the audience guesses something the other protagonists ignore, which brings an additional layer of understanding. The film indeed opens with a very touching sequence of funerals held for people without any family. During that ceremony, volunteers say some comforting and dignified words to accompany the deceased and reaffirm their appreciation as ‘members of the Human Society’. Shalimar Preuss makes us link the two sequences and figure out what has never been told: Sandrine may also have died alone in anonymity. This is how, through juxtaposition and sometimes collision of scenes, the filmmaker makes meaning arise suddenly. Shot several years later, Strange Says the Angel (2017) shows a subtle change in her work method. Her encounter with choreographer Hélène Iratchet and her family makes the filmmaker want to film them. That project echoes with tragic news that occurred in 2014, when a young boy died because of non-drinkable water during a summer camp. Contamination and transformation become the guiding principles of a story which is fed both from the different family members’ personalities and habits – the director wrote tailor-made parts for them – and from fictional indications she gives them. She shoots on her own, during several summers, in the family’s vacation house. She allows herself to be more guiding than in her previous works, including in her way of staging the scenes, creating situations and stressing what in their life story can nourish the film. For her, it is a ‘fancy-dress’ portrait: they are at the same time themselves and fictional characters. Strange Says the Angel gives prominence to interactions and family rituals. Little Nina tries to find her own place, between her aunt – whom she loves like a daughter – and her father – whom she calls ‘my love’, and among fragments of news heard on the radio and childish beliefs. The film seems like a both solar and worrying tale, as an unclear threat finds

its way in the summer’s insouciance: life, love and death constitute an inextricable trio. The small raft overspread with fireworks is compared to a coffin. The aunt acts like Ophelia carried away by the river. The grandmother defies Death. Repeatedly, Shalimar Preuss invites us through her cinema to pay close attention to the world. She’s inspired by the desire to share her way of looking at things, to grasp in snippets what, in a way, is the essence of humanity, or at least what defines it in its fragilities and inventiveness, doubts and beauty, energy and ways to resist the fear of death. In the three films of the programme, the filmmaker holds the camera herself, in an act of physical engagement which has a lot to do with instinct. She is constantly with her characters, and so are we. The question of the ‘right distance’ is not only theoretical: it lies obviously in the relationships between the protagonists, but also and especially in her own cinematographic choices. When the camera circles around the phone booth where the heroine of Rendez-vous à StellaPlage locked herself in, or when she seems to be at the table with the mother and her children in Fade Far Away, it is once again an invitation to see and to regard. To be in the present moment in order to touch with one’s fingers the emotions which show through. If Shalimar Preuss’s cinema can sometimes look contemplative, as something almost hypnotic arises in the ballet of bodies and faces, it never puts us in the position to passively endure the images. The audience does its part. It pays close attention, ready to welcome what is at stake on the screen, and to acknowledge it. The collective experience of watching this programme is definitively an act of transmission and sharing. For a moment, we are fully embracing the gaze of the filmmaker in a way that the experience is not only cinematographic anymore, but physical and deeply human. Marie-Pauline Mollaret Marie-Pauline Mollaret is a French film critic and festival programmer with a special interest for short films, animation and hybrid forms.

Marie-Pauline Mollaret Marie-Pauline Mollaret ist eine französische Filmkritikerin und Festivalkuratorin mit besonderem Interesse für Kurzfilme, Animation und hybride Formen.

L’escale

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Profile Profiles Shalimar Preuss

dreht allein über mehrere Sommer im Ferienhaus der Familie. Dabei gestattet sie sich, stärker einzugreifen als in ihren früheren Werken, auch in der Art und Weise, wie sie die Szenen inszeniert, Situationen aus dem Nichts schafft und das hervorhebt, was aus der Lebensgeschichte der Familie dem Film zugutekommen kann. Für Preuss ist dies ein Porträt im „Kostüm“: Sie sind gleichzeitig sie selbst und fiktive Figuren, die wie sie aussehen. Im Vordergrund von Étrange dit l’ange stehen Interaktionen und Familienrituale. Die kleine Nina stellt sich Fragen und versucht, ihren eigenen Platz zu finden, zwischen ihrer Tante, die sie wie eine Tochter liebt, und ihrem Vater, den sie „mein Liebster“ nennt, und inmitten von bruchstückhaften Nachrichten aus dem Radio und kindlichen Vorstellungen. Die Geschichte erscheint gleichermaßen sonnig wie beunruhigend, denn eine unklare Bedrohung bahnt sich ihren Weg durch die Sorglosigkeit des Sommers: Leben, Liebe und Tod bilden ein untrennbares Trio. Das kleine, mit Feuerwerkskörpern bedeckte Floß wird einem Sarg gleichgesetzt. Die Tante verhält sich wie Ophelia, die vom Fluss davongetragen wird. Die Großmutter trotzt dem Tod. Unermüdlich lädt uns Shalimar Preuss mit ihren Filmen ein, der Welt wirkliche Aufmerksamkeit zu schenken. Sie ist beseelt von dem Wunsch, ihre Sicht der Dinge zu teilen, in Ausschnitten zu erfassen, was in gewisser Weise das Wesen der Menschheit ausmacht, oder zumindest das, was diese in ihrer Zerbrechlichkeit und ihrem Erfindungsreichtum, ihren Zweifeln und ihrer Schönheit, ihrer Energie und ihrer Art, der Angst vor dem Tod zu widerstehen, definiert. In den drei Filmen des Programms steht die Regisseurin selbst hinter der Kamera, in einem physischen Akt, der eine Menge mit Instinkt zu tun hat. Sie ist ständig bei ihren Figuren, so nah dran wie möglich, und wir sind es auch. Die Frage der „richtigen Distanz“ ist keine rein theoretische: Sie liegt offensichtlich in den Beziehungen zwischen den Protagonist*innen, aber auch und vor allem in Preuss’ eigenen kinematografischen Entscheidungen. Wenn die Kamera um die Telefonzelle kreist, in der sich die Heldin von Rendez-vous à Stella-Plage eingeschlossen hat, oder wenn sie in L’escale mit der Mutter und ihren Kindern am Tisch zu sitzen scheint, ist das erneut eine Einladung zum Sehen und Betrachten, in der Gegenwart des Films zu sein, um das hindurchscheinende Gefühl mit den Fingern berühren zu können. Die Filme von Shalimar Preuss haben gelegentlich etwas Kontemplatives, da in dem Zusammenspiel aus Körpern und Gesichtern etwas fast schon Hypnotisches entsteht, aber nie zwingt sie uns dazu, die Bilder passiv ertragen zu müssen. Auch das Publikum hat seinen Part. Es hört aufmerksam zu und ist bereit, das, was auf der Leinwand zu sehen ist, aufzunehmen und zu würdigen. Die kollektive Erfahrung beim Betrachten dieses Programms ist definitiv ein Akt der Übertragung und des Teilens. Für einen Augenblick lassen wir uns ganz auf den Blick der Filmemacherin ein und machen eine Erfahrung, die nicht mehr rein kinematografisch, sondern körperlich und zutiefst menschlich ist.

Profile Profiles Shalimar Preuss

Shalimar Preuss

Kontakt Contact shpreuss@gmail.com

Shalimar Preuss ist französische Filmemacherin. Sie lebt und arbeitet im Vercors-Gebirge. Seit ihrem Abschluss am Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains im Jahr 2006 hat sie mehrere Kurzfilme gedreht: Étrange dit l’ange, Rendez-vous à Stella-Plage und L’escale. Diese Filme wurden international aufgeführt und unter anderem bei Filmfestivals in Oberhausen, Sarajevo und Glasgow ausgezeichnet. Preuss’ erster Spielfilm, Ma belle gosse, wurde unter anderem in Rotterdam und bei den Festivals BAFICI und IndieLisboa vorgeführt. In Belfort erhielt er die Auszeichnung als bester französischer Film, bevor er 2013 in die französischen Kinos kam. Shalimar Preuss is a French filmmaker who works and lives in the Vercors mountain range. Since graduating from Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains in 2006, she has made several shorts: Strange says the angel, Rendez-vous à Stella-Plage, Fade Far away. These films were screened internationally and have earned her awards in Oberhausen, Sarajevo, Glasgow, etc. Her first feature film, My Blue-Eyed Girl screened at Rotterdam, BAFICI, IndieLisboa, etc. and was awarded best French film at Belfort, before being released theatrically in France in 2013. Filmauswahl Selected works Étrange dit l’ange (2017, in Oberhausen 2017), Ma belle gosse (2013), Rendez-vous à Stella-Plage (2009, in Oberhausen 2010), L’escale (2007), Seul à seul (2005)

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L’escale Fade Far Away

Frankreich France 2007 18', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Shalimar Preuss In einem Restaurant am Meer wartet eine Mutter mit ihren beiden kleinen Kindern auf ihre Bestellung. Die Kinder zanken und spielen, die Mutter wirkt müde und abwesend. A mother waits with her two young children for her order in a restaurant by the sea. The children quarrel and play, the mother looks tired and absent.

Frankreich France 2009 35 mm, 18', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Shalimar Preuss Erstens: Freiwillige organisieren Beerdigungen für Menschen, die verstorben sind und keine Verwandten mehr haben, die sie begraben könnten. Zweitens: Eine Telefonzelle klingelt. Eine junge Frau in der Nähe nimmt den Anruf entgegen und gibt vor, die Tochter der Frau am anderen Ende der Leitung zu sein. First: Volunteers provide funerals for people who have died and have no relatives to bury them. Second: A phone booth rings. A young woman passing by takes the call and pretends to be the daughter of the woman calling.

Étrange dit l’ange Strange Says the Angel

Frankreich France 2017 18', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Shalimar Preuss Die siebenjährige Nina kann weder die Tochter ihrer Tante noch die Geliebte ihres Vaters sein. Welchen Platz hat Nina in dieser durch Kontaminierung bedrohten Welt? Seven-year-old Nina cannot be her aunt’s daughter. Nor can she be her father’s lover. In this world threatened by contamination, what then is Nina’s place?

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Programm Programme

Rendez-vous à Stella-Plage

Profile Profiles Shalimar Preuss

9. Mai 13:00 Uhr 9 May 1:00 pm Lichtburg

Archive Archives

Archive Archives Lumiton

Das goldene Zeitalter der argentinischen Filmindustrie begann in den 1930er-Jahren mit Lumiton. Der Name der bedeutenden lateinamerikanischen Produktionsfirma bedeutet „Licht und Ton“ und wurde durch die Einführung des Tonfilms inspiriert. Lumiton wurde 1931 von Los locos de la azotea („Die Verrückten von der Dachterrasse“), einer Gruppe von Freunden unter der Leitung von Dr. Enrique Telémaco Susini, gegründet. Ihren Spitznamen erhielt die Gruppe, weil ihre Mitglieder weltweit als Pioniere des Rundfunks galten. Lumiton prägte das argentinische Kino: Die Gruppe baute das erste moderne Studio in Südamerika und produzierte 1933 den ersten argentinischen Spielfilm mit Ton, Los tres berretines. Zwischen 1933 und 1952 produzierte Lumiton 99 Filme. Heute ist Lumiton ein multidisziplinäres und sich permanent veränderndes Film- und Kulturzentrum, das künstlerische Inhalte und Filme in verschiedenen Formaten produziert und einen kreativen Treffpunkt für Filmemacher*innen und die interessierte Öffentlichkeit bietet. Lumiton organisiert analoge und digitale Filmvorführungen in Anwesenheit von Regisseuren und Filmcrews, professionelle Workshops (z. B. Drehbuchschreiben, Animation, Mapping, Super 8, 16 mm, Filmschauspiel und Regie) und Festivals wie die Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), das Festival de Cine de Animación Latinoamericano (Anima Latina) und das Festival ADF de Fotografía Cinematográfica. Lumiton befindet sich heute in der Casa de las estrellas („Haus der Sterne“) in Munro, Vicente López (Buenos Aires), einem Gebäude aus der Kolonialzeit, das an ein großes Studio angeschlossen ist, in dem einst große Filmstars, Künstler und Techniker bei einem Cocktail zur Ruhe kamen und Drehbücher diskutierten. Dieses Juwel der Filmgeschichte Argentiniens blieb über die Jahrzehnte erhalten und wurde 1992 dank der Bemühungen einer Gruppe aus Nachbarschaft und ehemaligen Angestellten zum städtischen historischen Denkmal erklärt. 2005 wurde es in ein Museum umgewandelt, das dem Kultursekretariat von Vicente López untersteht. Im Jahr 2010 wurde die Casa de las estrellas zum nationalen historischen Denkmal erklärt. Seit 2015 hat sich Lumiton zu einem lebendigen Ort für Bildung, Ausstellungen und Medienproduktionen entwickelt. Das Studio bietet Workshops und Vorträge von nationalen und internationalen Experten aus der Branche an, konserviert und restauriert Filme und beherbergt ein Archiv, das neben dem eigenen Material des Kultstudios auch ein breites Spek trum an Dokumentar-, Institutions- und Experimentalfilmen in verschiedenen Formaten umfasst. Die Casa de las estrellas verfügt nicht nur über eine öffentlich zugängliche Kinobibliothek, sondern fungiert auch als Museum. Die Dauerausstellung erzählt die Geschichte des ehemaligen Studios anhand seines eigenen Archivs. Alle Aktivitäten von Lumiton sind für die Öffentlichkeit zugänglich und kostenlos. Das Archiv des Museums soll die Geschichte des argentinischen Kinos bewahren. Es sammelt verschiedene Dokumente und andere Elemente der Filmkultur, darunter über 3.000 Fotos, die von Lumiton und anderen Studios des goldenen Zeitalters des argentinischen Kinos produziert wurden.

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The Argentine film industry – and its Golden Era – began in the 1930s with Lumiton. An emblematic Latin American production company, its name means ‘Light and Sound’ and was inspired by the arrival of sound film. Lumiton was founded in 1931 by Los locos de la azotea (‘The Crazy Ones from the Rooftop’), a group of friends led by Dr. Enrique Telémaco Susini, who gained their nickname for being world pioneers in radio broadcasting. Lumiton shaped the course of national cinema as it built the first modern studio in South America and produced Argentina’s first sound fiction film, Los tres berretines in 1933. Between 1933 and 1952, Lumiton produced 99 films. Today, Lumiton is a multidisciplinary film and cultural centre in permanent transformation, since it creates artistic content and films in various formats and offers a creative meeting point for the film community and neighbours by hosting analogue and digital screenings with the presence of directors and crews, professional workshops (such as Scriptwriting, Animation, Mapping, Super 8, 16 mm, Acting for Film, and Directing) and festivals such as the Biennial of the Moving Image (BIM), the Latin America Film Animation Festival (Anima Latina), and the Directors of Photography International Film Festival (ADF). Its home is the Casa de las estrellas (‘House of the Stars’) in Munro, Vicente López (Buenos Aires), a colonial building attached to a major studio where movie stars, cinema artists, and technicians once relaxed, shared cocktails, and discussed scripts. A jewel in the country’s cinematic history, this location remained standing and was declared a Municipal Historical Monument in 1992 thanks to the efforts of a group of neighbours and former employees, which in 2005 led to its transformation into a museum under the Secretariat of Culture of Vicente López. In 2010, it was declared a National Historical Monument. Since 2015, Lumiton has also become a dynamic site for education, exhibition, and media-making. It hosts workshops and lectures by national and international industry professionals, preserves and restores film, and houses an archive which includes not only material from the iconic company but also a diverse range of documentary, institutional, and experimental films in various formats. In addition to housing a cinema library open to the public, the Casa de las estrellas functions as a museum whose permanent collection showcases the history of the former studio through its archive. All Lumiton activities are open to the community and free of charge. The museum’s archive aims to safeguard the memory of national cinema. It gathers various documents and other elements of cinematic culture, including over 3,000 photographs produced by Lumiton and other studios of the golden age of Argentine cinema. These photos include lobby cards, director and film crew pictures, celebrity portraits by photographers such as Annemarie Heinrich, and backstage photos taken by crew members. The Lumiton collection also encompasses posters, scripts, film equipment and memorabilia. In addition, the archive gathers home movies, orphan films, advertisements, and documentaries, most of which have been donated by community members. Since 2017, Lumiton has focused on the recovery of rare and valuable films that

Adriano Bruzzese Leiter Lumiton

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otherwise would be relegated from our film heritage. At the moment the archive is collecting 35 mm original films from Lumiton with the aim of restoring them. In 2016, Lumiton created Vecine Vecine, an initiative of film cycles which promotes cinema on the big screen and generates spaces for debate and exchange. Vecine Vecine curates and produces film programmes for diverse centres in the city of Vicente López as well as mobile cinema. The heart of Vecine Vecine is the charming Cine York, an iconic 1904 movie theatre for 280 spectators with DCP, 35 mm, and 16 mm projectors along with 7.1 sound. The programmes are not only DCP and digital but also include and highlight the value of analogue screenings. Vecine Vecine produces film cycles on a regular basis, enhancing neighbourhood cinema as a community space for reflection and inclusion through an understanding that a diversity of stories and themes is vital to achieving a broader view of the world. The initiative embraces international film festivals with thematic concerns such as human rights, gender, migration, labour, and the environment, in addition to featuring dedicated programming for children. In 2020, when cultural spaces and cinemas shut down, Lumiton launched a platform to continue building art and culture through community. It has since been generating its own cultural content, which includes music performances, theatre and dance, and offering auteur and documentary cinema series to promote a communal space for reflection through the screen. A significant portion of the Lumiton archive can be found in this virtual space. Lumiton.ar can be accessed anywhere across the globe, with content varying by geolocation. Our presentation for the 68th edition of the International Short Film Festival Oberhausen explores how new generations are expanding Lumiton’s history as the film production crew of the Lumiton Usina, along with the community, have become active parts of what is now a living archive. It includes a special selection of experimental short films from Horacio Vallereggio, a visual artist and key experimental filmmaker in the 1970s Buenos Aires underground scene who was a member of the pioneering experimental film group known as the Grupo Goethe, supported at the time by the GoetheInstitut. The programme highlights the variety and richness of artistic and cinematographic languages in Vallereggio’s work during a period encompassing two dictatorships lived through by the Argentine people, the Argentine Revolution (1966–1973) and the National Reorganization Process (1976– 1983). Lumiton’s commitment to digitally restoring the films of Vicente López resident Vallereggio is part of its mission to foreground the work of members of its community with the fundamental aim of keeping memory alive. Adriano Bruzzese Lumiton Director

Lumiton Sargento Cabral 2354 Munro 1605, Vicente López Buenos Aires Argentinien Argentina info@lumiton.com.ar lumiton.ar

Archive Archives Lumiton

Zu diesen Fotos zählen Lobbykarten, Bilder von Regisseuren und Filmcrews, Porträts von Prominenten, aufgenommen von Fotografinnen wie Annemarie Heinrich, und Backstage-Fotos von Crewmitgliedern. Die Lumiton-Sammlung umfasst zudem Plakate, Drehbücher, Filmequipment und Erinnerungsstücke. Darüber hinaus sammelt das Archiv Amateurfilme, Waisenfilme, Werbung und Dokumentarfilme, die größtenteils von der Gemeinde gespendet wurden. Seit 2017 konzentriert sich Lumiton auf die Erhaltung seltener und wertvoller Filme, die sonst aus unserem Filmerbe verschwinden würden. Zurzeit sammelt das Archiv 35-mm-Originalfilme von Lumiton, um diese zu restaurieren. Im Jahr 2016 begründete Lumiton mit Vecine Vecine einen Filmzyklus, der das Kino auf der großen Leinwand fördert und einen Raum für Diskussion und Austausch schafft. Vecine Vecine kuratiert und produziert Filmprogramme für verschiedene Kinohäuser in der Stadt Vicente López sowie für ein mobiles Kino. Das Herz von Vecine Vecine ist das charmante Cine York, ein kultiger Kinosaal aus dem Jahr 1904 mit 280 Plätzen, DCP-, 35-mm- und 16-mm-Projektoren und 7.1-Surround-Sound. Die Programme sind nicht rein digital, sondern beinhalten auch analoge Vorführungen und heben deren Wert hervor. Vecine Vecine veranstaltet regelmäßig Filmzyklen, die das Kino in der Nachbarschaft als gemeinschaftlichen Raum für Reflexion und Inklusion fördern, weil nur die Vielfalt an Geschichten und Themen zu einem besseren Verständnis der Welt führen kann. Die Initiative umfasst zudem internationale Filmfestivals zu Themen wie Menschenrechten, Gender, Migration, Arbeit und Umwelt und bietet außerdem ein spezielles Programm für Kinder. Als Kulturräume und Kinos 2020 geschlossen wurden, gründete Lumiton eine digitale Plattform, um Kunst und Kultur durch die Gemeinschaft weiterhin zu erhalten. Seitdem generiert Lumiton eigene Kulturinhalte wie Musikaufführungen, Theater und Tanz und bietet Autoren- und Dokumentarfilmreihen an, um über die Leinwand einen gemeinschaftlichen Raum der Reflexion zu schaffen. Ein großer Teil des Lumiton-Archivs ist in diesem virtuellen Raum zu finden. Lumiton.ar kann weltweit aufgerufen werden und bietet je nach Standort variierende Inhalte. Unser Programm für die 68. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen untersucht, wie neue Generationen die Geschichte von Lumiton erweitern, jetzt, da das Produktionsteam von Lumiton Usina und die Öffentlichkeit zu einem aktiven Teil dieses lebendigen Archivs geworden sind. Das Programm enthält eine besondere Auswahl an experimentellen Kurzfilmen von Horacio Vallereggio, einem bildenden Künstler und wichtigen Experimentalfilmer der Untergrundszene von Buenos Aires in den 1970er-Jahren. Vallereggio war zudem Mitglied der führenden Experimentalfilmgruppe Grupo Goethe, die damals vom Goethe-Institut unterstützt wurde. Das Programm hebt die Vielfalt und den Reichtum der künstlerischen und filmischen Sprache in Vallereggios Arbeiten hervor. Zeitlich umfasst sein Werk zwei Diktaturen, die das argentinische Volk erleben musste: Die Argentinische Revolution (1966–1973) und den Nationalen Reorganisationsprozess (1976–1983). Das Engagement von Lumiton, die Filme des aus Vicente López stammenden Vallereggio digital zu restaurieren, ist Teil seiner größeren Mission, die Arbeit von Mitgliedern seiner Community in den Vordergrund zu stellen, um deren Erinnerung lebendig zu halten.

Archive Archives Lumiton

5. Mai 14:45 Uhr 5 May 2:45 pm Gloria

Corto muy corto Very Short Short

Argentinien Argentina 1973 Super8, 3', Farbe colour, Spanisch Spanish Regie Director Horacio Vallereggio Ein Selbstporträt, das etwas zu sagen hat. A self-portrait with something to say.

Dos pañuelos, un paraguas y el amor Two Scarves, an Umbrella and Love

Argentinien Argentina 1976 Super8, 6'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Horacio Vallereggio Parodie eines Werbefilms aus den 70er-Jahren, in dem eine lächelnde und fröhliche Frau auf einem sich drehenden Karussell tanzt, während Lou Christies Beyond The Blue Horizon im Hintergrund spielt. A parody of the advertising films from the 1970s in which a smiling and joyful woman dances on a spinning merry-go-round, while Lou Christie’s Beyond The Blue Horizon plays in the background.

La diosa de la banana The Banana Goddess

Argentinien Argentina 1976 Super8, 9', Farbe colour, Spanisch Spanish Regie Director Horacio Vallereggio Satire über Musicalfilme, eine Collage verschiedener Episoden und Choreografien, in denen das Pathetische und Überschwängliche, das Theatralische und Groteske überwiegen. A satire of musical films, a collage of different vignettes and choreographies where histrionic and exuberant performances prevail, the camp and the grotesque.

Triste triste Sad Sad

Argentinien Argentina 1976 Super8, 5'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Horacio Vallereggio Zwei entfernte Subjekte, in Nostalgie vereint. Two distant subjects united by nostalgia.

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Los placeres de la carne The Pleasures of the Flesh

Argentinien Argentina 1977 Super8, 12', Farbe colour, Spanisch Spanish Regie Director Horacio Vallereggio Ein Film, der mit einem Verweis auf Tennessee Williams beginnt und dann durch die Erforschung von Plastizität in Bild und Montage eine Repräsentation von Sex durch Symbolik, Interferenzen, Crescendi und Höhen und Tiefen aufgreift. A film that opens with a reference to Tennessee Williams to then capture a representation of sex through symbolism, interferences, crescendos, and highs and lows through an exploration of plasticity in image and montage.

Tú sabes que te quiero You Know I Love You

Argentinien Argentina 1970 3'55", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Horacio Vallereggio Summen, Kehllaute und bedeutungslose Vokalisationen einer Gruppe Jugendlicher. Ein Film gestischer Unterhaltung. Humming, guttural noises and meaningless vocalisations of a group of teenagers. A film of gestural entertainment.

Blanco y Negro Black and White

Argentinien Argentina 1971 6', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Horacio Vallereggio Blanco y Negro basiert auf einem persönlichen Traum und ist eine traumähnliche Reproduktion, in der zwei Menschen den Filmemacher ausweiden. Based on a personal dream, Black and White is a dreamlike reproduction where two people eviscerate the filmmaker.

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Archive Archives Lumiton

5. Mai 14:45 Uhr 5 May 2:45 pm Gloria

Archive Archives Cinenova

Cinenova ist eine ehrenamtlich geführte Organisation, die das Werk feministischer Film- und Videomacher*innen archiviert und verleiht. Cinenova wurde 1991 durch den Zusammenschluss zweier feministischer Film- und Videoverleihe gegründet: Circles und Cinema of Women. Beide waren 1979 ins Leben gerufen worden. Cinenova verleiht derzeit über 300 Titel, darunter künstlerische Bewegtbilder, Experimentalfilme, narrative Spielfilme, Animationsfilme, Dokumentarfilme und Lehrvideos, die zwischen den 1910er-Jahren und den frühen 2000ern entstanden sind. Zu den Themen dieser Titel zählen Oppositionsgeschichten, Postkolonialismus und Dekolonialisierung, die Darstellung von Geschlecht, Ethnizität und Sexualität sowie weitere Fragen der Verschiedenheit. Im Mittelpunkt stehen insbesondere die Beziehungen und Allianzen zwischen diesen Bewegungen. Aufgrund von Mittelkürzungen wird Cinenova seit 2001 von Freiwilligen geleitet. Die 2010 gegründete CinenovaArbeitsgruppe kümmert sich um die laufende Arbeit der Konservierung und des Verleihs sowie um spezielle Projekte, die die Bedingungen der Organisation infrage stellen. Diese Gruppe widmet sich zudem der Konstellation von Filmen, Geschichten und Politik innerhalb der Sammlung. Cinenova setzt sich dafür ein, dass die Sammlung autonom bleibt und aktiv vertrieben wird, statt sie in größere institutionelle Archive zu verlagern. Cinenova bietet Zugang zu einer umfangreichen Sammlung von und Fachwissen über Filme von Filmemacher*innen, die sich als Frauen*, Transgender, gendervariant oder nichtbinär identifizieren. Wir fördern den Dialog rund um die von uns und anderen organisierten Vorführungen, indem wir Verbindungen zu bestehenden Gruppen an den Orten herstellen, an denen die Arbeiten gezeigt oder verliehen werden. Zudem laden wir andere Menschen ein, die verschiedenen Werke der Sammlung anzusehen, zu kuratieren und darüber zu schreiben. Im Mittelpunkt dieser Vorführung und Präsentation stehen kürzlich digitalisierte 16-mm-Experimentalfilme aus der Cinenova-Sammlung, die zwischen 1974 und 1994 produziert wurden und sich mit Darstellungen von Geschlecht, Ethnizität, Sexualität und dem Körper beschäftigen. Darüber hinaus wird ein aktuelles Projekt mit dem Titel The Work We Share vorgestellt, das eine Reihe von Filmen vereint, die zuvor prekären Bedingungen unterlagen. In einigen Fällen sind die Negative verloren gegangen oder die einzig vorhandenen Kopien sind Verleihkopien. Mit diesem Programm soll die gegenseitige Abhängigkeit von Organisationen, Filmemacherinnen, Kulturschaffenden, Gemeinschaften und Einzelpersonen verdeutlicht werden. Wie können wir unsere wechselseitigen Beziehungen anerkennen? Wie können wir unseren Platz in einem Netzwerk von Kommunikation, Beziehungen und Ressourcen finden, insbesondere als Freiwilligenorganisation ohne finanzielle Förderung? Auf welche verschiedenen Arbeitsformen stützt sich unsere Arbeit? Wie können wir diese Arbeit gemeinsam stärken? Reman Sadani, Moira Salt, Louise Shelley und Charlotte Procter

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Cinenova is a volunteer-run organisation preserving and distributing the work of feminist film and video makers. Cine nova was founded in 1991 following the merger of two feminist film and video distributors, Circles and Cinema of Women, both of which were founded in 1979. Cinenova currently distributes over 300 titles that include artists’ moving image, experimental film, narrative feature films, animation, documentary and educational videos made from the 1910s to the early 2000s. The thematics in these titles include oppositional histories, post and de-colonial struggles, representation of gender, race, sexuality, and other questions of difference – and importantly, the relations and alliances between these different struggles. Due to funding cuts, since 2001 Cinenova has been run by volunteers. The Cinenova Working Group, founded in 2010, oversees the ongoing work of preservation and distribution as well as special projects that seek to question the conditions of the organisation. This group is dedicated to the constellation of films, histories, and politics that make up the collection. Cinenova are committed to keeping it autonomous and in active distribution, rather than dispersed into larger institutional archives. Cinenova offers access to an extensive collection and knowledge relating to moving-image work directed by makers who identify as womxn, transgender, gender nonconforming and gender non-binary. We encourage dialogue around the screenings that we and others organise, through making connections with existing groups in the places where the work is shown or circulated, and by inviting other people to frame, watch, curate, and write about the different works in the collection. This screening and presentation will focus on recently digitised experimental 16 mm films from the Cinenova collection, produced between 1974 and 1994, that address representations of gender, race, sexuality and the body. It will also touch on a current project titled The Work We Share which gathers a number of films that previously existed in precarious conditions, in some cases with negatives being lost or work distribution prints being the only copy. This programme intends to acknowledge our interdependency: from organisation to filmmakers, cultural workers, communities, and individuals. How can we acknowledge our interdependent relationships? How can we recognise our place in a network of communications, relationships and resources, particularly as an unfunded volunteer organisation? What different strains of labour does our work rely on? How do we sustain this work mutually? Reman Sadani, Moira Salt, Louise Shelley and Charlotte Procter

Cinenova 46c Brooksby’s Walk London E9 6DA Vereinigtes Königreich United Kingdom info@cinenova.org cinenova.org

Focii

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1974 9'30", Farbe colour, stumm silent Regie Director Jeanette Iljon Eine Frau tanzt und spielt, ihr schlichtes weißes Bild bewegt sich über den roten Boden und wird in einer Wand aus Spiegeln reflektiert. A woman dances and mimes, her stark white image moving across a red floor, reflected in a wall of mirrors.

Catholic Guilt

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1986 3'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Martine Thoquenne Den Utensilien weiblicher katholischer Heiligen wird die Bildsprache von Selbstausdruck und körperlicher Unterdrückung entgegengestellt. Soundtrack von Coil. The paraphernalia of Catholic female saints is juxtaposed with imagery of selfexpression and body repression. Soundtrack by Coil.

Back Inside Herself

USA 1984 4', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director S. Pearl Sharp Ein lyrisches visuelles Gedicht, das Schwarze Frauen auffordert, ihnen von außen zugeschriebene Ansichten abzulehnen und ihre eigene Identität zu entdecken und zu erfinden. A lyrical visual poem that urges Black women to reject images placed on them by others and to discover and invent their own identities.

Chameleon

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1990 5', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Tanya Syed Eine Frau taucht in einer Kulisse auf, in der sie sowohl gefangen als auch ein Bestandteil ist. A woman surfaces within an interior landscape where she is both trapped and contained.

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Archive Archives Cinenova

7. Mai 14:45 Uhr 7 May 2:45 pm Gloria

Archive Archives Cinenova

7. Mai 14:45 Uhr 7 May 2:45 pm Gloria

Now Pretend

USA 1992 10', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director L. Franklin Gilliam Eine experimentelle Untersuchung zur Verwendung der Hautfarbe als willkürliche Kennzeichnung. An experimental investigation into the use of race as an arbitrary signifier.

Red Sea

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1982 6'30", Farbe colour, stumm silent Regie Director Judith Noble Springfluten auf der Insel Ynys Llanddwyn bei Voll- und Neumond werden mit den „körperlichen Gezeiten“ der Filmemacherin verglichen, von dunkel zu hell und wieder dunkel. Spring tides at Ynys Llanddwyn at the full and new moon are compared to the filmmaker’s own ‘body tides’ from dark to light and back again.

Loss of Heat

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1994 20', Farbe colour, Englisch English Regie Director Noski Devillie Eine aufrüttelnde Darstellung einer queeren Liebe, welche die vorgefertigte Meinung zur „Realität“ eines Lebens mit der unsichtbaren Behinderung Epilepsie hinterfragt. An evocative portrayal of queer love that challenges preconceived notions on the ‘reality’ of living with the invisible disability of epilepsy.

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Archive Archives ZKM

Als 1967 in den USA der tragbare und batteriebetriebene Por- In the wake of the 1967 US launch of the portable and battapak-Videorecorder von Sony auf den Markt kam, an den tery-powered Portapak video recorder by Sony, to which a eine Videokamera angeschlossen werden konnte, bildeten video camera could be connected, video groups and initiasich zunächst in den USA und später auch in Europa Video- tives sprang up – initially in the US and later in Europe as well gruppen und -initiativen, die oft in Verbindung mit der studen- – that often had connections to the student protest movetischen Protestbewegung standen. Die neue mobile Video- ment. This new mobile video technology, which used magtechnik, deren Speichermedium auf Magnetband in offenen netic tape on open reels, a much cheaper method than film, Spulen im Vergleich zu Film deutlich günstiger war, gab ihnen made it possible for these groups to create an alternative die Möglichkeit zu einer alternativen audiovisuellen Kommu- form of audiovisual communication, thus producing another nikation, um so eine Gegenöffentlichkeit „von unten“ zum public sphere ‘from below’ to counter the commercial mass kommerziellen Massenmedium Fernsehen herzustellen. In medium of television. In the US, they included Videofreex and den USA waren dies beispielsweise die Videofreex und die the Raindance Foundation, while in Germany, groups such as Raindance Foundation, während sich in Deutschland einige telewissen, Video Audio Medien (VAM) and the still-existent Jahre später Gruppen wie telewissen, Video Audio Medien Medienwerkstatt Freiburg emerged several years later. Alongside many other archives of video art, the ZKM pos(VAM) und die noch heute bestehende Medienwerkstatt Freiburg bildeten. sesses a large number of half-inch tapes (open reel) and video Das ZKM beherbergt neben vielen anderen Archiven für cassettes containing material recorded by these video colVideokunst eine Vielzahl an Halbzollbändern (Open Reel) lectives. The tapes have to be digitised and the resulting sowie Videokassetten mit Material, das von diesen Videokol- data permanently archived to facilitate viewing and acalektiven aufgenommen wurde. Um die Sichtung und damit demic research. For this digitisation, it is necessary to prodie wissenschaftliche Bearbeitung zu ermöglichen, müs- cure, repair and maintain historical video playback devices. sen die Bänder digitalisiert und die daraus entstandenen In addition, a great deal of effort and many attempts were Daten langzeitarchiviert werden. Für die Digitalisierung ist needed to gain the know-how needed to work with the old die Beschaffung, Instandsetzung und ständige Wartung his- tapes, which are often stuck together or damaged. In many torischer Videoabspielgeräte notwendig. Darüber hinaus cases, it is necessary to subject the tapes to thermal treatmusste zunächst das Know-how im Umgang mit dem alten ment in addition to a thorough cleaning before they can be und oftmals verklebten oder beschädigten Bandmaterial in played back. Today, the Laboratory for Antiquated Video Syszahlreichen Versuchen mühsam erarbeitet werden. Neben tems (LAVS) that Christoph Blase and Dorcas Müller estabder grundsätzlichen Reinigung der Bänder vor dem Abspie- lished at the ZKM is one of the world’s leading workshops for len kommt in manchen Fällen zusätzlich noch die thermi- the digitisation of historical video material. With its collection of video archives, the ZKM can provide sche Behandlung zum Tragen. Heute ist das 2005 am ZKM von Christoph Blase und Dorcas Müller aufgebaute Labor für important source material for media research on the early antiquierte Videosysteme (LAVS) eine der führenden Werk- years of video art. The video archive of the Raindance Corstätten für die Digitalisierung von historischem Videomate- poration, founded in 1969 and renamed Raindance Foundarial weltweit. tion from 1971, forms an important part of this collection. The Das ZKM hält mit seiner Sammlung von Videoarchiven complete archive, containing 535 half-inch reels and U-matic umfangreiches Quellmaterial für die Medienforschung zu den cassettes, was sent in 2009 from the New York Museum of Anfangsjahren der Videokunst vor. Ein wichtiger Bestandteil Modern Art to the ZKM for digitisation. Raindance members ist das Videoarchiv der 1969 in New York gegründeten Rain Ira Schneider, Paul Ryan and Frank Gilette have also given dance Corporation (ab 1971 in Raindance Foundation umbe- a total of more than 2,500 additional recordings from their nannt). Das vollständige, 535 Halbzollspulen und U-Matic- archives to the ZKM for digitising and archiving. The works of Ira Schneider are a major focus. Among other Kassetten umfassende Videoarchiv kam 2009 aus dem New Yorker Museum of Modern Art (MoMA) an das ZKM, wo es things, there is material for his video installation Wipe Cycle digitalisiert werden sollte. Darüber hinaus haben die Rain (with Frank Gillette, 1969), for his work Yucatan Previews dance-Mitglieder Ira Schneider, Paul Ryan und Frank Gillette (with Beryl Korot, 1973), Manhattan Is an Island (1974) and dem ZKM insgesamt mehr als 2.500 weitere Bänder aus ihren Who killed Heinrich Hertz? (1987). Historical recordings are Archiven zur Digitalisierung und Archivierung übergeben. another focus of the holdings: speeches by US President RichDie Arbeiten von Ira Schneider bilden dabei einen Schwer- ard Nixon, footage of the Woodstock Festival, and a documenpunkt. Unter anderem findet sich Material zu seiner Videoin- tation of the first Earth Day in 1970 and of the now-famous stallation Wipe Cycle (mit Frank Gilette, 1969), seiner Arbeit New York blackout in July 1977. The Raindance Foundation Yucatan Previews (mit Beryl Korot, 1973) sowie zu Manhat- archived documentations of university events as well. The coltan is an Island (1974) und Who killed Heinrich Hertz? (1987). lection also includes the archive of Night Light TV, a video-art Zeithistorische Aufnahmen bilden einen weiteren Bestands- programme that Ira Schneider put together for the cable chanfokus: Reden des US-Präsidenten Richard Nixon, Aufnahmen nels Manhattan CATV and Group W from 1980 to 1992. vom Woodstock-Festival, eine Dokumentation über den ersThe founding members, under the collective’s first presiten Earth Day 1970 und über den berühmt gewordenen New dent, Frank Gillette, created a structure for the development

Archive Archives ZKM

Yorker Stromausfall im Juli 1977. Auch Dokumentationen von Universitätsveranstaltungen archivierte die Raindance Foundation. Darüber hinaus enthält der Bestand das Archiv von Night Light TV, einem Videokunstprogramm, das Ira Schneider von 1980 bis 1992 für die Kabelkanäle Manhattan CATV und Group W zusammenstellte. Die Gründungsmitglieder um den ersten Präsidenten Frank Gillette schufen eine Struktur für die Entwicklung von Theorien und neuartigen Videoformaten, die sich in kritischer Opposition zu den großen Fernsehsendern sahen. Angeregt durch die Theorien von Marshall McLuhan, Buckminster Fuller und Gregory Bateson nahm Raindance Politisches wie Künstlerisches in den Blick. Die videografische Begleitung aktueller Ereignisse – seien diese politischer, gesellschaftlicher, kultureller oder subkultureller Natur –, Aufzeichnungen von Nachrichtensendungen, Aufnahmen prominenter politischer Akteure und namhafter Intellektueller, aber auch Gespräche mit Bürger*innen auf der Straße können, besonders in unbearbeiteter Form, heute als Dokumente des Versuchs gesehen werden, der Informationsmacht des Fernsehens mit einem „Guerrilla Television“ (siehe unten) entgegenzutreten oder die mediale Kommunikation durch Bürger*innenbeteiligung zu demokratisieren. Das Vorhaben, neue Informationsstrukturen außerhalb kommerzieller Interessen zu entwickeln, zog immer mehr Künstler*innen an. Mit Phyllis Gershuny, Beryl Korot und Ira Schneider gewann Raindance Mitglieder, durch deren Beiträge die Raindance Foundation internationale Sichtbarkeit bekommen würde. So veröffentlichte die Raindance Foundation zwischen 1970 und 1974 elf Ausgaben der von Beryl Korot und Phyllis Gershuny initiierten Zeitschrift Radical Software. Diese Publikation spielte eine Rolle bei der Entstehung der Videobewegung und dem Aufkommen einer intellektuellen Strömung, in der sich Video, Kybernetik, Computertechnik, sozialer Aktivismus, Gegenkultur und Kunst vermengten. Das ZKM besitzt Exemplare aller erschienenen Hefte im Original und seit 2003 stehen alle Ausgaben der Zeitschrift durch die Initiative von Davidson Gigliotti und mit Unterstützung der Daniel Langlois Foundation als Faksimile im pdfFormat online zur Verfügung (https://www.radicalsoftware. org/e/history.html). Zwei weitere für die Geschichte von Fernsehen und Videokunst wesentliche Raindance-Publikationen sind zum einen Michael Shambergs Guerrilla Television (1971), das die alternative Medienphilosophie der Raindance Foundation sowohl in theoretischen Überlegungen wie in praktischen Anleitungen präsentierte (Shamberg wurde dann später ein erfolgreicher Hollywood-Produzent), und zum anderen Video Art: An Anthropology (1976), herausgegeben von Beryl Korot und Ira Schneider mit einem Überblick über die damalige Videoszene. 2017 widmete das ZKM der Raindance Foundation unter dem Titel Radical Software. The Raindance Foundation, Media Ecology and Video Art eine Retrospektive sowie ein begleitendes Symposium. Zu diesem Anlass reisten viele noch lebende Künstler*innen zur Ausstellungseröffnung nach Karlsruhe. Bei dieser Gelegenheit wurden Interviews mit Ira Schneider, Davidson Gigliotti, Beryl Korot und Frank Gillette aufgezeichenet. Diese Interviews dokumentieren wichtige Zeitzeug*innen und ergänzen den Archivbestand in idealer Weise retrospektiv. Hartmut Jörg

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of theories and innovative video formats that aspired to be a critical counterbalance to the big television stations. Inspired by the theories of Marshall McLuhan, Buckminster Fuller and Gregory Bateson, Raindance explored both political and artistic themes. The videographic accompaniment of contemporary events – whether political, social, cultural or subcultural in nature –, recordings of news broadcasts, footage of prominent political figures and well-known intellectuals, along with interviews with citizens in the street, can now be seen, particularly in unedited form, as documents of the attempt to counter the power of television to control information with a kind of ‘Guerrilla Television’ (see below) or democratise media communication by involving normal citizens. The plan to develop new information structures detached from commercial interests attracted more and more artists. With Phyllis Gershuny, Beryl Korot and Ira Schneider, Raindance gained members whose contributions were to give the Raindance Foundation an international profile. For instance, between 1970 and 1974, the Raindance Foundation issued eleven editions of the journal Radical Software, initiated by Beryl Korot and Phyllis Gershuny. This publication played a role in the birth of the video movement and the emergence of an intellectual current that combined video, cybernetics, computer technology, social activism, counterculture and art. The ZKM has original copies of all the published issues, and all editions of the journals are available online as facsimiles in PDF format thanks to the initiative of Davidson Gigliotti and the support of the Daniel Langlois Foundation (https://www. radicalsoftware.org/e/history.html). Two other Raindance publications were particularly important in the history of television and video art. One is Michael Shamberg’s Guerrilla Television (1971), which presented the alternative media philosophy of the Raindance Foundation both in theoretical expositions and in practical instructions. Shamberg then later became a successful Hollywood producer. Then there is Video Art: An Anthropology (1976), edited by Beryl Korot and Ira Schneider, which provided an overview of the video scene at the time. In 2017, the ZKM dedicated a retrospective to the Raindance Foundation under the title Radical Software. The Raindance Foundation, Media Ecology and Video Art, along with an accompanying symposium. Many still-living artists came to Karlsruhe for the exhibition opening. There, interviews were recorded with Ira Schneider, Davidson Gigliotti, Beryl Korot and Frank Gillette. These interviews document important eyewitnesses and form an ideal retrospective complement to the archive holdings. Hartmut Jörg

Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe Wissen – Sammlung, Archive & Forschung Christian Haardt und Hartmut Jörg Lorenzstr. 19 76135 Karlsruhe Deutschland Germany sammlung-und-archive@zkm.de zkm.de

Some short scenes in the life of Radical Software

USA 1971 13'33", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Kamera Camera Ira Schneider Beryl Korot und Phyllis Gershuny, die sich im Herbst 1969 kennenlernten, beschlossen bald, eine Zeitschrift für die gerade entstehende Video-Community zu produzieren. Aus dieser Idee entstand die großformatige Zeitschrift Radical Software. Korot und Gershuny waren die Rekakteurinnen, Michael Shamberg zeichnete als Verleger verantwortlich, während Ira Schneider als Mitbegründer den Entstehungsprozess der Zeitschrift auf Video festhielt. Beryl Korot and Phyllis Gershuny, who met in the autumn of 1969, decided soon afterwards to produce a periodical for the video community that was emerging at the time. This idea led to a newspaper in quarter-fold format with the title Radical Software. Korot and Gershuny were the editors and Michael Shamberg was listed as publisher. Ira Schneider, as co-originator, recorded the formation process of the journal on video.

TV as a creative medium

USA 1969 12'16", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Kamera Camera Ira Schneider Videodokumentation der ersten Gruppenausstellung mit dem Medium Video in der Howard Wise Gallery, New York, im Mai 1969 unter anderem mit den Arbeiten Wipe Cycle von Frank Gillette und Ira Schneider, TV-Bra for Living Sculpture von Nam June Paik und Charlotte Moorman, Everyman’s Moebius Strip von Paul Ryan und Black Spiral von Aldo Tambellini. Video documentation of the first group exhibition featuring the video medium in the Howard Wise Gallery in New York in May 1969, including the works Wipe Cycle by Frank Gillette and Ira Schneider, TV Bra for Living Sculpture by Nam June Paik and Charlotte Moorman, Everyman’s Moebius Strip by Paul Ryan and Black Spiral by Aldo Tambellini.

A Media Primer

USA 1970 19'22", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Kamera Camera Ira Schneider Ab 1970 nahmen Frank Gillette, Paul Ryan, Ira Schneider und Michael Shamberg eine Reihe von Videos auf, die von Raindance in einer Art Kulturdatenbank gesammelt wurden. Die Künstler wurden ermutigt, daraus eine Collage zusammenzustellen, den sogenannten „Media Primer“. Die verwendeten Videos umfassten einen Querschnitt der amerikanischen Kultur und Gegenkultur, aber auch Dokumente zu den damaligen politischen Bedingungen in den USA. Die Version von Ira Schneider enthält zum Beispiel Aufnahmen vom Woodstock-Konzert 1969 und dem ersten Earth Day 1970 in New York. Beginning in 1970, Frank Gillette, Paul Ryan, Ira Schneider and Michael Shamberg recorded a series of videos that were collected by Raindance in a sort of ‘cultural data bank’. The artists were encouraged to put together a collage from it, the so-called ‘Media Primers’. The videos that were used encompassed a cross-section of American culture and counter-culture, but also included documents on political movements in the US at the time. The version by Ira Schneider, for example, contains footage of the Woodstock concert in 1969 and the first Earth Day in New York in 1970.

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Archive Archives ZKM

8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Gloria

Archive Archives ZKM

8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Gloria

A weekend at the beach (Night Light TV)

USA 1979 8'17", Farbe colour, Englisch English Kamera Camera Ira Schneider Anlässlich seines Vortrags an der University of California San Diego trifft sich Jean-Luc Godard am Wochenende mit Freunden am Strand: Jean-Pierre Gorin, Wim Wenders, Martin Milner, Monique Montgomery, Jim McBride, Tom Luddy, Alice Waters sowie Heiner Müller – und Ira Schneider ist mit seiner Videokamera dabei. On the occasion of his lecture at the University of California San Diego, JeanLuc Godard meets up with friends at the beach on the weekend: Jean-Pierre Gorin, Wim Wenders, Martin Milner, Monique Montgomery, Jim McBride, Tom Luddy, Alice Waters and Heiner Müller – and Ira Schneider is there with his video camera.

Who killed Heinrich Hertz? (Night Light TV)

USA 1987 7'46", Farbe colour, Englisch English Regie Director InterCom (Willoughby Sharp, Ira Schneider, Timothy Binkley, George M. Chaikin), Kamera Camera Davidson Gigliotti Zum 100. Jahrestag des Nachweises elektromagnetischer Wellen durch Heinrich Hertz entsteht das Video der Künstlergruppe InterCom nach dem Drehbuch von Willoughby Sharp. This video by the artists’ group InterCom, based on a script by Willoughby Sharp, was made for the 100th anniversary of Heinrich Hertz’s discovery of the nature of electromagnetic waves.

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re-selected

re-selected ist ein gemeinsames Projekt der Kurzfilmtage mit dem Arsenal – Institut für Film und Videokunst im Rahmen von „Archive außer sich“, in Kooperation mit dem Haus der Kulturen der Welt, gefördert im Rahmen von „Das Neue Alphabet“ durch die BKM auf Grundlage eines Beschlusses des Deutschen Bundestages. re-selected is a joint project of the International Short Film Festival Oberhausen and Arsenal – Institute for Film and Video Art within the framework of ‘Archive außer sich’, in cooperation with the Haus der Kulturen der Welt, funded as part of ‘The New Alphabet’, which is supported by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media due to a ruling of the German Bundestag.

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Tobias Hering is a freelance curator living in Berlin and MeckTobias Hering ist freier Kurator und lebt in Berlin und Meck- lenburg. Since 2018, he has headed the re-selected section at lenburg. Seit 2018 leitet er bei den Internationalen Kurzfilm- the International Short Film Festival Oberhausen. tagen Oberhausen die Sektion re-selected.

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re-selected

Seit 2018 dient der Sektion re-selected das Ar- Since 2018, the section re-selected has been chiv der Internationalen Kurzfilmtage Oberhau- drawing on the archive of the International sen als materielle Grundlage für Recherchen Short Film Festival Oberhausen as a source of und kuratierte Programme. Im Mittelpunkt materials for research and curated programmes. steht dabei die festivaleigene Filmsammlung, Here, the festival’s own film collection, which die über fast 70 Jahre zusammenkam, indem has been compiled over almost 70 years by regvon Preisträgerfilmen regelmäßig Archivkopi- ularly purchasing archive copies of prize-winen erworben wurden. Zur Archivkonstellation ning films, plays a central role. The archive in in Oberhausen gehören aber auch die Festival- Oberhausen, however, also includes festival publikationen und -drucksachen sowie einige publications and printed matter, as well as sevHundert Ordner mit Korrespondenzen, inter- eral hundred folders containing correspondner Kommunikation und „grauer Literatur“. In- ence, internal communications and grey literdem das Papierarchiv auch von Filmen zeugt, ature. Because this paper archive also testifies die nicht in Oberhausen verblieben sind oder to films that have not remained in Oberhausen dort nie ankamen, bildet es einen prononcier- or never arrived there, it provides a comprehenten Hintergrund, vor dem sich das filmund sive background for outlining the festival’s cinzeitgeschichtliche Profil der Kurzfilmtage und ematic and historical footprint. des Filmarchivs abzeichnen. There are four re-selected programmes to be Auf den 68. Internationalen Kurzfilmtagen seen at the 68th International Short Film Fessind vier re-selected-Programme zu sehen, die tival Oberhausen. They make key moments of Schlüsselmomente der Festivalgeschichte ei- the festival’s history accessible to critical reviner kritischen Revision zugänglich machen, in- sion by drawing lines between the absent and dem sie An- und Abwesendes in Beziehung set- the present. Programme 1 (co-curated by Petzen. Programm 1 (kokuratiert von Petra Belc ra Belc and Aleksandra Miljković) explores the und Aleksandra Miljković) widmet sich der considerable number of archive copies from the beträchtlichen Anzahl von Archivkopien aus former Yugoslavia as an Archive in Exile. Prodem früheren Jugoslawien als einem Archiv im grammes 2 and 3 (co-curated by Merv Espina Exil. Programme 2 und 3 (kokuratiert von Merv and Karina Griffith) take a critical look back at Espina und Karina Griffith) sind kritische Rück- the special programme Confrontation of Culschauen auf das Sonderprogramm Konfron- tures, which took place in Oberhausen in 1993 tation der Kulturen, das 1993 in Oberhausen as an attempt at a post-colonial change of disstattfand, als Versuch einer postkolonialen Dis- course in a reunified Germany. Programme 4 kurswende im Nachwende-Deutschland. Pro- pays tribute to the long and not always congramm 4 würdigt die langjährige, nicht immer flict-free relationship between the documenkonfliktfreie Beziehung, die den Dokumentarfil- tary filmmaker Peter Nestler and the Short Film mer Peter Nestler seit den 60er-Jahren mit den Festival since the 1960s. Kurzfilmtagen verbindet. Tobias Hering Tobias Hering

re-selected Programm 1 Programme 1

To all short film producers of short films shown in Oberhausen: Proposal for the founding of an INTERNATIONAL SHORT FILM ARCHIVE (in agreement with the festival management) Invitation to a short coordination meeting… Dear film comrades and film producers! In view of the already 15-year tradition of the Oberhausen Short Film Festival we are constantly confronted by the question of how to make these many short films in all forms of cinematic expression available for screening in other countries as well. The films are only seen by the annual visitors – filmmakers and the public; they are seen abroad only if the organisers of the Short Film Festival personally take them for special screenings and return them, since these prints are original films whose makers have an understandable interest in exploiting their authors’ rights commercially. The signee, who is a regular visitor to Oberhausen and has been writing about short films and how to support them in his own country, Yugoslavia, hereby puts forth the proposal to found an INTERNATIONAL SHORT FILM ARCHIVE (based in Oberhausen), as there have been repeated demands for an exchange or distribution of the films shown in Oberhausen, particularly award winners, to the various countries. Today, after the discussion of the Hungarian and French films, the undersigned gave arguments for this proposal to the auditorium. Entwurf für eine Flugblatt-Einladung von Mario Šubic zur Verteilung während der Kurzfilmtage Oberhausen 1969. Šubic war jahrelang als Übersetzer für die Kurzfilmtage tätig. Er starb im Dezember 1969. Draft for a circular by Mario Šubic to be disseminated during the Oberhausen Short Film Festival 1969.

I The reasons for the proposed meeting are the following:

Šubic worked as a translator for the festival for many years. He died in December 1969.

— To rescue the short film from anonymity, which unfortunately it is still struck within in most countries, because short films are usually eclipsed by the attention given to feature films (also in terms of advertisement);

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re-selected Programm 1 Programme 1

they are overlooked in cinemas and their often very signifcant individual profile is lost. This constitutes a great injustice towards the best filmmakers in a wide range of countries, since their films virtually pass by unnoticed by the audience. — The truest mirror of our times may possibly be (when brought to its full capacities) the short film with its unique, creative, and very specific treatment to social problems, and it should also be employed for film education, i.e. the further progressive betterment of the public. But at the same time, one should introduce the modern form of expression in short film to broad segments of the cinema public in different countries. II Implementation: To facilitate the dissemination of short films shown in the Oberhausen competition programmes (including all retrospectives from 1955-1969), there are three practical possibilities: 1.) A direct acquisition of the film prints, which, however, would depend on valuta management, though the use of the prints by cinemas would make possible their commercial exploitation; 2.) through an exchange, e.g. of two Polish films for two German films, two French films for two American films, a print exchange could gradually be organised at practically no costs (except for shipping and possible customs fees); this would involve films (from all previous years and countries) that were shown in Oberhausen, which could be distributed by a SHORT FILM ARCHIVE in Oberhausen; 3.) the founding of an International Short Film Archive as an autonomous institution in Oberhausen to which an obligatory copy of each film shown in the Oberhausen competition is to be submitted for free and which would distribute these copies to all countries for educational screenings for a maximum of 2 days. This would constitute a short film library in Oberhausen modelled after the feature film libraries existing in most culturally advanced countries. This would require the gradual parallel establishment of short film archives and short film departments in quality film theatres. I politely request my esteemed German and foreign film colleagues and short film producers who are interested in this to form an opinion and take part in the meeting – just to define the basic outlines and to exchange views.

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re-selected Programm 1 Programme 1

Archiv im Exil Archive in Exile

Der Fall Jugoslawien The Yugoslav Case

Seit 1958 waren immer wieder jugoslawische Filme in der Aus- Since 1958, Yugoslav films have repeatedly been represented wahl der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen vertreten. in the selections of the Oberhausen Film Festival. Their visIhre Sichtbarkeit und ihr Erfolg spiegeln sich in der Sammlung ibility and success are reflected in the collection of almost a von fast einhundert Filmen wider, die im Archiv des Festivals hundred films preserved in the festival archive. The extenaufbewahrt werden. Das umfangreiche Papierarchiv veran- sive paper archives illustrate the comprehensive cooperation, schaulicht die weitreichende Zusammenarbeit, den Auswahl- the selection process, as well as the problems and misunprozess, aber auch die Probleme und Missverständnisse, die derstandings that arose along the way. The film collection im Laufe der Zeit auftraten. Die Filmsammlung ist in zwei- is specific in two respects. First, it indicates the continuities erlei Hinsicht besonders: Erstens zeigt sie die Kontinuitäten and discontinuities of the festival selection policies. Second, und Diskontinuitäten in der Auswahlpolitik des Festivals auf. it represents a unique body of Yugoslav short, experimenZweitens stellt sie einen einzigartigen Bestand an jugoslawi- tal, and animated films preserved in one place. The dissoschen Kurz-, Experimental- und Animationsfilmen dar, der an lution of Yugoslavia affected the fragmentation, disseminaeinem zentralen Ort aufbewahrt wird. Der Zerfall Jugoslawi- tion, and reappropriation of its entire cultural heritage, which ens hatte Auswirkungen auf die Zersplitterung, Verbreitung had adverse effects on film art. In that respect, Oberhausen’s und Wiederaneignung des gesamten kulturellen Erbes, was collection of Yugoslav films can be considered an archive in sich auch auf die Filmkunst negativ auswirkte. In dieser Hin- exile, a remnant of film history that, still identified as Yugosicht kann die Oberhausener Sammlung jugoslawischer Filme slav, does not and would not exist in the places of origin in als ein Archiv im Exil betrachtet werden, als ein Überbleibsel this given form. Even before the Oberhausen Film Festival archive became der Filmgeschichte, das zwar immer noch als jugoslawisch identifiziert wird, aber an den Ursprungsorten in dieser Form a paragon for preserving and promoting short films, the aspinicht existiert und auch nicht existieren würde. rations of transforming it into an International Short Film Noch bevor das Archiv der Kurzfilmtage Oberhausen zu Archive were prevalent. In a letter from 22 April, 1969, Sloeinem Vorbild für die Bewahrung und Förderung des Kurz- venian translator Mario Šubic suggested the need for a more films wurde, gab es Bestrebungen, es in ein Internationa- institutionally structured short-film archive that would ‘elicit les Kurzfilmarchiv umzuwandeln. In einem Brief vom 22. the short film from its anonymity’ and proclaim it a ‘comApril 1969 schlug der slowenische Übersetzer Mario Šubic mon property worldwide’.[1] Šubic considered Oberhausen die Notwendigkeit eines institutionelleren Kurzfilmarchivs the ideal place, pointing out that this way, the archive would vor, das „den Kurzfilm aus seiner Anonymität herausholen“ obtain not only the awarded but also all selected films, thus und ihn zu einem „weltweiten Gemeingut“ machen sollte.[1] providing them ‘appraisal and popularity’. The significance of Šubic hielt Oberhausen für den idealen Ort und wies darauf Šubic‘s initiative became obvious already in the following year hin, dass das Archiv auf diese Weise nicht nur die prämierten, when the Yugoslav Commission for Cultural Relations with sondern auch alle ausgewählten Filme erhalte und ihnen so Foreign Countries expressed their displeasure with the selec„Wertschätzung und Popularität“ verleihe. Die Bedeutung von tion policy of the festival. After the central film distributor Šubics Initiative wurde bereits im folgenden Jahr deutlich, als – Yugoslavia-Film – had already withdrawn films from Oberdie jugoslawische Kommission für kulturelle Beziehungen mit hausen’s 1968 and 1969 pre-selections, the Yugoslav repredem Ausland ihren Unmut über die Auswahlpolitik des Festi- sentatives demanded that the ‘festival coordinates the selecvals äußerte. Nachdem der zentrale Filmverleih Yugoslavia- tion process with the responsible Yugoslav authorities’ (14 Film bereits 1968 und 1969 Filme aus der Oberhausener Vor- May, 1969). However, that has not prevented certain producauswahl zurückgezogen hatte, forderten die jugoslawischen ers (such as Neoplanta Film) from offering their films outside Vertreter, dass das „Festival die Auswahl mit den zuständi- of the official selection protocol and on their own initiative. gen jugoslawischen Behörden abstimmt“ (14. Mai 1969). Dies Although festival co-director Will Wehling insisted that Oberhielt jedoch einige Produzenten (z. B. Neoplanta Film) nicht hausen’s selection politics depended exclusively on the selecdavon ab, ihre Filme außerhalb des offiziellen Auswahlproze- tion committee, the Yugoslav officials managed to change the deres und auf eigene Initiative anzubieten. Obwohl der Pro- established procedure: rather than visiting Belgrade, Zagreb grammdirektor des Festivals, Will Wehling, darauf bestand, and Ljubljana in early spring, thus maintaining local contacts dass ausschließlich der Auswahlausschuss für die Oberhau- in different capitals of the Yugoslav republic, after 1970, the sener Auswahlpolitik zuständig sei, gelang es den jugoslawi- selection committee (usually consisting of two envoys, often schen Offiziellen, das etablierte Verfahren zu ändern: Anstatt including Wehling himself) was to view and select from the im Frühjahr sowohl Belgrad als auch Zagreb und Ljubljana annual production exclusively in Belgrade. zu besuchen und so lokale Kontakte in den verschiedenen At the same time, Will Wehling’s close personal acquaintHauptstädten der jugoslawischen Republik aufrechtzuerhal- ance with Yugoslav film workers seems to have provided him ten, sollte der Auswahlausschuss (der in der Regel aus zwei with inside knowledge about recently produced films. OccaAbgesandten bestand, zu denen oft auch Wehling selbst sionally he would strike a more private note when asking gehörte) ab 1970 die Jahresproduktion ausschließlich in Bel- someone for their personal opinion and advice on the best grad sichten und auswählen. Yugoslav shorts of the previous year. Nevertheless, some of Gleichzeitig scheint Will Wehlings enge persönliche the most progressive occurrences in Yugoslav cinematograBekanntschaft mit jugoslawischen Filmschaffenden ihn mit phy of the time either eluded him, were kept from him, or Insiderwissen über neu produzierte Filme versorgt zu haben. were not considered attractive/significant enough to be Gelegentlich schlug er einen eher informellen Ton an, wenn selected for the competition section. Such appears to have er jemanden um dessen persönliche Meinung und Rat zu den been the case with the Yugoslav amateur experimental film

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scene, one of the most vibrant in Europe – especially in the 1960s when it was revolving around the Genre Film Festival (GEFF) in Zagreb, the bi-annual assembly of Yugoslav cinematic avant-garde. The preserved archival correspondence on the selection processes suggests that Oberhausen predominantly considered films from the official production companies for the competition programme, paying little attention to existing underground and independent currents. In a 1966 letter, the Yugoslav film critic and editor of the influential film magazine Filmska kultura, Stevo Ostojić, informed Wehling about GEFF’s progressive work, providing him with contacts of the festival’s organisers; yet no followup on that correspondence could be found in the archive so far. While that same year did see a ‘Special Programme with Amateur Films’ showing the groundbreaking work of Zagreb experimentalist Vladimir Petek, the catalogue text showed little understanding for the wider context of the unique avantgarde position that the amateur film scene held in Yugoslavia. The predominance of the Zagreb School of Animated Films in Oberhausen’s analogue print archive, along with the warm correspondence with its producers, testifies to the significance of interpersonal contacts in the selection process. It also suggests the festival’s inclination for the already acclaimed and preferably explicitly political work, provoking the Zagreb Film animator Branko Ranitović to call the Oberhausen Film Festival an ‘ideological political platform with Maoist tendencies’ – a statement fervently rejected by Wehling: ‘Every country has its problems with their leftists. Oberhausen is not meant to and will not be an exclusively political festival.’ (Letter, 22 May, 1970) Archive in Exile marks the beginning of a deeper research into the concurrence of the international and domestic reception of Yugoslav cinema, with the aim of portraying a more nuanced image of Yugoslav film culture and its contemporary canons. Petra Belc and Aleksandra Miljković

Petra Belc holds a PhD in Film Studies from the University of Zagreb; her thesis explored ‘The Poetics of Yugoslav Experimental Cinema from the 1960s and 1970s.’ As an independent researcher her focus is on the field of experimental cinema with a chosen interest in the archiving and preservation of small-gauge films. Aleksandra Miljković studied Art History at the Philosophical Petra Belc und Aleksandra Miljković Faculty in Belgrade and completed her master’s degree with a focus on contemporary art and film. Now living in Berlin, she Petra Belc hat an der Universität Zagreb in Filmwissenschaf- is pursuing an MA in Film Culture Heritage at the Film Univerten promoviert; ihre Dissertation befasste sich mit der Poe- sity Babelsberg ‘Konrad Wolf’. tik des jugoslawischen Experimentalfilms der 1960er- und 1970er-Jahre. Als unabhängige Wissenschaftlerin konzentriert sie sich auf den Bereich des Experimentalkinos mit einem besonderen Interesse für die Archivierung und Bewahrung von Filmen in Kleinformat. Aleksandra Miljković studierte Kunstgeschichte an der Philosophischen Fakultät in Belgrad und schloss ihr Masterstudium mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer Kunst und Film ab. Heute lebt sie in Berlin und absolviert ein Masterstudium in Filmkulturerbe an der Filmuniversität Babelsberg „Konrad Wolf“. [1] Belc/Miljković beziehen sich hier auf einen in Oberhausen archivierten Brief, dessen Inhalt dem zuvor abgebildeten Dokument entspricht, aber nicht ganz identisch ist. [1] Belc/Miljković refer to a letter from the Oberhausen

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archive whose wording is very similar but not identical to the document printed on the previous pages.

re-selected Programm 1 Programme 1

besten jugoslawischen Kurzfilmen des vergangenen Jahres bat. Einige der fortschrittlichsten Werke der jugoslawischen Filmkunst jener Zeit blieben ihm jedoch entweder verborgen, wurden ihm vorenthalten oder wurden als nicht attraktiv oder bedeutend genug erachtet, um für die Wettbewerbe ausgewählt zu werden. Dies scheint auch bei der jugoslawischen Amateur-Experimentalfilmszene der Fall gewesen zu sein, die zu den dynamischsten in Europa zählte – insbesondere in den 1960er-Jahren, als sich die jugoslawische Filmavantgarde alle zwei Jahre zum Genre Film Festival (GEFF) in Zagreb traf. Die erhaltene Archivkorrespondenz über die Auswahlverfahren deutet darauf hin, dass Oberhausen für das Wettbewerbsprogramm vor allem Filme der offiziellen Produktionsfirmen berücksichtigte und den bestehenden Underground- und Independent-Strömungen wenig Beachtung schenkte. In einem Brief aus dem Jahr 1966 informierte Stevo Ostojić, jugoslawischer Filmkritiker und Herausgeber der einflussreichen Filmzeitschrift Filmska kultura, Wehling über die progressive Arbeit des GEFF und vermittelte ihm Kontakte zu den Organisatoren des Festivals; eine Fortsetzung dieser Korrespondenz konnte im Archiv jedoch bisher nicht gefunden werden. Im selben Jahr gab es zwar ein Sonderprogramm für Amateurfilme, in dem das bahnbrechende Werk des Zagreber Experimentalfilmers Vladimir Petek gezeigt wurde. Doch der Katalogtext zeigte wenig Verständnis für den weiteren Kontext der besonderen avantgardistischen Position, die die Amateurfilmszene in Jugoslawien einnahm. Die Dominanz der Zagreber Trickfilmschule im Oberhausener Analogarchiv und der herzliche Briefwechsel mit den Produzenten zeugen von der Bedeutung zwischenmenschlicher Kontakte im Auswahlprozess. Er deutet auch auf die Vorliebe des Festivals für bereits ausgezeichnete und möglichst explizit politische Arbeiten hin, was den Zagreber Animationsfilmer Branko Ranitović dazu veranlasste, die Kurzfilmtage Oberhausen als „ideologisch-politische Plattform mit maoistischen Tendenzen“ zu bezeichnen. Diese Aussage wies Wehling vehement zurück: „Jedes Land hat halt seine Probleme mit der Linken. Oberhausen will und wird kein ausschließlich politisches Festival sein“ (Brief, 22. Mai 1970). Archiv im Exil markiert den Beginn einer tiefergehenden Untersuchung des Zusammenwirkens von internationaler und nationaler Rezeption des jugoslawischen Films und soll ein differenzierteres Bild der jugoslawischen Filmkultur und ihres zeitgenössischen Kanons zeichnen.

re-selected Programm 1 Programme 1

7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Gloria

Od 3 do 22 From 3 till 22

Jugoslawien Yugoslavia 1967 35mm, 13', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Krešo Golik Eine wortlose Aufzeichnung des 19-stündigen Arbeitstags von Smilja Glavaš, Mutter, Ehefrau und Arbeiterin in einer Textilfabrik, wird zu einem kritischen Kommentar zur Doppelbelastung von Frauen im sozialistischen Jugoslawien. A wordless record of the 19-hour workday of Smilja Glavaš, a mother, wife and textile worker, turns into a critical commentary on women’s double burden in socialist Yugoslavia.

Dva zakona Two Laws

Jugoslawien Yugoslavia 1968 35mm, 9', Schwarzweiß black-and-white, Original mit deutschen Untertiteln Original with German subtitles Regie Director Vefik Hadžismajlović Ein Film über das Dilemma von Mädchen im ländlichen Bosnien, gefangen zwischen der sozialistischen Verfassung mit der darin festgeschriebenen Frauenbildung und den ungeschriebenen Gesetzen patriarchaler Traditionen. On the predicament of girls in rural Bosnia trapped between the socialist constitution of women’s education and the unwritten laws of patriarchal tradition.

U pravcu početka Back to the Beginning

Jugoslawien Yugoslavia 1970 12', Farbe colour, Original mit deutschen Untertiteln Original with German subtitles Regie Director Dejan Đjurković Auf den Straßen Belgrads findet eine wilde Verfolgungsjagd statt – Busse und Autos fahren frei herum und der Betondschungel nimmt in dieser einzigartigen filmischen Vision, die von der Aura der Bewegung der Blockfreien Staaten geprägt ist, eine wörtliche Bedeutung an. On the streets of Belgrade, a fearful hunt is taking place – buses and cars are on the loose, and the concrete jungle takes a literal meaning in this unique cinematic vision shaped by the aura of the Non-Aligned Movement.

Dve koračnici Two Marches

Jugoslawien Yugoslavia 1972 35mm, 9', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Dušan Povh Wenn wir den Ton abstellen, wird die Welt der Politik ungeheuer simpel und nachvollziehbar – sie kann alles und nichts sein, solange die Politiker auf ihren Sitzen bleiben. If we turn off the sound, the world of high politics becomes incredibly simple and understandable – it can be everything and nothing, as long as the politicians stay in their seats.

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46. Vzporednik 46th Parallel

Jugoslawien Yugoslavia 1974 35mm, 10', Farbe colour, Original mit deutschen Untertiteln Original with German subtitles Regie Director Jože Pogačnik In der slowenischen Kleinstadt Idrija sind Masken ein wertvolles Hilfsmittel – die Quecksilber abbauenden Bergleute brauchen sie aus Sicherheitsgründen, die Bewohner, um bei Verstand zu bleiben. In the small Slovenian town of Idrija, masks are a precious prop – the mercury miners need them to keep safe, while the residents use them to keep sane.

Malj The Mallet

Jugoslawien Yugoslavia 1977 11', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Aleksandar Ilić Auf dem Fließband eines Geflügelhofs entscheiden die sortierenden Hände über Leben und Tod, während ein kleines schwarzes Küken um sein Leben kämpft. Die futuristische Filmmetapher für unsere segregationistische Realität. On a treadmill of the poultry farm, the sorting hands decide upon life or death, while the little black chicken rebels for its life – the futuristic film metaphor about our segregationist reality.

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re-selected Programm 1 Programme 1

7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Gloria

re-selected Programm 2 Programme 2

On All Fronts

Kuratiert von Curated by Karina Griffith Karina Griffith ist Künstlerin, Kuratorin und Filmwissenschaftlerin und lebt in Berlin und Toronto. Sie hat einen Lehrauftrag am Institut für Kunst im Kontext (UdK) für Medientheorie und -praxis und gehört seit 2021 zum Kuratorenteam des Berlinale Forum Expanded. Karina Griffith is an artist, curator and film scholar based in Berlin and Toronto. She holds a lecturer position at the Institute for Art in Context (UdK) for Media Theory and Praxis and in 2021 joined the curatorial team of the Berlinale Forum Expanded.

7. Mai 19:30 Uhr 7 May 7:30 pm Gloria

Konfrontation der Kulturen war umfassendes diskursives Filmprogramm der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen 1993. Das Projekt wollte unter anderem die Schwarze Ästhetik im Film erforschen. Ziel des Symposiums war es, so Festivalleiterin Angela Haardt, die „westliche, weiße, männliche“ Perspektive zu dekonstruieren und von jenen Künstler*innen zu lernen, die „vom Prinzip der Gleichheit ausgeschlossen sind“. Zu diesem Zweck wurden unter anderem Schwarze Filmemacher*innen und 47 Filme aus Nordamerika, dem Vereinigten Königreich und der Karibik, die Gastkuratorinnen Coco Fusco, June Givanni und Monica Funke-Stern sowie Keynote-Speaker Diedrich Diederichsen eingeladen. Obwohl der Schwarze europäische Film eine geografische Kategorie für die Programmauswahl darstellte, wurden keine Filme von Schwarzen Deutschen gezeigt. „Wo sind die deutschen Schwarzen und POC-Filmemacher*innen?“, fragte die Historikerin Tricia Rose daraufhin während einer Publikumsdiskussion. On All Fronts, kuratiert von Karina Griffith, knüpft an diese Frage an. Als spekulatives Filmprogramm stellt es sich Schwarze Filme aus Deutschland als Teil des ursprünglichen Projekts von 1993 vor. Das Programm mischt eine Auswahl von Filmen aus dem Originalprogramm mit damals existierenden deutschen Filmen Schwarzer Autor*innen und entwirft so eine neue Auswahl, die nationale Grenzen überschreitet. Die Schwarzen Filmperspektiven in On All Fronts finden einen vielstimmigen Zugang zu Ton und Narration und thematisieren in ihren unterschiedlichen Inhalten sowohl innere Auseinandersetzungen als auch äußere Konflikte. Die kuratorische Frage lautet: Wie können wir in Archive und Geschichten eindringen und uns aufdrängen, um eine reparative Vorstellung von kulturellem Austausch hervorzurufen? Confrontation of Cultures was a vast discursive film programme of the 1993 Oberhausen Film Festival. The event was, in part, interested in exploring Black aesthetics in film. The aim of the symposium, according to festival director Angela Haardt, was to decentralise the ‘Western, white, male’ perspective and learn from those artists who have been ‘excluded from the principle of equality’. To that end, Black filmmakers and 47 films from North America, the U. K. and the Caribbean were invited along with guest curators Coco Fusco, June Givanni and Monica Funke-Stern, and keynote speaker Diedrich Diederichsen, among others. While Black European film was a geographic category for the programming selections, there was a notable absence of work authored by Black Germans, to which historian Tricia Rose responded, ‘where are the German Black and POC filmmakers?’ On All Fronts, curated by Karina Griffith, picks up where this question left off. As a speculative film programme, it imagines Black-authored German films as part of the original 1993 screenings. Mixing film selections from the original programme and Black-authored German cinema existing at the time, it imagines a new selection that transcends national borders. The Black cinematic perspectives in On All Fronts share a polyphonic approach to sound and narration, and in their diverse content tackle both inner confrontations and external conflicts. The curatorial intervention asks: How can we intrude and obtrude into archives and histories to evoke reparatory imaginings of cultural exchange? Im Anschluss an das Programm im Petit Café: Karina Griffith im Gespräch mit Wanjiru Kinyanjui (live, online). After the programme, at Petit Café: Karina Griffith in conversation with Wanjiru Kinyanjui (live, online).

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re-selected Programm 2/3 Programme 2/3

Konfrontation der Kulturen – Confrontation of Cultures, Documentation/Report, ed. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, 1997. Panel Teilnehmer (v. l. n. r.) Panel participants (f. l. t. r.) Coco Fusco, Philip Mallory Jones, Zeinabu Irene Davis, Portia Cobb.

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re-selected Programm 2 Programme 2

7. Mai 19:30 Uhr 7 May 7:30 pm Gloria

Leugt

Deutschland Germany 1983 16mm, 13', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch, Englisch German, English Regie Director Raoul Peck Dieser Experimentalfilm besteht aus Standbildern der gewaltsamen Proteste anlässlich des Besuchs des US-amerikanischen Präsidenten Ronald Reagan in (West-)Berlin im Jahr 1982 sowie Illustrationen des französischen Künstlers Gustave Doré. Leugt entstand während Raoul Pecks Studium an der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). Er dokumentiert vielschichtig – akustisch wie visuell – die ideologische Konfrontation. This experimental film is constructed from still photos of the violent protests in response to then-US President Ronald Reagan’s visit to (West) Berlin in 1982 and illustrations by the French artist Gustave Doré. Made during his studies at the Berlin Film Academy (DFFB), Raoul Peck’s Leugt is a layered sonic and visual documentation of ideological confrontation.

Black Mother Black Daughter

Kanada, Karibik Canada, Carribean 1989 29', Farbe colour, Englisch English Regie Director Sylvia Hamilton, Claire Prieto Die Gemeinde Africville, gegründet von ehemaligen Sklaven und Schwarzen Loyalisten in Kanada, wurde schlecht versorgt und in den 1960er-Jahren von der Provinzregierung unter dem Vorwand der „städtischen Erneuerung“ ausgelöscht. Die Filmemacherin Sylvia Hamilton ist die Erzählerin dieses Dokumentarfilms über die standhaften Schwarzen Communitys, die überleben, florieren und weiterhin Reparationen einfordern. Die A-capella-Musik im Film stammt von For The Moment, einer Gruppe, die singend die mündlich tradierten Geschichten der Schwarzen in Nova Scotia erzählt. The community of Africville, settled by formerly enslaved people and Black loyalists in Canada, was underserved and then razed by the provincial government in the 1960s under the guise of ‘urban renewal’. Filmmaker Sylvia Hamilton narrates this documentary about the enduring Black communities who survive, thrive and continue to protest for reparations. The documentary’s a capella score is performed by the musical group For The Moment – singing storytellers of Nova Scotia’s Black oral histories.

Cycles

USA 1989 17', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Zeinabu Irene Davis Achtsam auf ihr Umfeld und ihren Körper und auf der Suche nach einem Gleichgewicht führt die Protagonistin in Cycles private Rituale aus, dabei getragen von der Fürsprache ihrer vielstimmigen inneren Dialoge. Die Lieder im Film stammen von der südafrikanischen Sängerin Miriam Makeba und der amerikanischen Jazztrompeterin Clora Bryant. Davis war 1993 beim Originalprogramm Konfrontation der Kulturen in Oberhausen vor Ort, um ihren Film vorzustellen. Tending to her surroundings and to her body, the protagonist of Cycles performs private rituals as she waits for equilibrium, all the while championed by her polyphonic inner dialogues. The score includes music by South African singer Miriam Makeba and American jazz trumpeter Clora Bryant. Davis was present at the original Confrontation of Cultures programme in Oberhausen to present her film in 1993.

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Mad Bad Mortal Beings

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1992 16mm, 10', Farbe colour, Englisch English Regie Director Ludmilla Andrews Der Film wurde von der Kuratorin June Givanni für das Programm Konfrontation der Kulturen im Jahr 1993 ausgewählt. Mad Bad Mortal Beings (mit Sophie Okonedo, Yvonne French und Indra Ové) zeigt die Fantasiewelt, die Erinnerungen und die Krise von Cait, einer völlig verzweifelten Frau am Ende einer Beziehung. In ihrer Traumwelt voller persönlicher Rituale, Symbole und Metaphern stellt sie sich ihren eigenen Ängsten. Selected by curator June Givanni for the Confrontation of Cultures programme in 1993, Mad Bad Mortal Beings (starring Sophie Okonedo, Yvonne French and Indra Ové) depicts the imaginary world, memories and crisis of Cait, a woman overcome by despair at the end of a relationship. In her dreamy world, full of personal ritual, symbols and metaphors, she confronts her own fears.

A Lover & Killer of Colour

Deutschland Germany 1988 16mm, 9', Farbe colour, Deutsch German Regie Director Wanjiru Kinyanjui Kinyanjuis A Lover & Killer of Colour entstand während ihres Studiums an der DFFB und wurde 1989 bei den Kurzfilmtagen Oberhausen gezeigt. Die Tonspur des Films, ein Gedicht von Alida Babel, beschreibt verschiedene Ausdrucksformen – einen Stift, der auf ein weißes Blatt Papier schreibt, einen Pinsel, der auf eine weiße Leinwand trifft – als Metaphern für die Konfrontation mit weißer Vorherrschaft. Kinyanjui’s A Lover & Killer of Colour was made during her studies at the dffb and screened at the Oberhausen film festival in 1989. The film’s soundtrack, a poem by Alida Babel, configures acts of expression – a pen writing on a white page, a paintbrush meeting a white canvas – as metaphors for confrontations with white supremacy.

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re-selected Programm 2 Programme 2

7. Mai 19:30 Uhr 7 May 7:30 pm Gloria

re-selected Programm 3 Programme 3

Counter Encounters Reconsidering the Goethe-Institut Film Workshops Kokuratiert von Co-curated by Merv Espina Merv Espina ist ein in Metro Manila lebender Künstler und Wissenschaftler. In seiner Arbeit untersucht er die Risse systemischer Verzerrungen und historischer Versäumnisse in Kultur, Medien und Wissensproduktion sowie die Netzwerke und Organismen, die dadurch entstanden sind. Merv Espina is an artist and researcher based in Metro Manila. His work investigates the fissures of systemic biases and historical lapses in culture, media, and knowledge production, and the networks and organisms that have grown through them.

8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Gloria

Vor dem Hintergrund des Kalten Krieges und der frühen postsowjetischen Ära begann das Goethe-Institut in den 1980er-Jahren mit einer ambitionierten Reihe von Film- und Videoworkshops in der ganzen Welt. Das kuratierte Programm Konfrontation der Kulturen: Medienarbeit des Goethe-Instituts in drei Kontinenten (Afrika, Asien und Lateinamerika), das bei den Kurzfilmtagen Oberhausen 1993 27 Arbeiten aus zwölf Ländern zeigte, war eine der größten Präsentationen dieses Engagements. Durch die erneute Auswahl von Filmen aus dem Programm von 1993 sowie von solchen aus denselben Orten, die nicht Teil des Programms waren, lädt Merv Espina dazu ein, den kuratorischen Rahmen von 1993 und den damaligen Diskussionsstand zu überdenken und sich mögliche Begegnungen und Gegenbegegnungen, gemeinsame Geschichten und geteilte Erfahrungen vorzustellen: Demokratiebewegungen und Militärdiktaturen, imperiale und kommerzielle Kolonisierung, die Spannungen und Ängste einer vergangenen und doch aktuellen Zeitgenossenschaft in sich schnell verändernden Kontexten. Das Programm konzentriert sich auf die Workshops in Manila, Bangkok und Seoul und stellt Arbeiten von Workshopleiter und -teilnehmer*innen einander gegenüber. Zur Frage nach dem nachhaltigen Einfluss der Workshops und ihrer persönlichen Wirkung sagte der deutsche Filmemacher und Workshopleiter Christoph Janetzko 1993: „Auswirkungen kann man nur auf lange Sicht sehen.“ 29 Jahre später ist es an der Zeit, diese Frage erneut zu stellen. Im Anschluss an die Vorführung findet ein Gespräch mit dem Filmemacher Nick Deocampo statt. Deocampo war Partner des Workshops in Manila und 1993 Gast des Programms in Oberhausen. Against the backdrop of the late Cold War and early post-Soviet era, the 1980s saw the Goethe Institute embark on an ambitious series of film and video workshops around the world. Confrontation of Cultures: Media Work of the Goethe Institute in Three Continents (Africa, Asia and Latin America) at the Short Film Festival Oberhausen 1993 was one of the largest showcases of this engagement, with a curated programme featuring 27 works from 12 countries. By re-selecting works from the 1993 programme along with works from the same sites that were not part of it, Merv Espina suggests reconsidering the curatorial framing and conversations started in 1993 and imagining possible encounters and counter-encounters, common histories and shared experiences: democracy movements and military dictatorships, imperial and commercial colonization, the tensions and the anxieties of a bygone yet recent contemporaneity in contexts fast in flux. Focusing on the workshops facilitated in Manila, Bangkok and Seoul, the programme juxtaposes works produced by both workshop facilitator and participants. On the question of the lasting influence of the workshops and their personal impact, German filmmaker and workshop facilitator Christoph Janetzko said in 1993: ‘Effects can only be seen in the long run.’ Twenty-nine years later it is time to ask again. The screening will be followed by a live conversation with filmmaker Nick Deocampo, Manila workshop partner and a guest at the 1993 programme in Oberhausen.

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Spit/Optik

Philippinen Philippines 1988 16mm, 9'59", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Roxlee, Benjie Lontoc, Yeye Calderon, At Maculangan Ursprünglich ein Mix aus drei Filmen (Spit, Words & Outtakes und Optik) kombiniert dieser Film Animation, Found Footage, flüssiges Quecksilber und fliegende Gehirne. A mash-up originally composed of three films (Spit, Words & Outtakes and Optik), this work combines animation, found footage, liquid mercury and flying brains.

Deutschland Germany 1985 16mm, 13'50", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Christoph Janetzko Eine filmische Collage rund um das Bild eines vergrößerten Perforationslochs, um neue Assoziationen und mögliche Verbindungen hervorzurufen, die durch die Lücken entwischt sind. A film collage fashioned around the image of an enlarged film sprocket to provoke new associations and possible connections that have slipped through the gaps.

Wet Dream

Südkorea South Korea 1992 16mm, 15'09", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Kim Yun Tae, Lee Byung Ryul, Park Kyung Ju Ein Traum, wie koreanische Beerdigungsriten in drei Teile geteilt. Dieser Film ist eine Reflexion über politische und persönliche Traumata, die den Staatskörper und den erotischen Körper verkomplizieren. A dream divided into three parts corresponding to Korean funeral rites, this film reflects on political and personal traumas, complicating the body politic and the body erotic.

Under Taboo

Thailand 1992 9'59", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jerdsak Poolthup, Pimpaka Towira, Sirivan Pothai, Sasivimon Chaungyanyong Blumen blühen, Verlangen wird abstrahiert, ein Körper wird eine Treppe hinaufgeschleppt. Flowers bloom, desire is abstracted, a body is dragged up the stairs.

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re-selected Programm 3 Programme 3

8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Gloria

re-selected Programm 3 Programme 3

8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Gloria

Thousandth Birth

Thailand 1992 7'17", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Mana Suealek, Wilailuck Suwachittanont, Surachai Jiracharoenvongsa, Chaiwat Lochotinant, Nida Kanchanawetchakul Ein einsamer Mann und ein Buddha, die Langeweile des Stadtlebens oder die Notwendigkeit, sich zu verstecken; Unfälle oder Morde, die Gewalt der Nachrichten ist in Orange eingefärbt. A lone man and a buddha, the ennui of city life or the need to go into hiding; accidents or murder, the violence of the news is solarised in orange.

Sorry, I’m an Actress

Südkorea South Korea 1992 8'22", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Park Jihong Schwenk, Kippbild und Zoom in eine Nachtszene in Seoul: verrufene Frauen, Mannequins in traditionellen Roben, eine Metzgerei, eine Schauspielerin. Pan, tilt and zoom into a night scene in Seoul: scarlet women, mannequins in traditional garb, a meat shop, an actress.

Kalawang Rust

Philippinen Philippines 1989 6'11", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Cesar Hernando, Eli Guieb III, Jimbo Albano Unter Verwendung von Found Footage und Archivaufnahmen von Krieg, Sex und Popkultur nimmt Kalawang die kommerziellen und triebhaften Komplexe der Kolonialisierung auseinander. Using found and archival footage of war, sex, and popular culture, Rust unpicks the commercial and libidinal complexes of colonization.

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Besides IMAGES FROM VIETNAM [Bilder från vietnam] titles like ABOUT THE ORIGINS OF BOOK PRINTING [Om boktryckets uppkomst], ABOUT THE HISTORY OF PAPER [Om papperets historia] etc. always have a socio-economic/socialist perspective with him, which should make them a good match for Oberhausen. Tracing encyclopedic topics as book printing, etc. (see conventional educational films) back to historic and economic developments (early capitalism) is rarely done, and if the films are good – could serve as model for the clueless staff at TV stations and for the young. Maybe that’s reason enough to be after them. … [Handwritten on left margin:] In addition, Basti [Sebastian Feldmann] told me that Nestler had made the film ‘Are They Allowed to Come Back?’ [i.e. Får de komma igen?], which the committee should at least take a look at. … I think it is said to be a film about neo-fascism.

Brief von Sebastian Feldmann an Will Wehling, 22.11.1972 (Archiv der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen). Feldmann war ein Filmjournalist, der die Kurzfilmtage bei der Filmauswahl aus den skandinavischen Ländern beriet. Will Wehling war von 1956 bis 1970 Programmdirektor der Kurzfilmtage, dann Festivalleiter von 1970 bis zu seinem plötzlichen Tod 1975. Letter from Sebastian Feldmann to Will Wehling, 22 Nov, 1972 (Archive of the International Short Film Festival Oberhausen). Feldmann was a film journalist and an adviser to the Oberhausen Short Film Festival for films from the Scandinavian countries. Will Wehling was the programme manager of the Oberhausen Short Film Festival from 1956 to 1970, then festival director until his untimely death in 1975.

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re-selected Programm 4 Programme 4

Dear Will ! Say, wouldn’t Nestler in Sweden be interesting for the Scandinavian programme sometime? I don’t know who you are sending up there, but N. has been doing quite a lot recently.

re-selected Programm 4 Programme 4

Peter Nestler

9. Mai 14:45 Uhr 9 May 2:45 pm Gloria

Mit dem Dokumentarfilmer Peter Nestler verbindet die Kurzfilmtage eine reibungsvolle Geschichte. Nachdem seine ersten Filme in Oberhausen abgelehnt oder in Gegenprogrammen am Rande des Festivals gezeigt wurden, führte die Vorführung seines hellsichtig-mahnenden Films Von Griechenland bei den Kurzfilmtagen 1966 zu einem Eklat. Man wisse nun, dass man es bei Nestler mit einem Kommunisten zu tun habe, schrieb die westdeutsche Presse, die indes nicht wissen wollte, dass in Griechenland ein faschistischer Putsch bevorstand. „Danach ging für mich in Deutschland nichts mehr“, erinnerte sich Peter Nestler einige Jahre später in einem Interview. Er emigrierte nach Schweden, bekam dort eine Anstellung als Redakteur beim Zweiten Fernsehkanal und konnte wieder arbeiten. Trotz der holprigen Anfänge blieb Nestler den Kurzfilmtagen als Berater verbunden und war auch zweimal, 1975 und 1990, Mitglied der Internationalen Jury. Noch immer lebt er in Schweden, noch immer macht er Filme, zuletzt Picasso in Vallauris (2021), das Porträt eines Unbeugsamen, das hier seine Kinopremiere erlebt. Zu Gast: Peter Nestler, Rainer Komers, Dieter Reifarth. The relationship between the documentary filmmaker Peter Nestler and the Short Film Festival Oberhausen has a turbulent history. After his first films were rejected in Oberhausen or shown in counter-programmes outside the festival, the screening of his clear-sighted, monitory film From Greece there in 1966 caused a scandal. It was now apparent that with Nestler, one was dealing with a communist, the West German press wrote, unwilling to deal with the fact that a fascist coup was imminent in Greece. ‘After that, nothing was possible for me in Germany anymore,’ Peter Nestler recalled in an interview some years later. He emigrated to Sweden, got a job as an editor with the 2nd Channel of Swedish Television and was able to work again. Despite this bumpy start, Nestler stayed connected with the Short Film Festival as an adviser and was also twice a member of the International Jury, in 1975 and 1990. He still lives in Sweden and still makes films, most recently Picasso in Vallauris (2021), the portrait of an uncompromising figure, which is having its cinematic premiere here. Guests: Peter Nestler, Rainer Komers, Dieter Reifarth.

Aufsätze Essays

Deutschland Germany 1963 11', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Peter Nestler Eine kleine Dorfschule auf 2000 Meter Höhe im Berner Oberland. „Ein fröhlicher Film. Auch ein Spielfilm. Am Anfang: man sieht Kinder auf dem Weg zur Schule, man hört ein Mädchen von den Bäumen im Herbst erzählen. Zum Schluß: der Nachhauseweg und die Erzählung von der Keilerei. Die Kinder tragen vor. Sie haben vorher aufgeschrieben, was sie erzählen.“ (Rainer Gansera, Filmkritik Nr. 273, 1979) A small village school 2,000 metres up in the Bernese Oberland. ‘A cheerful film. A fictional film, too. In the beginning: we see children on the way to school, we hear a girl talking about trees in autumn. At the end: the way home and the story of the fight. The children recite it. They have previously written down what they recount.’ (Rainer Gansera, Filmkritik No. 273, 1979)

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Bareha Dar Barf Bedonya Miayand The Lambs Are Born in the Snow

Iran 1989 27', Farbe colour, Original mit englischen Untertiteln Original with English subtitles Regie Director Farhad Mehranfar Ein Winter mit Hirtennomaden im Norden Irans. Das Futter für die Schafe muss von den Bäumen geschnitten werden eine Arbeit, bei der man abstürzen kann. Das Krankenhaus ist weit. Die Lämmer werden im Schnee geboren. Die Internationale Jury, der Peter Nestler angehörte, zeichnete Mehranfars Film 1990 mit dem Umweltpreis aus, den eine Oberhausener Bürgerin gestiftet hatte. A winter with nomadic shepherds in the north of Iran. The food for the sheep has to be cut from the trees, a work during which you can fall. The hospital is far away. The lambs are born in the snow. In 1990, the International Jury, to which Peter Nestler belonged, awarded Mehranfar‘s film the Environmental Prize donated by an Oberhausen resident.

Picasso in Vallauris

Deutschland Germany 2021 48', Farbe colour, Deutsch, Französisch mit englischen Untertiteln German, French with English subtitles Regie Director Peter Nestler, Kamera Camera Rainer Komers Picasso in Vallauris ist 2021 als Auftragsarbeit für die Ausstellung Der geteilte Picasso im Museum Ludwig in Köln entstanden. Den Wunsch, diesen Film zu machen, hatte Nestler allerdings bereits seit 1972, als er auf dem Rückweg von Dreharbeiten Picassos Friedenskapelle in Vallauris besuchte. Vallauris ist berühmt für seine Keramiken, auch Picasso hat hier vor allem mit Ton gearbeitet. Mit offenen Augen und Ohren bewegen sich Nestler, Komers und Reifarth durch das Städtchen, sehen Villen, Handwerk, Migrant*innen und besuchen eine Schule, wo Kinder malen. Man spürt, wie diese letzte, lange Szene einen Bogen spannt: zurück zu Aufsätze, aber auch zu der Frage, warum einer schweigt und malt, wie das zusammen geht: die Friedenskapelle, die Kriegsbilder, die vielen Tauben und Picassos oft zitiertes Bekenntnis, die Malerei sei nicht dazu da, Wohnungen zu schmücken, sondern sie sei ein Werkzeug des Angriffs und der Verteidigung im Krieg. Picasso in Vallauris was made in 2021 as a commission for the exhibition Picasso Shared and Divided at Museum Ludwig in Cologne. However, Nestler had already wanted to make this film since 1972, when he visited Picasso‘s Temple of Peace in Vallauris while returning from a film shoot. Vallauris is famous for its pottery; Picasso also worked primarily with clay here. Nestler, Komers and Reifarth go through the town with open eyes and ears, see villas, crafts and migrants, and visit a school where children are painting. One feels how this last, long scene traces an arc: back to Essays but also to the question of why someone is silent and paints, how all this goes together: the Temple of Peace, the pictures of war, the many doves and Picasso’s oft-cited statement that painting is not there to decorate houses but an instrument of war for attack and defence against the enemy.

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re-selected Programm 4 Programme 4

9. Mai 14:45 Uhr 9 May 2:45 pm Gloria

Labs

Workshop stories

Mit der 2018 eingeführten Festivalsektion Labs haben die Kurzfilmtage die erste Plattform für die jährliche Präsentation aktueller kreativer und technischer Entwicklungen fotochemisch arbeitender Künstlerlabore geschaffen. Unsere LabsVorführungen bestehen ausschließlich aus analogen Filmprojektionen in allen möglichen Formaten, von Super 8 bis 35 mm. Auf dem bevorstehenden 68. Festival wird neben zahlreichen anderen Programmen eine Reihe eindrücklicher Präsentationen zu sehen sein, die die Vielfalt des Filmschaffens mit Zelluloid offenbaren, darunter Expanded-Cinema-Veranstaltungen und -Aufführungen sowie praktische Workshops. Zu den letzteren gehört der renommierte Film Farm Workshop von Mount Forrest, Ontario, der der diesjährigen Ausgabe von Labs als Inspiration dient. Um dies angemessen zu würdigen, haben wir die Gelegenheit genutzt, den Besuch der Film Farm in mehrfacher Hinsicht mit unserem eigenen LabsProgramm zu verbinden. Diese Sonderausgabe von Labs ist den Workshop-Filmen gewidmet und wird mit der Vorführung der frisch entwickelten Ergebnisse des Workshops „Process Cinema: Film Farm in Oberhausen“ enden. Um diese neuen und „in Arbeit befindlichen“ Bilder besser verstehen zu können, haben wir die Labs-Community gebeten, rückblickend auf ihre eigenen „Workshop Stories“ Filme beizusteuern, die bei derartigen Unternehmungen entstanden sind. Die meisten Do-it-yourself- und kollektiven Filmlabore haben schon mal Workshops angeboten, in denen grundlegende oder fortgeschrittene technische Kenntnisse vermittelt wurden. Diese Workshops waren so unterschiedlich wie die Labore selbst, aber in allen ging es darum, Know-how und die Leidenschaft für die Filmarbeit unter bestimmten Bedingungen und mit zeitlichen Einschränkungen weiterzugeben. „Workshop Stories“ wird die Gelegenheit zum Austausch von Wissen über „DIY-Zelluloid“ und die bisher umfassendste Präsentation dieser Praxis sein. Gezeigt werden die neuesten Work-in-Progress-Arbeiten von Film Farm sowie 16 ältere Projekte ebenso vieler anderer Kollektive, von Nantes bis Mumbai, von Vancouver bis Kairo und weit darüber hinaus. Vassily Bourikas

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With the section Labs, established in 2018, Oberhausen created the first platform for the annual presentation of current creative and technical developments in artist-run photochemical laboratories. Our Labs screenings consist entirely of analogue film projections on every possible format, from Super 8 to 35 mm. Among its many other programs, the upcoming 68th festival will host an emphatic cycle of presentations which involve celluloid practices. These will include expanded cinema events and performances as well as hands-on workshops. One of the latter is the renowned Film Farm Workshop from Mount Forrest, Ontario, which inspires the 2022 edition of Labs. To embrace and celebrate this kind of activity, we took the opportunity to combine – in more ways than one – the Film Farm’s visit with our own Labs programming. This special edition of Labs is dedicated to workshop films and will culminate with the screening of freshly developed results by Process Cinema: Film Farm in Oberhausen. To better understand and celebrate these new and ‘in-process’ images, we invited the Labs community to look back at their own ‘workshop histories’ and contribute films that developed from such endeavours. Most DIY and collective film laboratories have at some point offered workshops that shared basic or advanced technical knowledge. These workshops have been as different as the labs themselves, but they all involve the sharing of know-how and passion about film work, under specific conditions and with time limitations. Workshop Stories will be a celebration of the exchange of ‘DIY celluloid’ knowledge and the most comprehensive presentation of this practice to date, with the latest Film Farm ‘works in progress’ preceded by 16 older projects from as many collectives, ranging from Nantes to Mumbai, from Vancouver to Cairo and further afield. Vassily Bourikas

Labs

AFW begann 2011 als informelles Projekt. Im Jahr 2013 hatten wir unser erstes gemeinsames Labor. Jetzt sind wir in unserem dritten Raum! Wir finanzieren uns vollständig über die Beiträge unserer Mitglieder, was zwar schwierig ist, aber auch sehr frei macht. AFW verfügt über die übliche Ausrüstung für ein künstlergeführtes Labor, einschließlich einer sehr schönen C-Farbkopiermaschine von Bell & Howell, die unser ganzer Stolz ist. Da wir im australischen Melbourne so weit weg sind, ist es für uns allerdings schwierig, Arbeiten anderer Labore und analoger Experimentalfilmschaffender weltweit zu sehen zu bekommen. The AFW started informally around 2011. By 2013 we had our first communal lab space; we are now in our third space! We are entirely funded by our membership payments, which is hard, but also makes us very free. The AFW has the usual set of equipment for an artist-run lab, including a very lovely model C colour printer, which is our pride and joy. A big problem we face is seeing work from other labs and other analogue experimental filmmakers around the world given that we are so far away. Artist Film Workshop 2 Kerr Street Fitzroy Vic 3065 Australien Australia Tel +61 400 748864 artistfilmworkshop@gmail.com artistfilmworkshop.org

Das Labor der Cimatheque ist der Ort, an dem etablierte Filmschaffende und Interessierte gleichermaßen mit analogen Verfahren experimentieren können. Es verfügt über eine Dunkelkammer mit der nötigen Ausstattung für die manuelle Filmentwicklung. Außerdem stehen Super-8- und 16-mmKameras sowie alle anderen benötigten Geräte zur Verfügung. Das Labor ist mit einem 8-, 9,5-, 16- und 35-mm-Filmscanner ausgestattet, mit dem Filme in 2K-Qualität digitalisiert werden können. Die Cimatheque ist stets bestrebt, die wachsende Gemeinschaft von Analogfilmschaffenden in Ägypten zu unterstützen. So stehen die regelmäßig stattfindenden Einführungsworkshops in die Filmpraxis allen offen. Cimatheque’s lab is the place where established filmmakers and enthusiasts alike can explore and experiment with analogue practices. The lab includes a darkroom with hand-processing facilities where films are developed. Additionally, we have Super 8 and 16 mm cameras and all other needed equipment. The Lab is equipped with an 8, 9.5, 16 and 35 mm film scanner, allowing films to be digitised in 2K quality. Cimatheque always aims to support the growing community of analogue practitioners in Egypt. Introductory workshops in film practice are held regularly and open to all. Cimatheque Alternative Film Centre 19A Adly Street 5th Floor Apt 28/29 Downtown, Cairo Ägypten Egypt Tel +20 2 23951386 info@cimatheque.org cimatheque.org

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Labs L’Etna wurde 1997 von und für Filmschaffende in Paris gegründet und ist ein Ort der Kreation, der Ausbildung und des Austauschs rund um das experimentelle Kino. Unsere Werkstatt verfügt über die gesamte Ausstattung für die Aufnahme, die Entwicklung, den Schnitt, die Bearbeitung und die Projektion von Film in Super 8, 16 mm und digitalen Formaten. Durch die Zusammenlegung der Produktionsmittel, um die materielle Unabhängigkeit der Autoren zu gewährleisten, sowie durch die Entmystifizierung der Vorstellung vom Kino als „unzugänglicher Kunst“ kann hier jeder Filme machen, ohne auf hypothetische Hilfen zu warten, und die Werkzeuge finden, die seinem eigenen Ansatz entsprechen. Founded by and for filmmakers in 1997 in Paris, L’Etna is a place of creation, training and exchange around experimental cinema. Our workshop includes all the necessary equipment for shooting, developing, editing and plastic manipulations on film and projection, in Super 8, 16 mm and digital formats. By pooling the means of production to ensure the material independence of authors, and by demystifying the idea of cinema as an ‘inaccessible art’, everyone can make films here without waiting for hypothetical help, and find the tools corresponding to their own approach. L’Etna 71, rue Robespierre 93100 Montreuil Frankreich France etna.cinema@gmail.com etna-cinema.net

Seit 1994 arbeitet die Film Farm an der Entwicklung eines praktischen, handwerklichen Ansatzes für das Filmemachen, der wenig mit dem kostspieligen, hierarchischen und schwer zugänglichen industriellen Modell zu tun hat. Seit 2015 verfügt der Workshop über eine nachhaltige biochemische Filmpraxis, bei der Filme mit verschiedenen lokalen Pflanzenstoffen entwickelt und bearbeitet werden. In ihrer 27-jährigen Geschichte hat die Film Farm Arbeiten lokaler, nationaler und internationaler Filmschaffender initiiert und gefördert und die Traditionen des experimentellen Films in Kanada und im Ausland erweitert. Since 1994, the Film Farm has been developing a hands-on, artisanal approach to filmmaking that is far removed from the costly, hierarchical and inaccessible industrial model. Since 2015, the workshop has developed a sustainable biochemical filmmaking practice, processing and manipulating film with various local plants and flowers. In its 27-year history, Film Farm has initiated and enhanced the work of local, national and international filmmakers and has expanded the traditions of experimental filmmaking in Canada and abroad. Film Farm Collective: Philip Hoffman, Terra Jean Long, Scott Miller Berry, Rob Butterworth, Deirdre Logue, Chris Harrison Film Farm c/o Philip Hoffmann Rural Route #4, Mount Forest Ontario, N09 2L0 Kanada Canada hoffmanphilm@gmail.com philiphoffman.ca/film-farm

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Film in Process ist eine Künstlerinitiative, die 2015 von Bea Haut und Karel Doing ins Leben gerufen wurde. Das Labor befindet sich an der University of East London in der Einrichtung für 16 mm der Abteilung für Bildende Kunst. Film in Process hat es sich zur Aufgabe gemacht, 16-mm-SchwarzWeiß-Film als erschwingliches Medium für Künstler und Studierende in London und im Vereinigten Königreich zu bewahren. Film in Process is an artist-run initiative set up by Bea Haut and Karel Doing in 2015. The lab is located at the University of East London, within the Fine Art Department’s 16 mm facility. Film in Process aims to keep black and white 16 mm film as an affordable medium for artists and students in London and the UK. Film in Process University of East London University Way London E16 2RD Vereinigtes Königreich United Kingdom filminprocess@gmail.com filminprocess.com

Die filmkoop wien ermöglicht einzigartig in Österreich das selbstständige Arbeiten mit dem Medium des analogen Films. Mit ihrer Gründung 2008 durch AbsolventInnen von Friedl Kubelkas Schule für unabhängigen Film wurde eine wesentliche Lücke in der Wiener Kunst- und Filmszene geschlossen. Damit wird die Praxis des analogen Arbeitens langfristig ermöglicht. Die Vereinsräumlichkeiten bieten ein umfassendes Angebot, sich mit den Filmformaten Super 8, 16 mm und 35 mm künstlerisch und handwerklich auseinanderzusetzen: Dunkelkammer, Schneidetische, Filmgeräteverleih, Arbeitsraum und Microcinema. Durch ein umfangreiches Workshopund Screeningprogramm schafft das Labor eine Plattform für Vernetzung und Wissenstransfer. The filmkoop wien is the only institution in Austria facilitating independent work with the medium of analogue film. Its founding in 2008 by graduates of Friedl Kubelka’s School for Independent Film filled a major gap in the Viennese art and film scene. It has made the practice of analogue work possible in the long term. The association provides comprehensive facilities for engaging with the film formats Super 8, 16 mm and 35 mm at both the artistic and technical levels: a darkroom, flatbed editors, rental of film equipment, work room and micro-cinema. With a wide-ranging programme of workshops and screenings, the laboratory provides a platform for networking and knowledge transfer. filmkoop wien Verein zur Förderung unabhängigen Films Wickenburggasse 15/3/1B 1080 Wien Österreich Austria info@filmkoopwien.at filmkoopwien.at

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filmkoop wien

Labs Filmwerkplaats, das einzige von Künstlern betriebene Filmlabor in den Niederlanden, hat seinen Sitz im WORM in Rotterdam. Der Verein Filmwerkplaats fungiert als der analogen DIY-Praxis gewidmeter Arbeitsraum und richtet sich an Künstler, die sich für Film als expressives, physisches Medium interessieren. Das Filmlabor organisiert Präsentationen und Vorführungen im Rahmen eines alle zwei oder drei Jahre stattfindenden Festivals mit dem Schwerpunkt auf audiovisuellen Arbeiten, die mithilfe von analogen Geräten, Maschinen und Instrumenten, Mechanismen und Verfahren entstanden sind. Darüber hinaus veranstaltet es das ganze Jahr über verschiedene Workshops und andere Bildungsaktivitäten. Filmwerkplaats is the only artist-run film lab in the Netherlands and is housed in WORM in Rotterdam. Filmwerkplaats is set up as an association with members. It functions as a workspace dedicated to DIY analogue practice, geared towards artists interested in film as an expressive, physical medium. Filmwerkplaats organises presentations and screenings through a (bi-/tri-) annual festival with a focus on audio-visual works created by the use of analogue equipment, machines and instruments, mechanisms and processes. In addition, there are various workshops and other educational activities throughout the year.

Harkat ist ein internationales spezialisiertes Kreativstudio und ein alternativer Raum für Performancekunst mit einer Leidenschaft für Film, neue Medien, Community Art und zeitgenössische Kunst. Als kollektiv betriebenes Filmlabor widmet sich Harkat vorrangig der Entwicklung bewusster medienbasierter Filmkunst und fördert den Diskurs über „indisches“ Denken in bewegten Bildern, basierend auf den Prinzipien des „Cinema of Prayoga“. Seit 2017 veranstaltet Harkat das 16mm Film Festival in Mumbai, dessen Hauptaugenmerk auf der Präsentation von Werken liegt, die auf Zelluloid entstanden sind, in Verbindung mit Workshops zu handgemachtem Film und der Förderung von kreativem Filmschaffen. Harkat is an international boutique arts studio and an alternative performance art space with a passion for film, new media, community art spaces and contemporary art. A collectivedriven film lab, Harkat focuses on the development of conscious, medium-based art on film and encourages a discourse on ‘Indian’ thought in moving images, based on the principles of ‘Cinema of Prayoga’. Harkat has run the 16 mm film festival in Mumbai since 2017, with its primary focus being the showcasing of works made on the medium of celluloid film, and combining it with handmade film workshops and facilitating making on film.

Filmwerkplaats WORM Boomgaardsstraat 71 3012 XA Rotterdam Niederlande Netherlands filmwerkplaats@worm.org filmwerkplaats.hotglue.me

Harkat Bungalow No. 17, Aram Nagar 2 Versova, JP Road, Andheri West Mumbai, 400061 Indien India 16mm@harkat.in 16mm.harkat.in

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Labs

Das 2014 gegründete Iris Film Collective ist eine in Vancouver ansässige Gruppe unabhängiger Künstler, die filmbasierte Arbeiten wie Einkanalvideo, Expanded Film, Skulpturen und Installationen schaffen, ausstellen und auf Tournee schicken, mit dem Ziel, die Sichtbarkeit und Zugänglichkeit experimenteller Medienkunst zu verbessern. Vor allem das Interesse am echten Zelluloidfilm ist in einer Zeit, in der sich das Medium zu einem postindustriellen Modell wandelt, von zentraler Bedeutung für alle Aktivitäten des Kollektivs. In den letzten sieben Jahren war die Gruppe Gast des Vancouver Fieldhouse Residence-Programms. Established in 2014, Iris Film Collective is a Vancouver-based group of independent artists creating, exhibiting and touring film-based works – single channel, expanded, sculptural, installation – with the goal of increasing the visibility and accessibility of experimental media art. Above all, our interest in ciné film – actual celluloid – at a time when this medium is shifting to a post-industrial model is of key interest in all our pursuits. We have been in residence as a part of the Vancouver Fieldhouse Residence programme for the past 7 years. Iris Film Collective Film Collective Fieldhouse at Burrard View Park 545 N. Slocan Street Vancouver, BC V5K 3M6 Kanada Canada irisfilmcollective@gmail.com irisfilmcollective.com

Unza!Lab ist ein gemeinnütziges, unabhängiges Filmlabor in Mailand mit dem Schwerpunkt auf Bewegtbildern (Super 8 und 16 mm). Unza!Lab ist offen für alle, die sich für die fotochemische Filmpraxis interessieren. Ausgehend von einem DIY-Ansatz organisiert das Labor Workshops und Vorführungen und stellt seine Dunkelkammer allen Mitgliedern zur Verfügung. Im Jahr 2020 gründeten einige Unza!Lab-Mitglieder Làbbash, einen Arbeitsraum für nichtindustriellen Film und Fotografie. Làbbash ist auch das Zuhause von Warshadfilm. Unza!Lab is a non-profit independent film lab in Milan , focusing mostly on moving images (Super 8 and 16 mm). Unza!Lab is open to individuals interested in photochemical film practice. Starting from a DIY approach, the lab organises workshops and screenings and provides a shared darkroom open to all the members. In 2020 some Unza!Lab members started Làbbash, a workspace for non-industrial cinema and photography. Làbbash also hosts Warshadfilm. Unza!Lab Via Passerini 18 Milano – Niguarda Italien Italy unza.milano@gmail.com unza-milano.org Làbbash Via Filippo Corridoni 179 20099 Sesto San Giovanni Milano Underground: MM 1- Sesto Rondò Italien Italy Tel +39 329 3676692 labbash.milano@gmail.com warshadfilm.com

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Labs

Labo BXL

Das im Februar 2006 gegründete Labo BXL ist ein Raum für die Produktion von Bildern, in dem mit dem Material Film, hauptsächlich Super 8 und 16 mm, gearbeitet wird. Bilder belichten, entwickeln, bearbeiten, Transfer, Transformation, Tests. Labo BXL ist ein Werkzeugkasten, ein Ort der Forschung und des Experiments, durch die Weitergabe von Wissen und den Austausch von Methoden und Know-how, autonom und außerhalb der kommerziellen Logik. Verwaltet von Jen Debauche, Khristine Gillard, Séverine de Streyker, Els van Riel, Maxime Fuhrer, Antje Van Wichelen und Adina Ionescu-Muscel. Created in February 2006, Labo BXL is a space for the production of images where one works with the material of film, mainly Super 8 and 16 mm. Exposing images, developing, processing, transfers, transformations, tests. Labo BXL is a toolbox, a place for research and experimentation, thanks to the sharing of knowledge and exchange of practices and knowhow, autonomous and outside commercial logic. Managed by Jen Debauche, Khristine Gillard, Séverine de Streyker, Els van Riel, Maxime Fuhrer, Antje Van Wichelen and Adina IonescuMuscel. In memoriam Sébastien Koeppel. LABO BXL Rue des chartreux 26-28 1000 Bruxelles Belgien Belgium filmlabobxl@gmail.com

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LaborBerlin e. V., ein gemeinnütziges, unabhängiges Filmkollektiv, ist offen für alle, die sich für künstlergeführte Initiativen und insbesondere für analoge Filmpraktiken mit ihrem stärker experimentell und handwerklich ausgerichteten Ansatz in der Filmproduktion interessieren. Das Labor ist ein Treffpunkt für den Austausch und die Auseinandersetzung mit Ideen und Erfahrungen rund um das Filmschaffen. Jedes neue Mitglied erhält eine Einführung in das Labor und die Nutzung seiner Einrichtungen, um eigenständig persönliche Projekte umsetzen zu können. LaborBerlin e.V is a non-profit, independent film collective, open to every individual interested in artist-run initiatives and especially in analogue film practice, which embraces a more experimental and DIY craft approach to film production. The lab is a meeting point for exchange and engagement with ideas and experiences around filmic creation. Every new member is introduced to the lab and has the opportunity to learn how to use its facilities in order to autonomously pursue personal projects. LaborBerlin e. V. Prinzenallee 58 13359 Berlin Deutschland Germany info@laborberlin-film.org laborberlin-film.org

Labs

Laboratorio Reversible ist ein Kollektiv für Analogfilm, das fest im Viertel Poble Sec von Barcelona verwurzelt ist, in unmittelbarer Nähe der gesellschaftlichen Widerstandsbewegung gegen die Gentrifizierung und „Touristifizierung“ des Viertels. Als selbst organisiertes und selbst finanziertes Kollektiv beschäftigt sich Laboratorio Reversible hauptsächlich mit der Aufnahme, der manuellen Entwicklung und der Projektion von Independentfilmen. Darüber hinaus sichtet und organisiert das Kollektiv Super-8-Amateurfilme aus verschiedenen Vierteln Barcelonas, um diese anschließend der Öffentlichkeit vorzuführen. Laboratorio Reversible is an analogue film collective based in Barcelona, with deep roots in the neighbourhood of Poble Sec, close to this area’s social processes of resistance against gentrification and ‘touristification’. Laboratorio Reversible is a self-organised and self-funded collective that mainly works on filming, hand processing and projecting independent films, and on selecting and organizing amateur Super 8 movies collected from among Barcelona’s different neighbourhoods and then screening them for the public. Laboratorio Reversible C/ Puríssima Concepció, 28 08004 Barcelona Spanien Spain laboratorioreversible@gmail.com lab-reversible.blogspot.com

Die Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (LIFT) ist eine von Künstlern geführte gemeinnützige Organisation, die sich der Förderung herausragender Leistungen im Film über Bildungsangebote in der Medienkunst und Produktionsressourcen verschrieben hat. LIFT unterstützt und fördert unabhängige Filmschaffende und Künstler durch einen erschwinglichen Zugang zu Produktions-, Postproduktionsund Ausstellungsequipment, durch die Möglichkeit zur professionellen und kreativen Weiterentwicklung sowie durch Workshops und Kurse, Auftragsvergabe und Ausstellungen, Künstlerresidenzen und eine Vielzahl anderer Leistungen. LIFT wurde 1981 von einem kleinen Kollektiv gegründet und hat sich seitdem zu einem der weltweit führenden Zentren seiner Art entwickelt. The Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (LIFT) is an artist-run charitable organization dedicated to facilitating excellence in the moving image through media arts education and production resources. LIFT exists to provide support and encouragement for independent filmmakers and artists through affordable access to production, post-production and exhibition equipment, professional and creative development, workshops and courses, commissioning and exhibitions, artist residencies and a variety of other services. Founded in 1981 by a small collective, LIFT has since grown to become one of the foremost centres of its kind globally. Liaison of Independent Filmmakers of Toronto 1137 Dupont Street Toronto, Ontario, M6H 2A3 Kanada Canada Tel +1 416 5886444 director@lift.on.ca lift.ca

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Labs Das von der Kritik gefeierte Film- und Videostudio Los Otros mit Sitz in Manila ist eine Plattform zur Förderung von Werken mit einer einzigartigen persönlichen Handschrift. Los Otros hat die Filme von John Torres und Shireen Seno produziert, darunter Todo Todo Teros (2006), Years When I Was a Child Outside (2008), Refrains Happen Like Revolutions in a Song (2010), Big Boy (2012), Lukas the Strange (2013), People Power Bombshell: The Diary of Vietnam Rose (2016), Nervous Translation (2017) und We Still Have to Close Our Eyes (2019). Based in Manila, Los Otros is a critically-acclaimed film and video studio and platform dedicated to supporting works with unique personal voices. It has produced the films of John Torres and Shireen Seno, including Todo Todo Teros (2006), Years When I Was A Child Outside (2008), Refrains Happen Like Revolutions in a Song (2010), Big Boy (2012), Lukas the Strange (2013), People Power Bombshell: The Diary of Vietnam Rose (2016), Nervous Translation (2017) and We Still Have to Close Our Eyes (2019). Los Otros 59 Mahabagin St. Teacher’s Village East Quezon City, 1101 Philippinen Philippines Tel +63 906 3877353 Tel +63 927 2646962 hi@los-otros.com los-otros.com

Mire wurde 1993 als Verein für experimentelles Kino gegründet. Der Verein betreibt ein gemeinsames Filmlabor, betreut pädagogische Workshops und veranstaltet Filmvorführungen. Seit 2018 organisiert Mire das Festival PRISME, das dem zeitgenössischen analogen Experimentalfilm im Zusammenspiel mit anderen Disziplinen (Fotografie, bildende Kunst, Sound, performative Kunst) gewidmet ist. Als aktives Mitglied des internationalen Netzwerks der von Künstlern betriebenen Filmlabore leitete Mire zwischen 2015 und 2017 RE MI – ReEngineering Moving Image, in enger Zusammenarbeit mit LaborBerlin und Filmwerkplaats Rotterdam. Das europäische Projekt soll die Entstehung, Bewahrung und Verbreitung von technischem Wissen über analogen Film fördern, um dessen Nutzung als kreatives Medium zu unterstützen. Mire is an association dedicated to experimental cinema, founded in 1993. Its work revolves around running a shared film laboratory, the supervision of pedagogical workshops and the diffusion of moving image works. Since 2018, Mire has been organizing the PRISME festival, which highlights contemporary experimental analogue film in interaction with other disciplines: photography, visual arts, sound and performing arts. Active in the international network of artist-run film labs, between 2015 and 2017 Mire led RE MI – Re Engineering Moving Image in close cooperation with LaborBerlin and Filmwerkplaats Rotterdam, a European project focused on the creation, preservation and circulation of technical knowledge of analogue film in order to support its use as a creative medium. Mire 17, rue Paul Bellamy 44000 Nantes Frankreich France Tel/Fax +33 2 40897807 info@mire-exp.org mire-exp.org

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FIELD RECORDINGS

Niederlande Netherlands 2019 16mm, 7', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Filmwerkplaats consortium Filmlabor Film lab Filmwerkplaats Eine praktische Übung zu Ton und Bild, mit einem kurzen Text als rotem Faden. Der Film entstand während Field Recordings 2 im November 2019 im WORM Rotterdam und ist eine Gemeinschaftsaktion von Mitgliedern des Filmwerkplaats unter der Leitung von Laida Lertxundi und Ren Ebel. A practical exercise in sound and image, using a short text as a guide. This film was created during Field Recordings 2, held at WORM Rotterdam in November 2019, and is a joint exercise by members of Filmwerkplaats, led by Laida Lertxundi and Ren Ebel.

Workshop – November 2016

Frankreich France 2016 16mm, 5'30", Schwarzweiß black-and-white, stumm silent Regie Director Collective Filmlabor Film lab L’Etna Eine seltsame Kreatur kämpft mit der Landschaft. Ein Workshop-Film aus einem der von Etna angebotenen Kurse: Filmen mit der Bolex, Entwicklung und Montage von Hand. A strange creature fights with the scenery. A workshop film resulting from one of the courses offered by Etna: filming with Bolex, hand processing and film editing.

Killing Your Darlings

Indien India 2018 16mm, 4'49", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Ada Kerserho, Ayesha Kapadia, Navneet Mishra, Nidhi Kukreja, Siddhanth Shetty Filmlabor Film lab Harkat Studios Die Stadt überwuchert den Wald und die Vogelpopulation in Bombay geht drastisch zurück. Der Film entstand im Rahmen eines Workshops für Fortgeschrittene für handgemachten 16-mm-Film unter der Leitung von Bernd Lützeler auf dem 16mm Film Festival in Mumbai. Der Workshop wurde durch eine Zusammenarbeit zwischen Harkat Studios, LaborBerlin, Kodak und dem Goethe-Institut Mumbai ermöglicht. The city is growing over the forest, and the bird population in Bombay is in a drastic decline. The film was made as part of a 16 mm advanced handmade film workshop conducted by Bernd Lützeler at the 16 mm Film Festival, Mumbai. The workshop was made possible as a collaboration between Harkat Studios, LaborBerlin, Kodak and Goethe Institut, Mumbai.

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Labs Programm 1 Programme 1

9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Sunset

Labs Programm 1 Programme 1

9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Sunset

Flood

Kanada Canada 2015 16mm, 5', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Ariel Kirk-Gushowaty, Soundtrack prOphecy sun Filmlabor Film lab Iris Film Collective „Wie könnt ihr euch mit dem Ozean verständigen, wenn ihr es nicht einmal mehr untereinander fertigbringt?“ (Stanisław Lem, Solaris) Gedreht auf 16-mm-Film von ORWO und entwickelt in Caffenol im Rahmen eines Workshops, aus dem eine kollektive Werkreihe zum Thema „Ende der Welt“ hervorging. ‘How do you expect to communicate with the ocean, when you can’t even understand one another?’ (Stanisław Lem, Solaris) Shot on Orwo 16 mm print stock and processed in caffenol as part of a workshop leading to the creation of a collective group of works on the theme ‘End of the World’.

veCINES Workshop (extract)

Spanien Spain 2018 Super8, 4', Schwarzweiß black-and-white, stumm silent Regie Director Laboratorio Reversible Collective Filmlabor Film lab Laboratorio Reversible Auszug aus dem veCINES-Workshop für kollektives Schaffen. Ziel des Workshops war die Entwicklung eines Atlas aus Gesichtern, Gesten, Beziehungen, realen und imaginären Bindungen und realen Räumen, die das Viertel Poble Sec (Barcelona, Spanien) ausmachen, das derzeit angesichts von Gentrifizierung und Tourismus einen tiefgreifenden Wandel erfährt. Extract from the veCINES workshop of collective creation aimed to create an atlas of faces, gestures, relationships, ties, real and imaginary, and real spaces composing the barrio Poble Sec (Barcelona, Spain) during a profound transformation process related to gentrification and tourism.

Extinction d’une fosse de 6M2 à l’aide d’un extincteur à poudre de 9kg

Frankreich France 2022 16mm, 4', Farbe colour, Französisch French Regie Director Thomas Dupuis, Jerôme Jolly, Alexia Hénon, Clara Lazare, Béatrice Lemoine, Mariane Moula, Violette Palasi, Laure Peigné, Aurélie Percevault, Hannah Pujar, Erwan Tracol Filmlabor Film lab Mire Dieser Film ist das Ergebnis eines Winterwochenendes mit Cécile Fontaine, die ihre Techniken zum Ablösen der Emulsion von Found-Footage-Filmen vermittelt hat. Eine fröhliche Explosion von Farben und Texturen, eine Kostprobe der schönen kollektiven Energie, die während des Workshops zu spüren war. This film is the result of a winter weekend spent with Cécile Fontaine, who passed on her techniques for lifting the emulsion from found footage. A joyful explosion of colours and textures that gives a taste of the nice collective energy felt during the workshop.

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Nanofest One

Australien Australia 2016 16mm, 9', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Group project Filmlabor Film lab AFW (Artist Film Workshop) Das Nanofest ist ein Wochenende mit Workshops und Freilichtvorführungen für Mitglieder des Artist Film Workshop im Nanolab, nordwestlich vom australischen Melbourne. Beim Workshop des Nanofest One ging es um die herkömmliche Filmbearbeitung. Drei Teams machten sich auf den Weg, um jeweils eigene Bereiche der umliegenden Landschaft zu erkunden und dort Bilder und Töne zu sammeln. Der gesamte Arbeitsablauf vom Rohfilm bis zur kombinierten Kopie mit optischer Tonspur wurde in nur zwei Tagen durchgespielt. Nanofest is a weekend of workshops and outdoor screenings for Artist Film Workshop members held at nanolab, northwest of Melbourne, Australia. The workshop at ‘nanofest one’ focused on finishing on film in the traditional way. Three teams went their own way and discovered their own parts of the surrounding landscape to gather their images and sounds. The whole workflow, from raw camera negative to married prints with optical soundtracks, was crammed into the two days!

IN CASE THE BLACK EGG BREAKS THE SUM OF US WILL FLICKER

Österreich Austria 2017 16mm, 16', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sarah Esma Alijagic, Jamie Allan, Nina Cavalcanti, Pia Clodi, Melissa Dullius, Ivana Durkáčová, Aylin Gökmen, Gustavo Jahn, Leone Maria Kervischer, Julia Lübbecke, Andreí Nacu, Zoe Radford, Marina Rebhandl, Viktoria Schmid, Julia Sharpe, Michel Strümpf, Tabea Roxane Wappler Filmlabor Film lab LaborBerlin, filmkoop wien Verschiedene Figuren tauchen auf und nehmen ihren Platz in Anspruch. Sie erkunden Möglichkeiten und begegnen dem Fremden. Ob sie Erfolg haben und in welcher Realität sie leben, bleibt dem Publikum überlassen. Different characters appear and claim their space. They explore possibilities and encounter the alien. Whether they succeed and which reality they inhabit is up to the viewer.

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Labs Programm 1 Programme 1

9. Mai 10:30 Uhr 9 May 10:30 am Sunset

Labs Programm 2 Programme 2

9. Mai 12:45 Uhr 9 May 12:45 pm Sunset

Miroir Séb Fragile !

Belgien Belgium 2017 16mm, 22', Farbe colour, Englisch English Regie Director Eitan Efrat, Sirah Foighel Brutmann Filmlabor Film lab Labo BXL Miroir Séb Fragile ! ist ein dem Kameramann Sébastien Koeppel gewidmeter Musikfilm. Das Werk ist eine Einladung, sich zu Filmprojektion und Musik zu versammeln. Der zwischen An- und Abwesenheit eingeblendete Text lässt das Licht direkt passieren. Miroir Séb Fragile ! is a music film made for cinematographer Sébastien Koeppel. The work is an invitation to gather around the event of film projection and music. In between absence and presence, text comes into view, creating a direct passage for the light.

Love Has Other Colours

Ägypten Egypt 2012 Super8, 3'15", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, stumm silent Regie Director Aida Elkashef, Laila Elbalouty Filmlabor Film lab Cimatheque Cairo Manchmal trifft man die Liebe zufällig, aber leider hat sie andere Farben. Sometimes you meet love accidentally, but unfortunately it has other colours.

Phytography

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020 16mm, 8', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Karel Doing, Musik Music Paul Morris Filmlabor Film lab Film in Process Phytography taucht ein in die reiche, vielfältige Welt der Pflanzenchemie. Der Film gibt Einblick in ein Reich der Gegenseitigkeit und Großzügigkeit, das trotz der Umweltzerstörung durch menschliche Gier und Überkonsum zugänglich bleibt. Phytography dives into the rich and varied world of plant chemistry. The work taps into a realm of mutualism and generosity, readily available despite the environmental havoc caused by human greed and overconsumption.

Scale Lente

Italien Italy 2019 16mm, 6'24", Schwarzweiß black-and-white, Italienisch Italien Regie Director Samira Guadagnuolo, Tiziano Doria Filmlabor Film lab Unza!Lab Der Film Scale Lente, der 2019 für das Projekt Walking Cinema Lab des Filmmaker Festival in Mailand produziert wurde, verbindet gefundenes Filmmaterial und Originaltexte zu einer neuen Geschichte – eine gängige Praxis von Warshadfilm. Made for the Walking Cinema Program at Filmmaker Festival 2019, Scale Lente is a film that combines found footage and original texts to rebuild a new story, a usual practice for Warshadfilm.

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Jatun LLaxta, Noh Kaah…

Kanada Canada 2020 16mm, 8', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Marcos Arriaga Filmlabor Film lab LIFT Dieser kurze Experimentalfilm erkundet antike Städte der amerikanischen Ureinwohner. Bilder von Machu Picchu, Sacsayhuamán, Uxmal, Chichén Itzá und Mesa Verde wurden von Super 8 auf 16 mm vergrößert, von Hand entwickelt und ihre Körnigkeit verstärkt, um einen nostalgischen Blick auf unsere Vergangenheit zu präsentieren. A short experimental film that explores ancient natives’ cities in America. Images of Machu Picchu, Sacsayhuamán, Uxmal, Chichen Itza and Mesa Verde were blown up from Super 8 to 16 mm, developed by hand and reticulated to create a nostalgic view of our past.

Rupture 1,2,3

Philippinen Philippines 2020 16mm, 10', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Group project Filmlabor Film lab Los Otros Im Januar 2020 veranstaltete Los Otros einen viertägigen Workshop mit lokalen Teilnehmern in Manila. Der Workshop war für die Öffentlichkeit zugänglich, doch die meisten Plätze wurden von den üblichen Verdächtigen aus der Filmwelt besetzt. Richard und Dianna von Nanolab in Australien waren in der Stadt, um bei dem Workshop auszuhelfen. Die Teilnehmer drehten mit unseren Bolex-Kameras und der Beaulieu R16 auf ORWO 54. Dann mischten sie die Entwicklerflüssigkeiten, entwickelten den Film, machten Arbeitskopien mit einem Projektor, entwickelten erneut, schnitten die Originalnegative und fertigten Endkopien an. Wir waren in drei Gruppen aufgeteilt – daher „1,2,3“. Der nahe gelegene Vulkan Taal brach erneut aus, um uns alle in Atem zu halten. Wir wählten diesen Ausbruch als Thema. In January 2020, Los Otros ran a four-day workshop with local participants in Manila. The workshop was open to the public, but most places were taken by our usual suspects of film folk. Richard and Dianna from nanolab in Australia were in town to help with the workshop. The participants got to shoot ORWO 54 in our Bolexes and Beaulieu R16 and then mix chemistry, develop, make work prints using a projector, process again, edit, then cut the original negatives and make final prints. We divided into three groups – hence 1, 2, 3. Nearby Mount Taal decided to erupt again to keep us all on edge. We took this eruption as our theme!

Bilderbuch

Deutschland Germany 2016-2017 16mm, 3', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Luisa Greenfield Filmlabor Film lab LaborBerlin Bilderbuch entstand im Rahmen eines Workshops zur manuellen Entwicklung von 16-mm-Farbnegativen, der von Gustavo Jahn und Melissa Dullius im Filmkollektiv LaborBerlin geleitet wurde. Basierend auf Walter Benjamins Kindheitserinnerungen wird der Film zum Zweck der kritischen Auseinandersetzung meist in Verbindung mit einer Live-Lesung über Schrott- und Abfallrecycling gezeigt. Bilderbuch originated from a 16 mm colour negative hand-processing workshop facilitated by Gustavo Jahn and Melissa Dullius at LaborBerlin film collective. Based on Walter Benjamin’s children‘s chronicle, the film is most often screened with a live reading about recycling scraps and waste for the purpose of critical engagement.

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Labs Programm 2 Programme 2

9. Mai 12:45 Uhr 9 May 12:45 pm Sunset

Labs Programm 3 Programme 3

9. Mai 15:00 Uhr 9 May 3:00 pm Sunset

We Are Going Home

USA, Kanada USA, Canada 1998 16mm, 10', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Jennifer Reeves Filmlabor Film lab Independent Image Collective (Film Farm) Das solarisierte, getönte, mit Split Toning bearbeitete und optisch kopierte Bild ist ein surreales Porträt über Sehnsucht, Geister und die Suche nach dem Sinnlichen. Rhythmische Farbverschiebungen in der Emulsion bringen Leben in die ländliche Landschaft, die das Terrain des Unterbewussten zu verkörpern scheint. Drei Frauen suchen das Vergnügen und das Jenseits in parallelen Universen, die sich nie ganz überschneiden. Wenn eine auf die andere stößt, ist diese entweder im Sand vergraben oder schläft unter einem Baum. Solarised, tinted, split-toned and optically-printed, this is a surreal portrait of desire, ghosts and pursuit of the sensual. Rhythmic colour shifts in the emulsion bring life to the rural landscape, which seems to embody the terrain of the subconscious. Three women seek pleasure and the beyond in parallel universes, which never quite intersect. When one finds another, she is either buried in the sand or asleep under a tree.

Minus

Kanada Canada 1999 16mm, 3', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Chris Chong Chan Fui Filmlabor Film lab Independent Image Collective (Film Farm) Minus ist ein von Hand entwickelter, solarisierter und ungeschnittener singulärer Bewegungsstrom. Fazit: entweder Reste von Licht oder Reste von Rhythmen übriglassen. Vollständig von Hand bearbeitet und unversehrt von den Klingen des Filmspalters. Dies ist Chongs erster 16-mm-Film. Inspiriert von den Konzeptalben von Ritchie Hawkin. Ton von Antonio Reyes. Minus is a hand-processed, solarised and uncut singular stream of movements. To take away: either to leave remnants of light or to leave remnants of rhythms. Entirely hand-processed and unscathed by the blades of the splicer. This was Chong’s first 16 mm film. Inspired by Ritchie Hawkin’s concept albums. Sound by Antonio Reyes.

Carte Blanche to Process Cinema: Film Farm in Oberhausen*

Deutschland Germany 2022 Workshop, Leitung Direction Philip Hoffman, Scott Miller Berry, Terra Jean Long, Rob Butterworth Eine Zusammenstellung von „Films in Process“, gefilmt und entwickelt vom 5. bis zum 8. Mai 2022 in Oberhausen in einem interaktiven Workshop von Film Farm für Filmschaffende, die mit 16-mm-Film arbeiten oder arbeiten wollen. Mit 16-mm-Film als Leitmedium und unter Verwendung eines Prozesses, der auf ökologischen Materialien wie Sonnenblumen und Meerwasser basiert, untersucht er die technischen und kreativen Prozesse der Arbeit in einem offenen Kontext – eine einzigartige Erfahrung in Zusammenarbeit mit einem der wichtigsten, heutigen Filmkollektive für Independent-Filme. A compilation of ‘Films in Process’ shot and developed between 5–8 May 2022 in Oberhausen in a hands-on workshop of Film Farm for filmmakers who work or want to work with 16mm. With 16mm film as guide medium and using a process built with ecological materials such as wildflowers and seawater, it explores the technical and creative processes of working in an open context – a unique experience in collaboration with one of the most important film collectives working in independent film today.

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Celluloid Expanded

Seit 2018 präsentiert die Sektion Labs in Oberhausen Filme aus Künstlerlaboren weltweit. In diesem Jahr erweitert Labs sein Angebot um eine weitere wichtige Plattform für Kunstschaffende: Live-Performances. Die beiden Performance-Programme von Celluloid Expanded zeigen Performances von sechs Künstler*innen aus Künstlerlaboren in ganz Kanada. Die in diesen Programmen vorgestellten Labore repräsentieren verschiedene Regionen Kanadas: die Westküste, die Prärieprovinzen, Zentralkanada und Quebec. Sie repräsentieren zwei Generationen kanadischer Künstlerkollektive: die Filmkooperativen der 70er und 80er, die mit Mitteln der Regierung gefördert wurden, und Filmemacher*innen des jungen Jahrtausends, die Ressourcen und Studios als Kollektiv teilen. Alle hier vorgestellten Performances beruhen auf der Art von medienspezifischer Auseinandersetzung, die nur dann möglich ist, wenn Künstler*innen den Gesamtprozess ihres Schaffens selbst kontrollieren: von der Produktion über die Arbeit im Labor und die Postproduktion bis hin zur Vorführung. Die Künstler*innen machen sich die Werkzeuge und Materialien des Kinos auf neuartige Weise zu eigen. Sie unterlaufen das fotorealistische Potenzial ihres Mediums auf der Suche nach einer persönlichen Ästhetik, die Zeit und Material verändert. Sie verwenden abgelaufene Filme oder lassen Laborfilme durch ihre Kameras laufen; sie crossen Filme, mischen eigene Chemikalien oder experimentieren mit Entwicklungszeiten und Temperaturen. Bilder werden über Generationen von optischen und Kontaktkopien, durch natürliche Zersetzung und Witterung oder die Zugabe von Chemie verändert. Auch bei der Vorführung selbst schöpfen die Künstler das Potenzial der zur Verfügung stehenden Mittel neu aus. Sie modifizieren Bildbetrachter und handbetriebene Projektoren. Mit der Verwendung mehrerer Projektoren kreieren sie einzigartige Loops und Schichten aus Bildern. Projektionen werden verzerrt durch Interferenzen. Ohne die Einschränkungen der Vermarktung eines Einkanalvideos (wo das kommerzielle Interesse eine Finalversion verlangt) bietet eine Performance Raum für offene, sich entwickelnde Formen und Projekte und modulare Konstruktionen. Dank des direkten und preiswerten Einstiegs in Produktion und Ausstellung ist es den Mitgliedern der Künstlerlabore möglich, sich immer wieder neu mit ihrem Medium auseinanderzusetzen, offene Strukturen zu wagen und sich auf die erweiterten und performativen Zugänge zum Film einzulassen, die in diesen Programmen vorgestellt werden.

Since 2018, Oberhausen’s Labs section has been presenting films created in artist-run film laboratories from around the world. This year, Labs presents another vital way that artists working in these contexts create and present work: through live performance. The two performance programs of Celluloid Expanded showcase performances by six artists from artist-run labs across Canada. The labs featured in these programs represent diverse regions of Canada: the West Coast, the Prairies, Central Canada, and Quebec. They also represent two generations of Canadian labs: the film cooperatives that emerged in the 1970s and 1980s with the aid of annual government arts funding, and the millennial emergence of filmmakers sharing studios and pooling resources as collectives. All of the performances in these programs rely on the kind of engaged processes and medium-specific explorations only possible when artists can control every stage of creation; from production through lab work, post-production, and presentation. These artists push the tools and materials of cinema beyond the ways they were designed to be used, often subverting the photo-realistic potential of their medium in search of a personal aesthetic that transforms time and material. They shoot on expired stocks or run laboratory films through their cameras; they cross-process film, mix custom darkroom chemistry, or experiment with development times and temperatures; and they alter images through generations of optical and contact printing, through the natural decay of time and weather, or by applying chemicals to the film surface. In presentation too, these artists re-imagine the possibilities of their tools. They modify film viewers and hand-cranked projectors, use multiple projectors to create unique configurations of looped and layered images, and distort projections through lens interference. In contrast with the constraints of creating and distributing a single-channel film – where the realities of distribution and commercial lab work demand a fixed final version – performance offers a space for open and evolving forms, ongoing projects, and modular constructions. By providing direct, inexpensive, and regular access to the tools of production and exhibition, artist-run film labs allow filmmakers such as these to continuously explore their medium, propose open structures, and engage in the expanded and performative approaches to film showcased in these programs.

In addition to the two performance programs, Celluloid Ergänzend zu den Programmen präsentiert Celluloid Expanded presents a moderated panel discussion with the Expanded eine moderierte Podiumsdiskussion mit allen artists on 8 May at 12:30 pm at the Festival Space. Künstler*innen am 8. Mai um 12:30 Uhr im Festival Space. Erin Weisgerber Erin Weisgerber

Erin Weisgerber ist eine Künstlerin aus Montreal, die mit fotochemischem Film Installationen, Performances und Kurzfilme produziert. Sie manipuliert die Eigenschaften des Films, um die Welt zu verändern, die sie mit ihrer Kamera einfängt. Das Ergebnis sind Bewegtbilder, die zwischen Figuration und Abstraktion existieren. Sie ist Mitglied des Double Negative Collective, einer Gruppe von Bewegtbildkünstlern, die sich der Schaffung und Ausstellung von Experimental- und Avantgardefilmen widmet und ein Filmlabor unterhält. Seit 2019 ist sie Mitglied von Jerusalem In My Heart, einem audiovisuellen Live-Performance-Projekt in Kooperation mit dem libanesischen Produzenten und Musiker Radwan Ghazi Moumneh.

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Erin Weisgerber is a Montreal-based artist working with photo-chemical film to produce installations, performances, and short films. She manipulates the properties of film to transform the world framed through her camera, rendering moving images that exist between figuration and abstraction. She is a member of the Double Negative Collective, a group of moving-image artists dedicated to the creation and exhibition of experimental and avant-garde cinema and who maintain a film lab. Since 2019 she has been a member of Jerusalem In My Heart, a live audio-visual performance project, with Lebanese producer and musician Radwan Ghazi Moumneh.

the hollow mountain

Kanada Canada 2022 35mm, 25' Von By Alex MacKenzie (Iris Film Collective) Topografie, Konturen, Natur als Abstraktum. Ein modifizierter, handbetriebener Projektor aus den 1920ern erzeugt pulsierende und dimensionale Bilder, verformt durch Linseninterferenz. Aufgenommen mit einer handgekurbelten 35-mm-Kamera und kameralosen Verfahren auf einer Insel vor der Westküste Kanadas. Von Hand entwickelt und kopiert. Topography, contours, nature in abstraction. A modified 1920s-era handcranked projector creates pulsing and dimensional imagery, further transformed through lens interference. Filmed with a 35 mm hand-cranked camera and camera-less techniques on an island off the west coast of Canada. All processing and printing done by hand.

Bleached Vistas / Double Wide

Kanada Canada 2022 35mm, digital, 25' Von By Heidi Phillips (Winnipeg Film Group), Ian Campbell (Saskatchewan Filmpool) Das Duo erschafft bruchstückhafte Erzählungen aus Resten von 35-mm-Film, die den Untergang der westlichen Kultur dokumentieren. Diese raunenden Bilder aus dem Mainstream und dem vergessenen Hollywood liegen seit Jahren im Freien und nehmen den Verfall in sich auf, der sie wie Objekte aus einer anderen Zeit belebt. The duo creates fractured narratives from scraps of cast-off 35 mm film prints documenting the decline of Western culture. These whispers of both mainstream and forgotten Hollywood fare have been sitting for years outdoors, absorbing the decay that energises them as objects from another time.

Worth More Standing

Kanada Canada 2022 16mm, 15'–22' Von By Lindsay McIntyre (Experimental Media Outsiders) Eine 16-mm-Loop-Performance, die das Verhältnis zwischen Bäumen und Menschen auf dem nie offiziell abgetretenen Gebiet der Pacheedaht am Fairy Creek erkundet. Ein Ort des zivilen Ungehorsams, der Anerkennung, der Leidenschaft und der Hingabe für die übermenschlichen Wesen, mit denen wir den Planeten teilen. Die kontrastreichen Bilder wurden von Hand bearbeitet, optisch kopiert, kontaktkopiert und verfremdet, um ein Porträt dieser Landschaft und ihrer Nutzung durch den Menschen zu erschaffen. A looping 16 mm performance exploring the framework of tree/human relationships on unceded Pacheedaht territory at Fairy Creek. A site of civil disobedience, it is also a place of recognition, passion and dedication for the more-than-human beings with whom we share the planet. High-contrast images are hand-processed, optically printed, contact printed and altered, creating a portrait of this landscape and its employ at the hands of humans.

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Celluloid Expanded Programm 1 Programme 1

6. Mai 22:00 Uhr 6 May 10:00 pm Kesselhaus

Celluloid Expanded Programm 2 Programme 2

8. Mai 22:00 Uhr 8 May 10:00 pm Kesselhaus

Silver Metal Memories

Kanada Canada 2022 16mm, 35mm, 60' Von By John Price (Liaison of Independent Filmmakers of Toronto) Aufwachsen und Altern … Augenblicke schichten sich in abgelaufene Emulsionen, 100 Fuß, Stück für Stück … eine alchemistische Anthropologie von 16-mm-Aufnahmen als sanftere Methode, sich des Schönen und des Hässlichen zu erinnern … eine Performance in drei Teilen. Growing up and growing older… moments layered into expired emulsions 100 feet at a time… an alchemical anthropology of 16 mm field recordings feels like a softer way to remember the beautiful and the ugly… a performance in three parts.

Yujiapu

Kanada Canada 2017-2022 16mm, 30' Von By Karl Lemieux (Double Negative Collective) mit with BJ Nilsen Diese Performance besteht aus Bildern und Klängen, die in der berüchtigten Geisterstadt Yujiapu aufgenommen wurden, einem milliardenschweren Immobilienprojekt nahe Tianjin, das fast zehn Jahre lang unbewohnt blieb. In dem Stück werden die Umrisse der Gebäudehüllen zu abstrakten Elementen, die nach und nach eine urbane Einöde offenlegen. This performance piece is made with images and sounds captured in the infamous ghost cities of Yujiapu, a multibillion-dollar real estate project near the city of Tianjin that was left uninhabited for nearly a decade. The piece uses the lines and frames of the buildings to create abstract elements that slowly reveal an incredible, desolate urban landscape.

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Conditional Cinema

Dritter Jahresbericht Third annual report

„Eigentlich sollte nichts gezeigt werden, aber ‘Ideally, nothing should be shown, but that’s impossible.’ — Robert Bresson das ist unmöglich.“ — Robert Bresson Es war ein schönes Rätsel, darüber nachzudenken, was in aller The task of pondering what on earth the notion of CondiWelt sich hinter dem Begriff des Conditional Cinema verber- tional Cinema could be has been a pleasant riddle. For three gen könnte. Nun habe ich mir drei Jahre lang den Kopf zer- years, the challenge described by festival director Lars Henbrochen über die Aufgabe, die mir von Festivalleiter Lars Hen- rik Gass has been puzzling me. I remember Lars outlining rik Gass gestellt wurde. Ich erinere mich genau, wie Lars das the yet-unnamed project as ‘a kind of loose follow-up for damals noch namenlose Projekt beschrieb als „eine Art lose the theme of Kurzfilmtage 2014, Memories Can’t Wait – Film Fortsetzung des Themas Memories Can’t Wait – Film without without Film, but this time preferably including also your own Film der Kurzfilmtage 2014, aber diesmal möglichst mit dei- pieces’. Hmmm? If Memories Can’t Wait was literally taking away the movnen eigenen Arbeiten“. Hmmm? Ging es bei Memories Can’t Wait noch buchstäblich darum, ing image within the restriction the cinema space, for Condas Bewegtbild innerhalb der Beschränkungen des Kinosaals ditional Cinema we shall approach the impossible from yet zu erweitern, nähern wir uns bei Conditional Cinema dem another angle. How about presenting an array of real f i l m s Unmöglichen nunmehr aus einer ganz anderen Perspektive. – both in digital and analogue formats – but only those that Warum präsentieren wir nicht eine Reihe echter F i l m e – painstakingly try to reduce their expression to the bare minisowohl in digitalen als auch in analogen Formaten –, von mum? It often said that art lies in suggestion and abstraction. In denen wir allerdings nur diejenigen auswählen, die ganz penibel versuchen, ihren Ausdruck auf das absolute Minimum zu cinema history, this has been tricky. Filmmaking is at its best beschränken? when it’s showing something concrete happening, not telling. Es wird oft gesagt, dass die Kunst aus Suggestion und The experiment with Conditional Cinema is whether it can Abstraktion besteht. Das war in der Geschichte des Kinos paradoxically become even more when it is hiding, not even ein schwieriges Unterfangen. Das Filmemachen funktioniert showing… rather suggesting and hinting. For this third and final annual report we shall embrace cinimmer dann am besten, wenn es etwas Konkretes zeigt und nicht erzählt. Das Experimentelle beim Conditional Cinema ist ematic works that create a void around them – only for the ja, dass es paradoxerweise zu mehr wird, indem es sich ver- viewer to step in and take it from there. In most cases the steckt und gar nicht zeigt … vielmehr suggeriert und andeutet. human is absent or at least off-screen. I will also prepare a In diesem dritten und letzten Jahresbericht befassen wir new cinematic work myself, in the most conditional way that uns nun mit filmischen Arbeiten, die eine Leere erschaffen, in I can think of. For this last edition of the cycle, I expanded this die der Betrachter nur beobachtend eintreten kann. Bei den notion a little and invited few fellow filmmaker friends to join meisten Filmen ist der Mensch abwesend oder zumindest nur in with their fantastic works in conditional mode. aus dem Off beteiligt. Ich bereite selbst auch einen neuen Conditional, like in grammar terms: what if…? Conditional, Film vor, der dieses „Conditional“ für mich auf die größtmög- like something that is dependent on the present cinematic liche Weise repräsentiert. Für die letzte Ausgabe des Zyklus conditions. habe ich den Begriff ein wenig erweitert und einige befreundete Filmemacherinnen und Filmemacher dazu eingeladen, For 2022, I came up with three different conditions. sich mit ihren fantastischen Arbeiten im Conditional-Modus einzubringen. Conditional, wie bei der Grammatik: Was wäre, wenn … Conditional, wie etwas, das von den für das Kino vorherrschenden Bedingungen bestimmt wird. Für 2022 habe ich drei verschiedene Conditions zusammengestellt.

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Condition of the Screen

Condition of the Screen ist ein vielschichtiges Aufeinanderprallen von Filmen, bei denen die Künstlerinnen und Künstler den unmöglichen Traum aller Künste verfolgen: sich mit nichts zu befassen, sich mit der reinen Leere auseinanderzusetzen. Meiner Meinung nach gelingt dies buchstäblich nur Ernst Schmidt jr. mit seiner Originalversion von Nothing (1968). Alle anderen Filme verfehlen das Konzept ein wenig, allerdings auf unterschiedlich mutige und sehr großartige Weise. Black (2015) von Anouk de Clercq ist ein eleganter Einstieg in das Thema mit seinen Inserts, die das glückselige Erleben einer abgedunkelten Stummfilmvorführung beschreiben. Peter Millers Picture a Screen (2022) ist der Versuch, die Leinwand zurückzuerobern/einzunehmen – eine Hommage an die Kinoleinwand mit ihren winzigen Löchern. Für unsere Träume ist sie Spiegel, Prisma, Fenster und Vorhang zugleich. Die beiden Filme von Viktoria Schmid laden uns sanft dazu ein, uns einen Film in einer Landschaft vorzustellen – während wir die Landschaft selbst betrachten. Sami van Ingens materialistische Filmperformance macht sich die Räume zwischen den Bildern zu eigen, also die Dinge, die wir normalerweise beim Betrachten eines Films nicht zu sehen bekommen. Malena Szlam suggeriert in Lunar Almanac (2013) die Vorstellung vom Mond als einem himmlischen Projektor, der das Licht abstrahlt. Das ist so schmerzhaft schön, dass man kaum hinsehen kann, aber sehr einfach nachzuvollziehen aufgrund der Momente des Unglücks und der Brüche, die dadurch aufgeworfen werden. Immer dann, wenn der menschliche Geist noch spürbar ist, lassen sich religiöse und biblische Inhalte nicht vermeiden. Gott hat den Menschen erschaffen und jetzt, wo dank der Technik beinahe alles vollbracht ist, löscht er den Menschen aus. Mark Wallingers The End (2006) ist der Schauspielfilm, der das Ende der Schauspielfilme einläutet.

Condition of the Screen is an eclectic collision of films where the artists are aiming towards the impossible dream of all arts: to deal with nothing, to tackle pure emptiness. In my opinion, only Ernst Schmidt, Jr. succeeds in this literally with his original version of Nothing (1968). All the others are leaking within the concept, but in various brave and most glorious ways. Black (2015) by Anouk de Clercq is an elegant gateway into the theme, with its on-screen text describing the blissful sensation of a darkened silent cinema projection. Peter Miller’s Picture a Screen (2022) is an attempt to reclaim/declaim the screen – a tribute to the silver screen, with those tiny holes in it. For our dreams it’s a mirror, prism, window and curtain all at the same time. Viktoria Schmid’s two films are discreet suggestions for us to imagine a movie in a landscape – while watching the landscape itself. Sami van Ingen’s materialist film performance embraces the spaces between frames, the things we are not usually meant to see while watching a movie. Malena Szlam’s approach in Lunar Almanac (2013) suggests a notion of the moon as a celestial projector beaming light. It’s painfully beautiful, almost impossible to watch, but very easy to comprehend, if only for its misfortunes and breakages. And always when the human spirit still remains, religious content and Biblical content cannot be avoided. God created man, and now when almost all is fulfilled thanks to technology, he deletes man. Mark Wallinger’s The End (2006) is the spectacle film to end all spectacle films. Weather Conditions

Let’s talk about the weather instead. The second programme, entitled simply Weather Conditions, celebrate works that show us what we all know from real life: that observing changes in weather conditions can often be more enchantWeather Conditions ing than the man-made dramas and worries of our everyday Lassen Sie uns nun lieber über das Wetter sprechen. Das struggling. Peter Gidal’s Clouds (1969) is exactly what its title promises zweite Programm, das ganz einfach Weather Conditions heißt, feiert diejenigen Arbeiten, die uns das zeigen, was uns allen – a meteorologically accurate ‘prequel’ for the events seen in aus dem wahren Leben wohlbekannt ist: dass das Beobachten the 1929 classic Dutch short film Regen, if you like. The short der sich verändernden Wetterverhältnisse oft faszinierender city symphony by Joris Ivens and Mannus Franken was one of sein kann als die menschengemachten Dramen und Sorgen the early attempts to make a film with weather, and nothing but the weather. But whereas Regen, after all, shows people unseres alltäglichen Kampfes. Peter Gidals Clouds (1969) hält, was der Titel verspricht: ‘in’ the weather, Clouds makes us look ‘at’ the weather. In the other short films of this programme, the sense of ein meteorologisch akkurates „Prequel“ zu den im klassischen niederländischen Kurzfilm Regen (1929) dargestell- missing is strongly present. For Jussi Eerola’s haunting landten Ereignissen. Die Großstadtsinfonie von Joris Ivens und scape film Blue Honda Civic (2020) it’s the protagonist that Mannus Franken war einer der ersten Versuche, einen Film we never see, for Inger Lise Hansen’s enigmatic Fog (2018) it’s mit dem Wetter – und zwar ausschließlich mit dem Wetter – the landscape that we never really see behind the fog. Peter Miller’s Set (2016) is a companion piece to his work zu machen. Während Regen letztlich Menschen „im“ Wetter zeigt, zwingt Clouds uns, das Wetter „von außen“ zu betrach- in programme #1, by opening up the cinema space into wonten. ders of the real world. Martin Putz’s essay film Wind (2021) is Die anderen Kurzfilme dieses Programms sind von dem a contemporary take on discussing the invisible by cleverly Gefühl geprägt, dass etwas fehlt. Bei Jussi Eerolas eindringli- juxtaposing high-tech science’s clinical efforts with the sheer chem Landschaftsfilm Blue Honda Civic (2020) ist es der Pro- elemental force of nature. tagonist, den wir nie zu sehen bekommen, bei Inger Lise Hansens enigmatischem Tåke (2018) ist es die Landschaft, die wir Human Condition nie wirklich hinter dem Nebel erkennen können. Peter Millers Set (2016) ist das Gegenstück zu seiner Arbeit The final programme, entitled Human Conditions, features in Programm Nr. 1, da er hier den Kinosaal auf die Wunder der works where the human being is becoming obsolete. Man has realen Welt ausweitet. Der Essayfilm Wind (2021) von Martin been replaced by machines, robots and other living creatures. Putz ist eine zeitgenössische Auseinandersetzung mit dem In her expanded cinema work, Piibe Kolka uses a PixelUnsichtbaren, in der geschickt den sachlichen Bemühungen Vision toy camera to record messages on cassettes in an

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Conditional Cinema

Condition of the Screen

Conditional Cinema

der Hightechwissenschaft die unmittelbare Urgewalt der attempt to establish a time-travelling communication over Natur gegenübergestellt wird. generations. Bambi (2022) by Milja Viita is another brand new work focusing on the analogue film substance. It’s a complex and Human Conditions mind-boggling piece built on the mythology of the innocent, Das letzte Programm mit dem Titel Human Conditions zeigt sweet, world-famous creature – existing initially not in wilArbeiten, bei denen der Mensch überflüssig geworden ist. Er derness or zoos – but only on and IN the celluloid strip. ist durch Maschinen, Roboter und andere Lebewesen ersetzt Manuela de Laborde’s Fictions (2021) has been the core worden. and constant evolving process of Conditional Cinema’s cycle Bei ihrem Expanded-Cinema-Werk verwendet Piibe Kolka from the beginning. Over three years, it follows the organic eine Pixelvision-Spielzeugkamera, um Botschaften auf Kas- growing of the actors, the small clay sculptures created by setten aufzuzeichnen und so über Generationen hinweg eine the artist, which first had a casting session – literally – foldurch die Zeit reisende Kommunikation zu eröffnen. lowed by growing moss, a shooting period and ageing while Von Milja Viita stammt eine weitere ganz neue Arbeit, the movie was being edited and taking shape. The slow and Bambi (2022), die sich mit analogem Filmmaterial beschäftigt. graceful project is completed now with the premiere of the Dabei handelt es sich um ein komplexes und überraschendes 16 mm film print. Additionally, we are happy to present the world premiere Werk, das auf der Sage vom unschuldigen, weltberühmten, süßen Wesen basiert, das zunächst nicht in der Wildnis oder of a delicate video monitor installation by Stanley Schtinter. in Zoos, sondern nur auf und IM Zelluloidstreifen existiert. The Lock-In (2022) is a claustrophobic and timely reaction Ficciones (2021) von Manuela de Laborde war von Anfang to the mental stress created by our pandemic era. The artan der zentrale und sich konstant weiterentwickelnde Prozess ist describes time as ‘the oldest ideological construct’. In this des Conditional-Cinema-Zyklus. Der Film begleitet drei Jahre sense, the endless The Lock-In is a direct challenge to Chrislang das organische Wachstum der Darsteller: kleiner, von der tian Marclay’s The Clock (2010): ‘To hell with time.’ Künstlerin geschaffener Lehmskulpturen, die zunächst – im buchstäblichen Sinne des englischen Ausdrucks „to cast“ – Mika Taanila gecastet wurden, dann Moos ansetzten, Triebe bekamen und verwelkten, während der Film geschnitten wurde und Form annahm. Dieses langsame und anmutige Projekt findet nun Filmmaker and visual artist based in Helsinki. His works have mit der Premiere des fertigen 16-mm-Films seinen Abschluss. been shown, among others, at the Venice Biennale (2017), Darüber hinaus freuen wir uns, die Weltpremiere einer fili- Aichi Triennale (2013) and Documenta (2012). Solo shows granen Videoinstallation von Stanley Schtinter zu präsentie- include Padiglione de l’Esprit Nouveau Bologna (2020), STUK ren. The Lock-In (2022) ist eine klaustrophobische und zeitge- Leuven (2018), Kiasma Helsinki (2013/14), CAM St. Louis mäße Reaktion auf den psychischen Stress, der durch unsere (2013) and TENT Rotterdam (2013). In 2014, he curated the pandemische Epoche ausgelöst wird. Der Künstler beschreibt Memories Can’t Wait – Film without Film programme in Oberdie Zeit als „das älteste ideologische Konstrukt“. In diesem hausen. Sinne ist der endlose The Lock-In eine direkte Kampfansage an Christian Marclays The Clock (2010): „Zur Hölle mit der Zeit.“ Mika Taanila Lebt und arbeitet als Filmemacher in Helsinki. Seine Arbeiten wurden unter anderem auf der Biennale Venedig (2017), der Aichi Triennale (2013) und der Documenta (2012) gezeigt. Einzelausstellungen unter anderem: Padiglione de l’Esprit Nouveau Bologna (2020), STUK Leuven (2018), Kiasma Helsinki (2013/14), CAM St. Louis (2013) und TENT Rotterdam (2013). 2014 kuratierte er das Themenprogramm Memories Can’t Wait – Film without Film in Oberhausen.

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Wir möchten uns ganz herzlich bei allen Beteiligten für ihr Engagement und ihre Hilfe bedanken. Ohne ihre Unterstützung hätte dieses Programm nicht realisiert werden können. We would like to thank everyone involved for their commitment and help. This programme could not have been realised without it. Vorführkopien mit freundlicher Genehmigung von Screening copies courtesy of the Auguste Orts Canadian Filmmakers Distribution Centre carlier | gebauer Chronolens Light Cone LUX sixpackfilm Testifilmi und den Filmemachern und Künstlern and the filmmakers and artists Mit Unterstützung von Supported by

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Conditional Cinema

Dank Acknowledgements

Conditional Cinema Programm 1 Programme 1

Condition of the Screen

5. Mai 21:45 Uhr 5 May 9:45 pm Gloria

Black

Belgien Belgium 2015 35 mm, 5', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Anouk De Clercq, Grafik Graphics Michaël Bussaer, Produktion Production Auguste Orts, Verleih Distribution Auguste Orts Zugleich grenzenlos und intim, kollektiv und persönlich, eine Ode an und ein Beispiel für eine immer seltener werdende Kinoerfahrung: die Dunkelheit eines Kinos während der Projektion einer 35-mm-Filmkopie. Simultaneously boundless and intimate, collective and personal, an ode to and an example of a cinematic experience that is becoming increasingly rare, the darkness of a movie theatre in the course of the projection of a 35 mm film print.

Picture a Screen

Deutschland, USA Germany, USA 2022 35 mm/Performance, 13', Farbe colour, Englisch English Regie Director Peter Miller „Stell dir vor, du sitzt in einem leeren Kino … vor einer weißen Leinwand. Und lass diese Leinwand deine Gedanken filmen …“ — Teufelskreis Alpha (Brian de Palma, 1978) ‘Visualise sitting in an empty theater… in front of a blank screen, and let that screen film your mind…’ — The Fury (Brian de Palma, 1978)

A Proposal to Project in 4:3

Österreich Austria 2016 16 mm, 2', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Viktoria Schmid Schmid konstruiert ihre eigenen Projektionsleinwände mit Seitenverhältnissen in gängigen oder auch völlig fiktiven Formaten, um sie dann in genau diesem Seitenverhältnis zu filmen. Im Rahmen der Djerassi-Künstlerresidenz in Kalifornien installierte sie eine Leinwand aus Holz und Leinen im Skulpturenpark des Programms. Schmid builds her own projection screens ranging from aspect ratios currently in use to entirely fictitious ones and then films them in the exact same aspect ratio. While at the Djerassi Artist in Residency Program in California, she constructed a screen with wood and canvas and installed it in the programme’s sculpture park.

Lunar Almanac

Chile, Kanada Chile, Canada 2013 16 mm, 4', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Malena Szlam Unter Verwendung von Einzelbildern und Langzeitbelichtungen werden mittels unbearbeiteten Kameraschnitt mehr als 4.000 einander überlagernde Außenaufnahmen von Halbmonden, Neumonden und Vollmonden gesammelt. Using single-frame and long-exposure photography, the unaltered, in-camera editing accumulates over 4,000 layered field views of half-moons, new moons and full moons.

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A Proposal to Project in Scope

Litauen, Österreich Lithuania, Austria 2020 8', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Viktoria Schmid, Kamera Camera Vilius Mačiulskis, Schnitt Editor Viktoria Schmid, Tongestaltung Sound design Johannes Schmelzer-Ziringer In diesem 35-mm-Film, den Schmid über den Zeitraum eines Tages aufgenommen hat, wird die von Dünen, Meer und Wäldern an der litauischen Küste umgebene Leinwand zu einer leeren Fläche, auf der Sonnenlicht, Wind und Schatten eine faszinierende neue Form der Filmkunst schaffen. Filmed on 35 mm over the course of one day, surrounded by dunes, sea and forests on the Lithuanian coast, Schmid reconfigures the screen as a blank canvas upon which sunlight, wind and shadow create an alluring new form of cinematic art.

Dark Then Clear

Finnland Finland 2022 35 mm/Performance, 15', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Sami van Ingen Die unsichtbaren Artefakte des Kinos treten einen Moment lang ins Rampenlicht. The unseen artifacts of cinema get the stage for a moment.

Nothing

Österreich Austria 1968 ohne Text without text Regie Director Ernst Schmidt jr. „Die besonders grobe Verfilmung“ (E. S.) Diese zweite Version des Films wurde vom Künstler selbst als „die harmlose Kinoversion“ beschrieben. Die Filmrolle wurde erst im März 2020 von dem Bruder des Künstlers, bei seinen Recherchen für die Sektion Conditional Cinema entdeckt. ‘The heavily coarsened film version’ (E.S.) This second version of the film was described by the artist himself as ‘the harmless cinema version’. The reel was discovered only now in March 2020 by the artist’s brother during the research for Conditional Cinema.

The End

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2006 35 mm, 12', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Mark Wallinger, Musik Music Johann Strauss II Ein Filmabspann in klassischer Manier, bestehend aus den Namen aller Personen aus dem Alten Testament und vom Anfang des Neuen Testaments bis zur Geburt Jesu – in der Reihenfolge ihres Auftretens. Film end credits scroll in classic manner, consisting of the names of everyone in the Old Testament in order of appearance.

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Conditional Cinema Programm 1 Programme 1

5. Mai 21:45 Uhr 5 May 9:45 pm Gloria

Conditional Cinema Programm 2 Programme 2

Weather Conditions

6. Mai 17:00 Uhr 6 May 5:00 pm Gloria

Clouds

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1969 16 mm, 10', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Peter Gidal Ein Film über das Wetter an einem Tag in London, Filmkorn, Licht und Schatten. Gefilmt mit einer Handkamera ziehen abstrakte Wolkenformen, ein Flugzeug und ein Teil eines Gebäudes schnell vorbei. All das wird von einem schwankenden, sinusförmigen Soundtrack getragen. A film about the weather on a day in London, the film grain, light and shadow. Shot with a handheld camera, abstract shapes of the clouds, an aeroplane and a part of a building flash quickly by. All this with a sustained oscillating sine wave soundtrack.

Tåke Fog

Norwegen Norway 2018 15', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Inger Lise Hansen, Schnitt Editor Inger Lise Hansen, Tongestaltung Sound design Farhad Kalantary, Produktion Production Studio Fjordholm AS, Inger Lise Hansen Ein Film, der zeigt, wie unterschiedlich Nebel in den Formaten Super 8, 16-mm-Film und Digitalvideo aussieht. Gedreht vor Ort in Oslo, auf den Azoren, in Peking und Neufundland. Der wunderbar vielschichtige Soundtrack aus Sirenen, Signalen und Hörtestproben erzeugt äquivalent dazu einen klanglichen Nebel. A film showing what fog looks like as seen through Super 8, 16 mm film and digital video. Shot on location in Oslo, the Azores, Beijing and Newfoundland. The beautifully layered soundtrack is the sonic equivalent of mist, composed of sirens, signals and hearing tests samples.

Blue Honda Civic

Finnland Finland 2020 11', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jussi Eerola, Idee Idea Jussi Eerola, Martti Jämsä, Kamera Camera Jussi Eerola, Schnitt Editor Jussi Eerola, Tongestaltung Sound editor Olli Huhtanen, Mit With Kirsi Andersson, Magnus Broman Produktion Production Testifilmi, Jussi Eerola In den romantischen Landschaftsgemälde wurden meist die Wetterverhältnisse, die Topografie der nationalen Landschaften, religiöse Themen, die Spiritualität der Natur und Jagdszenen dargestellt. Blue Honda Civic ist ein minimalistisches Roadmovie, das die Emotionen der Person am Steuer mittels der Landschaften widerspiegelt, die diese beim Durchfahren betrachtet. The romantic landscape paintings often portrayed weather condition, topo graphy of national landscape, religious themes, spirituality of nature and hunting scenes. Blue Honda Civic is a minimalistic road movie mirroring the emotions of the driver through the landscapes (s)he has chosen to look at.

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Set

Deutschland Germany 2016 16 mm/Performance, 10', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Peter Miller Für diesen Found-Footage-Animationsfilm habe ich Fotos von Sonnenuntergängen heruntergeladen und einzeln in die richtige Reihenfolge gebracht, um daraus einen einzigen kolossalen, kollektiven Sonnenuntergang zu machen. (P.M.) For this found footage animated film I downloaded photographs of the sunset, adjusted each one and arranged them in order, setting into motion a singular, colossal, collective sunset. (P.M.)

Wind

Österreich Austria 2021 30', Farbe colour, Englisch, Deutsch, Spanisch mit deutschen, englischen Untertiteln English, German, Spanish with German, English subtitles Regie Director Martin Putz, Kamera Camera Martin Putz, Ton Sound Nora Czamler, Peter Kutin, Axel Traun, Schnitt Editor Petra Zöpnek, Tongestaltung Sound design Sophie Wasserburg, Lara Zill, Joseph Nikolussi, Alexander Siegl, Tonmischung Sound mixing Alexander Koller, Peter Kutin, Produktion Production Martin Putz, Manager Hanne Lassl Ein filmischer Streifzug durch die Unmöglichkeit, den Wind zu filmen. Nur Dinge, die sich dem Wind in den Weg stellen, können eine Ahnung davon vermitteln, wie er wirkt. Ohne die Reibung und Bewegung, die er verursacht, bleibt er unsichtbar. Cinematic survey towards the impossible, filming the wind. Only things standing in the way of the wind can provide an inkling of its workings. Without the friction and the motion, it remains invisible.

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Conditional Cinema Programm 2 Programme 2

6. Mai 17:00 Uhr 6 May 5:00 pm Gloria

Conditional Cinema Programm 3 Programme 3

Human Conditions

7. Mai 21:45 Uhr 7 May 9:45 pm Gloria

I Might Be Stuck

Finnland Finland 2020 Performance, 30', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Mika Taanila, Buch Script Harry Salmenniemi, Kamera Camera Jussi Eerola, Musik Music Jussi Lehtisalo, Technik Technics Jari Lehtinen, Produktion Production Testifilmi Zu viele Nachrichten erhalten. Wo es kein Problem gibt, da gibt es auch keine Lösung. Too many messages received. Where there is no problem, there is no solution.

Ficciones Fictions

Deutschland, Mexiko, Kanada Germany, Mexico, Canada 2021 16 mm, 22', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Manuela de Laborde, Ton Sound Camila de Laborde, Daniel Hermann Collini, Animation MaliArts, Operator Christina C. Nguyen, Konstruktion Construction Azael Monroy, Labor Labs Andec, Niagara custom lab, Fotokem, Negativschnitt Negative editor Chris Weber, Optical track Simon Daniel, Mitarbeit Collaboration Beate Jahn & Manfrend Vorholt, Torsten Jankowsky, Dōrthe & Joachim Kornfeld Ficciones ist ein Zauberspruch, der Darstellungen heraufbeschwört, die scheinbar aus der Perspektive der Pflanzenwelt erdacht wurden, die schon vor dem Bewusstsein erfinderisch tätig wird, als Denken vor dem Denken (M. Marder). Keramikskulpturen wurden für ein Jahr bepflanzt; so ließ man auf ihnen eine Haut aus Pflanzen entstehen. Aus vier Super-8-Kameras wurde eine Art Mobile erstellt, mit dem auch der Prozess ihrer gemeinsamen Bewegung gefilmt wurde. Um das Filmmaterial als fiktionales Konstrukt anzunehmen, wurde es mit einem Optischen Printer bearbeitet und verändert. Zur Ergänzung der Vorstellung der Skulpturen als mögliche Brust mit Herz wurde Gesang von Camila de Laborde aufgenommen und in den Film eingearbeitet. Fictions is a spell that conjures representations as if imagined from the perspective of the plant world, that which invents prior to consciousness, as a thinking before thinking (M. Marder). Ceramic sculptures were gardened for a year letting plant life grow on them as their skin. Four Super-8 cameras were made into a mobile, thereby also filming the process of their shared motion. To embrace the filmed material as a fictional construction, it was optically printed and altered; to accompany the notion of the sculptures as possible chests, containers of heart, vocal sounds were recorded with Camila de Laborde and weaved into the film.

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Bambi

Finnland, Kanada Finland, Canada 2022 35 mm, 10', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Milja Viita, Tonmischung Sound mixing Veli Granö Eine eingehende Untersuchung der Materialität und ein filmisches Eindringen in den Körper eines klassischen Animationsfilms. Der Film wurde mit Unterstützung der Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (LIFT) produziert und von der Kone Foundation finanziert. An in-depth study of materiality and a cinematic intrusion into the body of a classic animation. The film was produced with the assistance of the Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (LIFT) and funded by Kone Foundation.

Tütarrakk Cellula Filia

Estland Estonia 2022 Performance, 20', Schwarzweiß black-and-white, Estnisch, Englisch, Russisch mit englischen Untertiteln Estonian, English, Russian with English subtitles Regie Director Piibe Kolka, Kamera Camera Alis Mäesalu, Schnitt Editor Hõbe Ilus, Piibe Kolka, Tongestaltung Sound design Dmitry Natalevitch, Hõbe Ilus, Piibe Kolka, Mit With Piibe Kolka, Paprika, Stimmen Voices Sofia Amalia Saari, Mari Saari, Produktion Production Len Murusalu, Tauno Novek, Piibe Kolka Ein Gespräch durch die Zeit zwischen einer Frau und ihrer Urgroßmutter. Der Film geht der epigenetischen Hypothese nach, der zufolge individuelle Lebenserfahrungen die biologische Vererbung und die Genexpression beeinflussen könnten. A conversation through time between a woman and her great-grandmother. The film probes an epigenetic hypothesis that individual life experiences could influence biological inheritance and gene expressions.

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Conditional Cinema Programm 3 Programme 3

7. Mai 21:45 Uhr 7 May 9:45 pm Gloria

Conditional Cinema Installation

Installation

5.–8. Mai 5–8 May Festival Café

The Lock-In

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022 Einzelkanal-Video-Installation Single-channel video installation, flfd. ongn. [96h] Von By Stanley Schtinter The Lock-In basiert auf Großbritanniens beliebtester Seifenoper EastEnders, zeigt aber nur die Szenen, die sich im Queen Vic Pub abspielen. The Lock-In uses as its source Britain’s best loved soapopera, EastEnders, removing every scene that happens outside the Queen Vic pub.

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Lectures

Lectures 1

Was, wenn ich „Prayog“ sage statt experimentell? What if I say ‘Prayog’ instead of Experimental? Lexika sind nicht auf Wörter beschränkt, sie können aus Farben, Ausdrücken oder Klängen bestehen. Das Vokabular an sich hat sich im Laufe der Generationen verändert, was wiederum unser heutiges Verständnis beeinflusst. Dies ist eine Lecture/Performance darüber, wie kulturelle Lexika, die im Entstehungsprozess verwendet werden, das daraus resultierende Bewegtbild verändern. Eine Meditation darüber, dass die eigene Arbeit eine tiefer liegende Grundlage haben kann. Mittels einer Live-Projektions-Performance und einem gemeinsamen Filmexperiment, bei dem das Publikum als Moderator und Betrachter eingebunden wird, werden in diesem Vortrag die Grenzen zwischen Kunst, Künstler und Teilnehmer verwischt und Elemente des klassischen indischen „mela“ [Karneval] aufgegriffen. Das Wort „Theater“ kann sowohl ein Kino bzw. Filmtheater als auch ein Theater für physische Aufführungen bezeichnen. Könnten diese Parallelen zusammenfließen und eine hybride Form annehmen? Muss ein Film als Film gesehen werden?

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Der Einfluss kultureller Lexika auf das Bewegtbild Cultural lexicons shaping moving images

Lexicons aren’t restricted to words: they can be of colour, expression, sound. Vocabulary itself has shapeshifted over generations, which in turn influences present-day understandings. This is a lecture/performance on how cultural lexicons used in the making process transform the moving image being created. A meditation on how one’s work can possibly have a more deep-rooted footing. Through a live projection performance and communal filming experiment, incorporating the audience as a facilitator and viewer, the lecture will blur the lines between art, the artist and the participant, deriving elements from the classic Indian mela (carnival). The word ‘theatre’ is something we use to describe both a movie theatre and physical performance theatre. Could those parallels converge and take a hybrid form? Does a film need to be seen as a film?

Karan Suri Talwar ist Filmemacher und Gründer von Harkat, einem analogen Filmlabor und alternativen Raum für Kunst und Performance in Mumbai. Dem Harkat-Kollektiv, zu dem auch Sheba Alexander, Simran Ankolkar und Namrata Sanghani gehören, geht es um das Machen mit den eigenen Händen, das Dekonstruieren und Wiederherstellen als Gestaltungsmethode und verschiedene Vorstellungen von Zuschauerschaft. Karan Suri Talwar is a filmmaker and founder of Harkat, an analogue film lab and an alternative arts and performance space based in Mumbai. Along with fellow performing members Sheba Alexander, Simran Ankolkar and Namrata Sanghani, the Harkat collective considers their practice to revolve around making with one’s hands, deconstructing and rebuilding as a method of devising and diverse imaginations of viewership.

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Lectures 1

6. Mai 16:30 Uhr 6 May 4:30 pm Festival Space

Lectures 2

TWO TIMES IN ONE SPACE

Wir laden Sie herzlich zu einer Lesung von Maximilian Le Cains neuestem Festivalbericht ein. Im Rahmen der 68. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen wird Le Cain am letzten Tag in dieser Lesung einen Rückblick auf ein Festival geben, das vielleicht einmal stattgefunden hat oder nie stattgefunden hat, oder auch ein Festival, das vielleicht nie stattfinden wird. Er wird einen Text lesen, der nie veröffentlicht und vielleicht nicht einmal geschrieben wird. Er wird sich mit den Abläufen und den grundlegenden Zielen eines Festivals, eines beliebigen Festivals, auseinandersetzen. Und er wird zu einer Leinwand mit einem Mund. Léa Lanoë macht Porträts. Trotz ihrer sehr unterschiedlichen Motive – ein berühmter Jazzmusiker, ein anarchischer Richter oder eine lästige Taube – besitzen die Texturen, ihr Humor und ihr Tempo eine ganz eigene Handschrift. Vor ein paar Jahrhunderten wäre sie eine Porträtmalerin gewesen. Heute arbeitet sie auf Zelluloid, sie mischt Chemikalien und entwickelt ihre eigenen handgemachten Filme. Es handelt sich um eine Auftragsarbeit für unsere Sektion Lectures, die ganz auf ihr Können zugeschnitten ist. Léa Lanoë wird während des Festivals in Oberhausen tagsüber filmen und die Filme nachts entwickeln. Am letzten Tag unseres Festivals wird sie dann mit einer anderen Performance – der von Maximilian Le Cain – am gleichen Ort und zur gleichen Zeit interagieren. Le Cain und Lanoë arbeiten unabhängig voneinander, werden sich jedoch am Ende zu einer Jamsession und einer sich überlappenden und ineinander verschränkten Lecture-Performance-Doppelvorstellung treffen, von denen die eine visuell, aber stumm, die andere textbasiert, aber ohne Bilder sein wird. Bei einer Live-Film-Installation wird Zelluloid in der Luft fließen, in und aus Projektoren, vor und hinter Körpern, und der Rhythmus des Festivallebens auf eine Stimme projiziert, die über dessen Sinn und Zweck diskutiert. Eine Lecture/Performance von Maximilian Le Cain in Zusammenarbeit mit Léa Lanoë, in Auftrag gegeben von den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen und kuratiert von Vassily Bourikas.

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We cordially invite you to a reading of Maximilian Le Cain’s latest festival review. Le Cain will attend the 68th Oberhausen International Short Film Festival and on the last day, he will perform this reading of a review of a festival that perhaps once happened or has never happened, or even a festival that might never happen. He will read a text that will never be published and might not even be written. He will grapple with the living rhythms and the basic purposes of a festival, any festival. And he will become a screen with a mouth. Léa Lanoë is a portraitist. Her subjects vary vastly – a famous jazz musician, an anarchic judge or a troublesome pigeon – but the textures, her humour and pace carry a very distinct signature. A couple of centuries ago she would have been a painter of portraits. Now she works on celluloid; she mixes chemicals and processes her own handmade films. This is call and response work, commissioned by our own Lectures section and tailor-made for her abilities. Léa Lanoë will film by day and process by night during the Oberhausen festival. And on the final day of our festival she will interact with another performance, that of Maximilian Le Cain, in the same space, at the same time. While they will work independently of one another, Le Cain and Lanoë will meet in the end, for a jam-session and double bill of Lecture/Performances, one visual but silent and the other textual but imageless, overlapped and intertwined. Celluloid will be flowing in the air, in and out of projectors, in front and behind bodies, for a live film installation that projects the rhythm of festival life in a voice that discusses its purpose. A lecture/performance by Maximilian Le Cain in collaboration with Léa Lanoë, commissioned by the Oberhausen International Short Film Festival and curated by Vassily Bourikas.

Maximilian Le Cain hat ein umfangreiches Werk aus experimentellen Bewegtbildarbeiten geschaffen, darunter Langund Kurzfilme, Installationen und filmbezogene Performances. Er ist Mitglied der Experimental Film Society, eines in Dublin ansässigen Unternehmens, das sehr persönliche, formal experimentierfreudige Filme produziert und fördert. Seine Texte als Filmautor wurden in Magazinen wie Senses of Cinema und La Furia Umana veröffentlicht. Le Cain war Gründer und Herausgeber des Onlinemagazins Experimental Conversations. Er gestaltet das experimentelle Filmprogramm für das Triskel Cinema im irischen Cork und hat Veranstaltungen für das Cork International Film Festival kuratiert. Maximilian Le Cain has created a prolific body of experimental moving-image work including features, shorts, installations and film-related performances. He is affiliated with the Experimental Film Society, a Dublin-based company that produces and promotes personal, formally adventurous cinema. He is a writer on film and has published in such journals as Senses of Cinema and La Furia Umana. He was the founder and editor of the online magazine Experimental Conversations. He programs experimental cinema for Triskel Cinema in Cork, Ireland and has curated events with the Cork International Film Festival. Léa Lanoë ist unabhängige Filmemacherin und lebt in Marseille. Nach einem Abschluss in Kunst und Literatur hat sie sich auf experimentelle dokumentarische Filme spezialisiert, häufig über Musiker und auf 16 mm. Ihre Filme Nul n’est censé (2018) und On the other Side of the Spoon (2020) wurden auf Festivals wie Les États généraux du film documentaire in Lussas, dem Festival International du Court Métrage de Clermont-Ferrand oder Visions du Réel gezeigt. 2018 hat sie in Marseille zusammen mit anderen Filmemachern ein Künstlerlabor für analoges Filmschaffen ins Leben gerufen, das Laboratoire L’Argent. Léa Lanoë is a Marseille-based independent filmmaker. After finishing her education with a degree in art and literature, she now focuses more on experimental documentary filmmaking, often involving musicians, often in 16 mm. Her films Nul n’est censé (2018) and On the other Side of the Spoon (2020) were screened at such festivals as Les États Généraux du film documentaire, Lussas, and Le Festival du Court Métrage de Clermont-Ferrand and Vision du Réel. In 2018, together with other filmmakers, she created an artist-run laboratory for analogue filmmaking in Marseille, Le Laboratoire L’Argent .

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Lectures 2

6. Mai 17:30 Uhr 6 May 5:30 pm Sunset

Podium

Podium 1

Kurzfilm in der Schule ist machbar Short Film in Schools Is Feasible

Obwohl vielfältige positive Erfahrungen mit dem Abspiel von Kurzfilmen in Unterrichtskontexten vorliegen, bleibt der Kurzfilm als besondere filmische Form in den Bildungsplänen der Länder weitestgehend ungenannt. Muss man das bedauern oder liegt darin gerade eine Chance für kreative Impulse in der Schule? Bedauerlich ist sicher, dass folgerichtig an den Hochschulen und Lehrerausbildungsstätten keine systematische Ausbildung in der Handhabung von künstlerischen Kurzfilmen stattfindet. Auch die Ausrichtung vieler Medienzentren auf themenbezogene Bildungsmedien kann als beklagenswerter Mangel festgehalten werden, weil sie die kostenlose Verfügbarkeit künstlerisch interessanter Kurzfilme verhindert. Es gibt aber viele Lehrkräfte, die dennoch Wege finden, Kurzfilme in den Unterricht zu bringen. Sie wissen mit dem erweiterten Textbegriff moderner Bildungspläne umzugehen, der auch kurze Filme umfasst. Sie nutzen Kurzfilmfestivals als besondere Orte ästhetischer Erfahrungen und knüpfen in der schulischen Vor- und Nachbereitung daran an. Solche Erlebnisse zu ermöglichen, ist eigentlich der wichtigste Grund, warum Kurzfilm und Schule zusammengehören. Schüler*innen lassen sich schnell begeistern für die kurze Form und entdecken beim genauen und wiederholten Hinsehen Besonderheiten filmischen Arbeitens, die in ihrer medialen Alltagskost nicht vorkommen. Gemeinsam mit einem Kreis aus Fachleuten aus dem Film- und Schulkontext schauen wir auf die bestehende Infrastruktur und diskutieren Potenziale und Beschränkungen des Kurzfilms in der Schule. Die Veranstaltung findet im Fishbowl-Format statt und gibt den Teilnehmer*innen die Möglichkeit, ihre persönlichen Perspektiven, Anregungen und Fragen in die Gespräche einzubringen. Anlässlich ihres 20-jährigen Jubiläums plant die AG Kurzfilm bundesweit eine Reihe von Diskussionsformaten zum Thema Kurzfilm und Schule. Die Auftaktveranstaltung findet im Rahmen der 68. Ausgabe der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen statt, wo der Verband 2002 gegründet wurde. In Kooperation mit In cooperation with

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Standortbestimmungen und Wege zum Ziel Stocktaking and strategies

Although many positive experiences have been had with the screening of short films in teaching contexts, short film remains largely unmentioned as a specific film type in the educational schemes laid down by the German states. Is this something to be lamented, or does it perhaps actually present opportunities for getting creative in schools? It certainly is regrettable that there is, for this reason, no systematic training at universities and teacher training colleges on how to use artistic short films. The way many media centres are focused on merely theme-related educational media can also be considered as a deplorable deficit, as it means artistically interesting short films are not being made available free of charge. However, there are many teachers who do find ways to incorporate short films into lessons. They understand how to make use of the interpretive leeway given by the definition of text in modern educational schemes, which also allows for short films. They use short film festivals as places for special aesthetic experiences and build on them in preparatory and follow-up schoolwork. Making such experiences possible is really the main reason why short film and school belong together. School pupils can quickly become enthusiastic about short films. By watching them closely and repeatedly, they discover particularities of cinematic work that do not occur in their everyday media diet. Together with a group of experts from the film and school context, we look at the existing infrastructure and discuss the potential uses and limitations of short film in schools. The event takes place in fishbowl format and allows participants to contribute their personal views, suggestions and questions to the debates. To mark its 20th anniversary, AG Kurzfilm is planning a series of discussion events on the topic of short film and school. The first such event is to take place as part of the 68th International Short Film Festival Oberhausen. The association was founded at the festival in 2002.

Teilnehmende

Participants

Moderation

Moderator

Reiner Gischus ist Lehrer der Frida-Levy-Gesamtschule Essen und in der Lehrerausbildung als Kernseminarleiter und Fachleiter für das Fach Deutsch am Zentrum für schulpraktische Lehrerausbildung (ZfsL) Essen tätig. Zudem berät er als ZfsLFilmCoach Fachleitungen mit dem Ziel, Filmbildung systematisch in die Lehrerausbildung zu integrieren. Claudia Gockel ist Gymnasiallehrerin mit den Fächern Deutsch, Philosophie/Praktische Philosophie und Literatur in Köln. Als Moderatorin für Filmbildung und das Fach Literatur ist sie zudem in der Fort- und Weiterbildung für Lehrkräfte aktiv. Ihr besonderes Interesse gilt dem frühen Film. Samina Gul legt seit 2018 ihren beruflichen Fokus auf diverse Filmveranstaltungen – ein Schwerpunkt ist die Filmbildung und Projektarbeit mit Kindern und Jugendlichen. Nach der Leitung des KinderKinoFestes Düsseldorf steckt sie nun ihre ganze Erfahrung in die Leitung des Kinder- und Jugendfilmwettbewerbs der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen. Uwe Leonhardt ist Filmwissenschaftler und Filmpädagoge. Seit 2017 ist er Geschäftsführer von Film+Schule NRW, der Agentur des Ministeriums für Schule und Bildung NRW mit dem Auftrag, Filmbildung systematisch im Fachunterricht an den Schulen des Landes zu verankern. Darüber hinaus führt Film+Schule NRW gemeinsam mit Vision Kino einmal jährlich die SchulKinoWochen NRW durch. Eva Schwert ist Volontärin in der Stabstelle Medienbildung im LVR-Zentrum für Medien und Bildung. Sie gestaltet Fortbildungsformate für pädagogische Fachkräfte, die sich mit Kurz- und Erklärfilmen im Bildungskontext beschäftigen, und arbeitet im Rahmen dessen eng mit dem Referenten für die Bildungsmediathek NRW zusammen.

Barbara Kamp hat ein Lehramtsstudium in den Fächern Französisch, Pädagogik und Politikwissenschaft absolviert. Sie gibt in ihrem Verlag Methode Film internationale Kurzfilme mitsamt pädagogischem Begleitmaterial für die Schule und für die soziale Arbeit und Beratung heraus. Seit vielen Jahren gehört sie der Auswahlkommission des Kinder- und Jugendfilmwettbewerbs der Kurzfilmtage Oberhausen an und hat hier auch das Lehrkräftefortbildungsformat LOOK mitbegründet. Weitere langjährige Kooperationen bestehen mit doxs! in Duisburg und mit dem DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum in Frankfurt/Main.

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Reiner Gischus is a teacher at the Frida Levy Comprehensive School in Essen and works in teacher training as a core seminar leader and subject leader for German at the Centre for Practical Teacher Training (ZfsL) in Essen. As a ZfsL film coach, he also advises subject leaders with the aim of systematically integrating film education into teacher training. Claudia Gockel is a high-school teacher in Cologne for the subjects German, philosophy/practical philosophy and literature. She is also active in further education and advanced training for teachers in the field of film education and literature. She is particularly interested in early film. Samina Gul has made various film events her professional focus since 2018. One of her priorities is film education and project work with children and youth. After having directed the KinderKinoFest Düsseldorf, she now pours all her experience into supervising the Children’s and Youth Film Competition at the International Short Film Festival Oberhausen. Uwe Leonhardt is a film scholar and film educator. Since 2017, he has been the managing director of Film+Schule NRW, an agency of the NRW Ministry of Schools and Education tasked with systematically establishing film education as part of the curriculum in the state’s schools. In addition, Film+Schule NRW and Vision Kino organise the SchulKinoWochen NRW once a year. Eva Schwert is a trainee in the media education department of the LVR-Zentrum für Medien und Bildung. She designs formats for the advanced training of educators who work with short films and explanatory films in an educational context, cooperating closely with advisers at the Bildungsmediathek NRW.

Barbara Kamp trained as a teacher in the subjects French, educational science and political science. Her company Methode Film publishes international short films along with accompanying educational materials for schools and for social work and counselling. She has been on the selection commission for the Children‘s and Youth Film Competition at the International Short Film Festival Oberhausen for many years and also co-founded LOOK, an advanced training format for teachers, at the festival. She is also involved in long-time cooperations with doxs! in Duisburg and the DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum in Frankfurt am Main.

Podium 1

5. Mai 12:30 Uhr 5 May 12:30 pm Festival Space

Podium 2

Westliche Kanons und lokale Vermächtnisse Western Canons and Local Legacies

Wir fragen uns oft, ob die eigenen kulturellen Grundlagen, Mythen und Ideen hineinpassen in ein Medium, das auf eine so lange westliche Tradition zurückblickt.. Wir fragen uns auch, wo sich die Kunst und das Handwerk des Filmemachens überschneiden, und bewundern die Arbeit unserer Kollegen und Kolleginnen auf den anderen Kontinenten, indem wir sie begutachten, dekonstruieren und absorbieren. Aber wir fragen uns auch, wo unser Platz in all dem ist. Stehen wir am Rande oder sind wir Teil des Ganzen? Steht unsere Arbeit im Zusammenhang mit westlichen Kanons? Berühren sich unsere Ozeane? In dem Bemühen, unseren Bezügen nachzugehen, um dadurch tiefer liegende kulturelle Nuancen und Bedeutungen zu finden und eine wahrhaft „weltweite“ Sicht auf das experimentelle Kino zu präsentieren, wird das Podium zum Treffpunkt von Menschen aus der ganzen Welt, die sich in einem ähnlichen Raum bewegen; Menschen, die das experimentelle Kino auf unterschiedliche Weise erforschen, sei es auf praktische, akademische, theoretische oder handwerkliche Weise. Gemeinsam beschäftigen wir uns mit der Frage, was einen Film zu einem „einheimischen“ Film macht? Gibt es Einflüsse, die in beide Richtungen gehen? Können sie sich überschneiden, um eine andere Form oder neue Kanäle der visuellen Kommunikation zu schaffen? Haben lokale Vermächtnisse überhaupt ein Gewicht und wie können wir ihnen gerecht werden? In diesem Podium werden wir dies und mehr unter dem Blickwinkel der lokalen und fremden kulturellen Synergien eines gemeinsamen Mediums betrachten. Das Podium wird so zur Plattform für den Austausch von Geschichten, Prozessen und Einflüssen.

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Berühren sich unsere Ozeane? Do our oceans meet?

We often wonder and question whether there is space for one’s own local cultural foundations, myths and ideas to find their way into a medium that has a well-established Western legacy. We also wonder about the intersection between the art and the craft of making on film, and marvel at the work of our peers across continents; reviewing, deconstructing and absorbing. But we also question where we fit in all of this. Are we the fringe or are we part of the whole? Does our work relate to Western canons? Do our oceans meet? In an effort to trace our references, to find deeper cultural nuance and meaning in our explorations and to present a truly ‘world’ view of experimental cinema, the podium becomes a meeting ground of folk from around the world who occupy and navigate a similar space. Individuals who explore experimental cinema in various ways, be it practical, academic, theoretical, or handcrafted. Together we will question what makes a film home grown. Do influences traverse both ways? Can they cross over to create a different form or new channels of visual communication? Do local legacies even hold weight, and how do we go about giving them their due? In this podium, we unpack this and more through a lens of the local and foreign cultural synergies of sharing a medium. The podium will unravel as an exchange of stories, processes, and influences.

Teilnehmende

Oana Ghera ist eine rumänische Filmkuratorin und Kulturmanagerin. Von 2015 bis 2018 arbeitete sie als Kokuratorin für das NexT International Film Festival. Seit 2020 ist sie künstlerische Leiterin des Bucharest International Experimental Film Festival. Maged Nader ist ein in Kairo ansässiger Regisseur und Kameramann, dessen Arbeiten weltweit auf Festivals wie Cannes, Berlinale, IFF Rotterdam und Durban gezeigt wurden. Seit 2021 ist er Co-Geschäftsführer der Cimatheque, einem Mehrzweck-Veranstaltungsort und alternativen Filmzentrum in der Innenstadt von Kairo.

Participants

Oana Ghera is a Romanian film curator and cultural manager. She worked as a co-programmer for the NexT International Film Festival between 2015-2018 and since 2020, she is the Artistic Director of the Bucharest International Experimental Film Festival. Maged Nader is a Cairo-based director and cinematographer with work shown in festivals worldwide, including Cannes, Berlinale, IFF Rotterdam and Durban. Since 2021 he is coexecutive director of Cimatheque – a multi-purpose venue and alternative film centre located in downtown Cairo.

Moderation

Harkat ist ein alternativer Raum für Kunst, Film und Performance, der am Rand „etablierter“ Theater- und Filmräume in Mumbai programmgestaltend und kuratierend tätig ist. Zu den Programmschwerpunkten gehören ein jährliches 16-mmFilmfestival, regelmäßige multidisziplinäre Ausstellungen und ein analoges Filmlabor mit ganzjährigen Workshops und Vorführungen. Im Labor geht es darum, sich im Prozess des Machens und Sehens der eigenen kulturellen Grundlagen bewusst zu werden. Begriffe wie Identität, Zugehörigkeit, Intimität, Sinne, Zeit und Raum bestimmen einen Großteil der Arbeit von Harkat. Vertreten wird das Kollektiv durch die interdisziplinäre Künstlerin Simran Ankolkar und den Filmemacher Karan Suri Talwar – beides Macher, Unterstützer und Suchende.

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Harkat is an alternative art, film and performance space, programming and curating on the fringe of ‘established’ theatre and film spaces in Mumbai. Key programmes include the annual 16mm Film Festival, regular multi-disciplinary exhibitions and an analog film lab, with year-long workshops and screenings. As a lab, the intent is to be aware of one’s cultural foundations in the process of making and seeing. Notions of identity, belonging, intimacy, senses, time and space inform a lot of the work Harkat does. Interdisciplinary artist Simran Ankolkar and Filmmaker Karan Suri Talwar, both makers, facilitators and fellow searchers, will represent the collective.

Podium 2

6. Mai 10:00 Uhr 6 May 10:00 am Festival Space

Podium 3

Arbeits methoden Working Methods

6. Mai 12:00 Uhr 6 May 12:00 pm Festival Space

Netzwerke bilden, kollektiv Filme realisieren. Und im Prozess der gemeinsamen Auseinandersetzung Geschichte aus den gegenwärtigen Topografien herauslesen – wie kann das gehen? Wie verändern die verschiedenen Ausgangsbedingungen vor Ort die Spurensuche? Wer spricht – und in wessen Namen? Abdessamad El Montassir bezieht in seiner Arbeit das Wissen nichtmenschlicher Entitäten ein, mit dem Anliegen, sich unseren Umgebungen dezentral zu nähern. Bei seinem jüngsten Projekt in der saharischen Wüste spielt lyrische Sprache eine wichtige Rolle. Poetik als indirektes Sprechen, Worte, die durch verkrustete Gemäuer Erinnerungen evozieren – diese Ästhetik trägt auch den Film Do Flowers Bloom After The Spring? des Kollektivs Mouatheqat. Die Begegnung einer jungen Erzählerin mit einem Gebäude in Tunis, das ausschließlich von Büchern bewohnt wird, entwickelt sich zu einer Reise, die die politischen und sozialen Veränderungen der Stadt nachzeichnet und das Wesen der Erinnerung und deren Überlieferung hinterfragt. Gespräche und Präsentationen von und mit Rim Harrabi, Rua Osmane, Salimata Bâ, Yosra El-Gazzar, Abdessamad El Montassir und anderen.

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Forming networks, making films collectively. And in the process of engaging with each other, reading history along the topographies of the present – how can it be done? How do the different conditions on site change the search for traces? Who speaks, and in whose name? In his work, Abdessamad El Montassir incorporates the knowledge of non-human entities with the intention of creating a decentralised approach to our environments. In his latest project in the Sahara Desert, poetic language plays an important role. Poetics as indirect speech, words that evoke something of memory through encrusted walls: this aesthetic carries the film by the Mouatheqat collective Do Flowers Bloom after the Spring? A young female narrator’s encounter with a building in Tunis inhabited entirely by books unfolds into a journey tracing the political and social changes of the city, questioning the nature of memory and its transmission. Talks and presentations by and with Rim Harrabi, Rua Osmane, Salimata Bâ, Yosra El-Gazzar, Abdessamad El Montassir, among others

7. Mai 10:00 Uhr 7 May 10:00 am Festival Space

Filmemachen auf dem afrikanischen Kontinent war von Anfang an expanded, in jeder Hinsicht. Was erweitert wurde? Das westliche Kino: durch neue und ihm widersprechende Perspektiven, durch andere Erzähl- und Darstellungsweisen, durch ein Kino, das bis in die 1960er-Jahre infolge der kolonialen Gesetzgebung verboten worden war. Wenn die Auseinandersetzung um das eigene Bild und die eigene Geschichte den Kern der filmischen Praxis ausmacht, so beginnt die Idee vom Erweitern bereits mit der Fabrikation des Bildes. Auch den Ton, das Sprechen, die Stimme, die Geräuschkulisse nicht zu vergessen. Das Kino als Ort war aber auch von Anfang an größer als die Leinwand, expanded, durch die Reaktionen des Publikums und oft durch ein experimentelles mobiles Set-up. Digitale Technik hat das Filmemachen, die Distribution und Sichtungsmöglichkeiten in vielerlei Hinsicht längst einfacher und billiger gemacht und in diesem Sinne den Zugang erweitert. Welche Impulse werden dadurch ermöglicht? Welchen Radius und welche Komponenten der Erweiterung fordern die Filmemacher*innen?

Teilnehmende

Filmmaking on the African continent was expansion from the very beginning, in every sense of the word. What was expanded? Western cinema was expanded through new and contradictory perspectives, through other modes of narration and representation, through a cinema that had been banned by colonial legislation until the 1960s. If the struggle for one’s own image, one’s own history, is at the core of cinematic practice, the notion of expanding begins by making an image. Not to forget the sound, the voice, the soundscape. But cinema as a place from the beginning has also been larger than screens and expanded through the audience’s reactivity, and often through an experimental, mobile setup. Digital technology has long since made filmmaking, distribution, viewing facilities easier and cheaper in many ways, and in this sense has expanded access. What does this enable? What radius and what components of expansion do filmmakers demand?

Participants

Jean-Pierre Bekolo is an acclaimed international filmmaker, currently based in Yaoundé, Cameroon, whose oeuvre is viewed as critical African meta-cinema. He also worked as writer, journalist and taught at the Universities of North Carolina and Duke. In 2015 he received the DAAD Artists-in-Berlin scholarship. Mohamed Challouf (Sousse , Tunisia) is active since the early 1980s as initiator and collaborator in different film festivals on both sides of the Mediterranean, mainly in Italy and in Tunisia. He worked as a photographer, author, and producer and directed two films which are shown in Oberhausen 2022.

Jean-Pierre Bekolo ist ein international anerkannter Filmemacher und lebt aktuell in Jaunde, Kamerun. Sein Werk gilt als kritisches afrikanisches Metakino. Er war auch als Schriftsteller und Journalist tätig und hat an der Universität von North Carolina sowie der Duke University gelehrt. 2015 nahm er am Berliner Künstlerprogramm des DAAD teil. Mohamed Challouf (Sousse , Tunesien) ist seit den frühen 1980er-Jahren als Initiator und Mitarbeiter verschiedener Filmfestivals auf beiden Seiten des Mittelmeers tätig, hauptsächlich in Italien und Tunesien. Er hat als Fotograf, Autor und Moderation Produzent gearbeitet und bei zwei Filmen, die bei den Kurz- Annett Busch (Trondheim) and Marie-Hélène Gutberlet filmtagen 2022 zu sehen sind, Regie geführt. (Frankfurt/Main) have been running the Agency for Flying Ideas Women on Aeroplanes (http://woa.kein.org) together and in different constellations since 2017. They develop methModeration Annett Busch (Trondheim) und Marie-Hélène Gutberlet ods that are realised in research-based exhibitions or trans(Frankfurt/Main) betreiben seit 2017 gemeinsam und in ver- versal evening classes, as inflight magazines and gatherings schiedenen Konstellationen die Agentur „für fliegende Ideen“, with stopovers in Berlin, Lagos, Bayreuth, London, Warsaw, Women on Aeroplanes (http://woa.kein.org). Sie entwickeln Frankfurt/Main, Johannesburg, Kigali. Both have been curatMethoden, die in forschungsbasierten Ausstellungen oder ing films by filmmakers from the African continent and the transversalen Abendkursen, als Flugzeitschriften und Zusam- diaspora for 20 years. menkünfte mit Stationen in Berlin, Lagos, Bayreuth, London, Warschau, Frankfurt/Main, Johannesburg oder Kigali umgesetzt werden. Beide kuratieren seit 20 Jahren Filme von Filmemacher*innen des afrikanischen Kontinents und der Diaspora.

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Podium 4

Larger Than Screens

Podium 5

Ausbau der Sammlung Expanding the Collection

Das dritte Jahrzehnt eines Jahrhunderts, das bereits das Ende der analogen Kinoprojektion eingeläutet hatte, begann mit einer Pandemie, mit der sich die Lage für das kollektive Sehen noch verschlimmerte. Die Vorführung eines Films auf Zelluloid in einem kommerziellen Kino, auf einem Filmfestival oder auch in einer Kunstausstellung oder einem akademischen Setting ist mittlerweile zu einem besonderen Ereignis geworden, das für Gesprächsstoff sorgt. Trotz oder vielleicht gerade wegen dieses Seltenheitsfaktors haben immer mehr Filmschaffende und Künstler den Wunsch, auf Film zu drehen, und investieren in einigen Fällen sogar in die Anfertigung von Projektionskopien. Allerdings hat die Zahl der Vorführungen analoger Filmkopien auf Festivals und darüber hinaus nicht wesentlich zugenommen. Archive und Sammlungen wiederum, die ihre wertvollen Bestände seit Beginn des Jahrhunderts restauriert und auf digitalen Formaten bewahrt haben, investieren nach und nach wieder in analoge Sammlungsstücke. Auch bei den jüngsten Diskussionen in der Podium-Reihe unseres eigenen Festivals wurde deutlich, dass Archive auf der Suche nach Möglichkeiten sind, neue Kopien zu erstellen, und damit fotochemischen Ketten der Postproduktion eine Überlebenschance bieten. Aber gibt es Anzeichen für eine signifikante Zunahme des Austauschs zwischen solchen Sammlungen historischer oder bedeutender Werke und bestehenden Strukturen, die noch Zelluloid projizieren könnten? Wenn mehr Filmemacher auf Film drehen und mehr Archivstrukturen in die Kopiertechnologie investieren, warum gibt es dann nicht mehr Möglichkeiten zur Projektion von Zelluloid? In diesem Podium werden wir erörtern, welche Möglichkeiten des Zugangs zu originellen und vielfältigen Inhalten sich Kinos und Festivals bieten, die weiter analoge Filme zeigen. Wir untersuchen, wie alternative, private oder öffentliche Filmsammlungen zur Quelle und zum Medium für neue Vorführmöglichkeiten auf Zelluloid werden können, und erkunden Mittel und Wege, um durch die Aufklärung über Zelluloid nicht nur ein Bewusstsein für das Material zu schaffen, sondern auch Möglichkeiten für neue, möglichst omnidirektionale und dauerhafte Kanäle für analoge Filmkopien. Vassily Bourikas

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The third decade of a century that had already signalled the end of analogue cinema projection began with a pandemic that made things even worse for collective viewing. By now the screening of a movie on celluloid in a commercial cinema, at a film festival or even in art-exhibition or academic environments has become a special event and a conversation piece. Despite (or maybe because of) this rarity factor, a considerable and increasing number of filmmakers and artists desire to shoot on film, in some cases even investing in the printing of projection copies. Yet the screening of such film prints has not seen any substantial increase at festivals or beyond. At the same time, archives and collections that have restored and preserved their valuable assets on digital formats since the start of this century are slowly beginning to reinvest in their analogue collectibles. Even recent discussions in our own festival Podia acknowledged how archives seek ways to strike new prints and as a result, are offering a lifeline to photochemical chains of post-production. But is there evidence of a considerable increase in traffic between such collections of historical or significant works and any existing structures that could still project celluloid? If more filmmakers shoot on film and more archiving structures are investing in the technology of printing it, then why is the screening of cinema on celluloid not more readily available? In this Podium, we will discuss how cinemas and festivals that sustain analogue projection can explore ways of accessing original and diverse content. We will examine how alternative, private or public film collections can become both a source and an outlet for new screening possibilities on celluloid, and we will explore ways through which education about celluloid can create not just awareness of the material but also possibilities for new print traffic channels that could be omnidirectional, long-lasting and long-range. Vassily Bourikas

Teilnehmende

Annette Brauerhoch ist (emeritierte) Professorin für Film- und Fernsehwissenschaften an der Universität Paderborn, wo sie verschiedene Sammlungen mit 16-mm-Filmen aufgebaut hat, unter anderem mit experimentellen Filmen deutscher und österreichischer Filmemacherinnen. Brauerhoch ist Mitherausgeberin der Zeitschrift Frauen und Film. Kim Knowles ist Dozentin für alternativen und experimentellen Film an der Universität Aberystwyth in Wales und kuratiert seit fast 15 Jahren für das Edinburgh International Film Festival. Ihr Buch Experimental Film and Photochemical Practices wurde 2020 von Palgrave Macmillan veröffentlicht. Kevin Lutz ist Koleiter der Filmsammlung des Österreichischen Filmmuseums in Wien. Er arbeitet seit den 1990er-Jahren als analoger Filmvorführer und ist seit 2012 am Österreichischen Filmmuseum beschäftigt, wo er unter anderem für die Beantwortung von Verleihanfragen zuständig ist. Aurélie Percevault ist Koordinatorin bei Mire (Nantes, Frankreich), einem Verein, der sich dem experimentellen Kino verschrieben hat und ein kollektives Filmlabor betreibt. Sie gehört zum Kuratorenteam des Festivals PRISME, das dem vielseitigen, erfindungsreichen und engagierten zeitgenössischen Analogfilm und dessen Interaktion mit anderen Praktiken gewidmet ist.

Participants

Annette Brauerhoch is (emer) professor of film studies at the University of Paderborn, where she established 16 mm film collections, one of which showcases (German and Austrian) experimental films by women. She is also the co-editor of Frauen und Film. Kim Knowles is Senior Lecturer in Alternative and Experimental Film at Aberystwyth University in Wales and has curated for the Edinburgh International Film Festival for almost 15 years. Her book Experimental Film and Photochemical Practices was published by Palgrave Macmillan in 2020. Kevin Lutz is co-manager of the film collection department of the Austrian Film Museum in Vienna. He started working as a film projectionist for analogue film in the 1990s and has been with the Austrian Film Museum since 2012, where, among other things, he manages loan requests. Aurélie Percevault is coordinator of Mire (Nantes, France), an association dedicated to experimental cinema that runs a shared film laboratory. She is part of the curatorial team of PRISME, a festival exploring a multifaceted, inventive, engaged contemporary analogue cinema and its interaction with other practices.

Moderation

Javier H. Estrada is a member of the selection committee at the Oberhausen Film Festival and Head of Programming Moderation Javier H. Estrada ist Mitglied der Auswahlkommission der for the Seville European Film Festival and FILMADRID. He is Kurzfilmtage Oberhausen und Programmleiter des Festival de a professor at the Camilo José Cela University (Madrid) and Cine Europeo de Sevilla sowie des internationalen Filmfesti- director of the online educational project. vals FILMADRID. Er ist Professor an der Universidad Camilo José Cela in Madrid und Leiter des Onlinebildungsprojekts.

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Podium 5

8. Mai 10:00 Uhr 8 May 10:00 am Festival Space

Andere Others

Andere Others Highlights 2021

Highlights 2021

4. Mai 17:30 Uhr 4 May 5:30 pm Star

Zur Einstimmung auf das Festival gibt es einen Rückblick auf einige Highlights aus dem letzten Jahr. Alle Filme stammen aus den ursprünglich für vor Ort geplanten Wettbewerben des Festivals und sind nun auch auf der Leinwand zu sehen. To set the mood for the festival, there is a look back at several highlights from last year. All the films are from the festival competitions originally planned for on-site and can now be seen on the big screen as well.

Aus Aktuellem Anlass For Current Reasons

Deutschland Germany 2020 13'55", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Johannes Klais Ein Film über das Weitermachen. Ein Schuster, eine Kneipenwirtin und ein Cellist im April 2020. Aus aktuellem Anlass kommt es zu Begegnungen mit drei Menschen des Ruhrgebiets in Zeiten des Corona-Lockdowns. Entgegen allen Vermutungen haben die drei mehr Gemeinsamkeiten im Umgang mit der Krise und in ihrer Sicht auf das Leben, als es zunächst den Anschein macht. A film about carrying on. A shoemaker, a pub landlady and a cellist in April 2020. For Current Reasons leads to encounters with three people from the Ruhr area at the time of the coronavirus lockdown. Contrary to expectations, the three have more in common with regard to dealing with the crisis and their views on life than appears at first glance.

Suodji Shelter

Finnland, Norwegen Finland, Norway 2020 5', Farbe colour, Saamisch mit deutschen Untertiteln Saami with German subtitles Regie Director Marja Helander Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen. A present-day adaptation of an old story from Utsjoki, Sápmi. It is a legend of the director’s relative, Ovllá-Ivvár Helander, about what he did during the Spanish flu epidemic in 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár decided to fool Death and take his fate into his own hands. The protagonist of the film is walking in Ovllá-Ivvár’s footsteps.

Genosse Tito, ich erbe Comrade Tito, I Inherit

Österreich, Deutschland Austria, Germany 2021 27', Farbe colour, Serbisch, Deutsch mit deutschen Untertiteln Serbian, German with German subtitles Regie Director Olga Kosanović Ein Berghang, ein Obstgarten, ein Haus. Idyllische Bilder im südlichen Serbien. Drei Generationen unter dem Dach des Hauses, das für seine Weitergabe vorbereitet wird. Jeder mit seinem eigenen Erbe, das aber alle gemeinsam tragen müssen – eine filmische Auseinandersetzung mit dem, was bleibt. A hillside, an orchard, a house. Idyllic scenes in southern Serbia. Three generations under the roof of a house that is being prepared to be passed on. Each person has their own legacy, which must, however, be borne by everyone together. A cinematic look at what remains.

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All the Stops

Österreich Austria 2020 15'38", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Josef Dabernig Eine dominante Frau dirigiert einige Männer rund um Renovierungsarbeiten an einer Villa in einer ungarischen Kleinstadt. Mittels der präzisen Abfolge der Bewegungen der Hauptdarstellerin in dieser örtlichen Einheit des Films entspinnt sich eine mögliche Erzählung, deren formale Wurzeln den Takt angeben. A dominating woman directs several men who are renovating a villa in a small Hungarian town. It is by means of the precisely sequential movements enacted by this leading actress in the film‘s local unit that unfolds a possible narrative rooted in its formal nature.

The Source of the Absolute Knowledge

Deutschland Germany 2021 5', Farbe colour, Englisch English Regie Director Christine Gensheimer, Musik Music Jaakko Eino Kalevi Die Quelle des absoluten Wissens trifft auf die Macht von Photoshop. The source of absolute knowledge meets the power of photoshop.

Lana Kaiser

Deutschland, Niederlande Germany, Netherlands 2020 13'30", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Philipp Gufler Lana Kaiser erlangte 2002 in der ersten Staffel der Fernsehshow Deutschland sucht den Superstar große Bekanntheit. Sie polarisierte das Publikum mit ihrem androgynen Aussehen. Am 9. September 2018 verschwand Lana Kaiser von einem Kreuzfahrtschiff auf dem Weg nach Nordamerika. In 2002, Lana Kaiser became well known in the first season of the German version of the Idol television franchise. She polarised the audience with her androgynous appearance. On 9 September 2018, Lana disappeared from a cruise ship on her way to North America.

Kiki la plume Kiki the Feather

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Andere Others Highlights 2021

4. Mai 17:30 Uhr 4 May 5:30 pm Star

Andere Others Preisträger anderer Festivals Award Winners of Other Festivals

Preisträger anderer Festivals Award Winners of Other Festivals

4. Mai 17:30 Uhr 4 May 5:30 pm Gloria

Dieses Programm ist die Plattform für Filme, die bereits bei anderen Filmfestivals brillieren konnten. Im Programm Preisträger anderer Festivals werden deshalb auch in diesem Jahr wieder Produktionen aus aller Welt gezeigt. Alle ausgewählten Filme waren bei renommierten Filmfestivals in Europa erfolgreich. This programme offers a platform to films that were already shown at other film festivals. Therefore, film productions from all around the world will be shown once again in the programme Award Winners of Other Festivals. All selected films have been successful at other prestigious film festivals in Europe.

Les Démons de Dorothy The Demons of Dorothy

Frankreich France 2021 29'27", Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Alexis Langlois Auszeichnung Award Silver Leopard and Youth Jury Award (Locarno Film Festival) Dorothy ist Regisseurin und irgendwie eine Versagerin. Eines Nachts stürzt sie sich nach einigen Heineken in die Arbeit an ihrem Skript, als ihr Elan durch einen Anruf ihres Produzenten einen Dämpfer erhält: Es reiche mit den Queer-Comedys, sie solle endlich Mainstream-Filme machen. Um nicht in vollkommene Verzweiflung zu verfallen, tröstet Dorothy sich mit ihrer Lieblingsfernsehsendung „Romy the Vampire Slayer“. Leider tauchen ihre eigenen Dämonen dabei auf. Dorothy is a film director and a bit of a loser. One night, fueled up on Heineken, she’s letting loose on her script when a call from her producer kills her buzz: enough with the queer comedies, it’s time to start making mainstream films. To avoid sinking to the deepest depths of despair, Dorothy seeks comfort in her favorite TV show ‘Romy the Vampire Slayer’. Unfortunately, her own demons show up.

Farrucas

Spanien, USA Spain, USA 2021 17'20", Farbe colour, Spanisch, Arabisch mit englischen Untertiteln Spanish, Arabic with English subtitles Regie Director Ian de la Rosa Auszeichnung Award Best Documentary (Curtas Vila do Conde) Hadoum, Fátima, Sheima und Sokayna sind vier Jugendliche aus El Puche, einem Vorort der spanischen Stadt Almería. Sie sind stolz auf ihre spanischen und marrokanischen Wurzeln. Zusammen meistern sie ihre ersten Erfahrungen in Schulen außerhalb ihres Viertels. Dort wird ihre soziale Benachteilung deutlich. Dies beeinträchtigt jedoch nicht die Intensität ihrer Wünsche und Träume. An Fátimas 18. Geburtstag wird das Selbstvertrauen der vier auf die Probe gestellt. Hadoum, Fátima, Sheima, and Sokayna are four teenagers from El Puche, a suburb in the Spanish city of Almería, who are proud of their Moroccan and Spanish roots. Together they navigate their first experiences in out-ofthe neighborhood schools, that evidence their underprivileged environment. However, this does not affect the intensity of their desires and dreams. On Fatima’s eighteenth birthday, the strength of their self-confidence will be put to the test.

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Swallow the Universe

Frankreich France 2021 12', Farbe colour, Japanisch mit englischen Untertiteln Japanese with English subtitles Regie Director Nieto Auszeichnung Award Special Lab Jury Prize (Clermont-Ferrand International Short Film Festival) Die hochtrabende Saga mit Mord und Totschlag über ein kleines Kindes, das im tiefen Dschungel der Mandschurei verschwand. Seine plötzliche Präsenz schafft vollkommene Anarchie in der primitiven Welt der Fauna, die bis dahin perfekt organisiert war. The grandiloquent blood-and-thunder saga of a young child lost in Manchuria’s deep jungles. His sudden presence creates complete anarchy in the fauna’s primitive world, which was until-then perfectly organised.

Tornar-se um Homem na Idade Média Becoming Male in the Middle Ages

Portugal 2022 21'55", Farbe colour, Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Pedro Neves Marques Auszeichnung Award Ammodo Tiger Short Award (IFFR) Mirene und André und Carl und Vicente sind Paare in ihren Dreißigern. Während Mirene und André mit ihrer Fruchtbarkeit zu kämpfen haben, entscheidet Vicente sich für ein experimentelles Verfahren, bei dem ihm ein Eierstock eingepflanzt wird. Er hofft, so mit Carl ein Kind bekommen zu können. Ein Liebesdrama mit spekulativer Grundstimmung. Tornar-se um Homem na Idade Média ist eine intime Geschichte über queere Sexualität, körperliche Selbstbestimmung, Kinderwunsch und das Gespenst der Normativität. Mirene and André, and Carl and Vicente, are both couples in their mid-thirties. While Mirene and André struggle with their fertility, Vicente decides to undergo an experimental procedure, implanting an ovary in his body in the hopes of having a child with Carl. A love drama of speculative undertones, Becoming Male in the Middle Ages is an intimate tale about queer sexuality, bodily autonomy, reproductive desires, and the ghost of normativity.

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Andere Others Preisträger anderer Festivals Award Winners of Other Festivals

4. Mai 17:30 Uhr 4 May 5:30 pm Gloria

Andere Others Four Perspectives: Movements

Im Jahr 2018 gründeten die Kurzfilmtage gemeinsam mit anderen europäischen Kurzfilmfestivals das European Short Film Network. Die Partner des Netzwerks sind: Go Short Nijmegen, Vienna International Shorts und Short Waves. Vergangenes Jahr startete das Netzwerk mit dem neu entwickelten Online-Portal THIS IS SHORT, das die jeweiligen Inhalte der Festivals ebenso wie neue gemeinsame Inhalte – darunter einen Online-Wettbewerb für europäische Kurzfilme – auf nur einer Plattform zugänglich machte. Das ESFN, eines von sieben EU-geförderten Filmfestivalnetzwerken, entwarf mit dem Projekt ein Gegenmodell zur fragmentierten Filmkultur im Netz. THIS IS SHORT ist auch in diesem Jahr wieder von April bis Juni aktiv – mit dem Ziel, ein Online-Festivalerlebnis zu kreieren und dabei die Programme von vier renommierten Filmfestivals zugänglich zu machen. Das Programm besteht aus mehreren hundert hochkarätigen Kurzfilmen, die jeweils für bestimmte Zeiträume online verfügbar sind. Die jeweiligen Programme der vier Festivals sind nur zu den geplanten Terminen der Festivals zugänglich. Alle Filme auf THIS IS SHORT werden ohne regionale Einschränkung gezeigt. Das Programm von THIS IS SHORT wird von den Mitgliedern des Europäischen Kurzfilmnetzwerks gemeinsam kuratiert und besteht aus eigenen Inhalten sowie direkten Zugängen zu den Online- Angeboten der vier Filmfestivals. Darüber hinaus wird eine Programmlinie von THIS IS SHORT, die Four Perspectives auch auf jedem der vier teilnehmenden Festivals während der Festivals in den Festivalkinos sichtbar. Zugang erhalten Sie beim Kauf eines Festivalpasses oder einer Akkreditierung über die Kurzfilmtage oder direkt unter thisisshort.com Four Perspectives: Movements Vier Perspektiven auf ein Thema, das viele von uns in den letzten beiden Jahren vermisst haben: Bewegung. Von den Begrenzungen des menschlichen Körpers, über Schwertransporte bis hin zu sich verschiebenden tektonischen Platten bringen diese Programme die Leinwände in Bewegung, lassen sie tanzen und schwingen.

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In 2018 the International Short Film Festival Oberhausen founded the European Short Film Network together with other European short film festivals. The partners of the network are: Go Short Nijmegen, Vienna International Shorts and Short Waves. Last year the network launched the online portal THIS IS SHORT, which made the respective festivals‘ content as well as new joint content – including an online competition for European short films – accessible on just one platform. With this project, the ESFN, one of seven EU-funded film festival networks, is formulating a counter-model to the fragmented film culture on the net. THIS IS SHORT will again be active this year from April to June – with the aim of creating an online festival experience while making the programmes of four renowned film festivals accessible. The programme consists of several hundred high-calibre short films, each available online for specific time periods. The respective programmes of the four festivals are only accessible on the scheduled dates of the festivals. All films on THIS IS SHORT will be shown without regional restriction. The programme of THIS IS SHORT is jointly curated by the members of the European Short Film Network and consists of its own content as well as direct access to the online offerings of the four film festivals. Additionally the programme line Four Perspectives will become visible in the cinemas of each festival during the respective festival periods. Access is available by purchasing a festival pass or accreditation through the International Short Film Festival Oberhausen or directly at thisisshort.com Four Perspectives: Movements Four Perspectives on a topic that many of us have missed out in the past two years: Movements. From the limits of the human body, to heavy transport and the shifting of tectonic plates. These programmes will make the screens shake, dance and swing.

Kuratiert von Curated by Hilke Doering, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen

5. Mai 13:15 Uhr 5 May 1:15 pm Sunset

Der offensichtlichste Weg, das Thema Bewegung zu interpretieren, ist die Bewegung des menschlichen Körpers. Filme, die von Kraft, Disziplin, Gemeinschaft, Erschöpfung und schließlich von der Freude an der Bewegung des Körpers erzählen. The most obvious way to interpret the subject of movement is the movement of human bodies. Films that talk about power, discipline, communities, exhaustion and after all the pleasure of moving once body.

Twist

Frankreich, Schweiz France, Switzerland 2006 11', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Alexia Walther Dieser Film zieht eine Parallele zwischen einem Kapitel aus Caesars Der Gallische Krieg und einem choreografierten Abriss über die Geschichte des Twist. This film draws a parallel between an episode of Julius Caesar’s Gallic Wars and a choreographed digest of the history of the Twist.

Giant

Finnland Finland 2013 12'47", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch, Rumänisch mit englischen Untertiteln English, Romanian with English subtitles Regie Director Salla Tykkä Der Film zeigt Turnerinnen des rumänischen Jugend-Nationalteams, die in Internaten in Onești und Deva leben und trainieren. Die Erinnerung an diese Trainingshallen ist in das Gedächtnis der Körper eingeschrieben. The film features Romanian junior team gymnasts living and training in the boarding schools of Onesti and Deva. The memory of these training halls is written into the memory of the bodies.

Kuuden päivän juoksu Six Day Run

Finnland Finland 2013 15', Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Mika Taanila Ein Film über mentale Anstrengungen auf einem etwa 1,6 km langen befestigten Rundkurs in einem Park. Der Sechs-Tage-Lauf ist seit den 1870er-Jahren eine der extremsten individuellen Ausdauersportarten. A film about spiritual exercise on a one-mile paved loop in a park. The Six Day Run is one of the most extreme individual endurance sports, dating back to the 1870s.

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Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 1 Programme 1

Move Your Body

Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 1 Programme 1

5. Mai 13:15 Uhr 5 May 1:15 pm Sunset

excursus on fitness

Österreich Austria 2010 12', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Josef Dabernig Körperliche Ertüchtigung dargestellt als eine seltsame Art von existenziellem Ballett: In excursus on fitness zeigt Josef Dabernig eine Gruppe von Menschen beim Turnen in einem Ballsaal im dritten Wiener Bezirk. Der Ort ist ziemlich schäbig, die Stimmung durch und durch freudlos und die Stille der Schwarz-Weiß-Bilder verstärkt diese Atmosphäre. Alle Teilnehmer werden absorbiert in ihre wortlose, gleichförmige Tätigkeit – es herrscht Einsamkeit in der Menge. Physical training depicted as a strange kind of existential ballet: In excursus on fitness Josef Dabernig shows a group of people performing gymnastics at a ballroom in Vienna‘s third district. The location is quite shabby and the mood is thoroughly joyless, and the silence of the black and white images amplifies this atmosphere. All the participants are absorbed in their wordless, uniform activity – solitude reigns in the crowd.

How to reach God through proper exercising

Polen Poland 2016 19'50", Farbe colour, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Gabriel Herrera Torres Im lokalen Sportzentrum erzählt ein Mann, der zwar ein großes Mitteilungsbedürfnis, aber wenig zu sagen hat, seinem Nebenmann einen Traum. Die scheinbar harmlose Begebenheit hat extrem beunruhigende Folgen. In a local sports centre, a man with a great need to talk but little to say recounts a recent dream to a nearby colleague. This seemingly harmless event entails deeply unsettling consequences.

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Kuratiert von Curated by Aleksandra Ławska, Short Waves Festival

5. Mai 20:15 Uhr 5 May 8:15 pm Sunset

Dieses Programm versucht, der Natur Raum zu geben, die oft an den Rand gedrängt und als Filmhintergrund behandelt oder für Lehrmaterial genutzt wird. Die Filme in dieser Reihe heben die einzigartige Schönheit ihrer organischen Bewegungen hervor – subtile Bewegungen, schnelle Verschiebungen, komplexe Transformationen. Obwohl der Einfluss des Menschen auf die auftretenden Veränderungen unendlich ist, fasziniert vor allem ihr Rhythmus sowie die Choreografie von Schöpfung und Zerstörung, der ständige Energiefluss und die Spannungen zwischen natürlichen und vom Menschen gestörten Prozessen. Die Sichtbarkeit menschlichen Handelns in diesen Filmen ist marginal, aber die Auswirkungen jahrhundertealter Anstrengungen beeinflussen den gegenwärtigen und zukünftigen Zustand. Das Programm zeigt das Wesen der Natur und ihre unheimliche Fähigkeit, sich zu verändern, anzupassen, zu mutieren, aber auch den äußeren und gefährlichen Einfluss des Menschen abzuwehren. The programme tries to give space to nature, which oftentimes is marginalised and treated as a film background or used for educational materials. The films in this set are enhancing the unique beauty of its organic movements – subtle moves, rapid shifts, complex transformations. Although the human impact on occurring changes is unending, their rhythm, as well as choreography of creation and destruction, permanent flow of energy and tensions between natural processes and those disturbed by man, is what fascinates the most. The visibility of human activity in these films is marginal, but the effects of centuries-old efforts are influencing its current and future state. The programme exhibits the essence of nature and its uncanny ability to change, adapt, mutate, but also object to the external and dangerous human impact.

Reign of Silence

Österreich, Deutschland Austria, Germany 2013 7'21", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Lukas Marxt Eine statische Aufnahme zeigt einen Teil einer Landschaft, ein ruhiges Gewässer vor einem Berg. Ein Motorboot kommt von rechts ins Bild, folgt den Anweisungen per Funk und bildet eine Spirale auf der Wasseroberfläche. Das Boot wendet dann nach links und verlässt die Szene; lediglich seine Heckwelle ist eine Zeit lang sichtbar. A static shot shows part of a landscape, a serene body of water in front of a mountain. A motorboat enters the picture from the right, obeying the directions sent by radio and forming a spiral in the water´s surface. The boat then turns to the left and leaves the scene; solely its wake is visible for a time.

Orogenesis

Frankreich France 2016 7'52", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Boris Labbé Eine Reise in die Abstraktion, als Hypothese wie Berge entstanden sein könnten. A trip towards abstraction, as an hypothesis on how mountains might have been formed.

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Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 2 Programme 2

The Earth Began To Tremble

Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 2 Programme 2

5. Mai 20:15 Uhr 5 May 8:15 pm Sunset

…The Winds Have Swept Us Off in All Directions…

Ukraine Ukraine 2020 13'24", Farbe colour, Ukrainisch mit englischen Untertiteln Ukrainian with English subtitles Regie Director Elias Parvulesco Die Arbeit befasst sich mit dem Thema Dunkelheit als optisches Phänomen und auch als Metapher. Dunkelheit wird geboren an der Peripherie von Klarheit und Aktivität, im Reich der Nacht und des Untergrunds, jenseits der Grenze des Spekulativen und Chthonischen. The work addresses the topic of darkness as an optical phenomenon and as well as a metaphor. Darkness is born on the periphery of clarity and activity, in the realm of night and underground, beyond the limit of the speculative and the chthonian.

Terra Australis Incognita

Schweiz Switzerland 2021 9'32", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Andrea Bordoli Der Film basiert auf archivierten Luftaufnahmen der US Navy, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts produziert wurden. Durch das Nebeneinanderstellen des Archivs mit Found Footage und 3D-Modellierung versucht das Projekt, sich kritisch mit dem Kontext und der Form zu beschäftigen. The film is built on archival aerial footage produced by the US Navy throughout the second half of the 20th century. By the juxtapositions of the archives to found footage and 3D modelization, the project seeks to critically engage with context and form.

Le Tigre de Tasmanie The Tasmanian Tiger

Frankreich France 2018 13'20", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Vergine Keaton Ein Tasmanischer Tiger wandert in seinem Zoogehege umher. Ein Gletscher schmilzt langsam. Angesichts ihres vorhergesagten Verschwindens übt die Natur ihre Wut aus, sprengt den Rahmen und widersetzt sich ihrer Auslöschung durch Verwandlung. A Tasmanian tiger wanders around in his zoo enclosure. A glacier is slowly melting. Facing its predicted disappearance, nature exerts its fury, bursts over the frame and resists its extinction by transformation.

animistica

Österreich, Mexiko, Deutschland Austria, Mexico, Germany 2019 6'50", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Nikki Schuster Organische Texturen, gefunden in der Natur Mexikos werden Bild für Bild in makroskopischer Ansicht eingefangen. Die Sequenzen gehen ineinander über, während sich die Texturen zu verwandeln beginnen und lebendig werden. Der Blick geht über Wurzelpflanzen, Fell, Federn, Knochen und diverse Tierkadaver. Verwesungsprozesse und Fäulnis bestimmen das vorbeiziehende Biotop. Organic textures found in nature of Mexico are captured frame by frame in macroscopic view. The sequences are morphed into each other, while the textures begin to transform and become alive. The view is passing over root plants, fur, feathers, bones and diverse animal cadavers. Process of decay and rottenness characterise the passing-by biotope.

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Kuratiert von Curated by Matthieu Janssen, Go Short International Short Film Festival Nijmegen

6. Mai 15:30 Uhr 6 May 3:30 pm Sunset

Wohin du auch gehst, nimm deine Sachen mit! Dies ist eine Ode an sich bewegende Objekte von A nach B. Ob wir die Wohnung wechseln oder in ferne Länder reisen, wir nehmen unsere Dinge mit uns. In diesem Programm schauen wir uns einige schwierige Transporte an: von Statuen bis zu Familienmitgliedern und von toten Tieren zu Möbeln. Egal wie schwer die Dinge sind, wir finden immer das richtige Transportmittel. Und während wir schlafen, setzen sich die Dinge manchmal sogar selbst in Bewegung. Everywhere you go, always take your stuff with you! This is an ode to moving objects from A to B. Whether we change appartements or travel to distant places, we take our things with us. In this programme we’re looking at some challenging transports: from statues to family members, and from dead animals to furniture. No matter how heavy things are, we always find the right means of transport. And while we are asleep, sometimes things even start to move themselves.

Amor, Avenidas Novas

Portugal 2018 20'30", Farbe colour, Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Duarte Coimbra Lissabon, 2017. Manel ist zwanzig Jahre alt, lebt in der Avenida Almirante Reis und idealisiert die Liebe, inspiriert von der Beziehung seiner Eltern. Aus Mitgefühl übergibt er seine Doppelmatratze an Nicolau und dessen Freundin, die nach Lissabon zurückgekehrt sind. Manel ist allein mit der Matratze, die er mit seinen Freunden getauscht hat, und auf dem Weg zurück nach Hause, als er in ein Filmset eindringt. Lisbon, 2017. Manel is twenty years old, lives on Avenida Almirante Reis and idealises love inspired by the relationship of his parents. Out of compassion, he hands over his double mattress to Nicolau and his girlfriend, who returned to Lisbon. Manel is alone with the mattress that he exchanged with his friends and on his way back home when he invades a film set.

Antartica

Belgien Belgium 2016 9'38", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jeroen Ceulebrouck Als eine Gruppe von Antarktisforschern mit ihrem Boot im Eis stecken bleibt, sind sie gezwungen, Rettung zu finden. Die Reise ist beschwerlich und nicht ohne Hindernisse, wir folgen diesen Entdeckern, während ihre Körper und ihr Geist ums Überleben kämpfen. When a group of Antarctic explorers get their boat stuck in the ice, they are forced to find rescue. The journey is difficult and not without obstacles as we follow these explorers while their bodies and minds struggle to survive.

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Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 3 Programme 3

How To Move Your Washing Machine (and other heavy objects)

Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 3 Programme 3

6. Mai 15:30 Uhr 6 May 3:30 pm Sunset

Figura Figure

Polen, Belgien Poland, Belgium 2015 9'13", Farbe colour, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Katarzyna Gondek Rundherum ist es weiß und windig. Eine gigantische Figur taucht hinter dem Schneevorhang auf, fährt auf die Straße, passiert Städte, Dörfer, Häuser, um auf einem Hügel zu landen, neben Spinnen, Heiligen und Autoscootern. Eine surreale Geschichte über die Erschaffung von Mythen, über religiösen Kitsch und über den Wunsch nach Bedeutung. It’s white and windy all around. A gigantic figure emerges from behind the snow curtain, hits the road, passes towns, villages, houses, to land on top of a hill, next to spiders, saints and bumper cars. A surreal tale about creating myths, about religious kitsch, and about the desire for greatness.

Oturacaqlar The Chairs

Aserbaidschan, Vereinigtes Königreich Azerbaijan, United Kingdom 2018 19'45", Farbe colour, Aserbaidschanisch mit englischen Untertiteln Azerbaijani with English subtitles Regie Director Orkhan Aghazadeh Kerim und Rena waren ineinander verliebt, mussten aber andere Menschen heiraten. Obwohl Zeit vergangen ist, ist ihre Liebe in der Gesellschaft, in der sie leben, jetzt verboten und gefährlich. Auf dem Hügel, auf den alle Dorfbewohner kommen müssen, um ihre Handys zu benutzen, sehen sie sich jede Woche, können aber ihre Gefühle nicht zeigen. Die einzige geheime Art, ihre Liebe auszudrücken, ist durch blinkende Lichter in der Dunkelheit der Nacht. Kerim and Rena were in love, but had to marry other people. Despite the passing of time, their love is now prohibited and dangerous in the society they live in. On the hill where all villagers have to come to use mobile phones, they see each other every week, but can’t display their feelings at all. The only secret way of expressing their love is through lights flashing in the darkness of night.

Kupranugaris The camel

Litauen Lithuania 2016 13'23", Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Laurynas Bareiša Im örtlichen Zoo stirbt ein Kamel. Paulius und Indre, zwei Tierpfleger, entdecken es und versuchen, das tote Tier zu entsorgen. Aber es stellt sich heraus, dass dies eine viel schwierigere Aufgabe ist, als sie sich vorgestellt haben. A camel dies in the local zoo. Paulius and Indre, two caretakers, discover it and try to dispose of the dead animal. But it turns out to be a much harder task than they imagined.

Pračka Washing Machine

Tschechien Czech Republic 2020 5'02", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Alexandra Majova Alexandra Májovás humorvoller und verspielter Film ist eine bemerkenswerte Parabel über menschliche Beziehungen. Nur dass in ihrem Film statt einer Frau ein Mann versucht, Probleme mit einem lästigen Haushaltsgerät zu lösen. Alexandra Májová’s humorous and playful film is a remarkable parable of human relationships. Only in her film, instead of with a woman, a man is trying to solve problems with a troublesome home appliance.

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Kuratiert von Curated by Daniel Ebner, Vienna Shorts

7. Mai 13:15 Uhr 7 May 1:15 pm Sunset

Pilotenausbildung auf dem Drehstuhl. Motorradstunts an der Steilwand. Kameraexperimente in der virtuellen Spirale. Die sieben versammelten Arbeiten bewegen sich zwischen Körperkino, Wahrnehmungsresonanzen und animierter Raumvermessung. Ob Menschen, Objekte oder die Kamera selbst, es gibt eine ständige Bewegung, bis sich das Kino scheinbar selbst zu drehen beginnt (oder der Laptop vom Tisch kippt) und wir wieder dort landen, wo wir angefangen haben. Mit O wie in RecOvery, SOnic BOdy 2.0, MOtOdrOm, TangO und der immerwährenden Kreisbewegung. Lehnen Sie sich zurück und lassen Sie sich hypnotisieren! Pilot training on the swivel chair. Motorcycle stunts in the steep wall. Camera experiments in the virtual spiral. The seven assembled works move between body cinema, perceptual resonances and animated spatial measuring. Whether people, objects, or the camera itself, there is constant movement until the cinema itself seemingly begins to rotate (or the laptop spins off the table) and we end up back where we started. With O as in RecOvery, SOnic BOdy 2.0, MOtOdrOm, TangO and the perpetual circular movement. Sit back and let yourself be hypnotised!

Recovery

USA 2020 10'13", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Kevin Jerome Everson „Lassen Sie mich einfach jede Minute wissen was Sie fühlen“, sagt der Ausbilder vor dem Eignungstest auf der Columbus Air Force Base. Ständig sich in einem Drehstuhl drehend, führt der Auszubildende die vom Ausbilder angeordneten Manöver aus. Gedreht auf schwarz-weißem 16mm-Film und in einem Take, wird Kevin Jerome Eversons Szene zu einer Herausforderung nicht nur für den Protagonisten, sondern auch für das Publikum. ‘Every minute, just let me know what you feel,’ states the instructor before the aptitude test at Columbus Air Force Base. Constantly spinning in a swivel chair, the trainee executes the maneuvers the instructor orders. Shot on black-and-white 16 mm film and in one take, Kevin Jerome Everson’s scene becomes a challenge not just for the protagonist but also for the audience.

Sonic Body 2.0

Österreich Austria 2022 8'44", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director No One Eine Kamera beobachtet ein sich drehendes Objekt, nähert sich ihm und tritt in es hinein – nimmt die Perspektive des Objekts ein. Ausgesetzt der wechselnden und starken Rotationsgeschwindigkeit kombiniert der Chip der Kamera verschiedene Fragmente des umgebenden Szenarios, das er rasend beobachtet und einen Strom von fragmentierten Bildern auslöst. A camera observes an rotating object, approaches it and enters it – takes the perspective of this object. Being exposed to varying and heavy rotation speed the camera‘s chip combines different fragments of the surrounding scenario that it racingly observes, provoking a stream of fragmented images.

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Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 4 Programme 4

It Feels Like We’re Going In Circles

Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 4 Programme 4

7. Mai 13:15 Uhr 7 May 1:15 pm Sunset

Motodrom

Deutschland Germany 2006 9'14", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Jörg Wagner Die Welt der Hell Riders in einem Motorradderby: Männer und Motorräder, Geschwindigkeit und Stunts, Benzin und Adrenalin. Eine aussterbende Jahrmarktsattraktion, portraitiert in einer spannenden Hommage mit 5.000 Umdrehungen pro Minute. The world of the hell-riders in a motorcycle derby: men and motorbikes, speed and stunts, gasoline and adrenaline. A dying fairground attraction, portrayed in a thrilling homage with 5,000 rounds per minute.

Österreich Austria 2021 7'35", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Lydia Nsiah vs (oder „virtual spiral“) befasst sich mit der Dynamik zwischen Zeit und Körper im Film. Auf digitalem Video und unzuverlässigem 16-mm-Film wird das Prozesshafte von Zeit und (Film-)Körper visuell transformiert durch spiralförmige Kamerabewegungen. Dabei treten gegenläufige Bewegungen, Distanz und Nähe oder Tiefe und Fläche in einen Dialog miteinander. Die Spirale zieht sich wie ein roter Faden durch den Film. vs (or ‘virtual spiral’) deals with the dynamics between time and body in film. On digital video and non-reliable 16mm-film the processual of time and (film) body is visually transformed by spiraling camera movements. Here, contrary movements, distance and proximity or depth and surface enter into a dialogue with each other. The spiral runs like a thread through the film.

Österreich Austria 2021 5'36", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Paul Wenninger … ein Leinwand großes „Selfie“, anders als alle, die ihr in diesem oder jedem anderen Jahr sehen werdet. Und ein „Tanz“-Film, bei dem sich der Tänzer in jeder Einstellung nie wirklich bewegt. Wenninger animiert in Stop-Motion sowohl sich selbst als auch seine Umgebung: ein scheinbar leerer Raum in einer bretonischen Villa wird zur Kulisse und zum Portal in aufregende, neue Dimensionen. … big-screen ‘selfie’ unlike any you’ll see this or any other year. And a ‘dance’ film whose dancer never actually moves within each shot. Wenninger stopmotion animates both himself and his surroundings: an ostensibly empty room in a Breton villa becomes backdrop for and portal into exhilarating new dimensions.

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Grid

Portugal 2021 14'01", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Alexandre Alagôa Ein verlassener Ort, unvollendet, der Rohbau eines Gebäudes, Sichtbeton. Wir bewegen uns auf diesen Ort zu, auf einem präzisen Raster der uns aufsaugt und uns in seinen Bann zieht. Sequenzen von Einzelbildern und schwindelerregenden Kamerafahrten, annähernd schwerelos, als befänden wir uns in der Schwerelosigkeit eines Raumschiffs. Der angebliche Ritt durch den Weltraum führt uns schließlich ins Freie – und die Welt beginnt sich um uns zu drehen. A deserted place, unfinished, the shell of a building, exposed concrete. We move toward this place on a precise grid that sucks us in and puts us under its spell. Sequences of single images and dizzying tracking shots, approaching weightlessness, as if we were in zero gravity on some spaceship. The purported ride through outer space finally takes us outdoors – and the world starts spinning around us.

Tango

Polen Poland 1981 7'53", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Zbigniew Rybczynski Der Film zeigt einen zunächst leeren Raum. Ein Ball springt durch das Fenster herein und ein Junge tritt ein um ihn zu holen und geht. Diese Abfolge von Handlungen wiederholt sich immer wieder, allmählich begleitet durch immer wiederkehrende Wege verschiedener Personen durch den Raum. The film depicts an initially empty room. A ball bounces in through the window, and a boy enters to retrieve it and leaves. This series of actions repeats over and over, gradually accompanied by more and more repeating paths of different people through the room.

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Andere Others Four Perspectives: Movements Programm 4 Programme 4

7. Mai 13:15 Uhr 7 May 1:15 pm Sunset

Andere Others Emerging Artists

Emerging Artists

5. Mai 14:45 Uhr 5 May 2:45 pm Star

Mit Emerging Artists – Contemporary Experimental Films and Video Art from Germany präsentieren AG Kurzfilm und German Films die fünfte Edition ihres Programms mit kurzen, experimentellen Arbeiten junger Nachwuchskünstler. Die Organisatoren möchten mit dem Programm stark künstlerisch ausgerichtete Film- und Videokunstarbeiten promoten, die nicht nur auf Festivals, sondern auch über den Kunstmarkt in Museen und Galerien ausgewertet werden können. With their programme Emerging Artists – Contemporary Experimental Films and Video Art from Germany, AG Kurzfilm and German Films present the fifth edition of this compilation of short experimental works by young, upcoming artists. The initiators would like to promote highly artistic film and video art works, which can be screened not only at festivals, but also in museums and galleries.

Flüssige Wesenszüge einer Bildapparatur Liquid Traits of an Image Apparatus

Deutschland Germany 2019 7'22", Schwarzweiß black-and-white, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Vera Sebert Visualisierte maschinelle Handlungsanweisungen bilden eine eigene Semantik und Grundlage für menschliche Handlungsanweisungen. Auf der Kinoleinwand wird dieses Bild von seiner Bedeutung entkoppelt. On a cinema screen these images are detached from their initial meaning. Like a random rhizome structure, an associative montage of minimalistic user interfaces follows the film’s timeline.

Nicer, Soon

Deutschland, Israel Germany, Israel 2019 11'11", Farbe colour, Englisch English Regie Director Julius Weigel In Nicer, Soon berichtet jemand von zwei Erinnerungen. Während er sie abwechselnd wiederholt, scheinen sie sich mit Ideen romantischer Popkultur aufzuladen. Die Bilder werden in diesem One-Take in kreisförmiger Bewegung beschrieben und gelangen zu dem Schluss, dass alle im Zentrum ihrer Umgebung stehen. In Nicer, Soon, a narrator shares two memories. In the process of repeating them in rotation they seem to get charged by ideas of romantic popular culture. The images in this one take are described in circular motion, leading to the understanding that everyone is in the centre of their surroundings.

Beasts of No Nation

Deutschland Germany 2019 9'28", Farbe colour, Englisch English Regie Director Krzysztof Honowski Ein Essayfilm über Menschenmengen, Nationalismus und die Einsamkeit von Achterbahnen. An essay film about crowds, nationalism and the loneliness of rollercoasters.

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If There Is Love, You Will Take It

Deutschland Germany 2020 10'45", Farbe colour, Deutsch, Englisch mit englischen Untertiteln German, English with English subtitles Regie Director Daniel Hopp Wie Labertiere sitzen wir da und sprechen, jeden Tag. Wir sprechen „copy and paste“-Sprache. Wir wissen noch nicht, was wir gesagt haben werden. Riskant wie auf Scarface-Film im „Istanbul“. Kann klappen, kann scheitern, so wie das Aufrechterhalten der Rolle. Like talking toy animals, we sit there and speak, every day. We speak ‘copyand-paste’ language. We don’t know yet what we will have said. In the ‘Istanbul’, it’s risky – like being on a Scarface film trip. It can work, it can fail, just like maintaining the role.

Centauress

Deutschland Germany 2020 8'15", Farbe colour, Türkisch mit englischen Untertiteln Turkish with English subtitles Regie Director Deniz Şimşek 2003, Material aus TV-Archiven, der zukünftige Präsident der Türkei spricht zum Volk. Geschlechter – eine intime Erinnerung, 2. Klasse, der Schulhof in Üsküdar. Ein ewig währender Ohrwurm aus einer Saftwerbung. In einem Moment der Erinnerung lässt dich dein Gedächtnis durch die eigene Zeit und Raum fallen. Year 2003, footage from TV archives, the future president of Turkey speaks to his folk. Gender – an intimate memory, second grade, the schoolyard in Üsküdar under blue sky. An everlasting catchy tune from a juice commercial. In an instant of remembrance, your memory gets you to fall through its own time and space.

From My Desert

Deutschland Germany 2019 14'16", Farbe colour, Englisch English Regie Director Veneta Androva Das Treffen versetzt den jungen Kunstinvestor in Ekstase. Da hängt er, Martin, wunderschön, einnehmend, erregend. Es ist so etwas wie Liebe. Doch: Kann die Beziehung halten? (Carolin Weidner, DOK Leipzig 2019) The young investor is ecstatic about the meeting. There he hangs, Martin, beautiful, alluring, exciting. It’s almost like love. But can the relationship last? (Carolin Weidner, DOK Leipzig 2019)

Top Down Memory

Deutschland Germany 2020 12'20", Farbe colour, Deutsch, Englisch, Italienisch mit englischen Untertiteln German, English, Italian with English subtitles Regie Director Daniel Theiler Ausgehend von den Verwirrungen um eine angebliche Ausrufung der sozialistischen Republik von einem seiner Balkone im Jahr 1918 werden weitere Balkon-Ereignisse untersucht, um Fragen nach Authentizität und Manipulation aufzuwerfen. Starting from the confusions surrounding an alleged proclamation of a socialist republic from one of its balconies in 1918, it examines events that occurred on balconies to raise questions about authenticity and manipulation.

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Andere Others Emerging Artists

5. Mai 14:45 Uhr 5 May 2:45 pm Star

Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly

Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Die Entwicklung des litauischen Kurzfilms lässt sich in zwei getrennte Traditionen unterteilen, die lange Zeit nicht miteinander verbunden waren. Die erste sind die Video- und Bewegtbildkünstler, die in der Szene der bildenden Kunst tätig sind. Sie sind in der Regel Absolventen der Akademie der Schönen Künste. Seit den späten 1990er Jahren haben bildende Künstler die Tradition des experimentellen Kinos gepflegt, die Grenzen des Genres erweitert und erfolgreich konzeptionelle Paradigmen des internationalen Diskurses integriert. Im Vergleich zu ihren Kollegen aus der Filmwissenschaft haben bildende Künstler im Allgemeinen viel freier mit Dokumentar- und Found-Footage-Material experimentiert. In diesen Programmen repräsentieren die Filme von Anastasia Sosunova und Emilija Škarnulytė diesen Raum des Experimentierens mit Formen und narrativen Strategien. Doch seit etwa 2015 erleben wir auf den großen Filmfestivals wie Cannes und Venedig einen Durchbruch der jüngsten Generation von Genrefilmern. Mit ihrer Sensibilität für das lokale soziale Umfeld pflegen diese Filmemacher im Vergleich zu ihren Vorgängern die Sprache des Erzählkinos durch viel freiere, kühnere Interpretationen des Textes und fantasievolle visuelle Entscheidungen auszuzeichnen. Vytautas Katkus, Saulius Baradinskas und Laurynas Bareiša werden zweifellos ihren Regieambitionen folgen und einen Langfilm verwirklichen. Dennoch spiegeln ihre kleinformatigen Filme die Haltung der Generation der knapp über Dreißigjährigen auf eine Art und Weise wider, die außerhalb ihres Landes geschätzt und hoch bewertet wird. Diese drei litauischen Kurzfilmprogramme sind als Versuch gedacht, unterschiedliche Traditionen der Bildgestaltung, die als zwei parallele künstlerische Gemeinschaften in einer Stadt – Vilnius – nebeneinander existieren und das Potenzial der gegenseitigen kreativen Synergie noch nicht erforscht haben, zu einem gemeinsamen Filmerlebnis zu verbinden. Kuratiert von Deimantas Narkevičius Deimantas Narkevičius wurde 1964 in Litauen geboren und ist einer der beständigsten und anerkanntesten litauischen Künstler in der internationalen Kunstszene. Ursprünglich als Bildhauer ausgebildet, hat Narkevičius hauptsächlich mit Film und Video gearbeitet. Seit 1992 hat er weltweit an wichtigen Orten für zeitgenössische Kunst und bei Veranstaltungen ausgestellt, darunter das Centre Pompidou (Paris), das Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofia (Madrid), die Tate Modern (London), das Museum of Modern Art (New York) und das Stedelijk Museum (Amsterdam). Unterstützt von Supported by Lithuanian Short Film Agency (Rimanté Daugėlaitė)

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The development of the Lithuanian short film can be divided into two separate traditions that have been rather unconnected for a long time. The first is the video and moving image artists practising in the visual arts scene. As a rule, they have been graduates of the Academy of Fine Arts. Since the late 1990s, visual artists have nurtured the tradition of experimental cinema, expanding the boundaries of genre, successfully integrating conceptual paradigms of the international discourse. Visual artists have been generally much freer in experimenting with documentary and found footage materials when compared to their colleagues from cinema studies. In these programmes, the films of Anastasia Sosunova and Emilija Škarnulytė represent this space of experimentation in form and narrative strategies. But since around 2015, we have been witnessing a breakthrough of the most recent generation of feature genre filmmakers at major film festivals such as Cannes and Venice. By remaining sensitive to the local social environment, these practitioners nurture the language of narrative cinema, characterised by much freer, bolder interpretations of the text and imaginative visual decisions to their predecessors. Vytautas Katkus, Saulius Baradinskas, Laurynas Bareiša will undoubtedly carry out the directorial ambitions of a full length. Nonetheless, their small-format films reflect the posture of the just over thirties generation in a way that is appreciated and highly valued outside their own country. These three Lithuanian short film programmes are conceived as an attempt to combine into a common screening experience significantly different image-building traditions coexisting as two parallel artistic communities in, essentially, one city – Vilnius, which have not yet explored the potential of reciprocal creative synergy. Curated by Deimantas Narkevičius Deimantas Narkevičius was born 1964 in Lithuania and is one of the most consistent and widely recognised Lithuanian artists on the international art scene. Originally trained as a sculptor, Narkevičius has mainly been working with film and video. Since 1992 he has exhibited extensively around the world at some important contemporary art venues and events including Centre Pompidou (Paris), Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofia (Madrid), Tate Modern (London), Museum of Modern Art (New York), Stedelijk Museum (Amsterdam).

Gimimas My Birth

Litauen Lithuania 2017 3', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Eglė Davidavičė Gimimas ist eine Konfrontation mit der Angst vor Wäldern bei Nacht, ihren Bewohnern und tiefer Dunkelheit. My Birth is a confrontation with the fear of nocturnal forests, its dwellers and deep darkness.

Demichovo Šuo Demikhov Dog

Lettland, Litauen Latvia, Lithuania 2017 7'23", Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Anastasia Sosunova Demichows Hunde waren das Ergebnis der Experimente des sowjetischen Wissenschaftlers Wladimir Demichow, der 1954 die weltweit erste Kopftransplantation durchführte. Bei diesen Experimenten wurden zweiköpfige Hunde erschaffen, die für einen kurzen Zeitraum lebensfähig waren. Im Video nutzt Sosunova diese Experimente als Konzept, mit dem Erfahrungen kultureller Unterschiede und indentitäre Zerissenheit diskutiert werden, welche die Region enträtseln, in der sie aufwuchs. Demikhov’s dogs were the result of experiments conducted by the Soviet scientist Vladimir Demikhov, who carried out the world’s first head transplant operations in 1954. During the course of these experiments, two-headed dogs – able to survive for a short period – were created. In the video, Sosunova uses these experiments as a concept through which to discuss experiences of cultural difference and the rifts of identity that riddle the region in which she was raised.

Mono No Aware

Litauen Lithuania 2017 6', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Emilija Juzeliūnaitė Mono no aware erzählt die Geschichte dreier Menschen, die Erfahrungen mit der eigenen Zerbrechlichkeit im Laufe der Zeit machen. Mono no aware tells a story about three people experiencing their fragility in the flow of time.

Kolektyviniai sodai Community Gardens

Litauen Lithuania 2019 15', Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Vytautas Katkus Eine Geschichte über eine kalte Vater-Sohn-Beziehung. Ihre Verbindung, geprägt von Gleichgültigkeit, zerfällt vollkommen. It is a story about a cold relationship between a father and his son. Their bond, plagued by indifference, disintegrates completely.

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Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Programm 1 Programme 1

5. Mai 17:45 Uhr 5 May 5:45 pm Sunset

Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Programm 1 Programme 1

5. Mai 17:45 Uhr 5 May 5:45 pm Sunset

Atkūrimas Dummy

Litauen Lithuania 2020 13', Farbe colour, Litauisch mit deutschen, englischen Untertiteln Lithuanian with German, English subtitles Regie Director Laurynas Bareiša Unter Verwendung einer gesichtslosen Puppe stellt ein Krimineller eine brutale Straftat nach. Überraschenderweise ist er nicht derjenige, der verurteilt wird. In der Ermittlungsgruppe scheint jemand aus der Reihe zu tanzen. Using a faceless doll, a criminal re-enacts a brutal crime. But surprisingly he is not the one being judged. There seems to be an odd one out in the investigative group.

Corolla

Belgien Belgium 2019 3'05", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Gintautė Skvernytė Der Film Corolla wurde auf 16-mm-Film gedreht und besteht aus sieben Nahaufnahmen von Blütenblättern, angeregt durch die Bewegung von Augenlidern. „Corolla“ bezieht sich auf die Krone der Blüte; als Gesicht der Blüte leitet sie Tierarten, die sich an ihrer Farbe und Beschaffenheit erfreuen. Shot on 16mm, the film Corolla consists of seven close-ups of flower petals animated by the movement of the eye-lids. ‘Corolla’ refers to the crown of a flower; by forming the flower’s face, it guides animal species by pleasures of colour and texture.

I Put On The Ivy Crown

Litauen Lithuania 2020 6'33", Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Emilija Noreikaitė Ein mythisches Mysterium der Dionysien, portätiert in einer poetischen sowie symbolischen, audio-visuellen Ode. Religiöse Ekstase und ritueller Wahnsinn, dargestellt aus der Sicht einer Frau, die in einem Exzess aus Begeisterung, Euphorie und Wildheit tanzt und das Heiligtum ehrt. A mythological mystery of Dionysia portrayed in a poetic and symbolic audiovisual ode. Religious ecstasy and ritual madness depicted through a woman’s eyes, dancing and glorifying the sacred one in an excess of rapture, euphoria and wildness.

Sirenomelia

Litauen Lithuania 2017 11'53", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Emilija Škarnulytė In Gegenden weit im Norden, wo kalte arktische Gewässer auf felsige Steilhänge treffen, auf denen Radioteleskope schnelle Quasarwellen erfassen, verbindet Sirenomelia Mensch, Natur und Maschine und postuliert mögliche posthumane Mythologien. Gedreht in einem verlassenen U-Boot-Stützpunkt aus dem Kalten Krieg in Olavsvern in Norwegen, ist er ein kosmisches Porträt einer der ältesten mythischen Wesen der Menschheit: der Meerjungfrau. In far-northern territories where cold, Arctic waters meet rocky escarpments on which radio telescopes record fast-traveling quasar waves, Sirenomelia links man, nature and machine and posits possible post-human mythologies. Shot in an abandoned Cold-War submarine base in Olavsvern, Norway, it is a cosmic portrait of one of mankind’s oldest mythic creatures: the mermaid.

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Agentai Agents

Litauen Lithuania 2020 14'57", Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Anastasia Sosunova Agentai beobachtet den Effekt strenger Quarantänemaßnahmen auf Menschen und ihre Kreativität. Beim wiederholten Besuch der Orte mit öffentlichen Skulpturen mit traditionellen Holzmustern bemerkt Sosunova, wie Wälder und Parks nach und nach von ihren Besuchern mit spontaner, einheimischer Kunst und vorrübergehenden Strukturen gefüllt werden. Agents observs the effect of strict quarantine measures on people and their creativity. Revisiting the sites with public sculpture made in traditional wood crafting motifs, Sosunova notices how forests and parks are gradually filled with spontaneous vernacular art and temporary structures by its visitors.

Miegamasis rajonas Places

Litauen Lithuania 2020 13', Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Vytautas Katkus Zwei Kindheitsfreunde verbringen die letzten Tage dort, wo sie aufwuchsen. Auf diese Art versuchen sie, ihren Abschied von dem Bezirk, der sich schnell verändert, hinauszuzögern. Two childhood friends are spending the last days in places where they grew up. That’s how they try to postpone their farewell to the district which is rapidly changing.

Bejėgis vaistas Helpless cure

Litauen Lithuania 2019 20'06", Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Milda Januševičiūtė, Miša Skalskis Bejėgis vaistas entwickelt Parallelen zwischen der Legitimierung von Gesundheitssystemen und kreativer Arbeit sowie zwischen der Zukunft und Erinnerungen, Selbstfürsorge und der Suche nach dem Sinn. Die Grenzen zwischen konventionellen und alternativen medizinischen Praktiken verschwimmen, während ewig junge Figuren mit der Suche nach dem Selbst konfrontiert werden. Helpless Cure develops parallels between the legitimisation of healthcare systems and of creative work, as well as between future and memories, selfcare, and the search for meaning.The boundaries between conventional and alternative medical practices blur as eternally youthful characters face the search for the self.

Paskutinė diena The Last Day

Litauen Lithuania 2017 24', Farbe colour, Litauisch, Russisch mit englischen Untertiteln Lithuanian, Russian with English subtitles Regie Director Klaudija Matvejevaitė Wie würdest du dich fühlen, wenn du dein genaues Sterbedatum kennen würdest? Die Familie Beloglazovai – Kolia, Lena, ihre Tochter Sonia und ihr Sohn Igor – leben in einem Haus in Vilnius. Am heutigen Tag muss der 14-jährige Igor sterben. Die ganze Familie weiß es und alle versuchen auf ihre eigene Art, mit dem belastenden Abwarten zurechtzukommen. How would you feel if you knew your exact date of death? Beloglazovai family – Kolia, Lena, their daughter Sonia and son Igor live in an old house in Vilnius. Today is the day when fourteen year old Igor must die. All family members know that and in their own way are trying to deal with this burdensome waiting.

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Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Programm 2 Programme 2

6. Mai 20:15 Uhr 6 May 8:15 pm Sunset

Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Programm 2 Programme 2

6. Mai 13:15 Uhr 6 May 1:15 pm Sunset

Žmogus su Render Animacijos kamera Man with Render Animation Camera

Litauen Lithuania 2020 6', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Žilvinas Baranauskas Mit diesem Werk untersuche ich, in welchen Formen Städte heutzutage existieren. Was macht ein menschliches Gesicht in einer Stadt, die sich aus digitalen und post-sowjetischen Einflüssen herausentwickelt? Welche Beziehung haben wir zur Stadt und wie sehen wir diese Modernität? With this work, I am exploring in what forms the city exists today. What does a human face in the city that is developing out of digital and post-Soviet influences? What is our relationship with the city, and how are we seeing this modernity?

Žonglierius The Juggler

Litauen, Frankreich Lithuania, France 2018 11', Farbe colour, Litauisch, Englisch, Französisch mit englischen Untertiteln Lithuanian, English, French with English subtitles Regie Director Skirmanta Jakaitė Wir leben im selben Haus, aber in unterschiedlichen Wohnungen, mit verschiedenen Jobs, Situationen, Überzeugungen, Visionen; jeweils im eigenen Abteil tun wir so, als sei die Welt eins und als existiere sie. Manchmal wirkt es jedoch so, als hätte ich den nicht erfassbaren roten Faden fast gefunden. als hätte ich es fast verstanden. We live in the same house, but in different apartments, jobs, situations, beliefs, visions; each one in our own compartment, fooling ourselves that the world is one, and that it exists. Although sometimes it seems that the incomprehensible thread has almost been caught, and I am on a verge of understanding.

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Litauen Lithuania 2021 20'43", Farbe colour, Englisch English Regie Director Simona Žemaitytė Das persönliche Videoarchiv von Saulius Čemolonskas (1964–2017), einem Klangkünstler der experimentellen Musikszene Londons, ist ein Schmelztiegel aus Migrationsgeschichten, großem Optimismus zur Jahrhundertwende und der kreativen Energie, die durch das Internet und neue, digitale Technologien freigesetzt wurde. Nach seiner illegalen Flucht aus der UdSSR über Israel verbrachte Saulius viele Jahre in Großbritannien als „Staatenloser“. Seine Geschichte wird mithilfe der Erinnerungen seiner Freundin und Mitarbeiterin Laure Provoust erzählt. The personal video archive of Saulius Čemolonskas (1964-2017), a sound artist in London’s experimental music scene, is a melting pot for stories of migration, great optimism at the turn of the century, and creative energy generated by the internet and new digital technologies. After escaping the USSR illegally, via Israel, Saulius spent many years in the UK being ‘stateless’. His story is told via the memories of a friend and collaborator Laure Provoust.

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Techno, Mama

Litauen Lithuania 2021 18', Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Saulius Baradinskas Nikita liebt Technomusik und träumt davon, einmal in Berlin in den berühmten Club Berghain zu gehen. Seine Mutter Irena weiß nichts vom Traum ihres Sohnes. Bald prallen ihre gegenseitigen Erwartungen aufeinander. Nikita loves listening to techno music and dreams of going to Berlin and visiting the famous club Berghain. His mother, Irena, doesn’t know about her son’s dreams, and soon enough their mutual expectations will clash.

The Footstones in Night Writing

Litauen Lithuania 2015 5', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Emilija Škarnulytė Im Frühling 1986 verlor Aldona ihr Augenlicht und erblindete langfristig. Die Nerven ihrer Augen wurden vergiftet. Ärzten zufolge ist die Ursache die Nuklearkatastrophe von Tschernobyl. Im Film folgen wir Aldona einen Tag lang durch den Grutas-Park und kommen mit der Vergangenheit und der Gegenwart in Berührung. In the spring of 1986, Aldona lost her vision and became permanently blind. The nerves in her eyes were poisoned. Doctors claimed that it was probably due to Chernobyl’s Nuclear Power Plant explosion. In the film we follow Aldona through a daily sojourn to Grutas Park, touching both the past and the present.

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Andere Others Country Focus Lithuania: Whispering Loudly Programm 3 Programme 3

6. Mai 20:15 Uhr 6 May 8:15 pm Sunset

Andere Others Neuerwerbungen im Verleih des Festivals Recent Acquisitions in the Festival Distribution

Neuerwerbun gen im Verleih des Festivals Recent Acquisitions in the Festival Distribution

5. Mai 18:00 Uhr 5 May 6:00 pm Walzenlager

Der Verleih der Kurzfilmtage beruht auf einer der ältesten und bedeutendsten Kurzfilm-Sammlungen weltweit. Jedes Jahr kaufen die Kurzfilmtage ca. 50 neue Arbeiten aus dem aktuellen Festivalprogramm neu an. Das Festival präsentiert hier einige aktuelle Neuerwerbungen im Verleih. Fast alle Filme dieses Programms wurden von Frauen realisiert. The distribution service of the International Short Film Festival Oberhausen is based on one of the oldest and most important short film collections worldwide. Every year the festival purchases around 50 new works from the current festival programme. Here, the festival presents several recent new acquisitions by the distribution. Almost all films in this programme were made by women.

Before the fall there was no fall. Episode 02: surfaces

Bosnien und Herzegowina, Niederlande Bosnia and Herzegovina, Netherlands 2020 20', Farbe colour, Bosnisch, Niederländisch mit englischen Untertiteln Bosnian, Dutch with English subtitles Regie Director Anna Dasović Eine Kamera schwenkt über die Flächen eines UN-Militärgeländes in Srebrenica, 25 Jahre nach dem dortigen Genozid. Dasović stellt zeitgenössisches Filmmaterial neben Archivbilder der Vorbereitungsübungen des Militärs vor dem Truppeneinsatz Mitte der 1990er-Jahre. Was erzählen die Worte und Bilder, die die niederländischen Soldaten hinterlassen haben, den Betrachtern über die Militärdoktrin, von der diese Männer geleitet wurden? A camera pans across surfaces of a UN military compound in Srebrenica 25 years after a genocide took place there. Dasović juxtaposes contemporary footage with archival images of the military’s preparatory exercises before troop deployment in the mid-1990s. What do the words and images left by Dutch soldiers tell the viewer about the military doctrine these men were guided by?

Un très long temps d‘exposition A Very Long Exposure Time

Frankreich France 2020 7', Farbe colour, Englisch English Regie Director Chloé Galibert-Laîné Dieser Film ist eine Meditation über die jeweiligen Zeitlichkeiten der verschiedenen Bildtechnologien. Er untersucht die expliziten und unausgesprochenen Ideologien, die sich hinter der Technik verbergen, und wird zu einem Netz scheinbar unzusammenhängender Geschichten, die nach und nach Muster von durch Technologie herbeigeführter politischer Auslöschung enthüllen. This film is a meditation on the respective temporalities of different image technologies. An investigation of the explicit and unspoken ideologies encapsulated in technology, the film unfolds as a web of apparently unrelated stories, progressively revealing patterns of technologically-determined political erasure.

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More Woman, More Cry

Norwegen Norway 2021 24', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Norwegisch mit englischen Untertiteln Norwegian with English subtitles Regie Director Anne Haugsgjerd Anne Haugsgjerd (77), eine bekannte norwegische Filmemacherin, denkt auf poetische, provokante und emotionale Weise über den Übergang in das letzte Kapitel ihres Lebens nach. Eine ungeschönte Geschichte über das Älterwerden, Schwerkraft und Kiffen. Anne Haugsgjerd (77), a renowned Norwegian director, reflects in a poetic, provocative and emotional way about entering the last chapter of her life. A naked story about aging, gravity and smoking weed.

Cântec de leagăn Cradle

Rumänien Romania 2020 4', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Paul Mureșan Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders. People tend to hurt each other, leaving long-lasting wounds, and this is no different amongst families.

Pole Žin Fields of Žinas

Tschechien Czech Republic 2020 9', Farbe colour, Tschechisch mit englischen Untertiteln Czech with English subtitles Regie Director Marie Lukáčová, Anna Remešová Dieser kritische Videoessay befasst sich mit der Entwicklung der nordböhmischen Landschaft und ihrem aktuellen Zustand. Fremde Videobeiträge zeigen die Bemühungen, Lösungen zu finden und spezifische utopische Ideen umzusetzen. In den meisten Fällen enthalten diese scharfe Kritik am aktuellen politischen und wirtschaftlichen System. This critical video essay deals with the actual development of the North Bohemian landscape and its current state. Foreign video contributions largely reflect the efforts to find solutions and fulfil specific utopian ideas. These ideas are very often based on criticizing the current political and economic system.

This Makes Me Want to Predict the Past

Österreich, Deutschland, Austria, Germany 2019 16', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Cana Bilir-Meier Der Film porträtiert zwei junge Frauen am Münchner Olympia-Einkaufszentrum. Dort wurden während eines rassistischen Anschlags im Jahr 2016 neun Jugendliche mit Migrationshintergrund ermordet, einige weitere angeschossen und viele schwer verletzt. Die Kamera folgt diesen zwei jungen Frauen bei ihren alltäglichen Erkundungen des Einkaufzentrums und des Anschlagsortes. The film portrays two young women in Munich‘s Olympia shopping mall. Nine young people with migration background were murdered and some received gunshot wounds there in 2016 in a racist attack, with many other people badly injured as well. The camera follows the young women during their everyday explorations of the shopping mall and the place of the attack.

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Andere Others Neuerwerbungen im Verleih des Festivals Recent Acquisitions in the Festival Distribution

5. Mai 18:00 Uhr 5 May 6:00 pm Walzenlager

Andere Others EFA Shorts Programm 1 Programme 1

EFA Shorts

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Walzenlager

Die Kurzfilminitiative der European Film Academy hat seit Langem einen festen Platz auf der alljährlichen internationalen Kurzfilmagenda und wird in Zusammenarbeit mit 25 Partnerfestivals organisiert. Bei jedem dieser Festivals vergibt eine unabhängige Jury eine Nominierung in der Kurzfilmkategorie des Europäischen Filmpreises an einen der europäischen Filme des jeweiligen Wettbewerbs. Die Kurzfilmtage haben 13 dieser Arbeiten für das Festival ausgewählt. The European Film Academy’s short film initiative has long had an established place within the annual international short film agenda and is organised in partnership with 25 festivals. At each of these festivals, an independent jury nominates one of the European films in the respective competition for the short film category of the European Film Awards. The Short Film Festival has selected 13 of these works for the festival.

Dustin

Frankreich France 2020 20', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Naïla Guiguet Nominierung Nomination Internationale Kurzfilmtage Winterthur In einer verlassenen Lagerhalle tanzt eine Menschenmenge zu Technomusik mit 145 BPM. Auch Dustin, jung und transgender, sowie Felix, Raya und Juan sind dabei. Im Laufe der Nacht verwandelt sich die kollektive Hysterie in süße Melancholie und die Euphorie in Sehnsucht nach Zärtlichkeit. In an abandoned warehouse, a crowd is dancing as one to 145 BPM techno music. Among them is Dustin, a young transgender and crew: Felix, Raya and Juan. As the night draws on, collective hysteria morphs into sweet melancholy and euphoria into yearning for tenderness.

Filles bleues, peur blanche Blue Fear

Frankreich France 2019 10', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Marie Jacotey, Lola Halifa-Legrand Nominierung Nomination Cork International Film Festival Ein Paar unterwegs in der Provence. Nils fährt mit Flora zum ersten Mal zu seinen Eltern. Plötzlich geraten sie in einen Hinterhalt. Sie wird gefangen genommen, er flieht. Nachts im Kiefernwald kämpft sie mit ihren Zweifeln. A couple on the roads of Provence. Nils is driving Flora to his parents for the first time when they get ambushed. While she’s held prisoner, he flees. During a night in the pinewood, she has to face her doubts.

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In Flow of Words

Niederlande Netherlands 2021 22', Farbe colour, Englisch English Regie Director Eliane Esther Bots Nominierung Nomination Locarno Film Festival In Flow of Words erzählt die Geschichte von drei Dolmetschern beim Internationalen Strafgerichtshof für das ehemalige Jugoslawien. Sie haben erschreckende Aussagen von Zeugen, Opfern und Tätern gedolmetscht, ohne jemals eigene Emotionen, Gefühle oder persönliche Erfahrungen zuzulassen. Als Gegenpol zu ihrer Position am Strafgerichtshof stellt dieser Film ihre Stimmen und Erfahrungen in den Mittelpunkt. In Flow of Words follows the narratives of three interpreters at the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia. They interpreted shocking testimonies from witnesses, victims and perpetrators, without ever allowing their own emotions, feelings and personal histories to be present. Contrary to their position at the tribunal, this film places their voices and experiences centre stage.

Dalej jest dzien Beyond Is the Day

Polen Poland 2020 25'30", Schwarzweiß black-and-white, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Damian Kocur Nominierung Nomination Clermont-Ferrand International Short Film Festival Irgendwo in Europa, irgendwo in Polen lebt Pawel – ein einfacher Mann, der auf einer kleinen Flussfähre in der Nähe seines Dorfs arbeitet. Den Großteil seines Tages verbringt er damit, die Dorfbewohner ans andere Ufer des Flusses zu bringen. Ein Tag gleicht dem anderen. Doch eines Tages sieht er jemanden, der schwimmend den Fluss überquert: Mohammad, ein Immigrant aus Palästina. Endlich hat Pawel jemanden, mit dem er reden kann. Somewhere in Europe, somewhere in Poland lives Pawel, a simple man working on a small river ferry close to his village. He spends most of his day taking the villagers to the other side of the river. Every day looks the same, but one day he notices somebody traversing the river by swimming. This person is Mohammad, an immigrant from Palestine. There is finally somebody Pawel can talk to.

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Andere Others EFA Shorts Programm 1 Programme 1

5. Mai 20:00 Uhr 5 May 8:00 pm Walzenlager

Andere Others EFA Shorts Programm 2 Programme 2

8. Mai 16:00 Uhr 8 May 4:00 pm Walzenlager

Maalbeek

Frankreich France 2020 16', Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Ismaël Joffroy Chandoutis Nominierung Nomination Uppsala Short Film Festival Als an Gedächtnisverlust leidende Überlebende des Terroranschlags auf die U-Bahn-Station Maalbeek am 22. März 2016 sucht Sabine nach der fehlenden Darstellung eines übermedialisierten Ereignisses, an das sie keine Erinnerungen hat. Survivor but amnesiac of the attack at Maalbeek metro station on 22 March 2016 in Brussels, Sabine is looking for the missing image of an over-mediatised event of which she has no memory.

El Màrtir The Martyr

Spanien Spain 2020 18', Farbe colour, Arabisch, Katalanisch mit englischen Untertiteln Arabic, Catalan with English subtitles Regie Director Fernando Pomares Nominierung Nomination Valladolid International Film Festival Zwei syrische Brüder überqueren illegal die Grenze in ein westliches Land. Ihre Schwester berichtet von dieser Reise, bei der ein Durcheinander aus Gegenwart, Vergangenheit und Geträumtem zu einem (Alb-)Traum unserer heutigen Welt verschmilzt. Two Syrian brothers illegally cross a border to enter into a Western country. Their sister narrates this journey where present, past and the oneiric all jumble together to become both a dream and nightmare of our current world.

Minnen Memories

Schweden Sweden 2020 13'32", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Schwedisch mit englischen Untertiteln Swedish with English subtitles Regie Director Kristin Johannessen Nominierung Nomination Kurzfilm Festival Hamburg Minnen ist eine persönliche Dokumentation, in der die Filmemacherin auf ihre psychische Erkrankung zurückblickt. In Gesprächen, während derer sie sich alte Fotos und Animationen anschaut, werden Erinnerungen an Einsamkeit, Furcht und seltsame Gedanken miteinander verwoben. Memories is a personal documentary where we get to follow the film-maker as she looks back on her mental illness. In conversations, looking at old photos and animation, memories of loneliness, fear and odd thoughts are woven together.

FALL OF THE IBIS KING

Irland Ireland 2021 9'48", Farbe colour, Englisch English Regie Director Mikai Geronimo, Josh O‘Caoimh Nominierung Nomination Venice Film Festival Der Antagonist einer Theaterproduktion wird angesichts der plötzlichen Rückkehr des ehemaligen Hauptdarstellers zunehmend unruhig. The antagonist of a theatre production becomes increasingly unsettled by the sudden return of the former lead actor.

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Nanu Tudor My Uncle Tudor

Belgien, Portugal, Moldau Belgium, Portugal, Moldova 2020 20', Farbe colour, Rumänisch, Russisch mit englischen Untertiteln Romanian, Russian with English subtitles Regie Director Olga Lucovnicova Nominierung Nomination Sarajevo Film Festival Nach 20-jähriger Funkstille kehrt die Filmemacherin ins Haus ihrer Urgroßeltern zurück, in dem ihr Schreckliches widerfahren ist. Die Ereignisse haben sich tief in ihr Gedächtnis eingebrannt. Das lang erwartete Familientreffen verläuft entgegengesetzt zu ihrem Versuch, mit der Vergangenheit abzuschließen. After 20 years of silence, the filmmaker travels back to the house of her greatgrandparents, where she passed through harmful events that left a deep imprint on her memory forever. The long-awaited family gathering runs counter to her attempts to overcome the past.

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Andere Others EFA Shorts Programm 2 Programme 2

8. Mai 16:00 Uhr 8 May 4:00 pm Walzenlager

Andere Others EFA Shorts Programm 3 Programme 3

8. Mai 18:00 Uhr 8 May 6:00 pm Walzenlager

BELLA

Griechenland Greece 2020 24'35", Farbe colour, Griechisch, Englisch mit englischen Untertiteln Greek, English with English subtitles Regie Director Thelyia Petraki Nominierung Nomination Vienna Shorts Griechenland 1986/87, kurz vor dem Fall des Staatssozialismus und dem Ende des Kalten Kriegs. Vor Anthis Augen wandeln sich das Land und die Welt und Christos anscheinend zusammen mit ihnen. Greece 1986/87, a little before the fall of state socialism and just at the end of the Cold War. In front of Anthi’s eyes the country is changing, the world is changing and with them, Christos seems to be changing too.

Flowers Blooming in Our Throats

Italien, Belgien Italy, Belgium 2020 8', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eva Giolo Nominierung Nomination International Film Festival Rotterdam Kurz nach dem coronabedingten Lockdown auf 16-mm-Film gedreht, ist Flowers Blooming in Our Throats ein intimes, poetisches Porträt des zerbrechlichen Gleichgewichts, das den Alltag im eigenen Zuhause ausmacht. Filmed in 16mm just after the lockdown caused by COVID-19, Flowers Blooming in Our Throats is an intimate, poetic portrait of the fragile balances that govern everyday life in a domestic setting.

Nha Sunhu

Portugal 2021 20', Farbe colour, Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director José Magro Nominierung Nomination Drama International Short Film Festival Issa, ein Fußballspieler aus Guinea-Bissau, der in Portugal spielt, wird von zwei Filmschaffenden kontaktiert, die mehr über sein Leben erfahren und einen Dokumentarfilm drehen wollen. Durch das Sichtbarmachen der Stimmen hinter der Kamera ist Nha Sunhu eine Reflexion über den Blick, die Voreingenommenheit und die Darstellung des Anderen. Issa, a footballer from Guinea-Bissau who plays in Portugal, is contacted by two filmmakers who want to know more about his life and make a documentary. Exposing the voices behind the camera, Nha Sunhu is a reflection on the gaze, bias and representation of the other.

Der natürliche Tod der Maus The Natural Death of a Mouse

Deutschland Germany 2020 21'30", Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Katharina Huber Nominierung Nomination Go Short International Short Film Festival Nijmegen An einigen Tagen stellt sie sich vor, mit ihrer reinen Gedankenkraft Körperteile von Menschen, die ihr böse erscheinen, abfallen lassen zu können. An anderen Tagen sehen alle um sie herum schön aus. Und als sie klein war, hat sie sich gewünscht, dass aus ihren Fußspuren Blumen herauswachsen. Some days she imagines that by her sheer will she can make body parts fall off of people who seem vicious to her. And some other days everyone around her looks beautiful. And when she was little, she wished that flowers would grow out of her footprints.

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Premiere Neue Filme von Kaori Oda und Sylvia Schedelbauer Premiere New works by Kaori Oda and Sylvia Schedelbauer

Karaoke Cafe BOSA Regie Director Kaori Oda

6. Mai 12:30 Uhr 6 May 12:30 pm Star

Das Goethe-Institut Tokyo feiert im Jahr 2022 seinen 60. Geburtstag. Der Beginn seiner Aktivitäten im Bereich des deutsch-japanischen Kulturaustausches in Tokyo 1962 fällt in eine Zeit, in der sowohl auf politischer und gesellschaftlicher wie auch auf kultureller Ebene Strukturen ins Wanken kommen, die sich in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg in beiden Ländern verfestigt hatten. Im Bereich der Künste werden sowohl ästhetische Normen wie auch eingefahrene Produktionsstrukturen zum Teil radikal hinterfragt und neu definiert. Unter dem Titel unrest 62|22 blickt das Goethe-Institut mit einer interdisziplinären Themenreihe aus zeitgenössischer Perspektive auf diese Zeit der produktiven Unruhe zurück. Den Auftakt bildet die simultan in Oberhausen und Tokyo stattfindende Premiere zweier Auftragswerke der Filmemacherinnen Kaori Oda und Sylvia Schedelbauer. In ihren neuen Filmen beziehen sich die beiden Regisseurinnen aus heutiger Sicht auf die filmische Avantgarde der 1960er Jahre, und setzen der sowohl in Japan wie in Deutschland von Männern dominierten Szene dieser Zeit einen anderen Blick entgegen, der über die Rolle der Frauen damals und heute phantasiert. Nach der Filmpremiere werden die beiden Kinosäle in Oberhausen und Tokyo online zusammengeschaltet, und die Filmemacherinnen kommen ins Gespräch. In 2022, the Goethe-Institut Tokyo celebrates its 60th birthday. The start of the institute’s activities in German-Japanese cultural exchange in 1962 falls in a period, when structures of the political, social and cultural realm started to waver, that had been solidifying in both countries after WWII. In the field of the Arts aesthetic norms as well as production structures were radically questioned and re-defined. Under the title unrest 62|22 the Goethe-Institut Tokyo reflects this period of productive unrest from a contemporary point of view in an interdisciplinary event series. The opening marks the premiere of two commissioned works by Kaori Oda and Sylvia Schedelbauer, which is held simultaneously in Oberhausen and Tokyo. In their new works, the two filmmakers refer to the film avant-garde of the 1960s from a contemporary perspective and counter the male-dominated cultural scene of that time with alternative views that fantasize about the role of women in the past and present. After the film premiere, the venues in Oberhausen and Tokyo will be connected and the two filmmakers enter into dialogue.

In the Beginning, Woman Was the Sun Regie Director Sylvia Schedelbauer

Auftragsarbeiten von Commissioned by

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Andere Others Das Goethe-Institut präsentiert Goethe-Institut presents

unrest 62|22

Andere Others Aus dem Filmarchiv des Festivals From the Festival Film Archive

Aus dem Filmarchiv des Festivals From the Festival Film Archive

6. Mai 22:00 Uhr 6 May 10:00 pm Walzenlager

Ende der 1950er-Jahre ins Leben gerufen, gewann die Sammlung der Kurzfilmtage – auch dank guter Zusammenarbeit mit den osteuropäischen Ländern – schnell an Bedeutung. Angekauft wurden in der Regel Preisträgerfilme. So wuchs die Sammlung auf heute über 2.000 Titel mit über 4.000 Kopien an. Dieses Programm präsentiert sieben wichtige Arbeiten aus Osteuropa, die alle nach dem Kalten Krieg entstanden sind. Launched at the end of the 1950s, Oberhausen’s collection quickly gained in importance – partly thanks to good cooperation with Eastern European countries. As a rule, award-winning films were purchased. The collection has thus grown to more than 2,000 titles today, with more than 4,000 copies. This programme presents seven major works from Eastern Europe that were all made after the end of the Cold War.

Skrajojimai melynam lauke Flying Over Blue Fields

Litauen Lithuania 1996 20', Farbe colour, Litauisch mit englischen Untertiteln Lithuanian with English subtitles Regie Director Audrius Stonys Zwei alte Männer, ein Abendessen auf dem Lande, Straßen, Felder und Wälder aus der Vogelperspektive… Two old men, dinner in the country, roads, fields and forests from the bird‘seye view…

Wewnetrzny 55 Extension 55

Polen Poland 1997 10', Farbe colour, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Slawomir Fabicki Ein Dokumentarfilm, der in der Stadt Konstancin-Jeziorna gedreht wurde, und das tägliche Leben der Kinder in einem Rehabilitationszentrum zeigt. Ihre Geschichte wird über die Telefongespräche mit ihren Eltern erzählt. A documentary made in the town of Konstancin-Jeziorna showing the daily life of the children in a rehabilitation centre. Their story is told through the telephone conversations with their parents.

Afta Day after Day

Ungarn Hungary 2001 24', Farbe colour, Ungarisch mit englischen Untertiteln Hungarian with English subtitles Regie Director Kornèl Mundruczo Eine Kleinstadt. Ein ganz normaler Tag im Leben eines Jungen. Es ist unglaublich heiß. Alles ist einzigartig: eine Gang, ein Spiel, ein Fußballfeld, ein Mädchen. Aber an diesem Tag wird er an einen Punkt kommen, an dem es kein Zurück mehr gibt. In a small town. An ordinary day in a boy‘s life. The day is incredibly hot. Everything is unique: one gang, one game, one football field, one girl. But on this day he will come to a point of no return.

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Papa gena

Lettland Latvia 2001 10', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Laila Pakalnina Die Stadt ist, wie sie ist. Man braucht schon einen triftigen Grund, um Menschen auf der Straße anzuhalten und zu bitten, einen Augenblick vor der Kamera stehen zu bleiben. Diesmal dient Mozart als Vorwand. The city is as it is. You need to have a valid reason to ask one of its inhabitants to stop and be calm in front of the camera for just a moment. This time Mozart serves as the reason.

Echo

Polen Poland 2008 14'30", Farbe colour, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles Regie Director Magnus von Horn Zwei Jungen haben ein Mädchen ermordet. Während der Rekonstruktion des Tathergangs und eines Treffens mit der Familie des Opfers müssen sie ihr Gewaltverbrechen noch einmal durchleben und sich ihren damaligen und jetzigen Gefühlen stellen. Two boys have murdered a young girl. Through crime reconstruction and meeting the family of the victim they now have to relive the brutal crime they committed and face the feelings they felt and still feel.

The Spectres of Veronica

Kroatien Croatia 2011 7'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Dalibor Barić Veronica wird von den Geistern ihrer Zukunft heimgesucht. Gefangen in einem Netz oberflächlicher Bilder und Emotionen, entgleitet ihr ihre Identität. Dennoch schneidet sie auf der Suche nach ihrem eigenem Ersatz weiterhin zeitlose Muster zu. Veronica is haunted by ghosts of her future. Trapped in a cobweb of superficial images and emotions, her identity melts away, but she keeps tailoring timeless patterns in search of her own replacements.

Cipka Pussy

Polen Poland 2015 8'22", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Renata Gąsiorowska Eine junge Frau verbringt den Abend allein zu Hause. Beim sinnlichen Solovergnügen läuft allerdings nicht alles nach Plan. A young girl spends the evening alone at home. She decides to have a sweet solo pleasure session, but not everything goes according to plan.

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Andere Others Aus dem Filmarchiv des Festivals From the Festival Film Archive

6. Mai 22:00 Uhr 6 May 10:00 pm Walzenlager

Andere Others The One Minutes

The One Minutes 1. Serie 1st Series Forked Tongue 10 × 1'

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

The Forked Tongue umfasst zehn einminütige Videos, die sich in zwei Richtungen bewegen, ambivalent zu einander sind, sich überlagern oder etwas dazwischen sind. Anstatt die Dinge innerhalb bestimmter Grenzen oder Kapazitäten zu halten, öffnet sich ein Raum für Vielfältigkeit und Mehrdeutigkeit. The Forked Tongue includes ten one minute videos that move in two directions, are ambivalent, layered, and in between. Instead of containing things within specified boundaries or capacities a space opens for multiplicity and ambiguity. Farfallino Niederlande Netherlands 2019 1', Farbe colour, Italienisch Italian Regie Director Adele Dipasquale Untitled Niederlande Netherlands 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Yoo Hee Cha Charismatic Inflation II Australien Australia 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Teresa Busuttil I’m having a good time here (and u?) Niederlande Netherlands 2019 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Hayoung Kim Untitled Portugal 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sol Archer

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Soft Death Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Sam Kaufman In the Name of Love Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Cristina Lavosi Cours Lieutaud Frankreich France 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jeanne Rocher The Road Of… Türkei Turkey 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Elif Satanaya Özbay untitled Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director olga weststrate

2. Serie 2nd Series Mind-body-problem 22 × 1'

Für Mind-body-problem hat das Künstlerduo Sander Breure & Witte van Hulzen Videos ausgewählt, die die Beziehung zwischen Seele und Körper darstellen – sei es als Metapher, als Problem oder auch als schlechter Scherz. Diese Serie stellt die uralte Frage: Wie kann Materie überhaupt zum Leben erwachen? For Mind-body-problem, artist duo Sander Breure & Witte van Hulzen selected videos that depict the relationship between the soul and the body – whether as a metaphor, a problem or even a bad joke. This series asks the age-old question: how can matter ever come to life? Untitled Niederlande Netherlands 1999 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Heidi Vogels Saturday USA 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Elle Burchill Carrier Benin 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Thierry Oussou Barcelona Spanien Spain 2008 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sabine Mooibroek all.the.time Belgien Belgium 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Elisabeth Molin Moment of Inertia Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Michelle Son Untitled Irak Iraq 2019 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Kani Marouf

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higher powers command: stay in debt Griechenland Greece 2018 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Vincent Verhoef Special Sundays Niederlande Netherlands 2019 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Natasha Papadopoulou Tragedy are mobilisations (all around the world) Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, english Regie Director Tao G. Vrhovec Sambolec Point of Contact Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Denise Kehoe Room Belgien Belgium 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Emma van der Put space as an invisible thing Deutschland Germany 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Peter Ewig Untitled Niederlande Netherlands 2019 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Christine Moldrickx

Andere Others The One Minutes

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

Andere Others The One Minutes

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

The Cybergaze: On the digitisation of corporeality, space and feminist practices Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Raluca Moldoveanu Begin Belgien Belgium 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Bas Schevers The Shape of Things Vereinigtes Königreich United Kingdom 2016 1', Schwarzweiß black-andwhite, Englisch English Regie Director Ben Rivers Closet Niederlande Netherlands 2004 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Antonis Pittas 3. Serie 3rd Series Snack or Food Pill? 24 × 1'

Opérateur de Douche Senegal 2007 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Daouda Dia Untitled Pakistan 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Iqra Tanveer Umbrella and praying Frankreich France 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Paulien Oltheten Summer 2010 Marokko Morocco 2010 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Hamza Halloubi

In Snack or Food Pill? werden Sie von vierundzwanzig Künstler*innen und Filmemacher*innen zu einer Zeitreise eingeladen. Ist Ihre Reise reibungslos verlaufen? War sie ein Segen oder eine Last? Haben Sie Snacks oder Lebensmittelpillen zu sich genommen? In Snack or Food Pill? twenty-four artists and filmmakers invite you on a travel through time. Did your travel go smoothly? Was it a blessing or a burden? Did you enjoy snacks or food pills? Three Cauldrons Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Juliet Davis-Dufayard & Praewa Bink Bulthaweenan The Apocalypse Has Been Now Kolumbien Colombia 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Niv Rajendra Apple Pie (Beta) Niederlande Netherlands 2022 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Éloïse Alliguié Untitled Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Tharim Cornelisse

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Chasing a capsule Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jiawen Li, Xinru Huang, Xi Lu, Yuyi Huang, Anqi Jiang and Chaoran Guo IMG_3392 (will be part of the upcoming Aesthetic Travel Observations II) Peru 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Raimon Sibilo BLACK JOY Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sean-Claude Neufville

NO MANS LAND Spanien Spain 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Richard Zalduendo

Islands Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Jonathan Castro Alejos

Groudnut Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Rudi van Delden

Ancestral Download Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jerrold Saija

do you miss it Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Katherina Gorodynska Sentence Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Anne Jesuina Hemispheres Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Seán O‘Riordan Sunlight on my skin Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Ton Thoughtless USA 2022 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Beck Marulanda Mémoire semi-perméable Kamerun Cameroon 2022 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Cyrielle Raingou, Felix Klee Tortilla Cósmica Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Lina Bravo Mora

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imaginations of dystopi Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jil Gieleßen Untitled Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Nikolitsa Paranomos Right There Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Neda Ruzheva Awake Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Temo Fanfic Politics Niederlande Netherlands 2021 1', Farbe colour, Regie Director Pedro Gossler how i traveled in time and became the richest person on the planet Indien India 2022 1', Farbe colour, Regie Director RS

Andere Others The One Minutes

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

Andere Others The One Minutes

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

4. Serie 4th Series Imagine The Earth Is Your Lover 23 × 1'

23 Künstler*innen und Filmemacher*innen visualisieren ihre Liebe zur Erde. Sie verwandeln die Metapher von „Mutter Erde“ in „Liebhaberin Erde“, um eine gegenseitige und nachhaltigere Beziehung zur Erde zu schaffen. Wenn die Erde unsere Geliebte ist, fühlen wir uns wahnsinnig, leidenschaftlich und heftig verliebt, und wir sind jeden Tag dankbar für diese Beziehung. Um eine gegenseitige und nachhaltige Beziehung mit der Erde zu schaffen, arbeiten wir mit der Natur zusammen. Wir behandeln die Erde mit Freundlichkeit, Respekt und Zuneigung. Wir streicheln Felsen, erfreuen uns an Wasserfällen und bewundern oft die Kurven der Erde. Wir lieben die Erde mit unseren Sinnen. 23 artists and filmmakers visualise their love for the Earth. They shift the metaphor from ‘Earth as Mother’ to ‘Earth as Lover’ in order to create a more mutual and sustainable relationship with the Earth. When the Earth is our lover we feel madly, passionately, and fiercely in love, and we are grateful for this relationship each and every day. In order to create a more mutual and sustainable relationship with the Earth, we collaborate with nature. We treat the Earth with kindness, respect and affection. We caress rocks, are pleasured by waterfalls and admire the Earth‘s curves often. We make love through the Earth through our senses. Imagine The Earth Is Your Lover USA 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Annie Sprinkle, Beth Stephens Ceci n‘est pas une fleur Griechenland, Vereinigtes Königreich Greece, United Kingdom 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Fenia Kotsopoulou Girls Grown Wild (Ecosexual Bathhouse) Australien Australia 2015 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Pony Express I Will Marry You USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Maria the Korean Bride SelfPleasure Arid Brasilien 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Kupalua Untitled Niederlande Netherlands 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Misha de Ridder

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sWAmP USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Sura Hertzberg, Hailey Jelaire Encuentros (a Component of „On Art and Friendship“) Spanien, USA Spain, USA 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Nicolás Dumit, Estévez Raful Espejo, Anna Recasens, Laia Solé Overflown Brasilien Brazil 2020 1', Schwarzweiß black-andwhite, ohne Text without text Regie Director Vinicius Davi SheHaw Rope Tricks USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director K-Haw, L-Haw The Deer Gift Deutschland Germany 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Felix Klee Beautiful USA 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Linda Montano

Feast of Flower USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Muza de la Luz Let´s get Ecosexy! Spanien Spain 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Graham Bell Tornado Gardening Is Sexy USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Lady Monster Tierra Frankreich France 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Rosario Veneno lips on water Kanada Canada 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director moon wink Maria Maria Mexiko Mexico 2020 1', Farbe colour, Spanisch Spanish Regie Director Federico Tello

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EcoTryst USA 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Joseph Kramer, Scarlot Harlot adrift Portugal 2020 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Sam Mountford Wave Malta 2020 1', Schwarzweiß black-andwhite, ohne Text without text Regie Director Cyril Sancereau Clematis (trailer) Belgien Belgium 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director PornProcess (Aurore Morillon) Wet Flowers Niederlande Netherlands 2020 1', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Lina Bravo, Rowena Buur

Andere Others The One Minutes

6. Mai 22:30 Uhr 6 May 10:30 pm Sunset

Andere Others Open Screening Programm 1 Programme 1

Open Screening

7. Mai 19:30 Uhr 7 May 7:30 pm Star

Sediments

Niederlande Netherlands 2021 7'13", Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Kyulim Kim, Jurgis Lietunovas

untitled (mirror)

Deutschland Germany 2021 10'59", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Verena Billinger, Sebastian Schulz

since brass nor stone nor earth nor endless sea Niederlande Netherlands 2021 7'04", Farbe colour, Englisch, Niederländisch English, Dutch Regie Director Jue Yang

Hell Itself is Beautiful at Night

Deutschland Germany 2021 7'49", Farbe colour, Englisch English Regie Director Masha Biller, Niklas Büscher

Marino

Italien, Österreich Italy, Austria 2021 8'40", Farbe colour, Italienisch mit englischen Untertiteln Italian with English subtitles Regie Director Peter Auer-Grumbach

Moderne in der Mietskasernenstadt Modernity in Tenement City

Deutschland Germany 2022 12'38", Farbe colour, Englisch, Deutsch English, German Regie Director Rainer Bellenbaum

Granny Flat

Deutschland Germany 2022 7'54", Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Enzo Frenker-Hackfort

Negro Alter Ego: Origin

Deutschland Germany 2021 2'10", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Karisma Oluchukwu Ekeh

MALUM

Deutschland Germany 2021 10'16", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Ralf Schellen, Stefan Kollakowski

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Sie möchte, dass er geht, sie möchte, dass er bleibt. She wants him to go. She wants him to stay. Österreich, Deutschland Austria, Germany 2021 13', Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Viki Kühn

When the shot

Niederlande, Kolumbien Netherlands, Colombia 2021 4'45", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Ana Bravo Pérez

Pinhole Park

Kanada Canada 2021 11'24", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Alex MacKenzie

Point of no return

Deutschland Germany 2022 1', Farbe colour, Englisch English Regie Director Lutz P. Kayser

A Room Without Doors or Windows

Deutschland, Vereinigtes Königreich Germany, United Kingdom 2021 10'22", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Hendrik Ehlers

Das Mädchen ohne The girl without Deutschland Germany 2021 4'24", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Jasmin Al-Lahham

Jaarsgenoten Yearmates

Niederlande Netherlands 2021 11'14", Farbe colour, Niederländisch mit englischen Untertiteln Dutch with English subtitles Regie Director Sjoerd van Wijk

FACING THE TRUTH

Deutschland Germany 2021 9'17", Farbe colour, Deutsch German Regie Director Mattias Engling

Nein No

Deutschland Germany 2022 9'10", Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Vivian Bausch

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Andere Others Open Screening Programm 2 Programme 2

7. Mai 21:45 Uhr 7 May 9:45 pm Star

Andere Others Kinemathek im Ruhrgebiet

Kinemathek im Ruhrgebiet

8. Mai 15:30 Uhr 8 May 3:30 pm Sunset

Seit über 40 Jahren sammelt und restauriert die Kinemathek im Ruhrgebiet/ FilmArchiv für die Region historisches Filmmaterial des Reviers. Auf den Kurzfilmtagen zeigt die Initiative erneut Highlights aus den eigenen Beständen, vor allem aus den Wirtschaftswunderjahren. Präsentation und Einführung durch Leiter Paul Hofmann. For more than 40 years, the Kinemathek im Ruhrgebiet/FilmArchiv has been collecting and restoring historical film material from the Ruhr area. In Oberhausen, the initiative is again screening highlights from its own holdings, mostly from the years of Germany’s ‘economic miracle’. Presentation and introduction by its director, Paul Hofmann.

Germany – A Family of the Industrial Ruhr

USA 1958 15', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Produktion Production Alfred Wagg Pictures and Audio Productions, Inc. Beobachtungen des alltäglichen Lebens einer Krupp-Arbeiterfamilie in Essen inmitten des westdeutschen Wirtschaftswunders. Unterrichtsfilm für amerikanische Schulen mit den Augen eines US-amerikanischen Filmteams. Observations of the everyday life of a Krupp worker‘s family in Essen during the West German economic miracle. An educational film for American schools made with the eyes of a US film crew.

Schichten unter der Dunstglocke The Town under the Haze

Deutschland Germany 1959 14', Farbe colour, Deutsch German Regie Director Herbert Viktor Filmisches Porträt Oberhausens, das ungeschönt den Alltag einer Industriestadt in voller Blüte abbildet. Der Tagesablauf der Kohle- und Stahlarbeiter gibt den Rhythmus des Films vor, der einen empathischen Einblick in die Schicht unter Tage, die Produktionsabläufe der Schwerindustrie über Tage, aber auch in die Freizeitaktivitäten und Alltagsbeschäftigungen der Bewohner der Stadt bietet und dabei Probleme nicht ausklammert. A cinematic portrait of Oberhausen that gives an authentic picture of everyday life in an industrial city in its prime. The daily routine of the coal and steel workers determines the rhythm of the film, which gives empathetic insights into work below ground and production processes of heavy industry above ground. It also looks at the leisure activities and everyday pursuits of city residents, while not ignoring problems.

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Besuch bei Nischke Visit to Nischke

Deutschland Germany 1980 3', Schwarzweiß black-and-white, Deutsch German Regie Director Reinald Schnell Literaturverfilmung. Richard Limpert (1922–1991), gelernter Polsterer und späterer Zechenmaschinist und Mitglied des Werkkreises Literatur der Arbeitswelt, liest seine 1968 entstandene Kurzgeschichte Besuch bei Nischke, zu der Reinald Schnell Bilder in der sterbenden Industrielandschaft suchte. „Text und Bilder im Film haben eine Einheit, aber keine Einigkeit [gefunden].“ (R. Schnell) A literature adaptation. Richard Limpert (1922–1991), a trained upholsterer and later mining machinist, and member of the group Literatur der Arbeitswelt, reads his short story Visit to Nischke, written in 1968, for which Reinald Schnell sought pictures in the dying industrial landscape. ‘Text and images in the film have [found] unity but no agreement.’ (R. Schnell)

Verländert Lost

Deutschland Germany 1983 16', Farbe colour, Deutsch German Regie Director Michael Lentz Porträt der jungen Türkin Dina, die gegen den Willen ihrer Eltern eine Ausbildung zur Journalistin bei einer Ruhrgebietszeitung begonnen hat, um vielleicht einmal für ihre Landsleute zu berichten. Ihr damit verbundener Auszug aus dem Elternhaus, der Druck des Vaters zur Bewahrung der für ihn unverzichtbaren Traditionen und ihre eigenen Schwierigkeiten am Arbeitsplatz machen die Probleme einer Existenz zwischen zwei Kulturen deutlich. A portrait of a young Turkish woman, Dina, who, against the will of her parents, has begun training as a journalist with a Ruhr-area newspaper so she can perhaps some day report for her compatriots. Her departure from the parental home, her father‘s pressure to maintain what he sees as indispensable traditions and her own difficulties at work clearly show the problems of an existence between two cultures.

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Andere Others Kinemathek im Ruhrgebiet

8. Mai 15:30 Uhr 8 May 3:30 pm Sunset

Verleiher Distributors

Verleiher Distributors LIMA

5. Mai 17:00 Uhr 5 May 5:00 pm Star

LIMA Arie Biemondstraat 111 1054 PD Amsterdam Niederlande Netherlands Tel +31 20 3892030 info@li-ma.nl li-ma.nl

LIMA ist in den Niederlanden die Plattform für Medienkunst, neue Technologien und digitale Kultur, auf der die Disziplinen aktiv hinterfragt und das jeweilige Arbeitsfeld und seine Stellung in der Gesellschaft reflektiert wird. LIMA vertritt Künstler und unterstützt sie bei der Präsentation und Entwicklung neuer Arbeiten. Darüber hinaus bewahrt LIMA die Erinnerung an die niederländische Medienkunst mit ihrem digitalen Repositorium und ihren Konservierungsdienste. LIMA ist internationaler Pionier und Kompetenzzentrum auf dem Gebiet der Archivierung, Bewahrung und Verbreitung von Medienkunst. LIMA is the platform in the Netherlands for media art, new technologies and digital culture, where the discipline is actively questioned and where the field, and its position in society is reflected on. LIMA represents artists and supports them in the presentation and development of new work. LIMA also preserves the memory of Dutch media art through its digital repository and conservation services. LIMA is an international pioneer and centre of expertise in the fields of archiving, preservation, and distribution of media art.

Message from Mukalap

Niederlande, Südafrika Netherlands, South Africa 2021 14'41", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, !ora, Englisch, Niederländisch, Afrikaans mit englischen Untertiteln !ora, English, Dutch, Afrikaans with English subtitles Regie Director Judith Westerveld Message from Mukalap ist die Reaktion auf die einzigartige Tonaufnahme eines Mannes namens Mukalap, aufgezeichnet um 1936 in Südafrika. Mukalap spricht in der heute ausgestorbenen Khoe-Sprache !ora. Er fordert ein europäisches Publikum auf, seiner schönen Sprache nur einmal zuzuhören. Message from Mukalap is a response to a unique sound recording that captures a spoken message from a man named Mukalap, recorded around 1936 in South Africa. Mukalap speaks in the now-extinct Khoe language !ora. He calls on an European audience to listen to his beautiful language just for once.

Unrendered Road

Niederlande, Palästina, Israel Netherlands, Palestine, Israel 2021 20'33", Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Tali Liberman Unrendered Road zeichnet den Weg zwischen zwei historischen Städten nach: Jerusalem und Jericho. Eine Reise, die Google Maps nicht zeigen wird. Indem sie widersprüchliche Wahrnehmungen zusammenfügt, hinterfragt Tali Liberman die Glaubwürdigkeit bestehender Informationssysteme. Unrendered Road traces the road between two ancient cities: Jerusalem and Jericho. A journey that Google Maps will not show you. By assembling conflicting perceptual readings, Tali Liberman questions the reliability of existing knowledge systems.

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Tripsitter

Niederlande Netherlands 2020 12'24", Farbe colour, Englisch English Regie Director Frederique Pisuisse Tripsitter ist eine persönliche Fahrt durch verschiedene bewusstseinserweiternde Situationen. Das bekennende Tagebuch gibt einen Einblick in traumatische halluzinogene Drogentrips, Meditation, Panikattacken und außerkörperliche Erlebnisse. Tripsitter is a personal journey through various consciousness-expanding moments. The confessional diary gives an insight into traumatic hallucinogenic drug trips, meditation, panic attacks and out-of-body experiences.

The Hole’s Journey

Niederlande, Marokko Netherlands, Morocco 2020 16'12", Farbe colour, Arabisch, Französisch, Englisch mit englischen Untertiteln Arabic, French, English with English subtitles Regie Director Ghita Skali 23 Jahre lang zerkratzte der Stuhl des Direktors eines Kunstinstituts den Holzboden. Dieser Teil des Bodens wird herausgeschnitten und auf ein enteignetes Stück Land in Marokko geschickt. Mit scharfem Witz, persönlichen Geschichten und spielerischem Schnitt thematisiert Ghita Skali spezifische Machtdynamiken und die Freiheit der Entscheidung. For 23 years, the director’s chair at an art institute scratched the wooden floor. This floor section is cut out and sent to an expropriated piece of land in Morocco. Ghita Skali uses sharp wit, personal stories and playful editing to touch on specific power dynamics and freedom of choice.

Improvised Objects

Niederlande Netherlands 2020 9'36", Farbe colour, Englisch English Regie Director Katja Verheul In einer Welt, in der Milliarden für hochmoderne Waffen ausgegeben werden, ist die tödlichste Waffe ein so genannter „Improvisierter Sprengsatz“ (IED), den Menschen aus Materialien basteln können, die sie zu Hause haben. Ein solcher Bastler, ein Soldat und ein Philosoph beschreiben ihre Beziehung zu derartigen Objekten. In a world where billions are spent on state-of-the-art weaponry, the deadliest weapon is a so-called Improvised Explosive Device, which people can make from materials found at home. An IED maker, a soldier and a philosopher describe their relationship with these objects.

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Verleiher Distributors LIMA

5. Mai 17:00 Uhr 5 May 5:00 pm Star

Verleiher Distributors Arsenal

5. Mai 19:30 Uhr 5 May 7:30 pm Star

Arsenal – Institut für Film und Videokunst e. V. Potsdamer Straße 2 10785 Berlin Deutschland Germany Tel +49 30 26955100 mail@arsenal-berlin.de arsenal-berlin.de

Die lebendige Vermittlung internationaler Filmkultur ist Aufgabe und Passion des Arsenal – Institut für Film und Videokunst. Als Forschungs- und Bildungsstätte, die sowohl regional als auch national und international arbeitet, schafft die Berliner Institution ein kommunikatives Netzwerk und ermöglicht Raum für (film)kulturelle Dialoge. Kino (Arsenal 1 & 2 und seit März 2020 auch die digitale Plattform arsenal 3), Festival (Berlinale Forum und Forum Expanded), Verleih (arsenal distribution) und Archiv bilden die Arbeitsbereiche des Arsenal. Das kontinuierliche Zusammenwirken und Ineinandergreifen dieser Bereiche ermöglicht eine multiperspektivische und nachhaltige Arbeit mit Filmen. Diese Struktur ist konstitutiv für das Arsenal und weltweit einzigartig. The mission and passion of Arsenal – Institute for Film and Video Art is to promote and educate about international film culture in a vibrant manner. As a site for research and training that operates regionally, nationally and internationally, this Berlin institution creates a network for communication and a space for dialogue on (film) culture. Cinema (Arsenal 1 & 2 and, since March 2020, the digital platform arsenal 3), festivals (Berlinale Forum and Forum Expanded), distribution (arsenal distribution) and archiving are Arsenal‘s areas of work. The way these areas constantly work together and intertwine enables multiperspectival and sustainable work with film. This structure lies at the heart of Arsenal and is unique of its kind in the world.

Mun koti My Home

Finnland Finland 2022 12', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Azar Saiyar „Eine Biene hat mich gestern im Hof des Kindergartens in meinen Finger gestochen, obwohl ich nicht mehr im Kindergarten bin.“ Verstreute Erinnerungen an Kindheit und Erwachsenenalter fließen in einem Lied zusammen, das ein unbekannter Erzähler summt. ‘A bee stung me on my finger. It happened yesterday in the yard of a kindergarten, even though I am not in kindergarten anymore.’ Fragmented memories of childhood and adulthood blend together in a song that an unknown narrator is humming.

Voices and Shells

Deutschland Germany 2020 18', Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Französisch, Deutsch, Englisch mit englischen Untertiteln French, German, English with English subtitles Regie Director Maya Schweizer Es beginnt im Dunklen, in einem Korridor, es fließt Wasser … In diesen Abwasserkanälen hallen Stimmen wider, es ist der Abgrund Münchens unter der Isar. Die Stimmen erzählen Fragmente von Geschichten: über verschwundene Menschen, Gewalt, Gedächtnisverlust. It starts in the dark, in a corridor, water is flowing… Voices echo in these sewage canals; it is the depths below Munich, under the river Isar. The voices relate fragments of stories: about people who have disappeared, violence, memory loss.

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Onder het witte masker: de film die Haesaerts had kunnen maken Under the White Mask: The Film That Haesaerts Could Have Made

Belgien Belgium 2020 9', Farbe colour, Lingala mit englischen Untertiteln Lingala with English subtitles Regie Director Matthias De Groof Basierend auf Fragmenten des Films Onder het zwarte masker imaginiert der Film, was die kongolesischen Masken nun als Subjekte zu sagen hätten. Aimé Césaires Essay Über den Kolonialismus wird erstmals auf Lingala eingesprochen. Seine Worte halten Europa noch immer einen konfrontativen Spiegel vor. Based on fragments of Under the Black Mask, a 1958 film by Paul Haesaerts, this new film imagines what the masks, now subjects, would say. Aimé Césaire’s Discourse on Colonialism is spoken in Lingala for the first time. This speech is still a critical mirror for Europe.

Yarokamena

Portugal, Kolumbien Portugal, Colombia 2022 21', Farbe colour, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Andres Jurado Die Geschichte des Uitoto Yarokamena, der den bewaffneten Widerstand gegen den Abbau von Kautschuk im Amazonas organisierte, wurde aus Angst vor einer Rebellion lange verdrängt. Jetzt wird das Kino zu einem neuen Medium für die zerstörerische Kraft der Ausbeutung. The story of Yarokamena, who organised the armed resistance against rubber exploitation of the Uitoto in the Amazon in the early 20th century, was long suppressed for fear of revolt. Cinema becomes the new container for its destructive force.

Majmouan Subtotals

Polen, Deutschland, Iran Poland, Germany, Iran 2022 15', Farbe colour, Persisch mit englischen Untertiteln Persian with English subtitles Regie Director Mohammadreza Farzad Ein Essayfilm zusammengesetzt aus privaten 8-mm-Filmen iranischer Menschen, eine Meditation über die Ungewissheiten eines Lebens, das einem keine Rechnungen aushändigt. An essay film compiled from Iranian 8 mm home movies. A meditation on the uncertainties of a life that doesn’t hand you any bills.

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Verleiher Distributors Arsenal

5. Mai 19:30 Uhr 5 May 7:30 pm Star

Verleiher Distributors ARGOS

6. Mai 17:00 Uhr 6 May 5:00 pm Star

ARGOS centre for audiovisual arts Werfstraat 13 rue du Chantier 1000 Brüssel Belgien Belgium Tel +32 2 2290003 distribution@argosarts.org argosarts.org

ARGOS wurde 1989 gegründet und ist eine Institution für die Produktion und Förderung kritischer audiovisueller Kunst sowie deren Konservierung und Restaurierung. Sie gestaltet Ausstellungen und Programme, vertreibt Bewegtbildarbeiten und sorgt für den Ausbau, die Bewahrung und die Veröffentlichung einer bedeutenden Sammlung künstlerischer Filme und Videos. Founded in 1989 in Brussels, ARGOS is an institution and resource for the production and advancement of critical audiovisual arts, as well as for its distribution, conservation and restoration. It makes exhibitions and programmes, distributes moving image works, and builds, preserves, and discloses a prominent collection of artist films and videos.

Mister Bear

Belgien Belgium 2020 3', Farbe colour, Englisch English Regie Director Jennifer Brewer Slow-Motion-Material kombiniert mit einem Lied, das von einem Chor gesungen wird. Slow-motion footage set to a song sung by a choir.

Bucharest. The City – Me (Summer-Winter / SpringAutumn)

Belgien, Rumänien Belgium, Romania 2022 18'30", Farbe colour, Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles Regie Director Alina Cristea Mithilfe von Erzählungen, die Situationen und Ereignisse durch ihre individuelle und besondere Sichtweise wiedergeben, möchte Alina Cristea eine Geschichte über Bukarest erzählen, wie sie es sieht. By using narrations to re-signify situations and events filtered through her individual and particular viewpoints, Alina Cristea aims to tell a story about Bucharest as she sees it.

Dunyaland – A Theory of Boredom

Deutschland Germany 2021 9'40", Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Julie Gaston Die Besucher des utopischen Freizeitparks Dunyaland konfrontieren uns mit metaphorischen Monologen, die das Gefühl der inneren Leere widerspiegeln. Währenddessen steht eine zeitgenössische Alice am Rande des Kaninchenlochs und fragt sich, was passieren würde, wenn sie hineinspränge. The visitors at the utopian theme park Dunyaland confront us with metaphoric monologues reflecting the sensation of an inner void. Meanwhile, a contemporary Alice stands at the rim of the rabbit hole, wondering what she may find if she jumps in.

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Foot de libération nationale National Liberation Football

Frankreich, Algerien France, Algeria 2020 19'50", Farbe colour, Französisch, Arabisch mit englischen Untertiteln French, Arabic with English subtitles Regie Director Amina Menia Am 18. November 2009 sicherte sich die algerische Fußballmannschaft mit einem Sieg gegen Ägypten die Teilnahme an der Fußballweltmeisterschaft 2010. Die öffentliche Freude hätte nicht größer sein können, die Jubelwelle überwog den Fußball und die Spannung, die zwischen den Ländern herrschte, war größer als die des Spiels. On 18 November 2009, the Algerian football team ensured their participation in the 2010 FIFA World Cup by winning against Egypt. Public jubilation could not have been greater; the joyous wave surpassed football and the stakes surpassed the match, as the countries were experiencing tension.

Any Way

Belgien Belgium 2021 17'17", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Eva Claus Any Way zeigt drei Sportler, die gemeinsam auf einer Leichtathletikbahn trainieren. Der Akt des Laufens selbst steht im Mittelpunkt des Films: eine kontinuierliche, von der Zeit losgelöste Bewegung. Unterschiedliche Bildfrequenzen ermöglichen es dem Betrachter, Details der Bewegung zu verfolgen, die sonst durch die Geschwindigkeit verdeckt würden. Any Way shows three people running together on an athletics track. The act of running itself is the focal point of the film: a continuous movement suspended in time. Varying frame rates allow the viewer to examine details of the motion that would otherwise be obscured by their own speed.

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Verleiher Distributors ARGOS

6. Mai 17:00 Uhr 6 May 5:00 pm Star

Verleiher Distributors Electronic Arts Intermix

6. Mai 19:30 Uhr 6 May 7:30 pm Star

Electronic Arts Intermix 264 Canal Street, 3W New York, NY 10013 USA Tel +1 212 337 0680 info@ eai.org eai.org

Electronic Arts Intermix wurde 1971 gegründet. Die Non-Profit-Kunstorganisation mit Sitz in New York fördert die Schaffung und Ausstellung sowie den Vertrieb und Erhalt von Film- und Videokunst. Als internationale Ressource für Medienkunst und Kunstschaffende verfügt EAI über eine bedeutende Sammlung von über 3.500 neuen und historischen Medienkunstwerken – von bahnbrechenden frühen Arbeiten der Videopioniere aus den 1960erJahren bis zu neuen digitalen Projekten von Nachwuchskünstlern. EAI arbeitet eng mit Kunstschaffenden, Museen, Schulen und anderen internationalen Einrichtungen zusammen, um dieses bedeutende Archiv zu erhalten und zugänglich zu machen. Founded in 1971, Electronic Arts Intermix is a non-profit arts organisation that fosters the creation, exhibition, distribution, and preservation of moving image art. A New York-based international resource for media art and artists, EAI holds a major collection of over 3,500 new and historical media artworks, from groundbreaking early video by pioneering figures of the 1960s to new digital projects by today’s emerging artists. EAI works closely with artists, museums, schools, and other venues worldwide to preserve and provide access to this significant archive.

AI and I

USA 2021 7'12", Farbe colour, Englisch English Regie Director Cecelia Condit Eine Frau befragt die Natur des Bewusstseins – ob menschlich, tierisch oder maschinell –, während sie durch den Wald geht und Elektrokabel wie Brotkrumen hinter sich herzieht. A woman interrogates the nature of consciousness – whether human, animal or machine – as she walks through the woods, dragging electrical cords behind her like bread crumbs.

Daughter

USA 2016 4'27", Farbe colour, Englisch English Regie Director Maggie Lee In ihrem kurzen Video Daughter kontaktiert die Künstlerin Maggie Lee ihren Vater, mit dem sie sich zerstritten hat und der nun alt und krank ist. Es kommt zu einem kurzen Wiedersehen in Taiwan. In her short video Daughter, artist Maggie Lee contacts her estranged father, now older and ill, and reunites with him briefly in Taiwan.

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Path of Totality

USA 2018 13'07", Farbe colour, Englisch English Regie Director Frank Heath In den Hauptrollen: Sonnenfinsternis-Fans, Amerikaner aus dem Mittleren Westen und kommerzielle Opportunisten, die sich alle in die Kleinstadt St. Joseph begeben und mit Spannung auf den Moment vollkommener Dunkelheit warten. Path of Totality zeigt die sonderbare Mischung von Angst, Vergnügen und Reflexion, hervorgerufen durch die vollständige Sonnenfinsternis am 21. August 2017. Featuring a colourful array of eclipse-chasers, middle-Americans and commercial opportunists who descended upon the small town of St. Joseph in anticipation of a moment of impending darkness, Path of Totality captures the peculiar mixture of anxiety, amusement and reflection summoned by the total solar eclipse on 21 August, 2017.

Without Your Interpretation

USA 1983 13'53", Farbe colour, Englisch English Regie Director Ulysses Jenkins Eine Performance aus dem Jahr 1983, umgesetzt am Art Dock auf der Center Street in Los Angeles. Jenkins konfrontiert die Amerikaner mit ihrer Gleichgültigkeit gegenüber Ereignissen außerhalb des eigenen Landes, insbesondere in Bezug auf Krisen und Not in ärmeren Nationen. Indem er diese Themen mutig anspricht, ruft er zu politischem Handeln und internationalem Bewusstsein auf. This performance took place in 1983 at the Art Dock on Center Street in Los Angeles. Jenkins confronts Americans‘ indifference to events outside their own country, particularly to crises and need in poorer nations. By boldly addressing these issues, he calls for political action and international awareness.

Un nudo vivo A Living Knot

Chile, USA 2017 7'10", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Cecilia Vicuña Eine Performance auf der Brücke Puente de Cal y Canto, die zur Kolonialzeit dort gebaut wurde, wo einst eine Seilbrücke der Inka den Süden mit dem Norden von Chile verband. Freunde und Vorbeigehende bilden „einen lebendigen Knoten“, um die Erinnerung an das heilige Mapochotal und seinen Fluss, nun schwer verseucht, wieder aufleben zu lassen. This performance takes place at the Puente de Cal y Canto bridge, constructed during colonial times at the site where an Inka rope bridge had once connected the south and north of Chile. Friends and passers-by create ‘a living knot’ to recover the memory of the sacred Mapocho Valley and its river, now deeply contaminated.

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Verleiher Distributors Electronic Arts Intermix

6. Mai 19:30 Uhr 6 May 7:30 pm Star

Verleiher Distributors Light Cone

6. Mai 21:45 Uhr 6 May 9:45 pm Star

Light Cone 157, rue de Crimée / Atelier 105 75019 Paris Frankreich France Tel +33 1 46590153 lightcone@lightcone.org lightcone.org

Light Cone ist eine Kooperative, die 1982 in Paris für die Förderung, den Verleih und die Archivierung von Experimentalfilmen gegründet wurde. Ihre Hauptaufgabe ist der Verleih von Arbeiten aus ihrem Bestand an verschiedene Institutionen. Die Sammlung umfasst beinahe 6.000 Filme, Videos und digitale Arbeiten. Light Cone organisiert jedes Jahr die Preview Show, fördert das experimentelle Kino durch die Filmreihe Scratch – monatliche Filmvorführungen (Scratch Projections) und Biennale-Veranstaltungen (Scratch Collection und Scratch Expanded) – und ist über ihr Dokumentationszentrum auch zugänglich für Forscherinnen und Forscher, Künstlerinnen und Künstler sowie Kuratorinnen und Kuratoren. Seit 2014 betreibt Light Cone darüber hinaus ein Artist-in-Residence-Programm namens Atelier 105 für die Postproduktion von Experimentalfilmen. Light Cone is a cooperative founded in 1982 in Paris, France, with the aim of promoting, distributing and preserving experimental cinema. Its primary mission is to lend the works in its catalogue, to different kinds of institutions. The collection holds nearly 6,000 films, videos and digital works. Each year, Light Cone organises the Preview Show and promotes experimental cinema through the Scratch series – monthly film screenings (Scratch Projections) and biennale events (Scratch Collection and Scratch Expanded) – and thanks to its documentation centre open to researchers, artists and programmers. Since 2014, Light Cone also operates a residency programme for the postproduction of experimental films called Atelier 105.

THE SCREEN General Picture – Episode 15

Frankreich France 2020 3'55", Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director David Wharry Die Schauspieler: ein Projektor, eine Leinwand, eine Stimme, ein Publikum und ein Kino. Die Orte: „hier“ und „dort“. Die Situation: Ein Publikum sitzt in einem dunklen Kino. Der Film beginnt, als der Projektor eingeschaltet wird. Die Handlung beginnt, als die Stimme das Publikum fragt: „Seid ihr da?“ The actors: a projector, a screen, a voice, an audience and a cinema. The locations: ‘here’ and ‘there’. The situation: an audience is sitting in the dark in a cinema. The film begins when the projector is switched on. The action begins when the voice asks the audience: ‘Are you there? ’

La nuit aveugle

Frankreich France 2020 11'04", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Piton Emmanuel Ein Mann scheint eine Aufgabe zu erfüllen, deren Zweck noch nicht klar ist. Fragmente treten aus seiner Erinnerung hervor, als ob sie dem Ruf der Schatten entkommen. A man seems to be following a quest that hasn’t quite found its purpose. Fragments emerge from his memory as if to escape the call of the shadows.

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PRÉSENCE PRESENCE

Frankreich France 1974 5'10", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Antonietta Pizzorno, Pierre Rovere Weder die Mitte des Frames noch die Mitte des Objekts: Fast den ganzen Film hindurch bewegt sich das Auge in Ermangelung eines Mittelpunkts für den Blick entlang einer Grenze – Schatten/Licht, Präsenz/Abwesenheit –, an der beide Bereiche gleichermaßen intensiv sind. Neither the centre of the frame nor the centre of the object: over the course of nearly the whole film, in the absence of any focal point for the gaze, the eye navigates along a boundary – shadow/light, presence/absence – where both areas have the same amount of intensity.

BORGO

Frankreich France 2019 3'39", Schwarzweiß black-and-white, stumm silent Regie Director Lucie Leszez Ansichten des Alltags, Borgo Panigale, die Straße zum Tor San Vitale in Bologna und ein Ausreißer: die Apenninen, Portivy. Ein Zittern der fotografierten Landschaften begleitet das Erscheinen und Verschwinden von Bildern auf der Suche nach ihren Rahmen. Views of everyday life, Borgo Panigale, the road to the San Vitale Gate in Bologna and a breakaway: the Apennins, Portivy. A tremor of the photographed landscapes accompanies the appearance and disappearance of images seeking their frame.

PERDUE

Frankreich France 2020 6'30", Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Julien Pluchard Ein Zusammentreffen mehrerer Mythen: sich bewegende Schatten, die der Filmemacher mit Höhlenmalereien in Verbindung bringt; die Stimme von Sarah Bernhardt, „heiliges Monster“ und der erste Weltstar, wie sie vor hundert Jahren den Phädra-Monolog performt. Ein Versuch, dem Labyrinth zu entkommen. A meeting of several myths: shadows in movement, which the filmmaker associates with cave paintings; the voice of the ‘sacred monster,’ Sarah Bernhardt, the world’s first star, as she delivers the monologue of Phèdre a hundred years ago; an attempt to exit the labyrinth.

Are You OK?

Frankreich France 2016 3'23", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Kengné Téguia Bewegungen, inspiriert von Anne Teresa De Keersmaekers Werk Rosas Danst Rosas. Die Wiederholung der Gesten, die Sensibilität der Beziehung zwischen Geste und Klang, zahlreiche Prozesse, die sich auf das Lernen von etwas für uns Unerreichbarem beziehen. Ausgebrannt? Geht es dir gut? Movements that are inspired by Anne Teresa De Keersmaeker’s piece Rosas Danst Rosas. The repetition of gestures, the sensitivity of the relationship between gesture and sound, several processes that could refer to the issue of learning something that would never be accessible to us. Burnt out? Are you OK?

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Verleiher Distributors Light Cone

6. Mai 21:45 Uhr 6 May 9:45 pm Star

Verleiher Distributors Light Cone

6. Mai 21:45 Uhr 6 May 9:45 pm Star

Yagé

Frankreich, Mexiko, Peru France, Mexico, Peru 2021 13'56", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, ohne Text without text Regie Director Martín Molina Gola Ein Reisebericht aus Peru, der über den Zerfall von Videobildern mit der Frage nach der Erinnerung arbeitet. Der Soundtrack der Komponistin Méryll Ampe reagiert auf das Werk, indem er Traumräume aus elektronischen und akustischen Materialien am Rande des Auslöschens produziert. A travel journal from Peru that works with the question of memory via the degeneration of video images. The soundtrack, created by the composer Méryll Ampe, responds to the piece by producing dream spaces out of electronic and acoustic materials on the limit of erasure.

Autoritratto all‘Inferno Self Portrait in Hell

Kanada Canada 2021 3'30", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Federica Foglia Zahlreiche Schichten von 8-mm-Film verschmelzen zu einem kameralosen Selbstporträt der Filmemacherin. Several layers of 8 mm films merge to create a camera-less self-portrait of the filmmaker.

PLUME

Kanada Canada 2022 7'20", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Mike Rollo Finger rupfen heruntergefallene Beweise des Flugs, platziert und ausfindig gemacht für vogelartiges Licht. Fingers pluck fallen evidence of flight; placed and traced to make avian light.

OR / AOUR, VIENNA

Frankreich France 2019 11'21", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Jacques Perconte Die Bewegung von Materie beeinflusst jegliches Gleichgewicht: Nichts ist fest. Getragen von der Kraft des Goldes, das durch ihren Körper fließt, werden die Schwalben schwerelos. Sie sind das Licht, das ohne feste Ordnung hin- und hergeht. Wer sie sehen möchte, sollte nicht versuchen, sie zu fangen. The agitation of matter affects the balance of everything: nothing is fixed. Carried by the force of gold flowing through their bodies, the swallows become weightless. They are the light that goes back and forth without order, and to see them, do not try to catch them.

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HAMACA Carrer Emilia Coranty, 16 Can Ricart 08018 Barcelona Spanien Spain info@ hamacaonline.net hamacaonline.net

HAMACA ist ein Verleiher für Videokunst und experimentelle Medien, der als Plattform die Archivierung und Verbreitung von zeitgenössischen audiovisuellen Praktiken ermöglicht sowie das Wissen über diese Praktiken fördert. HAMACAs Hauptaufgaben sind der Erhalt, der Verleih und die Förderung von Videoarbeiten und Videokultur, die auf nationaler und internationaler Ebene im/mit Bezug auf den spanischen Kontext produziert wurden. Zu ihm gehört ein breites Netzwerk von Künstlerinnen und Künstlern und Kulturschaffenden im Bereich der bildenden Künste und der experimentellen audiovisuellen Medien, das es sich zum Ziel gesetzt hat, ein wirtschaftliches Einkommen für Künstlerinnen und Künstler zu generieren, indem es sich für eine gerechte Vergütung und die Professionalisierung der gegenwärtigen audiovisuellen Medien einsetzt und diese umsetzt. HAMACA is a distributor of video art and experimental media constituted as a platform for archiving, disseminating, and learning about contemporary audiovisual practices. HAMACA’s mission focuses on preserving, distributing, and promoting video works and culture produced in/in relation with the Spanish context, within a national and international scope. It articulates a wide network of artists and cultural agents in the field of visual arts and experimental audiovisuals, seeking to generate an economic flow for artists, defending and contributing to fair remuneration and the professionalization of the contemporary audiovisuals.

The Sasha

Niederlande Netherlands 2019 20'17", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch mit spanischen Untertiteln English with Spanish subtitles Regie Director María Molina Peiro 1972 landete der Astronaut Charles Duke mit der Apollo 16 auf dem Mond, um Fotos der Mondoberfläche aufzunehmen. The Sasha hinterfragt die Wahrhaftigkeit fotografischer Dokumentation und untersucht so die menschliche Perspektive auf die Erde und unseren fortwährenden Kampf mit unseren zeitlichen und räumlichen Grenzen. In 1972, the astronaut Charles Duke landed on the moon on Apollo XVI. He was in charge of taking photos of the lunar surface. Questioning the veracity of photographic documentation, The Sasha enquires about the human perspective on Earth and our constant struggle with our temporal and spatial limitations.

CuPorn

Spanien Spain 2020 8'57", Farbe colour, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles Regie Director Lucía Egaña Rojas CuPorn ist Teil eines wilden Notizbuchs, einer Reihe von poetischen und ketzerischen Notizen der Zuneigung, die am Scheideweg eines Gebiets und seiner Repräsentation gefunden wurden. Mit intuitiven Methoden verwirft der Film die offizielle Geschichtsschreibung durch Erzählungen, die das unermüdliche und unsensible Saugen und Perforieren der pornografischen Erzählung der neoliberalen Extraktion betonen. CuPorn is a wild notebook, a series of mixed poetic and heretical notes of affection found at the crossroads of a territory and its representation. It discards official historicity through narratives that emphasise the insensitive perforations of the pornographic narrative of neoliberal extractivism.

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Verleiher Distributors HAMACA

7. Mai 14:45 Uhr 7 May 2:45 pm Star

Verleiher Distributors HAMACA

7. Mai 14:45 Uhr 7 May 2:45 pm Star

Devenir Becoming

Spanien Spain 2007 8', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Eugènia Balcells Durch die Erkundung femininer Archetypen legt dieses Werk eine Transzendenz sozialer und kultureller Rahmen nahe, um ein weibliches Wesen zu zeigen, das Teil, Verschmelzung und Schöpfung seines Umfelds ist: Zeit, Natur und Geschichte. Sie wird geboren, stirbt und wird in einem fortlaufenden Werden wiedergeboren, bis sie mit der Natur verschmilzt. Exploring feminine archetypes, this work proposes a transcendence of social and cultural frameworks to present a being that is part, fusion and creation with her environment: time, nature and history. She is born, dies and is reborn in a continuous becoming until she merges with nature.

UNBURIED

Spanien, Vereinigtes Königreich Spain, United Kingdom 2019 6'25", Farbe colour, Katalanisch, Spanisch, Englisch mit englischen Untertiteln Catalan, Spanish, English with English subtitles Regie Director Sally Fenaux Barleycorn Die Sonnenaufgänge über dem Meer sind nun in das Blut der vom Wasser exhumierten Körper getaucht, der Hoffnungen und ertrunkenen Träume der Migranten. Das Mittelmeer klingt nicht mehr nach Brandung, sondern nach verzweifelten Hilferufen. The sunrises looking at the sea are now bathed in the blood of bodies unburied by the waters. Of the migrant’s hopes and drowned dreams. The Mediterranean Sea no longer sounds of waves crashing against the coast, but of cries of despair asking for help.

Cuerpos #1 Santa Águeda Bodies #1 Saint Agatha

Spanien, Vereinigtes Königreich Spain, United Kingdom 2017 11'43", Farbe colour, Spanisch, Englisch mit englischen Untertiteln Spanish, English with English subtitles Regie Director Mirari Echávarri López Basierend auf der Begegnung der Regisseurin mit einem RenaissanceGemälde, welches das Martyrium der Heiligen Agatha zeigt, bricht dieses audiovisuelle Essay mit der konventionellen Distanz der ästhetischen Betrachtung. Die Grenzen verschwimmen und ermöglichen gegenseitige Übertragung. Der Film kombiniert Kritische Theorie mit Reflexionen über den Körper, Zuwendung, Folklore und Feminismus. Based on the author’s encounter with a Renaissance painting representing the martyrdom of Saint Agatha, this audio-visual essay breaks with the conventional distance of aesthetic contemplation, blurring the boundaries and enabling a mutual transmission. It combines critical theory with reflections about the body, affections, folklore and feminism.

No One Cried

Spanien Spain 2021 23', Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Daniel Jacoby Von schlichten weißen Wänden bis hin zu aufwendig gefertigten Kulissen – Sex-Chatrooms sind Portale in die Welt menschlicher Fantasien. Eine Verkettung geisterhafter Räume legt den Schwerpunkt auf die Momente, in denen die Darsteller gar nicht auf den Bildschirmen zu sehen sind, und führt uns auf eine verstörende Reise der Selbstdarstellung und des einsamen Verlangens. From plain white walls to bombastically crafted backdrops, adult chat rooms are portals to people’s phantasy worlds. Focusing on the moments when performers are off screen, a meticulous concatenation of ghostly spaces takes us on an unsettling journey of self-expression and lonesome desire.

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LUX Waterlow Park Centre Dartmouth Park Hill London N19 5JF Vereinigtes Königreich United Kingdom Tel +44 20 31412960 distribution@lux.org.uk lux.org.uk

Als einzige Institution ihrer Art in Großbritannien verfügt LUX über die bedeutendste Video- und Filmkunstsammlung des Landes und ist der wichtigste europäische Verleih derartiger Arbeiten. LUX arbeitet mit zahlreichen namhaften Institutionen, wie etwa Museen, Galerien, Festivals und Bildungseinrichtungen zusammen, aber auch unmittelbar mit der Öffentlichkeit und den Kunstschaffenden. LUX konzentriert sich vor allem auf Vertrieb, Ausstellungen, Publikationen, Forschung und die berufliche Förderung von Kunst- und Kulturschaffenden. The only organisation of its kind in the UK, LUX represents the country’s only significant collection of artists’ film and video, and is the largest distributor of such work in Europe. LUX works with a large number of major institutions, including museums, galleries, festivals and educational establishments, as well as directly with the public and artists. The organisation’s main activities are distribution, exhibition, publishing, education, research and professional development support for artists and arts professionals.

In the Footsteps of Li Yuan-Chia & Delia Derbyshire

Niederlande, Vereinigtes Königreich Netherlands, United Kingdom 2020 8'43", Farbe colour, Englisch English Regie Director Madelon Hooykaas Eine eindringliche Bewegtbildmeditation zu Ehren der Freundschaft und kreativen Arbeitsbeziehung zwischen der Videokunstpionierin Madelon Hooykaas, dem verstorbenen Li-Yuan-chia (1929–1994), dem chinesischen Künstler, der das LYC Museum in Nordengland aufbaute, und Delia Derbyshire (1937–2001). An immersive moving-image meditation honouring the friendship and creative working relationships video art pioneer Madelon Hooykaas had with the late artist Li-Yuan-chia (1929–1994), the Chinese artist who started the LYC Museum in the North of England, and Delia Derbyshire (5 May 1937 – 3 July 2001).

ZZZ

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020 9'52", Farbe colour, Englisch English Regie Director Lucy Clout ZZZ wird von der Künstlerin als „nächtliches Werk“ beschrieben. Im Video hören wir ein müdes Voiceover: Eine Frau liest sich nachts ihre unvollständigen Notizen durch. Die Stimme bewegt sich zwischen klarer und unverständlicher Sprache hin und her und lässt Beschreibung, Anekdoten und Tatsachen zu einem endlosen, desorientierten Monolog verschmelzen. ZZZ is described by the artist as a ‘nocturnal work’. Within the video, we hear a tired voiceover of a person reading across her incomplete notes during the night. The voiceover moves back and forth between lucid and opaque speech, blending description, anecdote and fact into a looping, disorientated monologue.

Folds

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020 7', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Keira Greene Folds ist ein filmisches Porträt der Tanzkünstlerin und Autorin Alexandrina Hemsley, das sich mit Themen wie Intimität, Handlungsfähigkeit und Zeitlichkeit auseinandersetzt. Folds is a filmed portrait of dance artist and writer Alexandrina Hemsley that explores themes of intimacy, agency and temporality.

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Verleiher Distributors LUX

7. Mai 17:00 Uhr 7 May 5:00 pm Star

Verleiher Distributors LUX

7. Mai 17:00 Uhr 7 May 5:00 pm Star

PHX [X is for Xylonite]

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2019 12'54", Farbe colour, Englisch English Regie Director Frances Scott In PHX [X is for Xylonite] werden die ersten halbsynthetischen Kunststoffe und ihre Beziehung zur chemischen und industriellen Entwicklung von Fotografie und Film untersucht. In PHX [X is for Xylonite], the first semi-synthetic plastics are considered through their relationship to the chemical and industrial development of photography and film.

On Venus

USA 2019 13', Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director P. Staff Das Video in Dauerschleife besteht aus zwei Teilen. Der erste Teil besteht aus zerkratztem, verzerrtem und überlappendem Filmmaterial, das die industrielle Zucht von hormonellen, reproduktiven und fleischlichen Tierprodukten wie Urin, Sperma, Fleisch, Häuten und Fellen dokumentiert. A looping video comprised of two parts. The first of scratched, warped and overlapping footage documenting the industrial farming of hormonal, reproductive and carnal animal commodities including urine, semen, meat, skins and fur.

Me Myself & I

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1967 16', Schwarzweiß black-and-white, Englisch English Regie Director Stephen Dwoskin Der Anfang des vorherrschenden Themas – oder der Frage – was uns trennt, selbst wenn wir zusammen sind. Diese Frage ist im weiteren Verlauf des Films nicht nur eine Frage, sondern eher eine Aussage … The beginning of the prevalent theme – or question – what keeps us apart, even when together? This question in the later film is not just the question, but a statement…

The Rebirth of Sacred Cow Mixtape Trailer

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020 4'51", Farbe colour, Englisch English Regie Director Hardeep Pandhal The Rebirth of Sacred Cow Mixtape Trailer imitiert ein Rap-Musikvideo mit einem Teaser für einen neuen Song am Ende, in dem Ghoul Baby (David Steans) als Gastsänger auftritt. Der Film dreht sich um viktorianische Ideologien in Bezug auf Sport, bei denen die Rolle der Frau durch männliche Bindungsrituale eingegrenzt wird. The Rebirth of Sacred Cow Mixtape Trailer mimics a rap music video – with a new song teaser at the end to boot – featuring guest vocals by Ghoul Baby (David Steans). It revolves around Victorian ideologies pertaining to sport, where women’s roles are circumscribed through male bonding rituals.

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AV-arkki The Distribution Centre for Finnish Media Art Tallberginkatu 1 C 76 00180 Helsinki Finnland Finland Tel +358 50 4356092 distribution@av-arkki.fi av-arkki.fi

AV-arkki ist ein nicht kommerzieller, von Künstlern betriebener Verleih für finnische Medienkunst. Wir verleihen seit 1989 international – Video- und Medienkunst sowie experimentelle Kurzfilme. AV-arkki bietet eine umfassende, interessante, aktuelle und hochwertige Auswahl an finnischer Medienkunst. AV-arkki is a non-profit, artist-run association distributing Finnish Media Art. We have been distributing video art, media art and experimental short films internationally since 1989. Our selection of Finnish media art is comprehensive, interesting, up-to-date and of high quality.

Deus ex Machina

Finnland Finland 2021 4', Farbe colour, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Anssi Kasitonni Die Illusion zerbricht, sobald das Publikum die Fäden sieht. The illusion breaks down when the viewer can see the strings.

A Spring Bright Evening

Finnland Finland 2020 19'05", Farbe colour, Schwedisch mit englischen Untertiteln Swedish with English subtitles Regie Director Benjamin Orlow Ein Live-Action-Animationsfilm mit musikalischer Begleitung durch den akademischen Studentenverbindungschor Brahe Djäknar. Der Film spielt in einer geschlossenen und geheimnisvollen Welt, die durch Vernetzung und Traditionsbildung eine prägende Rolle in der heutigen Gesellschaft spielt. A live action animation with a musical score performed by the academic fraternity choir Brahe Djäknar. The film is set inside a closed and secretive world that plays a formative role in contemporary society through networking and tradition-making.

Shadow Codex

Finnland Finland 2021 12'30", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Saara Ekström Shadow Codex wurde auf dem verlassenen Areal des Gefängnisses Turun lääninvankila gedreht. Der Film dokumentiert die Schichten von Nachrichten, die auf die Wände der Zellen gezeichnet, gebrannt oder geritzt wurden. Die auf 8-mm-Film eingefangenen Markierungen zeigen eine Schattenseite, die eine Gesellschaft sowohl hervorbringt als auch versteckt. Filmed at the abandoned facilities of Turku County Prison, Shadow Codex documents the layers of messages drawn, burned and scratched on cell walls. The markings captured with 8 mm film expose an underbelly which a society both generates and hides.

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Verleiher Distributors AV-arkki

8. Mai 12:30 Uhr 8 May 12:30 pm Star

Verleiher Distributors AV-arkki

8. Mai 12:30 Uhr 8 May 12:30 pm Star

Photosphere

Finnland Finland 2021 16'38", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Minna Långström Photosphere erforscht die Verbindung zwischen einem Filmlabor in Hollywood und einem Sonnenteleskop zu Zeiten des Zelluloidfilms. Der Film porträtiert Sara Martin, eine Sonnenforscherin, die Film bis zum Ende der 1990erJahre als Forschungsmaterial genutzt hat. Photosphere explores the connection between a Hollywood studio film laboratory and a solar observatory during the era of celluloid filmmaking. It portrays Sara Martin, a solar astronomer who used film as research material until the end of the 1990s.

Taiga

Finnland Finland 2021 2'41", Farbe colour, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Leena Lehti Mit der Klimaerwärmung verändert sich der Nadelbaum, wie wir ihn kennen, und verschwindet. Taiga wurde auf 16-mm-Film ohne Kamera erstellt. Der Film kombiniert handgekratzte Animationen mit echten winzigen Pflanzen und Moosen, die in der subarktischen Region Finnlands gesammelt wurden. With the warming climate, the conifer as we know it is changing and disappearing. Taiga was made on 16 mm film without a camera. It combines handscratched animation with real tiny plants and moss collected in a subarctic region in Finland.

Limakon aika The Time of a Slime Mold

Finnland Finland 2021 9'50", Farbe colour, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Leena Pukki Die Bewegung von Schleimpilzen, primitiven Amoebozoa, wird mit den Mustern ausgewählter karelischer Webdecken kombiniert. Das Gedicht im Hintergrund handelt von den Themen Zeit, Kreislauf und Verfall. The movement of slime mold, primitive Amoebozoa organisms, is combined with pattern subjects selected from Karelian thread blankets. The poem heard in the background expresses themes of time, circulation and decomposing.

Jearrat Máttaráhkus Ask the Foremothers

Finnland Finland 2019 4'01", Farbe colour, Saamisch Saami Regie Director Marja Viitahuhta, Musik Music Ánnámáret Das Musikvideo zu Ánnámárets Lied Jearrat máttaráhkus stellt Bilder aus der samischen Vergangenheit der heutigen Landschaft gegenüber. Die Bilder zeigen auch die Ähnlichkeiten zwischen der nordischen Landschaft und den Details der samischen Tracht. The music video for Ánnámáret‘s song Ask the Foremothers juxtaposes images of the Sámi past with the landscape of today. The pictures also show similarities between the northern landscape and the details of the Sámi costume.

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Canadian Filmmakers Distribution Centre 32 Lisgar Street Toronto, ON M6J 0C9 Kanada Canada Tel +1 416 5880725 director@cfmdc.org cfmdc.org

Das 1967 gegründete CFMDC vertreibt, repräsentiert und fördert Kanadas bedeutendste Sammlung von historischer und zeitgenössischer Medienkunst. Wir agieren als Botschafter für unsere Mitglieder, zu denen kanadische und internationale Künstler gehören, und pflegen Vertriebsnetzwerke und -möglichkeiten auf lokaler, nationaler und internationaler Ebene. CFMDC vertritt ca. 1.300 Mitglieder weltweit, mit über 4.500 Filmtiteln im Katalog, darunter einige der originärsten und angesehensten Kunstwerke Kanadas. Die einzigartige Sammlung des CFMDC ist vielfältig, sie reicht von den 1950er-Jahren bis in die Gegenwart und wächst stetig weiter. Vtape ist Kanadas wichtigster von Künstlern geleiteter nicht kommerzieller Vertrieb für Video- und Medienkunst. Mit über 5.000 Videoarbeiten von über 1.000 Kunstschaffenden verfügt Vtape über eine beeindruckende Sammlung kanadischer und internationaler Werke von den frühen 1970er-Jahren bis in die Gegenwart. Zu Vtapes breit gefächerten internationalen Kundenstamm gehören Galerien und Museen, Medienkunstfestivals, pädagogische Einrichtungen, TV-Sender und verschiedene Plattformen, die im Namen unabhängiger Videokünstler aktiv sind. Founded in 1967, CFMDC distributes, represents and champions Canada’s most significant collection of historical and contemporary media art. We act as an ambassador for our membership that includes Canadian and international artists, cultivating distribution networks and opportunities at local, national and international levels. CFMDC represents approximately 1,300 members worldwide, with over 4,500 film titles in the catalogue, including some of Canada’s most original and well respected works of art. CFMDC’s unique collection is diverse, ranging from the 1950s to the present, and continues to grow steadily.

Petal to the Metal

Kanada Canada 2021 3', Farbe colour, Englisch English Regie Director Emily Pelstring Ein Lied, das für Nachtschwärmer geschrieben wurde, Kompost und Schatten, inspiriert vom menschlichen Faible für Blumen. Wasser, Feuer, Erde und Luft werden mit den Geschöpfen des Gartens verwoben. Das Werk zieht eine Parallele zwischen der fotografischen Alchemie filmischer Experimente und den fotosynthetischen Prozessen von Pflanzen. A song written for night-crawlers, compost and shadows, inspired by human flower-lust. Water, fire, earth and air are interwoven with the garden’s creature crew. The work draws a parallel between the photographic alchemy of cinematic experiments and the photosynthetic processes of plants.

A Nice Big Zero for You

Kanada Canada 2021 7'43", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Lisa Morse Eine Donut-Zerstörung, die als Scherz begann und etwas düster verlief. Außerdem eine Ode an den optischen JK-Drucker und eine Meditation über menschliche Grausamkeit und Entbehrlichkeit. Doughnut destruction that started as a lark but got a bit grim. Also an ode to the JK Optical Printer, and a meditation on human cruelty and expendability.

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Verleiher Distributors CFMDC / Vtape

8. Mai 14:45 Uhr 8 May 2:45 pm Star

Verleiher Distributors CFMDC / Vtape

8. Mai 14:45 Uhr 8 May 2:45 pm Star

Dreams of Gold

Kanada Canada 2021 3'50", Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Zoe Kirk-Gushowaty „Draußen in Zeballos, an der feuchten Westküste von Vancouver Island, regnet und regnet es quasi pausenlos, aber die Menschen dort suchen am Himmel nicht nach Regenbögen.“ Basierend auf einem Text aus dem Tagebuch eines Goldgräbers enthüllt Dreams of Gold dessen Träume und Halluzinationen und erkundet gleichzeitig das Bild des Verstands als Räume in einem Haus. ‘Out at Zeballos, on the wet west coast of Vancouver Island, it rains and rains and practically never stops, but the people there don’t look for rainbows in the sky.’ Based on text from a gold miner’s journal, Dreams of Gold reveals his dreams and hallucinations while exploring the image of the mind as rooms in a house.

VIA KARELIA

Finnland, Kanada Finland, Canada 2021 12'35", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles Regie Director Elian Mikkola Wie wird Trauma von einer Generation auf die nächste übertragen? Bei dem Versuch zu verstehen, wie sich die Belastungen der Vergangenheit verarbeiten lassen, sucht Mikkola nach dem Elternhaus der eigenen Großmutter. Auf einer Reise mit den eigenen Eltern landet Mikkola in einem Dorf im alten Karelien, das nun zu Russland gehört. How does a trauma get carried on from one generation to another? Mikkola tries to understand how to heal from pressures of the past by searching for their grandmother’s childhood home. On a journey with their parents, they find themselves in a village located in the old Karelia, now a part of Russia.

I’m a Fag 4 U

Kanada Canada 2021 5'25", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Vivek Shraya Inspiriert von der Kinematografie von Truth or Dare und Paris is Burning ist dieses Video eine Hommage an die Gay Culture und Ästhetik der späten 80er-/frühen 90er-Jahre. Mit der Koregisseurin Vivek Shraya und den queeren Tänzern Rodney Diverlus und Phil Villeneuve, welche die Straßen und Bürgersteige, oft Orte homophober Gewalt, sowie das Wort „Schwuchtel“ zurückerobern. Inspired by the cinematography of Truth or Dare and Paris is Burning, this video is an homage to late 1980s/early 1990s gay culture and aesthetic. Featuring co-director Vivek Shraya and queer dancers Rodney Diverlus and Phil Villeneuve reclaiming streets and sidewalks, common sites of homophobic violence, and the word ‘fag’.

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Vtape 401 Richmond Street West / Suite 452 Toronto, ON M5V 3A8 Kanada Canada Tel +1 416 3511317 Fax +1 416 3511509 info@vtape.org vtape.org

Vtape ist Kanadas wichtigster von Künstlern geleiteter nicht kommerzieller Vertrieb für Video- und Medienkunst. Mit über 5.000 Videoarbeiten von über 1.000 Kunstschaffenden verfügt Vtape über eine beeindruckende Sammlung kanadischer und internationaler Werke von den frühen 1970er-Jahren bis in die Gegenwart. Zu Vtapes breit gefächerten internationalen Kundenstamm gehören Galerien und Museen, Medienkunstfestivals, pädagogische Einrichtungen, TV-Sender und verschiedene Plattformen, die im Namen unabhängiger Videokünstler aktiv sind. Vtape is Canada’s leading artist-run, not-for-profit distributor of video art and media works. Featuring 5,000+ video works by over 1,000 artists, Vtape’s vibrant collection includes Canadian and international works from the early 1970s to the present. Vtape serves a diverse international client base of galleries and museums, media arts festivals, educational institutions, broadcasters and multiple platforms, acting on behalf of independent video artists.

International Dawn Chorus Day

Kanada Canada 2021 15'14", Farbe colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director John Greyson Am 2. Mai 2020, auf dem Höhepunkt des ersten Lockdowns, erregten zwei Nachrichten meine Aufmerksamkeit. Erstens, dass ein Filmemacher namens Shady Habash unter dubiosen Umständen in Ägyptens berüchtigtem ToraGefängnis gestorben war. Zweitens, dass am nächsten Tag der 36. International Dawn Chorus Day begangen werden würde. On May 2, 2020, at the height of the first lockdown, two news stories grabbed my attention. First, that a filmmaker named Shady Habash had died in suspicious circumstances in Egypt’s notorious Tora prison. Second, that the next day would celebrate the 36th annual International Dawn Chorus Day.

Untitled Part 9: This Time

Afghanistan, Kanada Afghanistan, Canada 2020 6'13", Farbe colour, Persisch mit englischen Untertiteln Persian with English subtitles Regie Director Jayce Salloum Erzählungen von Dorfjungen, die den unvergleichlichen Mulla Nasrudin in Afghanistan entdeckt haben. Out of the mouths of rural boys, finding the incomparable Mulla Nasrudin in Afghanistan.

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Verleiher Distributors CFMDC / Vtape

8. Mai 14:45 Uhr 8 May 2:45 pm Star

Verleiher Distributors CFMDC / Vtape

8. Mai 14:45 Uhr 8 May 2:45 pm Star

Portrait of the Artist as Pierrot

Kanada Canada 2021 7'03", Farbe colour, Englisch English Regie Director Anthony Valiulin „Mädchen können Jeans anhaben und sich die Haare kurz schneiden und in Hemdsärmeln und Stiefeln herumlaufen, weil es okay ist, wie ein Junge zu sein, für Mädchen ist das wie eine Beförderung. Aber wenn ein Junge wie ein Mädchen aussieht, dann ist das erniedrigend, wie du sagst, weil du heimlich meinst, es ist entwürdigend, ein Mädchen zu sein.“ — Ian McEwan, Der Zementgarten ‘Girls can wear jeans and cut their hair short and wear shirts and boots because it’s ok to be a boy; for girls it’s like promotion. But for a boy to look like a girl is degrading, according to you, because secretly you believe that being a girl is degrading.’ — Ian McEwan, The Cement Garden

Medicine Bundle

Kanada Canada 2021 9'33", Farbe colour, Englisch English Regie Director Thirza Cuthand In Medicine Bundle geht es um ein Medizinbündel, das in meiner Familie verwendet wurde, um meinen Ururgroßvater von einer Pockenerkrankung und einer lebensgefährlichen Wunde zu heilen, die er 1885 in der Schlacht von Cutknife Hill durch eine Gatling-Kanone davongetragen hatte. Als ich dieses Video beendete, wütete weltweit eine Pandemie, und ich fragte mich, ob uns das Bündel auch heute noch schützen würde, so wie es das in der Vergangenheit getan hat. Medicine Bundle is about a bundle that was used in my family to heal my great-great-grandfather from a smallpox epidemic and a life threatening wound from a gatling gun used against him in the battle of Cutknife Hill in 1885. As I finished this video, a pandemic was raging worldwide and I wondered if the bundle would continue to protect us now as it has in the past.

Rohoyasimba

Belgien Belgium 2020 6'15", Farbe colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles Regie Director Guy Woueté Gold ist noch nicht grün, und es braucht noch schwarze Hände. Die koloniale Bereicherung Belgiens beruhte auf Zwangsarbeit und der Ausbeutung von Minen im Kongo. Was verbindet die beiden Länder sechzig Jahre nach dem offiziellen Ende der Kolonialisierung? Gold is not yet green and it still needs black hands. Belgium’s colonial enrichment was based on forced labour and mining extraction in the Congo. Sixty years after the official end of the colonization, what are the links between the two countries?

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CIRCUIT Artist Film and Video Aotearoa New Zealand P.O. Box 7526 Newtown 6021 Wellington Neuseeland New Zealand director@circuit.org.nz circuit.org.nz

Die 2012 gegründete Agentur Circuit Artist Film and Video Aotearoa New Zealand unterstützt neuseeländische Künstler im Bereich Film und Video durch die Kommissionierung und den Verleih von Arbeiten, Rezensionen und Programmen für die berufliche Praxis. Founded in 2012, Circuit Artist Film and Video Aotearoa New Zealand is an arts agency which supports New Zealand artists working in the moving image through the commissioning of works, distribution, critical review and professional practice initiatives.

Taonga Talkback TV – Episode 5: Plastic Māori

Neuseeland New Zealand 2020 1'32", Farbe colour, Englisch English Regie Director Suzanne Tamaki Manu, die Maori-Plastikpuppe, klärt uns über die kulturelle Aneignung der Maori-Kultur und „taonga“ (Schätze) auf. Sie ist ein Beispiel für „kiwiana“, ein neuseeländisches Wort, welches das Gefühl nationaler Identität beschreibt. Manu the plastic Māori doll draws our attention to the cultural appropriation of Māori culture and ‘taonga’ (treasures). She is an example of ‘kiwiana’, which is a New Zealand word used to describe a sense of national identity.

Fāgogo

Neuseeland New Zealand 2016 9'03", Farbe colour, Englisch English Regie Director Pati Solomona Tyrell Das samoanische Wort „fāgogo“ bezieht sich auf Geschichten, die den Menschen in einem gemeinsamen Kontext erzählt werden. In diesem Film wird „fāgogo“ als restorative Praktik betrachtet, die eine Gemeinschaft mit Künstler:innen und Unterstützenden der Pasifika-LGBTQI-Community in Aotearoa schafft. ‘Fāgogo’ in Sāmoan refers to fables that are told to people in a shared context. In this film, fāgogo is situated as a restorative practice, shared with other artists and collaborators from the Pasifika LGBTQI space in Aotearoa.

The Deep

Neuseeland New Zealand 2020 10'40", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Gavin Hipkins Ein hypnotischer Reisebericht mit Bildern aus der früheren Reportagefotografie ruft die unheimlichen Streifzüge eines Schlafwandlers durch unsere fragile Epoche ins Gedächtnis. Das therapeutische System des Mesmerismus des 19. Jahrhunderts wird auf die ambivalent destruktive Traumwelt des Spätkapitalismus übertragen. A hypnotic travelogue of memory images from yesteryear’s editorial photography recalls a sleepwalker’s uncanny meanderings through our fragile epoch. The nineteenth century’s therapeutic system of mesmerism is applied to that ambivalently destructive dreamscape called late capitalism.

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Verleiher Distributors CIRCUIT

8. Mai 17:00 Uhr 8 May 5:00 pm Star

Verleiher Distributors CIRCUIT

8. Mai 17:00 Uhr 8 May 5:00 pm Star

Mana tipua tuku iho Transcestor

Neuseeland New Zealand 2022 3'41", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Louie Zalk Neal Eine Erklärung des transfemininen Menschseins. Der ‘taniwha’ (Drache) Whātaitai stirbt und wird zu Stein, woraufhin sich sein Geist in einen weiblichen Vogel verwandelt. An affirmation of transfeminine personhood. The ‘taniwha’ (dragon) Whātaitai dies and transforms into stone; then his spirit transforms into a female bird.

Manawanui

Neuseeland New Zealand 1996 8'05", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles Regie Director Brent Hayward Schwankend zwischen Sorge aufgrund der AIDS-Epidemie und einer Reihe dramatischer High-Camp-Szenen aus der Queer-Community ist Manawanui eine unruhige, manchmal furchteinflößende Meditation über das Leben, den Tod und staatliche Macht. Oscillating between anxiety over the AIDS epidemic and a series of dramatic high camp scenes from the queer underground, Manawanui is an agitated, sometimes terrifying meditation on life, death and state power.

This Housing Thing

Neuseeland New Zealand 2021 18'37", Farbe, Schwarzweiß colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Dieneke Jansen This Housing Thing blättert durch Familienalben und scrollt durch Web-Material, erkundet den Zugang zu Wohngebäuden und deren Sicherheit. Hin und her, kreist es durch Zeit und Raum, verbindet und trennt Denken und Fühlen, verlässt jedoch nie sein Zuhause. Flipping through family photo albums and scrolling though web footage, This Housing Thing uncovers and circles around housing access and security. Back and forth, it orbits through time and space, connecting and disconnecting thinking and feeling, yet never leaving home.

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Filmform The Art Film & Video Archive Svarvargatan 2 11249 Stockholm Schweden Sweden Tel +46 8 6518426 info@filmform.com filmform.com

Gewidmet der Archivierung, Förderung und dem weltweiten Vertrieb experimenteller Film- und Videokunst, ist Filmform (gegründet 1950) die älteste bestehende Organisa- tion ihrer Art in Schweden und engagiert sich oft als Beraterin für Museen, Galerien, Universitäten und Festivals. Die stetig wachsende Sammlung umfasst Werke von 1924 bis heute, darunter Arbeiten der wichtigsten Kunst- und Filmschaffenden aus Schweden. Die Arbeiten können für öffentliche Vorführungen und Ausstellungen sowie für Bildungszwecke ausgeliehen werden. Filmform wird vom Kultusministerium über den Kunstförderausschuss und den Schwedischen Kunstrat gefördert. Dedicated to preservation, promotion and worldwide distribution of experimental film and video art, Filmform (est. 1950) is the only existing organisation of its kind in Sweden and is often engaged as an advisor to museums, galleries, universities and festivals. Constantly expanding, the distribution catalogue spans from 1924 to the present, including works by Sweden’s most prominent artists and filmmakers, available to rent for public screenings and exhibitions as well as for educational purposes. Filmform is supported by the Ministry of Culture through the Arts Grants Committee and the Swedish Arts Council.

The Secret of the Desert

Schweden Sweden 2021 3', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Amin Zouiten, Benn Malca Der Film mit dem Titel von Robert Dinesens Stummfilm aus dem Jahr 1918 wurde auf Europas größter Wanderdüne in Nordjütland in Dänemark gedreht, die einst als Ersatzdrehort für Ägypten diente. Er versucht, den wahrscheinlichen Drehort von Dinesens schon seit Langem verlorenen Originalfilm ausfindig zu machen. Borrowing its title from Robert Dinesen’s silent film from 1918, this film is shot at Europe’s largest migrating sand dune in Northern Jutland, Denmark, which once acted as a stand-in for Egypt, tracing the approximate location of Dinesen’s original long-lost film.

Ultramarina

Schweden Sweden 1984 14', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Cecilia Edefalk Im Film Ultramarina hat Edefalk Gemälde und Objekte im Meer platziert, um den unendlichen Raum zu zeigen. In the film Ultramarina, Edefalk has placed paintings and objects in the ocean to show the infinite space. Photo: Ola Oskarsson. Music: Freddie Söderling.

Overflow Indication

Schweden Sweden 1979 7'35", Schwarzweiß black-and-white, Englisch, Französisch, Deutsch English, French, German Regie Director Teresa Wennberg, Suzanne Nessim Zwei Kulturschaffende streiten sich in einem leeren Museum, während eine Off-Stimme die Szene ernsthaft auf Englisch, Französisch und Deutsch analysiert. Ein Video darüber, was Künstler ausdrücken wollen und wie Kritiker und die Öffentlichkeit das Werk (fehl-)interpretieren können. Two artists fighting in an empty museum while an off-camera voice is giving a serious analysis in English, French or German. A video about what the artist wants to express and how the critics and public can interpret – or misinterpret – the work.

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Verleiher Distributors Filmform

8. Mai 19:30 Uhr 8 May 7:30 pm Star

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8. Mai 19:30 Uhr 8 May 7:30 pm Star

Anna Casparsson

Schweden Sweden 1960 13', Schwarzweiß black-and-white, Schwedisch Swedish Regie Director Peter Weiss Ein Dokumentarfilm über die 99-jährige Künstlerin Anna Casparsson. Sie wird in ihrem Haus in Saltsjöbaden von Peter Weiss interviewt. A documentary film about the 99-year-old artist Anna Casparsson. She is interviewed by Peter Weiss in her home in Saltsjöbaden.

Evidence of the Not Yet Known

Schweden Sweden 2015 6'31", Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Maria von Hausswolff Evidence of the Not Yet Known spielt in einem architektonischen Wahrzeichen: Rudolph Schindlers Fitzpatrick-Leland House (1936). Der Film, der als ferne Erinnerung an die fiktive Vergangenheit des Hauses inszeniert ist, verweist auf Hollywood-Klischees und gibt flüchtige Einblicke in eine Welt geheimer Skandale, darunter Selbstmorde, Affären, Ermordungen und Unfälle. Evidence of the Not Yet Known takes place in an architectural landmark, Rudolph Schindler’s Fitzpatrick Leland House (1936). Posited as a distant memory from the house’s fictional past, the film references Hollywood clichés alongside glimpses into a world of secret scandals such as suicides, love affairs, murders and accidents.

Vanus Labor

Schweden Sweden 2021 12'56", Farbe colour, Schwedisch mit englischen Untertiteln Swedish with English subtitles Regie Director Salad Hilowle Mit dem Projekt Vanus Labor setzt Salad Hilowle seine Untersuchung darüber fort, wie Menschen afrikanischen Ursprungs in der schwedischen Geschichte dargestellt werden. With the project Vanus Labor, Salad Hilowle continues his exploration of how people of African origin are portrayed in Swedish art history.

Delay

Schweden Sweden 2014 4'21", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Santiago Mostyn In Delay bewegt sich der Künstler wie ein Tänzer durch die Straßen Stockholms rund um den Stureplan, das Zentrum des städtischen Nachtlebens. Manchmal legt er eine Pause ein, um sich unter junge Männer zu mischen; er imitiert ihre Bewegungen, streichelt ihre Wangen und kommt ihnen unangenehm nah, was Überraschung, Lachen und Widerstand hervorruft. In Delay, the artist moves like a dancer along the streets of Stockholm, moving around Stureplan, the mecca of night life in the city. He sometimes pauses to blend in with young men, imitating their movements, stroking their cheeks and positioning himself uncomfortably close, creating responses of surprise, laughter and resistance.

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sixpackfilm Neubaugasse 45/13 1070 Wien Österreich Austria Tel +43 1 52609900 office@sixpackfilm.com sixpackfilm.com

sixpackfilm wurde 1990 als Non-Profit-Organisation gegründet. Das wichtigste Ziel unserer Arbeit besteht in der Herstellung von Öffentlichkeit für das österreichische künstlerische Filmschaffen. Neben der aktiven Festivalarbeit ist sixpackfilm vor allem als Verleih tätig – unser Katalog umfasst etwa 1.900 Titel und wir vertreten gut 570 Filmemacher*innen. sixpackfilm fungiert außerdem als Veranstalter und vermittelt den Artist Film u. a. in Spezial- und Tourprogrammen oder mit dem Vod/DVD Label INDEX Edition. sixpackfilm. com/indexedition sixpackfilm was founded in 1990 as a non-profit organization. The most important goal of our work is to create publicity for Austrian artistic filmmaking. Alongside its active festival work, sixpackfilm also operates as a film distributor – our catalog includes about 1,900 titles and we represent around 570 filmmakers. sixpackfilm also acts as an organiser and mediates the artist film in special and tour programs, among others, or with the Vod/DVD label INDEX Edition. sixpackfilm.com/indexedition

Es ist genau genug Zeit There is exactly enough time

Österreich Austria 2021 2', Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Virgil Widrich, Oskar Salomonowitz Oskar, ein 12-jähriger Bub, ist tödlich verunglückt. Oskar ist der Sohn des Regisseurs. Er hat ein Daumenkino-Fragment hinterlassen. Sein Vater nimmt diese Arbeit wieder auf und beendet sie. Oskar Salomonowitz, the twelve-year-old son of the filmmakers Anja Salomonowitz and Virgil Widrich, had already drawn 206 pictures for a flip book when he died in an accident. An irrational end that his father opposed with a small, but logical continuation. (Diagonale 2021)

Warten

Österreich Austria 2021 7'40", Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Bernd Oppl Wenn man lange genug wartet, ändert sich alles – ein sogenanntes zeitloses Sprichwort. Bernd Oppl ist ein Meister der Versuchsanordnung und Realitätsverschiebung. Er transformiert Räume oder schafft neue, denn er begreift Film auch als architektonische Kunst. When you wait long enough, everything changes – a so-called timeless saying. Bernd Oppl is a master of experimental arrangement and reality shifting. He transforms spaces or creates new ones; his understanding of film is that it is also an architectural art.

Amazon Woman

Österreich Austria 2021 4', Farbe colour, ohne Text without text Regie Director Anna Vasof Der Kopf kann alles. Andere Körperteile haben separate Werkzeugfunktionen; der Kopf aber ist ein Universaltool. Dafür erbringt die Objekt- und Medienmagierin Anna Vasof den Beweis, und zwar so, dass sie den Primat des Kopfes zugleich untergräbt. The head does it all. While other body parts have their separate functions as instruments, the head is an all-purpose tool. The head’s universality: objectoriented media magician Anna Vasof celebrates it and at the same time questions its primacy.

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8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Star

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8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Star

Sie möchte dass er geht, sie möchte dass er bleibt She wants him to go, she wants him to stay

Österreich, Deutschland Austria, Germany 2021 13', Farbe colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles Regie Director Viki Kühn Wie schon der Titel deutlich macht, ist dies ein Liebesfilm. Um die Kommunikationslosigkeit einer durch psychische Erkrankung angeschlagenen Beziehung geht es hier, aber auch um stille Anziehung und wortlose Berührungen, um eine fast quälende Form der Verbundenheit. All dies will der Film sinnlich begreifen, aus der Nähe, aus der Distanz. This film deals with the lack of communication in a relationship that has been damaged by mental illness, but it is also about quiet attraction and wordless touch. The underlying intention is to understand all of this sensually, from up close, from a distance.

Singing in Oblivion

Österreich Austria 2021 13', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Eve Heller Filme, die kompromisslos vom (und mit dem) Tod handeln, scheinen zwangsläufig aus der Zeit gefallen zu sein, wie die Toten selbst. Singing in Oblivion nimmt diesen Gedanken zum Ausgangspunkt und verschwindet im Jenseits, im Schattenreich vergessener Orte, Daseinsformen und Weltbetrachtungen. Films that uncompromisingly deal in (and with) death necessarily seem to have fallen out of time, like the dead themselves. Singing in Oblivion takes this idea as its point of departure and goes missing in the hereafter, in a shadow realm of forgotten places, forms of existence and world views.

The Gallery

Österreich, Frankreich Austria, France 2021 8', Farbe colour, Deutsch, Englisch mit englischen Untertiteln German, English with English subtitles Regie Director Cordula Rieger The Gallery dokumentiert die gleichnamige Aktion des FLINT-Kollektivs (Frauen, lesbische, inter*, nichtbinäre und trans* Personen) femplak_wien (Feministische Plakate Wien). Mitglieder des Kollektivs thematisieren – gemeinsam und solidarisch – ihre individuellen Erfahrungen sexualisierter Gewalt. The Gallery documents the eponymous action by the FLINT collective (women, lesbian, inter, non-binary and trans* people) femplak_wien (Feminist Posters Vienna). Members of the collective focus on their individual experiences of sexualised violence, together and in solidarity.

KatharinaViktoria

Österreich Austria 2011 16mm, 1', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Viktoria Schmid Der Filmloop zeigt die Ähnlichkeit der Künstlerin mit ihrer Schwester in 240 geloopten 16-mm-Einzelbildporträts. Die Einzelbilder wurden nacheinander in der Kamera aufgenommen, ohne Schnitt in der Postproduktion. Durch die Trägheit des Auges (Phi-Phänomen) werden die im schnellen Rhythmus geschnittenen Einzelbildporträts zu einem Mischporträt der beiden Gesichter. A film loop showing the similarity of the artist and her sister in 240 16 mm single-frame portraits. The individual frames were recorded one after the other in camera without any editing in post-production. Due to the phi phenomenon, the rhythmically fast cutting of the individual portraits becomes a mixed portrait of both faces.

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KatharinaViktoria 2(021)

Österreich Austria 2021 16mm, 1', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Viktoria Schmid In den sechzig Sekunden von KatharinaViktoria 2(021) ereignet sich vieles: ein Reenactment und Sequel, ein filmisches Experiment mit Einzelbildern, eine Wahrnehmungsstudie, ein Doppelporträt (oder ein erweitertes Selbstporträt), eine Betrachtung über familiäre Ähnlichkeiten und Nähe. A lot happens in the sixty seconds of KatharinaViktoria 2(021): a re-enactment and sequel, a cinematic experiment with single images, a study of perception, a double portrait (or an extended self-portrait), a reflection on familial similarities and closeness.

Train Again

Österreich Austria 2021 20', Schwarzweiß black-and-white, ohne Text without text Regie Director Peter Tscherkassky Dies ist der dritte Film meiner „Rauschreihe“. Er ist eine Hommage an Kurt Kren und nutzt gleichzeitig ein klassisches Motiv der Filmgeschichte. Meine Fahrt durch die Dunkelkammer hat einige Jahre gedauert, aber wir sind endlich angekommen: alle an Board! (Peter Tscherkassky) This third film in my ‘Rushes Series’ is an homage to Kurt Kren that simultaneously taps into a classic motifs in film history. My darkroom ride took a few years, but we finally arrived: All aboard! (Peter Tscherkassky)

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8. Mai 21:45 Uhr 8 May 9:45 pm Star

Originaltitel Original titles () 1000 Thomas 13, rue d’Amsterdam 2022 3rd Cinematic Nail Factory 46. Vzporednik 480 Tonnen bis Viertel vor zehn 7 blinks after a decade 73 A A boy needs a father A camera on my Lap A Lover & Killer of Colour A Mark of Resistance A Media Primer A Missing Storey A Nice Big Zero for You A point A Proposal to Project in 4:3 A Proposal to Project in Scope A quiet day in Avdiivka A Room Without Doors or Windows A Spring Bright Evening A Third Version of the Imaginary A weekend at the beach (Night Light TV) A Whisper in the Island of the Heart Abandoning The Testicles Abrekum (Litany for the Complicit Sea) Abrir monte adrift Afta Agentai Agua del arroyo que tiembla AI and I Ainoa Alfundug Ali au pays de merveilles All the Stops all.the.time Allen Zweifeln zum Trotz Am Femund-See Amazon Woman Amor, Avenidas Novas An Ode to a Time I Loved Bread Anbar (Badrawi’s Atelier) Ancestral Download Animal farm animistica Anna Casparsson Anna Lovenstein Another Movie Antartica Any Way Apple Pie (Beta) Aquateque Araw na Nakapitapita Archie Shepp à Alger Are You OK? ARIBADA Arme Leute Around the corner Ashes Atkūrimas Auf dieser Seite der Gleise / De partea asta a șinelor Aufsätze Aus Aktuellem Anlass Autoritratto all’Inferno Ava mocoi, os gêmeos Awake B B 224 Back Inside Herself backflip Bakhmut Bambi Barcelona

271 210 181 44 42 319 265 105 114 206 50 323 225 309 65 441 192 356 357 206 419 439 241 310 170 291 70 108 417 410 399 121 430 175 83 242 381 413 157 264 449 389 113 239 415 207 388 448 202 271 389 429 414 160 51 246 433 138 253 207 255 398

Bareha Dar Barf Bedonya Miayand 329 Barna 167 Beasts of No Nation 394 Beautiful 416 Beauty standards 207 Before the fall there was no fall. Episode 02: surfaces 402 Begin 414 Bejėgis vaistas 399 BELLA 408 Besuch bei Nischke 421 Big Deal 197 Bilderbuch 345 Birds 187 Bittersweet 284 Black 356 Black & White news 206 BLACK JOY 414 Black Mother Black Daughter 322 Blanco y Negro 303 Bleached Vistas / Double Wide 349 Blind Date 133 Blink in the Desert 116 Blue Honda Civic 358 Boa Noite 59 Bobok 52 Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) 115 Bóng Xà Bông 40 BORGO 433 Born to Feel 97 Bottrop: Nützt dem Bürger eine DKP-Fraktion im Rathaus? 263 Brick Figures 225 Bruchstücke 154 Bucharest. The City – Me (SummerWinter / Spring-Autumn) 428

155 328 380 434 112 415

C C’est combien le kilo? 291 Cadê Heleny? 47 Can you live in fear 206 Can You Still Feel the Butterflies ? 101 Cântec de leagăn 403 Carnivore 226 Carrier 413 Carte Blanche to Process Cinema: Film Farm in Oberhausen* 346 Catholic Guilt 305 Ceci n‘est pas une fleur 416 Centauress 395 Chameleon 305 Channidae 180 Charismatic Inflation II 412 Chasing a capsule 414 Cipka 411 Class from the future 206 Clematis (trailer) 417 Closet 414 Clouds 358 Colors and Shapes 200 Comic Walls 207 Concerto pour un exil 241 Confession 206 Container 227 Contaminate Me 74 Corolla 398 Corto muy corto 302 Count On Me 199 Cours Lieutaud 412 Cruiser 156 Čuči čuči 165 Cuerpos #1 Santa Águeda 436 CuPorn 435 Cycles 322

264 305 131 207 361 413

D Dalej jest dzien Dance Dance Dance Dancen Dans la nature Dark Then Clear Das Chaos

405 206 99 172 357 211

454

Das Mädchen ohne 419 Daughter 430 Days of the New 88 Debt 207 Delay 448 Demichovo Šuo 397 Der natürliche Tod der Maus 408 Deus ex Machina 439 Deux festivals à Grenoble 238 Devenir 436 Diabeł 84 Die Hüter des Unrats. Eine kurze Geschichte des Abfalls 135 Die Misshandlung des Fritz Hofstatt 265 Disappoint Me 212 Dispenser of Delights 292 do you miss it 415 Documentary Footage 270 Dok smo bili tu 58 Donkey 202 Dos pañuelos, un paraguas y el amor 302 Dr. No 213 Drake ist auch nicht glücklich 197 Dreams of Gold 442 Dunyaland – A Theory of Boredom 428 Dustin 404 Dva zakona 318 Dve koračnici 318 E East Side Story 256 Echo 411 EcoTryst 417 El Màrtir 406 El nido del Sol 38 Electra Rex 225 ELLE 124 Elles 246 En rachâchant 252 En sol i natten 193 Encarnado 66 Encuentros (a Component of „On Art and Friendship“) 416 End of the road 206 Erb es tkhur em 183 Erinnerungen 277 Es ist genau genug Zeit 449 Étrange dit l’ange 297 Ever 206 Evidence of the Not Yet Known 448 excursus on fitness 386 Extinction d’une fosse de 6M2 à l’aide d’un extincteur à poudre de 9kg 342 F FACING THE TRUTH Fāgogo FALL OF THE IBIS KING Fallen Angels Falsche Freunde Fanfic Politics Far Away Farfallino Farrucas Feast of Flower Feel Like Change Feriado Ferne Intimität Ficciones FIELD RECORDINGS Fifteen Hugs Figura Filles bleues, peur blanche Find My Way Fisketur Flood Flourish Flowers Blooming in Our Throats Flüssige Wesenszüge einer Bildapparatur

Flyttfåglar Focii Folds FOOL Foot de libération nationale Foul Free as a Bird From Here to There From My Desert Fulfillmenot Für Lilith / lilits Future for robots G Gardening Is Sexy Genetica Genosse Tito, ich erbe Germany – A Family of the Industrial Ruhr Giant Gimimas Girls Grown Wild (Ecosexual Bathhouse) Girud Got to move Grandma’s Scissors Granny Flat Grid grill&shrill Grįžtamasis ryšys Groudnut Gute Arbeit, gute Nacht

173 305 437 223 429 202 182 79 395 158 81 207 417 194 380 420 385 397 416 179 200 117 418 393 128 400 415 137

H Hafra’at Hitmotetut Hamoshava 61 Háldi 107 Handbuch 145 Hell Itself is Beautiful at Night 418 Hemispheres 415 higher powers command: stay in debt 413 Hoamweh Lung 144 Home (Toro Y Moi Remix) 224 HOMESICK 130 Homo Domesticus 291 Honekami 174 Hong Se Zang Li 184 Hoppe 202 how i traveled in time and became the richest person on the planet 415 How Many 199 How to reach God through proper exercising 386 Hwang Ryong San 80

I I Will Marry You 416 I Am Good at Karate 190 419 I Had a Dream about the Subway 445 Explosion 93 406 I Might Be Stuck 360 226 I Put On The Ivy Crown 398 277 I WOULD LiCK TO BE SOMEONE 415 ELSE 127 207 I’m a Fag 4 U 442 412 I’m having a good time here 382 (and u?) 412 417 Ich habe keine Angst! 166 214 If There Is Love, You Will Take It 395 89 imaginations of dystopi 415 278 Imagine The Earth Is Your Lover 416 360 IMG_3392 (will be part of the 341 upcoming Aesthetic Travel 206 Observations II) 414 390 Impazamo 225 404 Improvised Objects 425 223 In 2053 292 201 IN CASE THE BLACK EGG BREAKS 342 THE SUM OF US WILL FLICKER 343 215 In Flow of Words 405 408 In the Footsteps of Li Yuan-Chia & Delia Derbyshire 437 394 In the Name of Love 412

J Jaarsgenoten Jatun LLaxta, Noh Kaah… Jearrat Máttaráhkus K Kalawang KatharinaViktoria KatharinaViktoria 2(021) Kiki la plume Killing Your Darlings Koksokhim Kolektyviniai sodai Kolme päivää sadetta Kupranugaris Kuuden päivän juoksu L L’envers du décors L’escale L’escale La Cour du Roi La diosa de la banana La distancia del tiempo La grammaire de grand mère La nuit aveugle La Reine des renards LA Screen Memories (The Downtown Tunnels) Labor of Love Laika Lamarck Lana Kaiser Las Flores Le roman algérien, chapitre 1 Le roman algérien, chapitre 2 Le roman algérien, chapitre 3 Le Tigre de Tasmanie Les Démons de Dorothy Les Roses et les Bleus Let’s Sing Let’s Dance Let´s get Ecosexy! Leugt Life is dearer Limakon aika lips on water Long Legged Larry Los placeres de la carne Loss of Heat Lost Brain Love Has Other Colours Lovers of all kinds Lugar nenhum Lunar Almanac M Ma Mama (Toto Bona Lokua) Maalbeek Mad Bad Mortal Beings Magpie Majmouan Malj MALUM Mana tipua tuku iho Manawanui Manchmal weiss ich nicht wo die Sonne Mangush Mardjuret Maria Maria Maria Marino Mariupol Challenge Masks of indifference

419 345 440 326 450 451 201, 381 341 206 397 53 390 385 239 43 297 110 302 96 237 432 169 216 278 77 153 381 136 236 240 246 388 382 191 199 417 322 207 440 417 199 303 306 168 344 217 95 356

Max et les étranges Me and My Country Pornography Me Myself & I Medicine Bundle Meer der Dünste Meloncholy Memoir of a Veering Storm Mémoire semi-perméable Menagerie Message from Mukalap Miegamasis rajonas Miglasha Shohra Minnen Minus Miroir Séb Fragile ! Mister Bear Moderne in der Mietskasernenstadt Molodyozhnaya Moment of Inertia Money Is The One True God Mono No Aware MONOLOGO DE UN SICARIO More Woman, More Cry Motherland Motodrom Mun koti Muss ja nicht sein, dass es heute ist Muzunga My Blue Suit My Dream My Lifetime (Malaika) My Name is Nat Ćmiel N Nadir Nanofest One Nanu Tudor ŃEALE AZBUIRĂTOARE Negro Alter Ego: Origin Nein Neo Biedermeier Nha Sunhu Nicer, Soon NO MANS LAND No One Cried Notes from the Periphery Nothing Nothing in this world can take the place of persistence Nous Les Noirs (Clips) Now Pretend Nur weil du mir deine Wunden zeigst, bist du noch lange nicht mein Heiland

98 82 438 444 277 206 196 415 188 424 399 178 406 346 344 428 418 206 413 223 397 56 403 206 392 426

134 57 227 207 255 Q 226 ¿Qué es para usted la poesía 41 343 407 125 418 419 218 408 394 415 436 111 357 159 244 306 218

201 406 323 197 427 319 418 446 446

O O 392 Occupazioni 71 Od 3 do 22 318 Oh, Butterfly! 129 On a Beautiful Day 73 On opposite sides 207 On Venus 438 Onder het witte masker: de film die Haesaerts had kunnen maken 427 Opérateur de Douche 414 OR / AOUR, VIENNA 434 Orogenesis 387 Oturacaqlar 390 OUAGA, capitale du cinéma 237 Overflow Indication 447 Overflown 416

48 206 176 209 417 418 206 207

P PLUME Papa gena Papa Is Big, I Am Small Paper Swallows Rock Parada Paskutinė diena Passion

455

Path of Totality 431 Pati 284 Peixes não se afogam 171 PERDUE 433 Perforated Realities 63 Petal to the Metal 441 Photosphere 440 PHX [X is for Xylonite] 438 Phytography 344 Picasso in Vallauris 329 Pickle 209 Picture a Screen 356 Picture and Sound Rushes 271 Pinhole Park 419 Plody mraků 202 Početnica 1, 2, 3 252 Point of Contact 413 Point of no return 419 Pole Žin 403 Polyglot: Das Bewerbungsgespräch 204, 243 Polyglot: Le mal du pays 204, 243 Polyglot: My Own 204, 243 Port Saïd, Santa Cruz, Sarmad Kashani 45 Portrait of the Artist as Pierrot 444 Pračka 390 PRÉSENCE 433 Production Stills 270 Projection Instructions 271 Punctured Sky 94

434 411 162 146 256 399 207

R Racked Recovery Red Sea Reign of Silence Rendez-vous à Stella-Plage RÉPÉTITIONS Résonances d’un rêve Ri Chu Yuan Li Right There Rohoyasimba Room Rupture 1,2,3

254 198 391 306 387 297 103 236 195 415 444 413 345

S S1 325 Sad Cowboy Platonic Love 100 Saft 141 Sarson ka Saag 85 Saturday 413 Saving Some Random Insignificant Stories 69 Scale Lente 344 Scars of war 207 Schichten unter der Dunstglocke 420 Screening Room 270 Sediments 418 Seeing in the Dark 78 Seeking Wombs for Rebirths 120 Sekundenarbeiten 49 SelfPleasure Arid 416 Sentence 415 Set 359 Shadow Codex 439 Shapes 291 SheHaw Rope Tricks 416 Sie möchte dass er geht, sie möchte dass er bleibt 419, 450 SilencioVozRuido 185 Silver Metal Memories 350 since brass nor stone nor earth nor endless sea 418 Singing in Oblivion 450 Sirenomelia 398 Skrajojimai melynam lauke 410 Slavic Heart 207 Soft Death 412 Solidariedade 72

Solidarity Solo Dance Some short scenes in the life of Radical Software Someone’s Flowers Sonic Body 2.0 Sonne Unter Tage Sonnenland Nr. 62 Sorry, I’m an Actress Sounding Glass Sounds of Avdiivka Source of life space as an invisible thing Special Sundays Spinning around Spit/Optik Standard Gauge StOOpid Strahlend grüne Wiese Street 66 Strong family bond Struggle in New York Suicide is not a solution Summer 2010 Sunlight on my skin Suodji Swallow the Universe sWAmP Széphercegnő

256 206 309 68 391 142 132 326 277 206 207 413 413 206 325 270 198 147 245 206 253 206 414 415 380 383 416 209

T Tahar Cheriaâ: À l’ombre du Baobab 238 Taiga 440 Tåke 358 Tango 393 Taonga Talkback TV – Episode 5: Plastic Māori 445 Techno, Mama 401 Tender 92 Terra Australis Incognita 388 The Age of Innocence 126 The Apocalypse Has Been Now 414 The Coast 285 The Cybergaze: On the digitisation of corporeality, space and feminist practices 414 The Darkness That You Fear 197 The Decameron I 46 The Deep 445 The Deer Gift 416 THE DRESS 106 The End 357 The Footstones in Night Writing 401 The future is before me 207 The Gallery 450 The Grey Mass 207 The Hole’s Journey 425 the hollow mountain 349 The Lost Head & The Bird 284 the mystery 152 The Old Bus 206 The Raft 104 the rat and the cat 148 The Rebirth of Sacred Cow Mixtape Trailer 438 The Reconquest of Paradise 292 The Road Of… 412 The Sasha 435 THE SCREEN General Picture – Episode 15 432 The Secret of The Desert 447 The Shape of Things 414 The Source of the Absolute Knowledge 381 The Spectres of Veronica 411 …The Winds Have Swept Us Off in All Directions… 388 The Wind Probably 64 Theorie und Praxis 143 This Housing Thing 446 This Makes Me Want to Predict the Past 403

In the Year of the Quiet Sun 245 Inner Outer Space 118 Integration Report 1 245 International Dawn Chorus Day 443 Is Life Possible? 197 Islands 415 It grew fur again, lost it, developed scales, lost them 86

Register Index Thoughtless Thousandth Birth Three Cauldrons Tierra Tight Lines! Titan To the Old World (Thank You for the Use of Your Body) Tong Zhuang Xian Nu Tongues Top Down Memory Tor 2 Torn Apart Tornar-se um Homem na Idade Média Tortilla Cósmica Tous les fleuves s’appellent le Nil Tragedy are mobilisations (all around the world) Train Again Tripsitter Triste triste Tú sabes que te quiero Tütarrakk TV as a creative medium Twin Lakes HAVEN Twist Twist Into Any Shape

415 326 414 417 207 186 224 177 224 395 263 207 383 415 55 413 451 425 302 303 361 309 39 385 223

Wissen wie der Hase läuft Without Your Interpretation Words, Planets Workshop – November 2016 Worth More Standing

263 431 255 341 349

Y Yagé Yarokamena YON you cannot trust the colors You Will Buy You’re in my heart Yujiapu

434 427 60 149 263 206 350

Z Zhā Xī De Yáng 62 zhezhou 102 Zigeuner in Duisburg 264 „Zigeunerdorf“ im Gleisdreieck 264 Žmogus su Render Animacijos kamera 400 Žonglierius 400 Zouhouron Zarqa’ Aadimat al-ra’iha tastayqizou qabla ’awanaha 76 Zuza v zahradách 163 Zvyozdniy ulov 164 ZZZ 437

U U pravcu početka 318 Ultramarina 447 Um Quarto na cidade 109 Umbrella and praying 414 Un corps brûlant 189 Un nudo vivo 431 Un très long temps d’exposition 402 UNBURIED 436 Under Taboo 325 Under the Lake 75 Unrendered Road 424 Unter der Kiefer 140 Untitled 412–416 untitled (mirror) 418 Untitled Part 9: This Time 443 V Vampire Vanus Labor veCINES Workshop (extract) Verländert Very, Very, Tremendously Vesela klasa VIA KARELIA Virtual Voice Voices and Shells vs

198 448 342 421 119 254 442 91 427 392

W Walabok, Episode 1 205, 244 Walkway 90 Wann hast du das letzte Mal Blumen betrachtet 219 Warten 449 Wave 417 Way Fare 278 We Are Going Home 346 Weathering Heights 67 Wet Dream 325 Wet Flowers 417 Wewnetrzny 55 410 Whakapapa/Algorithms 54 What do you think? 206 What is a lie? 207 When in Summer, I Forget About the Winter 198 When the shot 419 Who killed Heinrich Hertz? (Night Light TV) 310 Who’s Got the Bag 226 Wind 359 Wings of an Angel 207 Wishing Well 278

456

A Abouda, Djouhra Abstract, Kevin Adrej Aghazadeh, Orkhan Aki Nakazawa Akingbade, Ayo Al-Lahham, Jasmin Alagôa, Alexandre Albano, Jimbo Alijagic, Sarah Esma Allan, Jamie Alliguié, Éloïse Almeida, Otávio Altunyan, Lilit Anastasia, Bibikova Anderson, Madeline Andrews, Ludmilla Andrian, Corina Androva, Veneta Anqi Jiang Aprahamian, Panos Aquilino, Samantha Arca Archer, Sol Arias Rojas, María Arriaga, Marcos Artyr Aschmann, Carsten Auer-Grumbach, Peter Azevedo, Anna

242 199 206 390 105 245 419 393 326 343 343 414 66 183 206 245 323 99 395 414 76 48 225 412 108 345 206 132 418 171

B Bâ, Salimata 236 Bačun, Nina 115 Bagnall, Louise 202 Balcells, Eugènia 436 Baradinskas, Saulius 401 Baranauskas, Žilvinas 400 Bareiša, Laurynas 390, 398 Barelli, Marcel 172 Barić, Dalibor 411 Barry, Shelley 50 Bartke, Felix 156 Bausch, Vivian 419 Bekolo, Jean-Pierre 237, 244 Bell Tornado, Graham 417 Bellenbaum, Rainer 418 Bernien, Mareike 142 Berry, Jamie 54 Bianco-Levrin, Nicolas 201, 381 Bilir-Meier, Cana 403 Biller, Masha 418 Billinger, Verena 418 Bink Bulthaweenan, Praewa 414 Binkley, Timothy 310 Blake, Milo 197 Blumig, Rolf 210 Bonnamy, Alain 242 Boothe, Oliver 198 Bordoli, Andrea 388 Bots, Eliane Esther 405 Brandt, Daniel 218 Bravo Mora, Lina 415 Bravo Pérez, Ana 419 Bravo, Lina 417 Brewer, Jennifer 428 Brillowska, Mariola 219 Broms, Gustaf 63 Brousil, Radek 101 Bujnowski, Jan 84 Buli, Daniil 206 Bungarten, Maximilian 126 Burchill, Elle 413 Bureau, Pauline 202 Büscher, Niklas 418 Busuttil, Teresa 412 Butterworth, Rob 346 Buur, Rowena 417 Buzevskyu, Daniil 207 Byung Ryul, Lee 325

C Calagian, Luiza Calderon, Yeye Calix, Mira Campbell, Ian Carnoy, Valéry Castro Alejos, Jonathan Cavalcanti, Nina Ceulebrouck, Jeroen Chaikin, George M. Challouf, Mohamed Chaoran Guo Chaungyanyong, Sasivimon Chernikh, Ulyana Chris Chong Chan Fui Cisterna Cortés, Javiera Clara Ribeiro, Ana Claus, Eva Clement, Nathan Clodi, Pia Clout, Lucy Ćmiel, Nat Coimbra, Duarte Colectivo Los Ingrávidos Collectif Faire-Part Condit, Cecelia Cornelisse, Tharim Crescitelli, Julia Cristea, Alina Cuthand, Thirza

112 325 225 349 186 415 343 389 310 237, 238 414 325 207 346 121 66 429 98 343 437 226 389 38 43 430 414 215 428 444

D Dabernig, Josef Dadds, Jess Dasović, Anna Davi, Vinicius Davidavičė, Eglė Davis-Dufayard, Juliet Davis, Zeinabu Irene De Clercq, Anouk De Groof, Matthias de la Luz, Muza de la Rosa, Ian de Laborde, Manuela de Mattos Jahn, Gustavo de Ridder, Misha Deligero, Keith Denis Devillie, Noski Devotchenkova, Sofia Dia, Daouda Diakur, Nikita Dipasquale, Adele Dixie, Saskia Đjurković, Dejan Doing, Karel Donoho, Andrew Donschen, Luise Doria, Tiziano Dullius, Melissa Dumit, Nicolás Dupuis, Thomas Durkáčová, Ivana Duve, Katharina Dwoskin, Stephen

381, 386 190 402 416 397 414 322 356 427 417 382 360 55 416 88 206 306 206 414 131 412 197 318 344 223 124 344 343 416 342 343 218 438

E Ecaré, Désiré Echávarri López, Mirari Edefalk, Cecilia Eerola, Jussi Efrat, Eitan Egaña Rojas, Lucía Ehlers, Hendrik Ekström, Saara El Abnoudi, Atiat El-Gazzar, Yosra Elbalouty, Laila Elkashef, Aida Elmström, Frida E. Elmur, Mohamed Emmanuel, Piton Engling, Mattias

457

241 436 447 358 344 435 419 439 238 236 344 344 176 83 432 419

Ergard , Vadim Escobar, Natalia Everson, Kevin Jerome Ewig, Peter Express, Pony

207 138 391 413 416

F Fabicki, Slawomir Farzad, Mohammadreza Favez, Isabelle Fehrholz, Einar Fenaux Barleycorn, Sally Fesenko, Anastasia Fiedler, Markus S Fisher, Morgan Foglia, Federica Foighel Brutmann, Sirah Fradelić, Sunčica Frenker-Hackfort, Enzo

410 427 168 160 436 207 212 270, 271 434 344 58 418

G Galibert-Laîné, Chloé Gaprindashvili, Rusudan Gąsiorowska, Renata Gaston, Julie Gawad, Mohamed A. Geffenblad, Uzi Generalova, Pelageya Gensheimer, Christine Georgovassili, Sofia Gerbaulet, Alex Geronimo, Mikai Gheorghiu, Alexander Gidal, Peter Gieleßen, Jil Gilliam, L. Franklin Giolo, Eva Gökmen, Aylin Golik, Krešo Gomelauri, Mariam Elene Gonçalves Ribeiro, Pedro Gondek, Katarzyna Gorb, Ivan Gorodynska, Katherina Gossler, Pedro Goya, Miguel Granados, Nadia Gravenor, Vanessa Gray, Jack Greene, Keira Greenfield, Luisa Greyson, John Groening, Sophia Group, Otolith Grubić, Igor Gruzdev, Andrey Guadagnuolo, Samira Guangli Liu Guerra da Mata, João Rui Guerrero, Carlota Gufler, Philipp Guieb III, Eli Guiguet, Naïla Gukezheva, Valeria Gulea, Alexandra

402 154 411 428 65 201 164 217, 381 196 142 406 212 358 415 306 408 343 318 81 95 390 207 415 415 136 56 146 188 437 345 443 134 245 256 206 344 119 109 225 381 326 404 207 125

H Hadžismajlović, Vefik Hakamushi, Mare Halifa-Legrand, Lola Halloubi, Hamza Hamilton, Sylvia Harju, Matti Harlot, Scarlot Harrabi, Rim Haugsgjerd, Anne Hayward, Brent Heath, Frank Hee Cha, Yoo Helander, Marja Heller, Eve Hempel, Susann Maria Hénon, Alexia

318 210 404 414 322 53, 97 417 236 403 446 431 412 380 450 135 342

Herbst, Helmut Hernando, Cesar Herrera Torres, Gabriel Hertzberg, Sura Hilbert, Sophie Hilowle, Salad Himma, Anna Hipkins, Gavin Hlůže, Kryštof Hoffman, Philip Holmgren, Ann Holzman, Amos Honowski, Krzysztof Hooykaas, Madelon Hopp, Daniel Htet Aung, Lin Huber, Katharina Hübner, Christoph Huillet, Danièle Hura, Sohrab

263 326 386 416 147 448 198 445 101 346 107 61 394 437 395 82 408 263 252 284, 285

I Ilić, Aleksandar Iljon, Jeanette Imler, Chris

319 305 212

J Jacoby, Daniel Jacotey, Marie Jahn, Gustavo Jaikiriuma Paetau, Simon(e) Jakaite, Skirmanta Jane Zhang Janetzko, Christoph Jansen, Dieneke Januševičiūtė, Milda Jelaire, Hailey Jelinek, Jan Jelonek, Daria Jenkins, Ulysses Jesionek, Julia Jesuina, Anne Jiawen Li Jihong, Park Jiracharoenvongsa, Surachai Joffroy Chandoutis, Ismaël Johannessen, Kristin Jolly, Jerôme Jurado, Andres Juzeliūnaitė, Emilija

436 404 343 138 400 184 325 446 399 416 216 160 431 158 415 414 326 326 406 406 342 427 397

K K-Haw 416 Kameli, Katia 236, 240, 246 Kanchanawetchakul, Nida 326 Kandé Senghor, Fatou 205, 244 Kapadia, Ayesha 341 Karelina, Alexandra 52 Karhánková, Kateřina 202 Kasitonni, Anssi 439 Katkus, Vytautas 397, 399 Kaufman, Sam 412 Kayser, Lutz P. 419 Keaton, Vergine 388 Kehoe, Denise 413 Keil, Mona 141 Kenworthy, Richard 224 Kerserho, Ada 341 Kervischer, Leone Maria 343 Kets, Chris 225 Kielhofner, Kim 46 Kim, Hayoung 412 Kinyanjui, Wanjiru 323 Kirk-Gushowaty, Ariel 342 Kirk-Gushowaty, Zoe 442 Klais, Johannes 380 Klee, Felix 144, 415, 416 Knepperges, Rainer 152 Kobland, Ken 106 Kocur, Damian 405 Kolesnyk, Anna 206 Kolka, Piibe 361 Kollakowski, Stefan 418

Regie Directors

Komers, Rainer Koplevitch, Meshy Kosanović, Olga Kotsopoulou, Fenia Kramer, Joseph Kristl, Vladimir Kruk, Annelies Kühn, Viki Kukreja, Nidhi Kulichenko, Alexandra Kupalua Kuraksin, Ivan Kurilenko, Alexander Kyulim Kim Kyung Ju, Park L L-Haw Labbé, Boris Lafrance, Jessica Lagarde, Lauriane Lago, Bárbara Lallem, Ahmed Lamazares Fraile, Blas Langlo, Rune Denstad Langlois, Alexis Långström, Minna Latimer, Christine Lucy Lavosi, Cristina Lazare, Clara Lêa Sakkal, Kim Leckey, Mark Lee, Maggie Lehti, Leena Lemieux, Karl Lemoine, Béatrice Lentz, Michael Lertxundi, Laida les Jours, Yann Leszez, Lucie Levchenko, Denis Liberman, Tali Lietunovas, Jurgis Lin Htet Aung Liniņa, Māra Lise Hansen, Inger Lochotinant, Chaiwat Lombardo, Kevin Long, Terra Jean Lontoc, Benjie Lopes Barros, Olivier Lopez Lucia, Claudia Losana, Azucena Lotan, Uri Lübbecke, Julia Lucovnicova, Olga Lugon, Gonzalo Lukáčová, Marie Lusenkova, Anna

263, 264, 265 114 380 416 417 253 182 419, 450 341 206 416 207 207 418 325 416 387 175 189 60 246 128 202 382 440 92 412 342 214 224 430 440 350 342 421 118, 255 103 433 206 424 418 120 165 358 326 199 346 325 181 191 89 178 343 407 185 403 207

M Macadams, Steve 198 MacKenzie, Alex 349, 419 Maculangan, At 325 Maggioni, Daniele 71 Magro, José 408 Majova, Alexandra 390 Makavejev, Dusan 256 Malca, Benn 447 Marijan, Bojana 254 Marouf, Kani 413 Marpeaux, Aurélie 192 Martinis, Dalibor 42 Marulanda, Beck 415 Marxt, Lukas 387 Masakazu Saito 105 Masalskaya, Yekaterina 206 Mason, Sam 200 Matikashvili, Zauri 155 Matvejevaitė, Klaudija 399 Mayer, Marita 166 Mayland, Marian 153 Mbabazi Sharangabo Philbert Aimé 39 McFetridge, Geoff 227 McIntyre, Lindsay 349 Mehranfar, Farhad 329 Melhus, Bjørn 130 Menia, Amina 429 Meštrović, Marko 104 Metwaly, Jasmina 239 Meyer, Lisa 173 Migutsa, Lilia 207 Mikkola, Elian 442 Miller Berry, Scott 346 Miller, Peter 356, 359 Minor, Leonie 143

Mirghani, Suzannah Mishra, Navneet Moise, Ganza Moldoveanu, Raluca Moldrickx, Christine Molin, Elisabeth Molina Gola, Martín Molina Peiro, María Monster, Lady Montano, Linda Mooibroek, Sabine Mooyoung Kim Morel, Pauline Morse, Lisa Mostyn, Santiago motong Huang Mott, Jessie Moula, Mariane Mountford, Sam Mozhar, Pavel Mundruczo, Kornèl Muntyan, Yana Mureșan, Paul Muryo Homma Muzaqi, Fitore Mwepu, Desirée

91 341 57 414 413 413 434 435 417 416 413 80 180 441 448 211 74 342 417 145 410 207 403 105 197 193

N Nacu, Andreí Nadel , Dina Nadel, Dina Ndisi-Herrmann, Philippa Nessim, Suzanne Nestler, Peter Neufville, Sean-Claude Neves Marques, Pedro Ngelime, Neema Nieto Nilsen, BJ Nkoulou, Amédée Pacôme Noble, Judith Noreikaitė, Emilija Noriyuki Kimura Novgorodse, Nikita Nsiah, Lydia

343 206 206 70 447 328, 329 414 383 113 383 350 110 306 398 105 207 392

O O’Caoimh, Josh O’Riordan, Seán Ocher, Mary Oda, Kaori Oleksandr Oliveira, Juliana Oltheten, Paulien Oltscho Oluchukwu Ekeh, Karisma One, No Oppl, Bernd Orlow, Benjamin Ormeño Palma, Carlos Osman, Rua Otto, Laurenz Oussou, Thierry Özbay, Elif Satanaya

406 415 197 409 206 223 414 200 418 391 449 439 96 236 157 413 412

P Padmaja Francis, Sudha Pakalnina, Laila Palasi, Violette Pandhal, Hardeep Papadopoulou, Natasha Paranomos, Nikolitsa Parvulesco, Elias Patel, Amílcar Peck, Raoul Peigné, Laure Pelstring, Emily Percevault, Aurélie Perconte, Jacques Perekhrest, Mikhail Perschon, Christiana Pessoa, Fernanda Petraki, Thelyia Phạm Nguyễn Anh Tú Phillips, Heidi Pisuisse, Frederique Pittas, Antonis Pizzorno, Antonietta Pluchard, Julien Pogačnik, Jože Pomares, Fernando Pong, Elodie Poolthup, Jerdsak Popović, Zoran PornProcess (Aurore Morillon) Postolati, Marina Potapov, Danil

90 411 342 438 413 415 388 225 322 342 441 342 434 206 49 72 408 40 349 425 414 433 433 319 406 73 325 253 417 206 206

458

Pothai, Sirivan Potsko, Vyacheslav Povh, Dušan Preiß, Jasmin Preuss, Shalimar Price, John Prieto, Claire Propper, Katherine Pujar, Hannah Pukki, Leena Putz, Martin R Radford, Zoe Rafman, Jon Raful Espejo, Estévez Raingou, Cyrielle Rajendra, Niv Ramme, Nils Ratka, Helena Rebhandl, Marina Recasens, Anna Reeves, Jennifer Reinke, Steve Rembauville, Julie Remešová, Anna Rettstadt, Erich Rieger, Cordula Rivers, Ben Robichet, Théo Rocher, Jeanne Rodrigues, João Pedro Rollo, Mike Rosset, Marina Rostyslav Rovere, Pierre Roxlee RS Ru, Anya RUFFMERCY Ruivo, Catarina Rumyantseva, Masha Rutledge, Christopher Ruzheva, Neda Rybczynski, Zbigniew Rypp, Ma’ayan Ryumugabe, Remy

325 207 318 148 297 350 322 187 342 440 359 343 94 416 415 414 156 223 343 416 346 74 201, 381 403 177 450 414 246 412 109 434 169 207 433 325 415 162 197 59 162 225 415 393 179 79

S Saenjaroen, Tulapop 111 Saija, Jerrold 415 Saiyar, Azar 426 Sakpisit, Taiki 78 Salloum, Jayce 443 Salomonowitz, Oskar 449 Salvatus, Mark 51 Sancereau, Cyril 417 Sansone, Donato 223 Savkevich, Danilo 207 Scali, Bianca 199 Schedelbauer, Sylvia 129, 277, 278, 409 Schellen, Ralf 418 Schevers, Bas 414 Schmid, Viktoria 343, 356, 357, 450, 451 Schmidt jr., Ernst 357 Schneider, Ira 310 Schnell, Reinald 263, 421 Schönfeld, Silke 159 Schulz, Sebastian 418 Schuster, Nikki 388 Schweizer, Maya 427 Scott, Frances 438 Sebert, Vera 394 Shahuda, Chen 194 Shamriz, Lior 45 Shaposhnikova, Veronika 207 Sharp, S. Pearl 305 Sharp, Willoughby 310 Sharpe, Julia 343 Shaw, Rob 199 Shchelkunova, Viktoriya 206 Shetty, Siddhanth 341 Sheu, Erica 117 Shinjiro Maeda 105 Shmulich, Dasha 207 Shraya, Vivek 442 Sibilo, Raimon 414 Sims, EJay 106 Şimşek, Deniz 395 Skali, Ghita 425 Skalskis, Miša 399 Škarnulytė, Emilija 398, 401 Skinner, Mike 226 Skvernytė, Gintautė 398 Snake, Little 226

Soejima, Shinobu 116 Soldat, Jan 133 Solé, Laia 416 Solomona Tyrell, Pati 445 Solyanik, Alena 207 Son, Michelle 413 Song Ye 195 Sosunova, Anastasia 397, 399 Soumanou Vieyra, Paulin 239 Sourdeau, Ciel 100 Sprinkle, Annie 416 Staff, P. 438 Starchenko, Nastya 207 Starikova, Dasha 206 Stehr, Yoann 226 Steinskog, Liss-Anett 167 Stephens, Beth 416 Stilinovic, Mladen 252 Stonys, Audrius 410 Stratman, Deborah 77 Straub, Jean-Marie 252 Streit, Dan 199, 225 Strümpf, Michel 343 Suealek, Mana 326 Sugden, Perry-James 160 Sunková, Lucie 163 Suri Talwar, Karan 85 Suwachittanont, Wilailuck 326 Sve Flikke, Yngvild 202 Syed, Tanya 305 Szabó, Eszter 209, 291, 292 Szlam, Malena 356 T Taanila, Mika Takashi Kunimoto Tamaki, Suzanne Tanveer, Iqra Téguia, Kengné Tello, Federico Temo Terent’ev, Artem the Korean Bride, Maria Theiler, Daniel Thoquenne, Martine Tiven, Benjamin Tolmacheva, Kristina Ton Toro, Vinicius Toshiko Takashi Towira, Pimpaka Tracol, Erwan Trouboukis, Thanasis Tsap, Katia Tscherkassky, Peter Tseluh, Mariya Tsukor, Aleksandr Turczan, Lachlan Tykkä, Salla

360, 385 140 445 414 433 417 415 93 416 395 305 241 206 415 112 105 325 342 75 206 451 207 207 223 385

U Uhl, Jutta Ullrich, Michael Umuhire, Amelia

263 213 204, 243

V Vadym Valeria, Maruschenko Valiulin, Anthony Vallereggio, Horacio van Delden, Rudi van der Put, Emma van Ingen, Sami van Wijk, Sjoerd Vasof, Anna Vassilopoulos, Erin Veitch, Caitlin Veneno , Rosario Verheul, Katja Verhoef, Vincent Viacheslav Vicuña, Cecilia Viita, Milja Viitahuhta, Marja Viktor, Herbert Villesen, Gitte Vital, Esther Vogels, Heidi Volodymyr von Hausswolff, Maria von Horn, Magnus Voss, Gabriele Vrhovec Sambolec, Tao G.

206 207 444 302, 303 415 413 357 419 69, 449 227 224 417 425 413 206 254, 431 361 440 420 86 47 413 206 448 411 263 413

W Wagenschütz, Michel Wagner, Jörg

137 392

68 357 385 170 201 343 255 394 448 447 392 424 412 432 449 256 67 263 136 417 149 444

X Xi Lu Xinru Huang

414 414

Y Yaeji Yakushev, Ivan Yali, Bogdan Yang, Jue Yano Honami Yasunori Ikeda Yefanov, Yuri yeule Yin Yu Yui Zhang Yun Tae, Kim Yuwol June C. Yuyi Huang

198 52 206 418 174 105 64 226 62 102 325 127 414

Z Zalduendo, Richard Zalk Neal, Louie Zdjelar, Katarina Žemaitytė, Simona Zhongsu Zouiten, Amin

Wajima, Hikari Wallinger, Mark Walther, Alexia Wang Xiaowen Wang, Katy Wappler, Tabea Roxane Weerasethakul, Apichatpong Weigel, Julius Weiss, Peter Wennberg, Teresa Wenninger, Paul Westerveld, Judith Weststrate, Olga Wharry, David Widrich, Virgil Wieland, Joyce Wiker Wikström, Hannah Wildenhahn, Klaus Wilke, Tina wink, moon Winkler, Katrin Woueté, Guy

415 446 255 400 44 41, 447

459

Länder Countries Afghanistan Untitled Part 9: This Time

443

Ägypten Egypt A Missing Storey Love Has Other Colours

65 344

Algerien Algeria Archie Shepp à Alger Elles Foot de libération nationale Le roman algérien, chapitre 1 Le roman algérien, chapitre 2 Le roman algérien, chapitre 3

246 246 429 236 240 246

Argentinien Argentina Blanco y Negro Corto muy corto Dos pañuelos, un paraguas y el amor Feriado La diosa de la banana Las Flores Los placeres de la carne Triste triste Tú sabes que te quiero YON

303 302 302 89 302 136 303 302 303 60

Armenien Armenia Erb es tkhur em

183

Aserbaidschan Azerbaijan Oturacaqlar

390

Australien Australia Charismatic Inflation II Girls Grown Wild (Ecosexual Bathhouse) Nanofest One

416 343

412

Belgien Belgium all.the.time 413 An Ode to a Time I Loved Bread 113 Anbar (Badrawi’s Atelier) 239 Antartica 389 Any Way 429 Begin 414 Black 356 Bucharest. The City – Me (SummerWinter / Spring-Autumn) 428 Channidae 180 Clematis (trailer) 417 Corolla 398 Figura 390 Flowers Blooming in Our Throats 408 L’escale 43 Miroir Séb Fragile ! 344 Mister Bear 428 Nanu Tudor 407 Onder het witte masker: de film die Haesaerts had kunnen maken 427 Rohoyasimba 444 Room 413 Titan 186 Benin Carrier

413

Bosnien und Herzegowina Bosnia and Herzegovina Before the fall there was no fall. Episode 02: surfaces

402

Brasilien Brazil Ava mocoi, os gêmeos Cadê Heleny? Encarnado Overflown Peixes não se afogam SelfPleasure Arid Solidariedade

112 47 66 416 171 416 72

Chile Agua del arroyo que tiembla Lunar Almanac Un nudo vivo 2022 A Whisper in the Island of the Heart Hong Se Zang Li Ri Chu Yuan Li Very, Very, Tremendously Zhā Xī De Yáng zhezhou

121 356 431 44 170 184 195 119 62 102

Dänemark Denmark It grew fur again, lost it, developed scales, lost them 86 Deutschland Germany 1000 Thomas 210 480 Tonnen bis Viertel vor zehn 265 A Lover & Killer of Colour 323 A Room Without Doors or Windows 419 Abrekum (Litany for the Complicit Sea) 70 Allen Zweifeln zum Trotz 157 Am Femund-See 264 animistica 388 Aquateque 160 ARIBADA 138 Arme Leute 253 Auf dieser Seite der Gleise / De partea asta a șinelor 155 Aufsätze 328 Aus Aktuellem Anlass 380 B 224 264 backflip 131 Beasts of No Nation 394 Besuch bei Nischke 421 Bilderbuch 345 Blind Date 133 Bottrop: Nützt dem Bürger eine DKP-Fraktion im Rathaus? 263 Bruchstücke 154 Carte Blanche to Process Cinema: Film Farm in Oberhausen* 346 Centauress 395 Cruiser 156 Das Chaos 211 Das Mädchen ohne 419 Der natürliche Tod der Maus 408 Die Hüter des Unrats. Eine kurze Geschichte des Abfalls 135 Die Misshandlung des Fritz Hofstatt 265 Disappoint Me 212 Dr. No 213 Drake ist auch nicht glücklich 197 Dunyaland – A Theory of Boredom 428 ELLE 124 Erinnerungen 277 FACING THE TRUTH 419 Falsche Freunde 277 Feel Like Change 214 Ferne Intimität 278 Ficciones 360 Flourish 215 Flüssige Wesenszüge einer Bildapparatur 394 FOOL 223 From My Desert 395 Fulfillmenot 158 Genosse Tito, ich erbe 380 Got to move 200 Granny Flat 418 grill&shrill 128 Gute Arbeit, gute Nacht 137 Handbuch 145 Hell Itself is Beautiful at Night 418 Hoamweh Lung 144 HOMESICK 130 How Many 199

460

I WOULD LiCK TO BE SOMEONE ELSE 127 Ich habe keine Angst! 166 If There Is Love, You Will Take It 395 Is Life Possible? 197 LA Screen Memories (The Downtown Tunnels) 216 Labor of Love 278 Lamarck 153 Lana Kaiser 381 Las Flores 136 Leugt 322 Lovers of all kinds 217 Majmouan 427 MALUM 418 Meer der Dünste 277 Moderne in der Mietskasernenstadt 418 Motodrom 392 Muss ja nicht sein, dass es heute ist 134 ŃEALE AZBUIRĂTOARE 125 Negro Alter Ego: Origin 418 Nein 419 Neo Biedermeier 218 Nicer, Soon 394 Nothing in this world can take the place of persistence 159 Nur weil du mir deine Wunden zeigst, bist du noch lange nicht mein Heiland 218 Oh, Butterfly! 129 Paper Swallows Rock 146 Picasso in Vallauris 329 Picture a Screen 356 Point of no return 419 Polyglot: Das Bewerbungsgespräch 204, 243 Polyglot: Le mal du pays 204, 243 Polyglot: My Own 204, 243 Reign of Silence 387 Résonances d’un rêve 236 S1 325 Saft 141 Schichten unter der Dunstglocke 420 Screening Room 270 Set 359 Sie möchte dass er geht, sie möchte dass er bleibt 419, 450 Sonne Unter Tage 142 Sonnenland Nr. 62 132 Sounding Glass 277 space as an invisible thing 413 StOOpid 198 Strahlend grüne Wiese 147 The Age of Innocence 126 The Deer Gift 416 the mystery 152 the rat and the cat 148 The Source of the Absolute Knowledge 381 Theorie und Praxis 143 This Makes Me Want to Predict the Past 403 Top Down Memory 395 Tor 2 263 Unter der Kiefer 140 untitled (mirror) 418 Verländert 421 Voices and Shells 427 Wann hast du das letzte Mal Blumen betrachtet 219 Way Fare 278 Wishing Well 278 Wissen wie der Hase läuft 263 you cannot trust the colors 149 You Will Buy 263 Zigeuner in Duisburg 264 „Zigeunerdorf“ im Gleisdreieck 264 DR Kongo DR Congo L’escale

Estland Estonia Racked Tütarrakk

198 361

Finnland Finland A Spring Bright Evening Bambi Blue Honda Civic Born to Feel Dark Then Clear Deus ex Machina Giant I Might Be Stuck Jearrat Máttaráhkus Kolme päivää sadetta Kuuden päivän juoksu Limakon aika Mun koti Photosphere Shadow Codex Suodji Taiga Under the Lake VIA KARELIA

439 361 358 97 357 439 385 360 440 53 385 440 426 440 439 380 440 75 442

Frankreich France 13, rue d’Amsterdam 181 A point 192 Ali au pays de merveilles 242 Anna Lovenstein 202 Archie Shepp à Alger 246 Are You OK? 433 backflip 131 BORGO 433 Carnivore 226 Concerto pour un exil 241 Cours Lieutaud 412 Deux festivals à Grenoble 238 Dustin 404 En rachâchant 252 Étrange dit l’ange 297 Extinction d’une fosse de 6M2 à l’aide d’un extincteur à poudre de 9kg 342 Filles bleues, peur blanche 404 Foot de libération nationale 429 Kiki la plume 201, 381 L’escale 297 La grammaire de grand mère 237 La nuit aveugle 432 Le roman algérien, chapitre 1 236 Le roman algérien, chapitre 2 240 Le roman algérien, chapitre 3 246 Le Tigre de Tasmanie 388 Les Démons de Dorothy 382 Les Roses et les Bleus 191 Ma Mama (Toto Bona Lokua) 201 Maalbeek 406 OR / AOUR, VIENNA 434 Orogenesis 387 PERDUE 433 PRÉSENCE 433 Rendez-vous à Stella-Plage 297 RÉPÉTITIONS 103 Swallow the Universe 383 The Gallery 450 THE SCREEN General Picture – Episode 15 432 Tierra 417 Titan 186 Tous les fleuves s’appellent le Nil 55 Twist 385 Umbrella and praying 414 Un corps brûlant 189 Un très long temps d’exposition 402 Very, Very, Tremendously 119 Workshop – November 2016 341 Yagé 434 Žonglierius 400 Gabun Gabon La Cour du Roi

110

Griechenland Greece BELLA 408 Ceci n‘est pas une fleur 416 higher powers command: stay in debt 413 Memoir of a Veering Storm 196 Neo Biedermeier 218 Saving Some Random Insignificant Stories 69 Under the Lake 75 Indien India Bittersweet 284 how i traveled in time and became the richest person on the planet 415 Killing Your Darlings 341 Pati 284 Sarson ka Saag 85 The Coast 285 The Lost Head & The Bird 284 Walkway 90 Irak Iraq Untitled

413

Iran Bareha Dar Barf Bedonya Miayand 329 Majmouan 427 Irland Ireland Donkey FALL OF THE IBIS KING

202 406

Israel 73 Genetica Girud Hafra’at Hitmotetut Hamoshava Miglasha Shohra Nicer, Soon Unrendered Road

114 194 179 61 178 394 424

Italien Italy Flowers Blooming in Our Throats 408 Marino 418 Occupazioni 71 Papa Is Big, I Am Small 162 Scale Lente 344 Twist Into Any Shape 223 Japan 7 blinks after a decade Blink in the Desert Honekami Someone’s Flowers

105 116 174 68

Jugoslawien Yugoslavia 46. Vzporednik Dva zakona Dve koračnici Malj Od 3 do 22 Parada Početnica 1, 2, 3 U pravcu početka Vesela klasa

319 318 318 319 318 256 252 318 254

Kamerun Cameroon La grammaire de grand mère Mémoire semi-perméable Nous Les Noirs (Clips)

237 415 244

Kanada Canada A Nice Big Zero for You Ainoa Autoritratto all’Inferno Bambi Black Mother Black Daughter Bleached Vistas / Double Wide Dreams of Gold

441 175 434 361 322 349 442

Ficciones Flood I’m a Fag 4 U International Dawn Chorus Day Jatun LLaxta, Noh Kaah… lips on water Lunar Almanac Medicine Bundle Minus My Blue Suit PLUME Paper Swallows Rock Petal to the Metal Pinhole Park Portrait of the Artist as Pierrot Silver Metal Memories Solidarity Tender The Decameron I the hollow mountain Tongues Untitled Part 9: This Time VIA KARELIA We Are Going Home Worth More Standing Yujiapu Katar Qatar Virtual Voice

360 342 442 443 345 417 356 444 346 227 434 146 441 419 444 350 256 92 46 349 224 443 442 346 349 350 91

Kenia Kenya A Third Version of the Imaginary Abrekum (Litany for the Complicit Sea)

241 70

Kolumbien Colombia ¿Qué es para usted la poesía Abrir monte ARIBADA MONOLOGO DE UN SICARIO The Apocalypse Has Been Now When the shot Yarokamena

254 108 138 56 414 419 427

Kroatien Croatia 3rd Cinematic Nail Factory Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) Dok smo bili tu East Side Story The Raft The Spectres of Veronica

115 58 256 104 411

Kuba Cuba Ava mocoi, os gêmeos Lettland Latvia Čuči čuči Demichovo Šuo Papa gena

112 165 397 411

Libanon Lebanon Zouhouron Zarqa’ Aadimat al-ra’iha tastayqizou qabla ’awanaha 76 Litauen Lithuania A Proposal to Project in Scope Agentai Atkūrimas Bejėgis vaistas Demichovo Šuo Gimimas Grįžtamasis ryšys I Put On The Ivy Crown Kolektyviniai sodai Kupranugaris Miegamasis rajonas Mono No Aware Paskutinė diena Sirenomelia Skrajojimai melynam lauke Techno, Mama The Footstones in Night Writing

461

357 399 398 399 397 397 400 398 397 390 399 397 399 398 410 401 401

Žmogus su Render Animacijos kamera Žonglierius

400 400

Macau Hong Se Zang Li

184

Malta Wave

417

Marokko Morocco On a Beautiful Day Summer 2010 The Hole’s Journey

73 414 425

Mexiko Mexico Abrekum (Litany for the Complicit Sea) animistica El nido del Sol Ficciones Maria Maria Yagé

70 388 38 360 417 434

Moldau Moldova Nanu Tudor

407

Myanmar Me and My Country Pornography 82 Seeking Wombs for Rebirths 120 Neuseeland New Zealand Fāgogo Mana tipua tuku iho Manawanui Taonga Talkback TV – Episode 5: Plastic Māori The Deep This Housing Thing Whakapapa/Algorithms

445 446 446 445 445 446 54

Niederlande Netherlands Ancestral Download 415 Apple Pie (Beta) 414 Awake 415 Before the fall there was no fall. Episode 02: surfaces 402 BLACK JOY 414 Closet 414 do you miss it 415 Fanfic Politics 415 Farfallino 412 FIELD RECORDINGS 341 Free as a Bird 182 Groudnut 415 Hemispheres 415 I‘m having a good time here (and u?) 412 imaginations of dystopi 415 Improvised Objects 425 In Flow of Words 405 In the Footsteps of Li Yuan-Chia & Delia Derbyshire 437 In the Name of Love 412 Islands 415 Jaarsgenoten 419 Lana Kaiser 381 Message from Mukalap 424 Moment of Inertia 413 My Lifetime (Malaika) 255 Point of Contact 413 Right There 415 Sediments 418 Sentence 415 since brass nor stone nor earth nor endless sea 418 Special Sundays 413 Sunlight on my skin 415 The Hole’s Journey 425 The Sasha 435 Three Cauldrons 414 Tortilla Cósmica 415

Tragedy are mobilisations (all around the world) 413 Tripsitter 425 Unrendered Road 424 Untitled 412–416 Wet Flowers 417 When the shot 419 Norwegen Norway Barna Bonding Humanity (Perhaps Manifesto) Foul Háldi Hoppe Ich habe keine Angst! More Woman, More Cry Suodji Tåke

167 115 202 107 202 166 403 380 358

Österreich Austria A Proposal to Project in 4:3 356 A Proposal to Project in Scope 357 All the Stops 381 Amazon Woman 449 animistica 388 Es ist genau genug Zeit 449 excursus on fitness 386 Genosse Tito, ich erbe 380 I WOULD LiCK TO BE SOMEONE ELSE 127 IN CASE THE BLACK EGG BREAKS THE SUM OF US WILL FLICKER 343 KatharinaViktoria 450 KatharinaViktoria 2(021) 451 Marino 418 Nothing 357 O 392 Reign of Silence 387 Saving Some Random Insignificant Stories 69 Sekundenarbeiten 49 Sie möchte dass er geht, sie möchte dass er bleibt 419, 450 Singing in Oblivion 450 Sonic Body 2.0 391 The Gallery 450 This Makes Me Want to Predict the Past 403 Train Again 451 vs 392 Warten 449 Wind 359 Pakistan Untitled

414

Palästina Palestine Unrendered Road

424

Peru IMG_3392 (will be part of the upcoming Aesthetic Travel Observations II) La distancia del tiempo SilencioVozRuido

414 96 185

Philippinen Philippines Araw na Nakapitapita Days of the New Kalawang Rupture 1,2,3 Spit/Optik

51 88 326 345 325

Polen Poland Cipka Dalej jest dzien Diabeł Echo Figura How to reach God through proper exercising Majmouan

411 405 84 411 390 386 427

Georgien Georgia Für Lilith / lilits

Tango Wewnetrzny 55

393 410

Portugal adrift Amor, Avenidas Novas Boa Noite Grid Lugar nenhum Nanu Tudor Nha Sunhu Tornar-se um Homem na Idade Média Um Quarto na cidade Untitled Yarokamena

417 389 59 393 95 407 408 383 109 412 427

Ruanda Rwanda From Here to There Muzunga Twin Lakes HAVEN

79 57 39

Rumänien Romania Bucharest. The City – Me (SummerWinter / Spring-Autumn) 428 Cântec de leagăn 403 Dancen 99 ŃEALE AZBUIRĂTOARE 125 Russland Russia Bobok I Had a Dream about the Subway Explosion Papa Is Big, I Am Small Zvyozdniy ulov Schweden Sweden Anna Casparsson Delay En sol i natten Evidence of the Not Yet Known Fisketur Flyttfåglar Mardjuret Minnen Nadir Overflow Indication Perforated Realities The Secret of The Desert Ultramarina Vanus Labor Weathering Heights Schweiz Switzerland Dans la nature La Reine des renards Lost Brain Manchmal weiss ich nicht wo die Sonne Max et les étranges On a Beautiful Day Sad Cowboy Platonic Love Terra Australis Incognita Twist Senegal L’envers du décors Opérateur de Douche Walabok, Episode 1

52 93 162 164 448 448 193 448 201 173 176 406 41 447 63 447 447 448 67 172 169 168 48 98 73 100 388 385

239 414 205, 244

Slowakei Slovakia Zuza v zahradách

163

Slowenien Slovenia Bonding Humanity (Perhaps Manifesto)

115

Spanien Spain Ainoa Barcelona Cadê Heleny? Cuerpos #1 Santa Águeda CuPorn Devenir El Màrtir Electra Rex Encuentros (a Component of „On Art and Friendship“) Farrucas Inner Outer Space Let´s get Ecosexy! NO MANS LAND No One Cried UNBURIED veCINES Workshop (extract)

175 413 47 436 435 436 406 225 416 382 118 417 415 436 436 342

Südafrika South Afrika A camera on my Lap Impazamo Message from Mukalap Sudan Alfundug Virtual Voice

50 225 424 83 91

Südkorea South Korea Hwang Ryong San 80 Seeing in the Dark 78 Sorry, I’m an Actress 326 Wet Dream 325 When in Summer, I Forget About the Winter 198 Taiwan Grandma’s Scissors Tong Zhuang Xian Nu

117 177

Thailand Ashes Notes from the Periphery Seeing in the Dark Thousandth Birth Under Taboo

255 111 78 326 325

Tschechien Czech Republic Can You Still Feel the Butterflies ? Plody mraků Pole Žin Pračka Zuza v zahradách

101 202 403 390 163

Tunesien Tunisia OUAGA, capitale du cinéma Résonances d’un rêve Tahar Cheriaâ: À l’ombre du Baobab Türkei Turkey The Road Of…

237 236 238 412

Ukraine …The Winds Have Swept Us Off in All Directions… 388 A boy needs a father 206 A quiet day in Avdiivka 206 Animal farm 207 Around the corner 207 Bakhmut 207 Beauty standards 207 Black & White news 206 Can you live in fear 206 Class from the future 206 Comic Walls 207 Confession 206 Dance Dance Dance 206 Debt 207 End of the road 206 Ever 206 Far Away 207 Fifteen Hugs 206 Future for robots 207 Koksokhim 206 Life is dearer 207 Mangush 206 Mariupol Challenge 206 Masks of indifference 207 Meloncholy 206 Molodyozhnaya 206 Motherland 206 My Dream 207 On opposite sides 207 Passion 207 Scars of war 207 Slavic Heart 207 Solo Dance 206 Sounds of Avdiivka 206 Source of life 207 Spinning around 206 Strong family bond 206 Suicide is not a solution 206 The future is before me 207 The Grey Mass 207 The Old Bus 206 The Wind Probably 64 Tight Lines! 207 Torn Apart 207 What do you think? 206 What is a lie? 207 Wings of an Angel 207 You’re in my heart 206 Ungarn Hungary Abandoning The Testicles

462

291

Afta C’est combien le kilo? Dispenser of Delights Homo Domesticus In 2053 Maria Pickle Shapes Széphercegnő The Reconquest of Paradise USA () A Media Primer A Third Version of the Imaginary A weekend at the beach (Night Light TV) A Whisper in the Island of the Heart AI and I Another Movie Ashes Back Inside Herself Beautiful Birds Colors and Shapes Container Contaminate Me Count On Me Cycles Daughter Documentary Footage EcoTryst Encuentros (a Component of „On Art and Friendship“) Fallen Angels Farrucas Feast of Flower Find My Way Gardening Is Sexy Germany – A Family of the Industrial Ruhr Grandma’s Scissors I Will Marry You Imagine The Earth Is Your Lover Integration Report 1 Laika Let’s Sing Let’s Dance Long Legged Larry Menagerie Money Is The One True God My Blue Suit Neo Biedermeier Now Pretend On Venus Path of Totality Picture a Screen Picture and Sound Rushes Port Saïd, Santa Cruz, Sarmad Kashani Production Stills Projection Instructions Punctured Sky Recovery Saturday SheHaw Rope Tricks Some short scenes in the life of Radical Software Standard Gauge Struggle in New York sWAmP THE DRESS Thoughtless Tong Zhuang Xian Nu TV as a creative medium Un nudo vivo Vampire We Are Going Home When in Summer, I Forget About the Winter Who killed Heinrich Hertz? (Night Light TV) Without Your Interpretation Words, Planets Vereinigtes Königreich United Kingdom A Mark of Resistance A Room Without Doors or Windows Abrekum (Litany for the Complicit Sea) Aquateque Big Deal Brick Figures Catholic Guilt Chameleon

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225 419 70 160 197 225 305 305

Chasing a capsule 414 Ceci n‘est pas une fleur 416 Clouds 358 Cuerpos #1 Santa Águeda 436 Electra Rex 225 Focii 305 Folds 437 Home (Toro Y Moi Remix) 224 I Am Good at Karate 190 In the Footsteps of Li Yuan-Chia & Delia Derbyshire 437 In the Year of the Quiet Sun 245 Loss of Heat 306 Mad Bad Mortal Beings 323 Magpie 197 Me Myself & I 438 Miglasha Shohra 178 My Name is Nat Ćmiel 226 Notes from the Periphery 111 Oturacaqlar 390 PHX [X is for Xylonite] 438 Phytography 344 Red Sea 306 Soft Death 412 Street 66 245 The Cybergaze: On the digitisation of corporeality, space and feminist practices 414 The Darkness That You Fear 197 The End 357 The Rebirth of Sacred Cow Mixtape Trailer 438 The Shape of Things 414 To the Old World (Thank You for the Use of Your Body) 224 UNBURIED 436 Who’s Got the Bag 226 ZZZ 437 Vietnam Bóng Xà Bông

Notizen Notes

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