Pierre-Auguste Renoir, Lunch van het roeigezelschap, 1880-1881. Olieverf op doek, 129,9 cm x 172,7 cm. De Phillips-collectie, Washington, DC.
Het impressionisme in een notendop
Hoe is het impressionisme ontstaan? Zoals alles begon het met een idee! De kunstenaars in kwestie besloten de realiteit om hen heen op een heel eenvoudige manier te schilderen, waarbij ze de meer complexe en platgetreden historische en mythologische onderwerpen buiten beschouwing lieten, thema’s die vaak geassocieerd werden met een zeker streven naar perfectie in visuele en dus uitvoerende uitstraling. . Wat er nu toe deed, zoals de naam van de artistieke beweging die rond 1860 in Frankrijk ontstond, suggereerde, was de weergave van de indruk, of hoe een landschap, maar ook een object en een persoon, in een beperkte tijdspanne aan het oog verschenen. Om dit doel effectief te maken, veranderde de manier waarop kleur op de drager werd aangebracht drastisch: penseelstreken waren nu lichter, vrijer en de kleuren gedempter, voortgekomen uit de uitvoering uitsluitend en plein air. Uit observaties buitenshuis bleek duidelijk dat wat het oog waarnam inderdaad anders was dan wat de hersenen begrepen, zodat je door de optische effecten van het moment vast te leggen definitief afstand nam van geïdealiseerde vormen en perfecte symmetrie, waardoor je een stem gaf aan de wereld zoals die werkelijk wordt gezien. door onze blik. In feite werd ook het driedimensionale perspectief tot zwijgen gebracht, een technisch feit dat ertoe leidde dat het impressionisme ophield de belangrijkste elementen van een compositie te onderscheiden van die van mindere betekenis. Al deze kenmerken mondden uit in kritiek vanuit de toenmalige academische traditie, die echter niet langer de opmars van de moderne kunst en de hele filosofie die met de avant-garde geassocieerd werd, kon tegenhouden.
Édouard Manet, Lunch op het gras, 1863. Olieverf op doek, 208×264 cm. Musée d'Orsay, Parijs.
Édouard Manet: Lunch op het gras (1863)
Het werk van Édouard Manet, een Franse schilder die de kloof tussen realisme en impressionisme overbrugde, werd zwaar bekritiseerd door zijn hedendaagse publiek, dat behoorlijk gedesoriënteerd was toen hij een glimp van het echte leven op het doek zag gerealiseerd, waarin soms zelfs mensen op de achtergrond De marges van de samenleving kregen vorm en werden op dezelfde manier behandeld als personages uit meer traditionele historische en mythologische werken. Aan het bovenstaande werd het wantrouwen toegevoegd dat gereserveerd was voor zijn eigenaardige stijl, die, anticiperend op het impressionisme, zowel clair-obscur als schaduwen ontbeerde, omdat er kleurvlakken naast elkaar werden geplaatst die, alleen wanneer ze vanaf de juiste afstand werden bekeken, de vormen genereerden die de kunstenaar voor ogen had. Om het ten slotte te hebben over de meester die door velen wordt erkend als de vader van het impressionisme, heb ik ervoor gekozen om Luncheon on the Grass te beschrijven, een meesterwerk uit 1863, dat het publiek van de Salon des Refusés diep verontwaardigde, omdat het niet alleen een zittende naakte vrouw, geflankeerd door door twee geklede mannen, maar ook een samenvattende schildertechniek, met betrekking tot de beschrijving van vormen en achtergronden. Bovendien werd de diepte van de ruimte op innovatieve wijze weergegeven zonder toevlucht te nemen tot traditioneel perspectief, maar door middel van suggesties bestaande uit naast elkaar geplaatste vlekken van verschillende kleuren. Het is precies wat in dit werk wordt weergegeven dat de weg zou vrijmaken voor wat we in deze top 10 zullen zien: de belangrijkste meesterwerken van het impressionisme!
Claude Monet, Impressie, Zonsopgang, 1874. Olieverf op doek, 48 cm x 63 cm. Musée Marmottan Monet, Parijs.
Claude Monet: Impressie, zonsopgang (1874)
Hier is nog een meesterwerk dat niet alleen schilderkunst is, maar ook een tastbare geschiedenis van de impressionistische beweging, aangezien Impression, Sunrise in 1874 werd tentoongesteld in het voormalige atelier van de fotograaf Nadar, wat met zijn titel de naam van de hele artistieke beweging suggereert. Het schilderij in kwestie, en plein air gemaakt om vast te leggen wat de meester zag vanuit het raam van zijn hotelkamer in Le Havre, reproduceert het ochtendgezicht van de haven, met de zee waar enkele boten doorheen varen en de horizon die het industriële leven van de haven laat zien. stedelijke context. Wat wordt beschreven heeft al alle kenmerken die het meer volwassen impressionisme dierbaar zijn, zozeer zelfs dat het beeld wordt weergegeven door naast elkaar geplaatste, snelle en vrije penseelstreken, klaar om alle elementen van de compositie vorm te geven. In feite kunnen we alleen door het geheel te observeren de aard van de vereeuwigde onderwerpen volledig begrijpen, die, als ze één voor één worden bekeken, bijna hun identiteit verliezen. Hierdoor begrijpen we de werkelijke bedoelingen van de kunstenaar, die niet langer waren om een naturalistische scène te creëren, maar om deze op te roepen door middel van omgevingssuggesties. Ten slotte is het goed om een geheim te onthullen, dat wil zeggen: wat heeft Monet praktisch in staat gesteld het bovengenoemde meesterwerk uit te voeren? Het is dus noodzakelijk om te onthullen hoe de praktijk van het buitenschilderen, typisch impressionistisch, mogelijk werd gemaakt door de uitvinding in 1841 van John Rand, die metalen buizen maakte om olieverf te conserveren, die vanaf dat moment gemakkelijk overal naartoe kon worden vervoerd!
Edgar Degas, De dansles, 1873-1876. Olieverf op doek, 83,5 bij 77,2 centimeter. Metropolitan Museum of Art, New York City.
Edgar Degas: De dansles (1873-1876)
Voordat we dit meesterwerk bespreken, is het belangrijk om de identiteit te verduidelijken van de schilder die, aanvankelijk dichter bij het realisme, vanaf de jaren 1870 de onderwerpen van het moderne leven in het impressionisme benaderde, ondanks dat hij altijd wegbleef van en plein air-schilderkunst en de eliminatie van contouren. lijnen. Nu we duidelijk hebben gemaakt wat de Franse meester tot een atypische impressionist maakt, kunnen we verder gaan met de beschrijving van een van zijn beroemdste doeken: The Dance Class. Hoewel het in de studio is gemaakt, lijkt het alsof het in één keer is gemaakt om de dansfoyer van de Parijse Opéra te vereeuwigen, waar de kunstenaar toegang kon krijgen op voorspraak van zijn vriend, de orkestdirigent. Vanaf deze bevoorrechte plek veroverde de schilder een jonge ballerina die passen oefende onder het toeziend oog van de beroemde choreograaf Jules Perrot. De andere meisjes in tutu's maken van de pauze gebruik om uit te rusten, misschien even rustig te kletsen en hun kleding aan te passen. Alles lijkt buitengewoon spontaan en natuurlijk omdat Degas een nieuwe betekenis toekent aan het dagelijks leven, en het soms reproduceert met een bijna obsessieve aandacht, altijd klaar om houdingen en gedragingen te synthetiseren op de meest authentieke manier om in situaties te zijn.
Pierre-Auguste Renoir, Lunch van het roeigezelschap, 1880-1881. Olieverf op doek, 129,9 cm x 172,7 cm. De Phillips-collectie, Washington, DC.
Pierre-Auguste Renoir: Lunch van het roeigezelschap (1880-1881)
Net als Monet is Renoir een echte impressionist, de auteur van een van de beroemdste meesterwerken van de artistieke beweging die ons interesseert, namelijk: Luncheon of the Boating Party, een doek uit circa 1880 waarop hij vrienden en kennissen afbeeldt die vakkundig geregisseerd zijn, bijna alsof je op een filmset staat. Dit alles vormt een scène waarin roeiers en andere figuren zich onder een luifel verzamelen rond een tafel, waarop wordt gesuggereerd dat er zojuist een maaltijd is genuttigd. De proefpersonen denken nu aan praten, genieten van de sfeer van een warme middag op de Seine, een rivier die, zoals linksboven te zien, zich letterlijk een weg baant tussen de planten, doorkruist door enkele boten. Wat echter het meest naar voren komt, omdat ze op de voorgrond staan, zijn een meisje dat speelt met een hondje, geobserveerd door een roeier, en een andere roeier die links tegen de balustrade rust. Daarnaast zitten er, altijd dicht bij de kijker, ook twee jonge mensen aan tafel, die met hun rug naar de luidruchtigere figuren op de achtergrond staan. Opnieuw bestaat de textuur van het schilderij uit brede materiële penseelstreken, klaar om de contouren van de vormen te vervagen, waarvan de details worden aangegeven maar niet beschreven.
Edgar Degas, L'Absint, 1875-1876. Olieverf op doek, 92×68 cm. Musée d'Orsay, Parijs.
Edgar Degas: L'Absint (1875-1876)
Hier is Degas, ja, hij weer! Het was immers onmogelijk om zijn Absintdrinkers niet in de ranglijst op te nemen, een werk dat niet alleen een trieste realiteit van die tijd documenteerde, maar ook geïnspireerd was door de roman "L'Assommoir" van Émile Zola, waarvan de schilder enkele voorbeelden zag. . In feite bekende de schrijver aan de kunstenaar hoe hij had gesproken over de gedegradeerde toestand waarin het Parijse proletariaat leefde, goed gepersonifieerd in het meesterwerk door twee vrienden van Degas. Toen het schilderij eenmaal voltooid was, klaagden deze twee personen echter over hoe het hun reputatie zou kunnen schaden, dus besloot de schilder publiekelijk te verklaren dat de twee figuren niet echt alcoholisten waren. In het werk zitten de twee opdrachtgevers echter aan cafétafels, waarop alcoholische dranken worden geplaatst, ook al lijken de afgebeelde personen ze daar bijna te laten staan, misschien omdat ze, al dronken, in beslag lijken te worden genomen door diepere gedachten, die hun blikken rechtstreeks in de leegte. Wat dacht je van een cocktail vanavond?
Claude Monet, Waterlelievijver, Pink Harmony, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Musée d'Orsay, Parigi.
Claude Monet: Waterlelievijver, Roze Harmonie (1900)
Het was onmogelijk om niet opnieuw te verwijzen naar de meest populaire impressionist, ongetwijfeld Claude Monet, de auteur van de beroemde Water Lily Pond, Pink Harmony, uit 1900. In dit werk verschijnt de imposante figuur van een boogbrug voor de kijker, klaar om een vijver met waterlelies over te steken. Het hele tafereel wordt verlicht door de zonnestralen die zorgvuldig elk blad doordringen, terwijl de bloemen hun overheersende kleur onthullen: roze! Op de voorgrond vinden we de kust, gekenmerkt door de aanwezigheid van dichte en hoge vegetatie, die op sommige plaatsen overgaat in de hangende bladeren van de wilgen. Opnieuw spreekt het over het licht dat er doorheen filtert, waardoor schaduwgebieden en lichtgebieden ontstaan, klaar om een rijke afwisseling van tinten te creëren die zich uitstrekken over het water en de oevers. Waar is het onderwerp van Monets landschap? In Giverny, in de residentie van de kunstenaar, waar hij persoonlijk zorgde voor de verschillende planten in de tuin, die hij wilde omvormen tot een groen theater, altijd klaar om het onderwerp van zijn kunst te worden, waar hij ook de bovengenoemde Japanse -stijl brug gebouwd.
Gustave Caillebotte, Parijse straat; Regenachtige dag, 1877. Olieverf op doek, 212,2 cm x 276,2 cm. Het kunstinstituut van Chicago, VS.
Gustave Caillebotte: Parijse straat; Regenachtige dag (1877)
De Parijse straat van Gustave Caillebotte; Rainy Day vertelt en documenteert de herstructurering van de Franse hoofdstad, die plaatsvond aan het einde van de 19e eeuw volgens het project van Georges-Eugène Haussmann, klaar om zich te manifesteren in de afbeelding van een groot kruispunt nabij het station Saint-Lazare, die een ouder heuvelachtig gebied verving met smalle, kronkelende straatjes en vervallen gebouwen. Dit nieuwe gezicht van Parijs wordt doorkruist door de hoofdpersonen van het werk: een paar voorbijgangers die arm in arm lopen, onder een paraplu schuilen voor de regen en hun pad kruisen met een andere voorbijganger, die een plekje vindt naast de gevel van een gebouw aan de het recht. Aan de linkerkant lopen andere mensen, ook uitgerust met parasols, en ontwijken geleidelijk enkele rijtuigen, die hun reden vinden om zich onder de aanwezigheid van grote gebouwen te bevinden, waarschijnlijk klaar om te worden weerspiegeld in de vele reflecties die worden gecreëerd door de natte stenen blokken. Zeker, deze laatste nemen de kleur aan van de bewolkte lucht, waarvan de horizon wordt gedomineerd door de aanwezigheid van een groter hoekgebouw, dat geïsoleerd lijkt in het midden van het tafereel. Tenslotte is zeker het vermelden waard nog een andere, maar stille hoofdpersoon van het schilderij: ik heb het over de groene lantaarnpaal die stil achter de figuren van de twee hoofdpersonen staat.
Mary Cassatt, The Boating Party, 1893. Olieverf op doek, 90 cm x 117,3 cm. Nationale Kunstgalerie, Washington, DC.
Mary Cassatt: Het varende gezelschap (1893)
Kunnen we over het impressionisme praten zonder de meest illustere vrouwen te vieren? Ik zou zeggen absoluut niet, dus haast ik me om Mary Cassatt te noemen, een Amerikaanse schilder en graficus geboren in 1844, de auteur van The Boating Party. Dit meesterwerk, gemaakt in Antibes (Franse Rivièra, Frankrijk), toont een vrouw, een kind en een man op een zeilboot zonder mast maar met een kano-achtige romp en drie zitplaatsen, een omgeving weergegeven met gebruik van gele kleur, die opvalt tegen het donkerdere en bredere blauw van de zee. In feite gebruikt Cassatt zowel gedurfde als meer schaduwrijke kleuren om contrasten te genereren, die hun hoogtepunt bereiken in de vergelijking tussen de levendige boot en de blauwe figuur van de roeier. Ondanks de kleurbehandeling, die erop gericht is om in de gebruikelijke stijl van de kunstenaar te passen, verschilt het thema van het werk, dat weliswaar het bekende thema van moeder en kind omvat, maar ook, in de ongewone ruimte van de boot, de mannelijke figuur, vaak over het hoofd gezien door de schilder. De rollen binnen het meesterwerk lijken in ieder geval stevig verankerd, zozeer zelfs dat de man zich uitsluitend op het werk (nu roeien) concentreert, en de vrouw voortdurend over het kind waakt. Deze interpretatie volgt het idee om de roeispaan te zien als een scheidslijn tussen de mannelijke en vrouwelijke wereld, waarvan de tweede door de kunstenaar onlosmakelijk wordt geassocieerd met natuur, creativiteit en vernieuwing, gebieden waarin het belang van de rol van de moeder in de samenleving centraal staat. staat buiten kijf.
Berthe Morisot, De wieg, 1872. Olieverf op doek, 56 cm x 46 cm. Musée d'Orsay, Parijs.
Berthe Morisot: De wieg (1872)
Berthe Morisot was een Franse impressionistische schilder, bekend als een van de grondleggers van de beweging, evenals de maker van meerdere meesterwerken in de kunstgeschiedenis, zoals The Cradle. Dit schilderij, gedateerd 1872 en tentoongesteld op de eerste impressionistische tentoonstelling die twee jaar later werd gehouden, toont een jonge vrouw in profiel, zittend naast een wieg waarin een baby slaapt. De moeder is niet zomaar een model, maar een van de twee zussen van de kunstenaar, Edma, vereeuwigd met Berthe's nichtje, de kleine Blanche. Dit dubbelportret is gemaakt om bewust aandacht te besteden aan het thema moederschap, een van de favoriete onderwerpen van de schilder, die graag intieme scènes uitbeeldde die altijd de bestaande liefdesband onthulden, vooral tussen moeders en dochters. Om deze eeuwige verbinding expliciet te maken zijn ook de kleine details in de compositie, zoals de gezichten van de twee hoofdrolspelers, verbonden door een compositorische diagonaal, evenals het gebaar van de moeder om de kleine te beschermen, zowel met haar blik als met een sluier. , en ten slotte het feit dat beide proefpersonen hun armen gebogen hebben.
Claude Monet: Vrouw met parasol - Madame Monet en haar zoon, 1875. Olieverfdoek, 100 cm x 81 cm. Nationale Kunstgalerie, Washington, DC.
Claude Monet: Vrouw met parasol - Madame Monet en haar zoon (1875)
Help, ik kan niet stoppen met het ter sprake brengen van Monet, maar nogmaals, zou je niet overdreven over hem durven praten terwijl je de beroemdste meesterwerken van het impressionisme bespreekt? Persoonlijk heb ik besloten mijn ranglijst af te sluiten met een van de bekendste schilderijen van de beroemdste impressionisten: Vrouw met parasol - Madame Monet en haar zoon (1875)! Dit werk, samen met zijn "tegenhanger" Vrouw met parasol - Madame Monet en haar zoon, wordt bewaard in het Musée d'Orsay en valt op door het thema dat het onderzoekt. In feite stond de Franse schilder vrij bekend om zijn landschappen, die zeker meer in de smaak vielen dan de verheerlijking van de menselijke figuur, die in dit geval de vorm aanneemt van Suzanne Hoschedé, de vrouw van de Amerikaanse impressionistische schilder Theodore Earl Butler. De belangstelling voor dit specifieke onderwerp ontstond in een specifieke context: de meester observeerde Suzanne terwijl ze een heuvel op Île aux Orties beklom, een plaats en situatie waar interessante lichtspelingen op de jurk van het meisje werden gereproduceerd. Uit dit visioen ontstond een schilderij met een figuur in de typische burgerlijke kleding van die tijd, die met een parasol schaduw van de zon zoekt terwijl hij ondergedompeld is in een landelijk landschap waarin de natuur er weelderig uitziet. Ten slotte maakt de kunstenaar het des te specialer door het een bijzondere monumentaliteit te geven, bereikt door een laag perspectief, klaar om het beeld van Hoschedé naar een hoger niveau te tillen, wiens gezicht, alleen 'omlijnd', in de schaduw ligt, net zoals het grootste deel van haar lichaam is vastgelegd. van achteren.
Olimpia Gaia Martinelli